Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2016-01-14T18:23:38Z No. of bitstreams: 1 pamellaterezinhasouzadeoliveiracostaalmeida.pdf: 1064853 bytes, checksum: 1412fcd781eab925d67661f7465e04df (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-01-25T17:38:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 pamellaterezinhasouzadeoliveiracostaalmeida.pdf: 1064853 bytes, checksum: 1412fcd781eab925d67661f7465e04df (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-25T17:38:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 pamellaterezinhasouzadeoliveiracostaalmeida.pdf: 1064853 bytes, checksum: 1412fcd781eab925d67661f7465e04df (MD5) Previous issue date: 2015-08-31 / FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais / O presente trabalho analisa a trajetória do conceito de Autoficção, cunhado por Serge Doubrovsky, e como ele tem sido assumido como uma palavra-valise, principalmente na literatura brasileira contemporânea. Temos como objetivo refletir acerca da utilização do termo na imprensa para designar todo tipo de texto em que o autor e personagem possam ser, ainda que minimamente, confundidos e como isso dialoga com o fenômeno do retorno do autor à cena literária, após Roland Barthes o ter decretado morto em1968. Nossa hipótese é de que o termo, por ser muito abrangente, acaba por definir muitos gêneros experimentais, o que acaba por não definir de fato e essa presença do autor, que agora se dá de uma outra maneira, acaba por corroborar para que essa definição não seja bem sucedida quando comparada ao termo francês. No Brasil, dentre inúmeras obras que poderiam servir de mote, selecionamos dois: A chave de Casa, de Tatiana Salem Levy (2010) e O Diário da queda, de Michel Laub (2011); sem pretender chegar a uma decisão categórica, mas buscando, principalmente, analisar quais são os motivos que levam críticos e mídia a considerá-los como autoficção. Para isso, em primeiro lugar, como se dá essa volta do autor para a cena literária, como ele acaba por se travestir de personagem e qual é a intenção disso; em segundo analisamos a discussão acerca do conceito de autoficção, principalmente, na França; para, finalmente, analisarmos como essa teoria se dá nas obras literárias contemporâneas no Brasil. Para desenvolver essa pesquisa, utiliza-mo-nos de autores que dialogam com as teorias citadas, entre eles: Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky, Roland Barthes, Michel Foucault, Vincent Colonna, Diana Klinger, Paul De Man, Luiz Costa Lima, Sylvia Molloy, Andreas Huyssen, Friedrich Nietzsche, etc., além de textos de jornais e blogs. / The current paper aims to analyzing the course of the autofiction concept, coined by Serge Doubrovski, and how it has been taken as a portmanteau, especially in contemporary Brazilian literature. Our goal is to reflect upon the use of the term in press to designate any kind of text in which the author and the character could be, even if minimally, mistaken for each other and how it relates with the return of the author to the literary scene phenomenon, after Roland Barthes declaring him dead in 1968. Our theory is that the term, due to its broadening, ends up defining many experimental genres, which does not define in fact the presence of the author, now given in a different fashion, comes to corroborate so this definition is not as succeeded when compared to the French term. In Brazil, among countless works that could be a motto, we have chosen two: A chave de Casa, by Tatiana Salem Levy (2010) and O Diário da queda, by Michel Laub (2011); not aiming to achieve an unequivocal decision, but looking forward, mainly, to analyze which are the reasons why critics and media consider them autofiction. For doing so, firstly, how the author turns him/herself towards the literary scene, how s/he ends up travestying as a character and what is the intention in it; secondly we analyze the discussion regarding the concepts of autofiction, specially, in France; for then, finally, analyze how this theory happens I contemporary Brazilian literary works. In order to develop this research, we made use of authors who dialogue the aforementioned theories, namely: Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky, Roland Barthes, Michel Foucault, Vincent Colonna, Diana Klinger, Paul De Man, Luiz Costa Lima, Sylvia Molloy, Andreas Huyssen, Friedrich Nietzsche, and etc., besides newspaper articles and blogs.

Certains auteurs éprouvent la nécessité de se déplacer pour écrire : partir, sortir, se mettre en mouvement. Comment penser ce déplacement comme un processus de création et comment celui-ci façonne-t-il l’écriture ? La question est à l’origine de cette thèse de recherche-création qui explore une poïétique du déplacement depuis un régime d’investigation à la fois créatif et théorique. Cette double investigation fait l’objet d’une approche heuristique commentée dans une partie centrale, qui interroge le processus de création et l’articulation des deux volets et en constitue l’espace réflexif. Ainsi le déplacement met en jeu à la fois un contact avec le monde et un mouvement comme principe créateur, une cinéplastique. Il confronte l’écrivain et la littérature à une altérité, en activant une dimension expérimentale inséparable de la notion. La question initiale est ainsi mise en pratique dans le volet créatif à travers un dispositif de création en déplacement, une marche, qui devient l’articulation principale du récit Vers les terres vagues. Ce voyage, qui est à la fois une rêverie, un parcours et une enquête, conduit le lecteur vers un alter-lieu où s’expérimentent des déplacements de sens. Le volet théorique cible quant à lui des textes contemporains en les resituant dans l’histoire du récit de voyage comme genre littéraire, puis en façonnant la taxinomie “récit de déplacement”. Trois types de déplacements organisent les chapitres : le voyage, comme saut vers l’inconnu ; la déambulation, comme réappropriation d’un espace public ; le parcours, comme délimitation d’un dispositif de création in situ. La littérature convoque ici d’autres arts afin de saisir la dimension contextuelle d’une praxis en déplacement. Les questions d’écriture qui se manifestent dans le volet créatif viennent croiser ces axes de recherche en de nombreux points, révélant surtout une esthétique de l’hybride et une dimension pluridisciplinaire. Elles soulignent in fine un réengagement du littéraire dans le monde et une implication, dans un environnement géographique et socio-politique, que nous qualifions de poéthique. / Some authors feel the need to travel in order to write: leaving, getting out, putting oneself in motion. How can one analyze this movement as a creative process, and how can this movement shape literary writing? This question introduces our research-creation thesis which focuses on a “poïetic of travelling” from two investigative dimensions, one creative and one academic. A central part of this work exposes this dual research through a heuristic approach. It constitutes a reflective space in which the creative process and the articulation of the two dimensions are questioned. Thus, movement implies both a contact with the world and a creative kinetic principle. It confronts the writer and the literature with an otherness, by activating an inherent experimental dimension. The original question is thus practiced, into the creative part of this work through a generative writing process based on a walking journey. This journey becomes the main focus of the narrative Towards the vacant lands, which is altogether a daydreaming, an itinerary and an investigation, that brings the reader to a place where shifts of meaning are experienced, and constitute other displacements. The academic part of this study places contemporary literary texts it the history of travel narrative as a literary genre, and then develops the new term of “writing on the move”. Three types of movements organize the chapters: a travelling, as a jump into the unknown; a wandering, as a reappropriation of a public space; and an itinerary, designing an in situ generative creation process. Literature here calls for other artistic practices in order to understand the contextual dimension of an “on the move” praxis. The questions raised by the practice of writing, in the creative part, interact with these research issues in many ways. They mostly reveal an aesthetism of hybridity and a multidisciplinary dimension, and finally point out a commitment of literature into the world, into a geographical and socio-political environment, through a poethical orientation.

Orientador: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Resumo: Este trabalho tem como proposta o estudo de três obras do escritor português António Lobo Antunes: O conhecimento do inferno (1980), O esplendor de Portugal (1997) e O Meu nome é Legião (2007). No conjunto destes romances, destaca-se a relação entre Portugal e África, desde o período imediatamente posterior ao fim da Guerra Colonial aos dias atuais. A condição das personagens, respectivamente, um médico dividido entre o “inferno” da guerra e do hospital psiquiátrico, uma família dilacerada pelos conflitos em solo africano, nos anos da guerra civil em Angola e moradores dos bairros de lata da atual periferia de Lisboa, possibilita uma leitura diacrônica da marginalidade e do abandono que atingem, contemporaneamente, e de diferentes formas, os herdeiros da problemática relação entre metrópole e colônia, reduzidos à condição de “vagabundos”, outsiders ou outras figuras marginais. No estudo da reiteração e da maneira como são construídas estas personagens, dos discursos produzidos por elas e sobre elas e das situações de extrema violência que as mesmas vivenciam, busca-se deslindar os pontos de conexão entre os três romances e analisar o desenvolvimento e consolidação da escrita antuniana, as recorrências e os desdobramentos temáticos, bem como a maturação de suas estratégias narrativas e discursivas. Constituem eixos da presente análise, a relação entre os conceitos de personagem e pessoa; a historicidade da produção ficcional do autor, que apresenta hoje um contundente retrato ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work intends to study three novels by the Portuguese writer António Lobo Antunes: Conhecimento do inferno (1980), O esplendor de Portugal (1997) and O Meu nome é legião (2007). In all these novels, the relationship between Portugal and Africa stands out, from the period immediately after the end of the Colonial War to the present day. The condition of the characters, respectively, a physician divided between the "hell" of the war and the psychiatric hospital, a family torn apart by African conflicts in the years of the civil war in Angola and residents of the slums of the present periphery of Lisbon, makes possible a diachronic reading of the marginality and abandonment that, at the same time and in different ways, reaches the heirs of the problematic relation between metropolis and colony, reduced to the condition of tramps, outsiders or other marginal figures. In the study of the reiteracy and the manners in which these characters are constructed, of the discourses produced by them and about them and the situations of extreme violence that they experience, the goal is to revel the connection points between the three novels and the analysis of the development and consolidation of António Lobo Antunes writing, recurrences and thematic developments, as well as the maturation of his narrative and discursive strategies. The axes of this analysis are: a) The relationship between the concepts of character and person; b) the historicity of their fictional production, which tod... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Mémoire en recherche / Cette étude s’intéresse à l‘impact de l’adaptation cinématographique et à l’évolution du récit écrit par Marguerite Yourcenar, Le Coup de grâce, publié en mai 1939, au sujet de trois jeunes êtres qui se ressemblent et qui s’aiment dans un triangle relationnel compliqué dans le cadre de la guerre civile balte au lendemain de la fin de la Première Guerre mondiale. La présente étude se centre sur l’évolution des dimensions de la représentation du système des personnages, de l’éros, des genres (la masculinité dont les frontières évoluent dans le temps et l’espace) et de la guerre (une force thanatique) lors de l’adaptation cinématographique faite par Volker Schlöndorff en 1976, bref à l’impact du nouveau média sur l’histoire originale et les aspects initiaux imaginés par Marguerite Yourcenar en 1938 dans son roman Le Coup de grâce, où les mythes gréco-romains étaient une constante dans ses motifs d’inspiration pendant cette période des années 1930, où ces écrits réfutaient les pressions rigoristes qui perduraient dans cette décennie. Éric, le narrateur homodiégétique du roman était à la recherche d’une certaine liberté sexuelle et il faisait son récit un peu sur le ton de la confession intimiste, tel un journal de guerre. Rémy Poignault considère Le Coup de grâce comme une réécriture moderne, un palimpseste donc de « Patrocle ou le destin » de Feux avec des personnages appartenant à l’époque moderne. Le passage au film en 1976 déplace l’accent mis sur Éric dans le roman vers la dualité entre lui et Sophie dans le récit filmé, où les personnages perdent de leur profondeur, réduisant Éric à un être insensible, et ce, en limitant les scènes de camaraderie militaire avec Conrad. L’absence de prologue dans le film ne permet pas non plus d’évoquer les souvenirs heureux vécus à Kratovicé. Dans le film, la grande histoire prend le pas sur la petite histoire contrairement à ce qu’entendait Marguerite Yourcenar qui mettait l’accent sur le drame humain dans la préface de son roman. Le film priorise plutôt l’affirmation 5 d’une femme par rapport à son milieu dans la lignée d’autres films de Volker Schlöndorff comme L’honneur perdu de Katharina Blum. Le film est en somme un film féministe à l’image de Margarethe von Trotta qui était un des chantres du féminisme dans les années 1970 et qui collabora au scénario dudit film. Il s’agit donc d’une adaptation libre avec certains retranchements ou modifications par rapport à l’oeuvre originale. En enlevant de nombreuses scènes de camaraderie militaire entre les deux principaux personnages, le mythe grec ancien d’Achille et Patrocle présent en filigrane dans le roman est évacué dans le film. Tant le roman que le film se sont inspirés d’un certain académisme qui engendra une atmosphère limitant les émotions des personnages. / That research concerns the analysis of the evolution of the written narrative of Marguerite Yourcenar about three young characters who look like each other and who loves each other in relational triangle within the background context of the Baltic Civil War just after The First World War of 1914-18 and in its adaptation in film by Volker Schlöndorff in 1976. This study concentrates about representation of character’s system, dynamic of eros, represensation of gender for instance the masculinity and the war during the adaptation for the cinema by Volker Schlöndorff. Briefly, to the impact of the new media on the original themes which were developed in the original novel of Marguerite Yourcenar in 1939, Le Coup de grâce. Our study presents itself in a chronological order for making some conclusions about representations of the themes of desire and death, gender and war in the time from the story written 1939 and the film in 1976 We can conclude after analysis of both media for the narrative that Mythical figures as Thanatos and Eros present in this novel received a different treatment in the film adaptation where the emphasis moved to the dualistic relation between Eric and the women Sophie. The movie has become a feministic which puts emphasis on a woman against her social middle and diminish the impact of the mythical military friendship related to the mythic military myth of Achille and Patrocle which was underlined but present in the novel with the death of one main characters on the battlefied of the story. In taking off most of the scenes of military friendship between the two men charaters, the mythical part of the novel, is evacuated. The film adaptation is a free adaptation according to the classification of adaptation film of Esther Pelletier with retranchments and changes from the novel.

I begin this thesis with a discussion of Neil Gaiman’s career and my interaction with his first novel, Neverwhere. I define time in the novel as the succession and interrelatedness of events and divide this definition into two perceptions: immediacy and graduality. I apply the former to the novel’s separate worlds, which are called London Above and London Below. London Above, in the perception of Richard Mayhew, the main character, favors immediacy and rejects graduality. Though his perception is incomplete, the nature of London Above makes him unsuitable for life there. London Below, on the other hand, exhibits both perceptions. Graduality’s influence on the two worlds shows a departure from Western conceptions of time that makes London Above and London Below a symbiotic that cannot be unified. This symbiosis can be allegorized as the hermeneutical gap. After examining similar concepts in Gaiman’s Stardust and American Gods, I conclude that Gaiman’s writing states that the permanently separated hermeneutical gap allows humanity to reflect upon itself.

Le présent mémoire part du constat qu’une thématisation redondante des motifs de l’excès et de la saturation constitue l’un des traits caractéristiques de la dramaturgie québécoise contemporaine. Si ces motifs figurent dans de nombreux textes, ils se déploient de manière singulière et originale dans plusieurs d’entre eux. Notre étude le démontre en prenant pour corpus trois pièces phares issues du théâtre québécois des cinq dernières années, Faire des enfants d’Éric Noël, Ainsi parlait d’Étienne Lepage et Nous voir nous de Guillaume Corbeil. Notre analyse sociocritique permet de mettre en exergue le fait que ces œuvres mobilisent, intègrent et transforment des sociolectes, des fragments discursifs, des programmes idéologiques, des manières de parler ou de penser qui essaiment dans le discours social contemporain. Par le travail qu’elles exercent sur ce déjà-là, chacune d’elles propose un regard critique inédit sur le vivre-ensemble et sur la manière d’être au monde à l’ère actuelle. Quelque différentes qu’elles soient dans leur procès esthétique, une lecture comparative conduit néanmoins à dégager qu’elles élaborent toutes trois une représentation oxymorique de l’individu, qui balance sans cesse entre le trop plein et le manque. / This present master’s dissertation is based on the fact that excess and saturation are some of the recurring themes of Quebec’s contemporary drama. If these themes are present in a lot of plays, they extend uncannily in a unique way in some of them. This particularity is revealed by the analysis of three important and recent Quebec plays, which are Faire des enfants by Éric Noël, Ainsi parlait by Étienne Lepage and Nous voir nous by Guillaume Corbeil. Our sociocritic study of these plays allows to point out the fact that they mobilize, take over and transform different sociolects, discursive fragments, ideological programs, languages and ways of talking or thinking that are swarming in the contemporary social discourse. By the work they do on the “already there”, each of the plays offers a critical and original glance on the present living together. As different as their critical process may be, a comparative study of these texts however leads to show that they converge in an oxymoronic representation of the modern individual, always ambivalent between overfill and lack.

Très peu d’études ont été consacrées à l’œuvre de la romancière française Lydie Salvayre, dont le premier roman a paru en 1990. Il me semble pertinent de me pencher plus sérieusement sur son travail, qui manifeste une véritable exigence d’écriture. Un trait de l’œuvre de Salvayre m’intéresse plus spécifiquement : son rapport à l’héritage. J’envisage ce rapport à la fois dans la thématique, dans l’écriture et dans la forme de deux de ses romans, soient La Puissance des mouches (1995) et La Méthode Mila (2005). Dans chacun de ces deux romans, le narrateur a un rapport trouble à la fois avec son héritage familial et avec son héritage culturel, plus spécialement celui de la philosophie et de la satire classiques. Tiraillé entre le monde du quotidien (trivial) et le monde des idées (sublime), le personnage cherche une issue : il cherche comment vivre. Dans La Puissance des mouches, le narrateur voue une haine à son père et avoue un amour pour Pascal. Dans La Méthode Mila, il est déchiré entre sa mère sénile dont il a la charge et Descartes dont il est obsédé. J’étudierai comment se vit cette déchirure et comment le texte la travaille. La façon dont l’auteure met l’héritage en éclats — elle pastiche, bouscule, malmène, détourne les classiques — n’a rien du respect servile. Cette manière d’hériter, de rompre avec l’évidence d’une continuité avec le passé, pose une question essentielle : comment hériter aujourd’hui, et pourquoi ? / Few studies have examined the work of the French novelist Lydie Salvayre, whose first novel was published in 1990. It seems appropriate to look more seriously into her work, which shows a genuine demand of writing. One part of the work of Salvayre interests me more specifically: its relation to inheritance. I consider this relation in the themes, the writing and the form of her novels La Puissance des mouches (1995) and La Méthode Mila (2005). In each of these two novels, the narrator has a troubled relationship with both his family heritage and his cultural heritage, especially that of philosophy and classical satire. Torn between the everyday world (trivial) and the world of ideas (sublime), the character is looking for a way out: he wonders how to live. In La Puissance des mouches, the narrator is possessed with hatred for his father and confesses love for Pascal. In La Méthode Mila, he is torn between a senile mother at his charge and an obsession for Descartes. I will study how this breach is lived and how the text labors it. The way the author highlights the concept of legacy—it pastiche, shakes, bullies, away classics—leaves no amount of servile compliance. This way to inherit, to break with the evidence of continuity with the past, poses a fundamental question: how does one inherit today, and why?

Ce mémoire porte sur la poétique du fragmentaire dans trois ouvrages de Pierre Michon, soit "Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" et "Corps du roi". Plus qu’une préoccupation d’ordre formel, le fragmentaire y apparaît avant tout comme un champ de tensions, qui se manifeste à la fois sur le plan narratif, discursif et énonciatif. Une approche essentiellement poétique, à la jonction de la linguistique, de la rhétorique et de la narratologie, permet de réfléchir au fragmentaire dans ses effets, mais aussi dans ses affects. La recherche s’articule autour de trois grands axes : la généricité, la discontinuité et la représentation. Dans un premier temps, le fragmentaire est abordé par le prisme de la généricité, qui se traduit, dans l’œuvre de Michon, par une oscillation constante entre le biographique et le romanesque. La tension entre continuité et discontinuité est ensuite étudiée : marquée par les répétitions et variations, elle se manifeste à la fois sur le plan formel (le recueil) et stylistique (la syntaxe, les figures de style). Cette tension est également à comprendre sur le plan temporel, par une prédilection pour l’instant plutôt que pour la durée. Finalement, ce mémoire interroge la répercussion du fragmentaire sur la notion de représentation, qui subit alors un infléchissement : le récit n’est plus envisagé comme représentation, mais comme figuration, cette notion étant à comprendre à la fois comme posture énonciative et dans son rapport à l’image. La figuration est étudiée à partir des scènes romanesques essaimées dans les récits du corpus. / This thesis focuses on the poetics of the fragmentary in the work of Pierre Michon ("Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" and "Corps du roi"). More than a concern of a formal nature, the fragmentariness is first and foremost an area of tensions, revealed through narrative, discursive and enunciative schemes. A poetic approach, at the junction of linguistic, rhetoric and narratology, enables to reflect on the fragmentariness in its effects, but also in its affects. The research is structured around three axes : genericity, discontinuity and representation. The fragmentariness is first discussed through the lens of the genericity which, in the work of Michon, constantly oscillate between the biographical and the novelistic. The tension between continuity and discontinuity is then studied. Marked by repetitions and variations, this tension presents itself in the formal and stylistic forms. It is also to be understood on a temporal level, with a preference for instantaneity rather than for continuity. Finally, this thesis questions the impact of the fragmentariness on the notion of representation, which undergoes a reorientation : the story is no longer considered as a representation, but as a figuration, which is to be understood both as an enunciative position and in its relation to image. The figuration will be studied from the scenes punctuating Michon’s work.

Dans cette thèse, qui interroge la mise en écriture de l’enfance dans le roman contemporain de Maurice et de la Réunion, il s’agit d’analyser les dimensions suivantes : les modalités narratives, la construction, l’évolution et les fonctions du personnage enfant dans l’économie des textes, les rapports qu’il entretient avec les membres de sa famille et de son entourage immédiat, ainsi que la relation entre ces œuvres et leur contexte social et discursif. Notre corpus inclut quatorze récits d’enfance fictionnels de dix écrivains et écrivaines des Mascareignes, publiés de 1987 à 2012 : du côté mauricien, Nathacha Appanah, Ananda Devi, Marie-Thérèse Humbert, Shenaz Patel, Amal Sewtohul et Carl de Souza; du côté réunionnais, Danielle Dambreville, François Dijoux, Axel Gauvin et Jean-François Samlong. Dans ces romans, si la diversité et l’hybridité narratives, discursives et symboliques témoignent de l’imaginaire pluriel de ces sociétés hétérogènes, l’on retrouve néanmoins certaines grandes tendances, comme une écriture axée sur la mémoire du narrateur adulte ou sur l’expérience immédiate de l’enfant; des personnages enfants principalement souffrants, mal-aimés, subalternes et révoltés; ainsi que des familles et des sociétés dont le fonctionnement, les discours et les idéologies paraissent inappropriés, voire tout à fait néfastes. Si certains de ces choix esthétiques reconduisent certaines conventions, d’autres incarnent une perspective tout à fait nouvelle, voire transgressive. Par exemple, les emprunts à d’autres formes génériques comme le conte ou le théâtre, certaines écritures tout à fait singulières, ainsi que le fréquent mélange des voix et des langages se distinguent clairement des normes établies. La maltraitance extrême des petites et jeunes filles et l’apparition de la figure de l’enfant violent semblent également inédites. Le point de vue et l’expérience de l’enfant jettent enfin un regard global, approfondi et foncièrement critique sur les sociétés mauricienne et réunionnaise du présent (surtout dans le cas mauricien) comme du passé (années 1930 à 1970), procédant ainsi à un contre-discours s’opposant aux images exotiques et bucoliques de l’île paradisiaque. Du statut de témoin à celui d’acteur, l’enfant permet à l’auteur d’aborder une série de motifs et de problématiques distinctifs de l’imaginaire et des littératures de l’océan Indien, tels que l’altérité, l’identité, l’histoire, la mémoire, etc. / In this doctoral dissertation, which deals with childhood narratives in contemporary novels of Mauritius and Reunion Islands, we will examine the following dimensions: the narrative modalities, the construction, evolution and functions of the child protagonist within the texts, his relationship with different members of his family and the people around him, and the connection between these works and their social and discursive context. Our corpus includes fourteen works of fiction from ten different Mascareignes writers, published from 1987 to 2012 : from Mauritius, Nathacha Appanah, Ananda Devi, Marie-Thérèse Humbert, Shenaz Patel, Amal Sewtohul et Carl de Souza; and from Reunion, Danielle Dambreville, François Dijoux, Axel Gauvin et Jean-François Samlong. In these novels, if the narrative, discursive and symbolic diversity corresponds to the plural imaginative world of these heterogeneous societies, we can still find some significant trends, including narratives based on the adult’s memory or the child’s immediate experience; suffering, ill-treated, subaltern and rebellious child protagonists; families and societies whose general functioning, discourses and ideologies seem inappropriate, even harmful. If some of these aesthetic choices partake of certain conventions, others embody a new and even transgressive approach. For example, borrowings from other generic forms like tales, theatre, etc., particular styles of writing and the frequent mixing of different voices and languages distinguish those texts from established norms. The extreme abuse of little girls and the appearance of violent children also seem original. The child’s experience and perspective provides a global, profound and inherently critical view of present-day and past societies of Mauritius and Reunion Islands, therefore providing a counter-discourse to the exotic and bucolic images of a paradise island. From being a witness to an actor, the child allows the author to explore a series of motives and issues distinct to the imaginative world and literatures of the Indian Ocean, like otherness, identity, history, memory, etc.

Dans la première décennie du XXIe siècle, à l’ère des nouvelles technologies de communication électroniques, le courriel est devenu le moyen par excellence pour envoyer et recevoir du contenu privé, remplaçant dès lors l’envoi de lettres papier. Dans ce contexte, pour quelles raisons un individu souhaiterait-il partager ce contenu privé en le publiant ouvertement, publiquement, de plus, dans un format papier, le rendant désormais disponible à l’ensemble des lecteurs désirant en consulter le contenu? Pourtant, telle est la genèse du recueil Lettres à l’Indigène de Joël Des Rosiers dans lequel l’auteur fait don de lettres d’amour qui « deviennent alors des objets communs que partagent la destinataire et l’homme qui lui écrit, le livre et le lecteur » (LALI, p. 7). Ainsi, c’est par la réappropriation d’une pratique épistolaire ancienne que cet ouvrage rend compte d’une écriture intimiste dans laquelle lettres intimes et lettres ouvertes se côtoient. Les lettres intimes comportent plusieurs ressemblances avec les lettres conventionnelles, mais s’en distinguent sur certains points. Les lettres ouvertes, quant à elles, s’apparentent davantage aux publications libres que l’on retrouve dans les divers périodiques papier ou Web, ainsi que dans les divers blogues. Dans les deux types de lettres, nous voyons quelle est la place du destinateur et celle de l’Autre, nous présentons les différentes constructions de l’espace liées à chacune des formes de lettre et nous dévoilons les diverses stratégies formelles qui laissent voir un jeu entre les sphères publique et privée. Nous démontrons ainsi de quelles manières ce recueil questionne l’intimisme du XXIe siècle, ainsi que la pratique d’une écriture intimiste dans le cadre actuel. / In the first decade of the twenty-first century, the era of new technologies and electronic communication, email has become the preferred way to send and receive private messages, replacing therefore paper letters. Knowing this, why would an individual want to share his private content by publishing it openly, publicly, furthermore in a paper format, making it available to all readers wishing to view the content? Nevertheless, such is the genesis of the collection of letters, Lettres à l’Indigène of Joël Des Rosiers in which the author donated love letters that became " common objects that share the recipient and the man who wrote, the book and the readers "(LALI, p. 7). Thus, it is through the recovery of an old epistolary practice that this book reflects an intimate writing in which private letters and open letters meet. The intimate letters contain several resemblances with the conventional letters, but distinguish themselves from it on certain points. Open letters, as for them, are more similar to the free publications which we find in the diverse paper or Web periodicals, as well as in the various blogs. In both type of letters, we are able to see the place of the addresser and that of the Other, we present the various constructions of the space related with each of the forms of letter and we reveal the diverse formal strategies which allow to see a play between public and private spheres. Thus, we demonstrate different ways in which this book questions the intimacy of the 21st century, as well as the practice of intimate writing in the current era.