In his “Letter on Humanism,” Martin Heidegger conveys the importance he attributes to poetry when he states: “Language is the house of being” (“Letter” 239). In response to his early Jesuit education, he developed a secular alternative to theology with his existential phenomenology. Theology, poetry, and phenomenology share the basic concern of explaining the foundations of being. For Heidegger, ownership characterizes being in a fundamental way; in Contributions to Philosophy (From Enowning), he establishes the “Ereignis” (“event of appropriation”) as the foundation of being. Ownership lies at the core of being in his thinking following Being and Time. Yet his philosophy ignores the material circumstances of ownership. By way of a materialist critique of Heidegger’s Idealist phenomenology, I expose how property-relations are encoded in the modern poetry and philosophy of dwelling with the question: who owns the house of being? The answer lies in “self-possession,” which represents historical subjectivity as the struggle for the means of production. Paul Celan, T. S. Eliot, Rainer Maria Rilke, and Paul Valéry are all poets who address the relationship between being and ownership in expressing what Marx and Engels call the “language of real life” in The German Ideology (26). In 1927, Eliot converted to Anglicanism and found solace in the realm of faith; by opting for the theology of dispossession, he surrendered his historical subjectivity. Rilke thought that he could find refuge from the marketplace in aesthetic beauty and pure philosophy but eventually disabused himself of his illusion. Similarly, Valéry sought refuge in the space of thought; basing reality in the mind, he forsook the social realm as the site of contestation for gaining ownership over being. As a poet who distinguished himself from the Idealism of his predecessors, Celan developed a structure of dialogue based upon shared exchange on common ground. A materialist approach to the poetry and philosophy of dwelling exposes property-relations as the foundation of the house of being.

This study considers the ontological value of metaphor as a site of ceaseless interaction among multiple (gendered) subjects, drawing on the theoretical work of Max Black, Victor Turner, Jacques Derrida, Paul Ricœur, George Lakoff, and Mark Johnson. Its focus is on the particular function of metaphor, locally and internationally, in three of the “new wars” of the twentieth century. The first chapter examines how the bridge metaphor, undergirded by cultural discourses on Mostar’s Old Bridge and Ivo Andrić’s The Bridge on the Drina, shaped knowledge of gendered experiences in the Bosnian War. The second chapter historicizes the cockroach metaphor, which features in many representations of the Rwandan Genocide, and identifies how “the cockroach” is gendered by metaleptic reference to ubuhake, or pastoral clientship—which gained metaphoric significance through populist movements in the 1950s, when Saverio Naigiziki published The Optimist. The third chapter explores depictions of female civilians, combatants, and suicide-bombers as “prisoners,” considering this metaphor’s gendered variations from Aleksandr Pushkin’s “Prisoner of the Caucasus” to discourses on the Chechen Wars. These three metaphors are of central importance to the production of knowledge about how and in what ways post-cold-war conflicts are gendered. Frequently, the international community objectifies “distant conflicts” through the same metaphors that, for local agents, articulate political self-identifications and enact gendered violence. Locally-initiated metaphors, thusly circulating among multiple discourses, produce interactive sites of semantic investment and imaginary exchange. Global and regional representations in metaphor of the Bosnian War, the Rwandan Genocide, and the Chechen Wars enter into common if asymmetrical networks of geopolitical and temporal interactions structured in part by human rights norms in the 1990s. By tracing the historical, cultural, and modal transformations of bridge, cockroach, and prisoner metaphors, this study investigates how fiction, poetry, journalism, memoir, testimony, film, and performance gender knowledge of the Bosnian War, the Rwandan Genocide, and the Chechen Wars.

La figure mythique du double se manifeste dans la majorité des cultures sous des formes archétypales renvoyant à l’expérience de la division de l’individu en positions antithétiques ou complémentaires. Dans la littérature gothique et fantastique, le mythe est propice à créer un sentiment d’angoisse et d’horreur soulignant les problèmes et mystères de la schize du sujet. Ce travail d’analyse propose de regrouper les récits de doubles selon deux catégories d’occurrences thématiques en se basant sur le traitement textuel qui en est fait, soit l’apparition du double par homonymie d’une part et par pseudonymie de l’autre. Ceci mènera ultimement à commenter sur la perception qu’a l’auteur de lui-même et du processus de création. Le problème de la division étant au cœur des balbutiements théoriques en psychologie et en psychanalyse, une grille analytique lacanienne et post-structuraliste sera appliquée à cette recherche. Les œuvres traitées seront New York Trilogy de Paul Auster, The Dark Half de Stephen King, William Wilson d’Edgar Allan Poe, Le Double de Fédor Dostoïevski et Despair de Vladimir Nabokov. / The mythical figure of the double appears in most of cultures through archetypes translating the human experience of division, be it complementary or antithetical. In Gothic and Fantastic literatures, the myth often stands for a feeling of anguish and horror underlining the mysteries and complications arising from the subject’s dividedness. This analysis wishes to group into two thematic categories occurrences of doubles based on the textual treatment that is made of them: doubles as homonyms and as pseudonyms. This distinction will lead in commenting on the author’s perception of himself and of the creative process. We will use a Lacanian and post-structuralist reading grid, based on the fact that dividedness has been a core issue in psychological and psychoanalytical theoretical developments. The works studied will be Paul Auster’s New York Trilogy, Stephen King’s The Dark Half, Edgar Allan Poe’s William Wilson, Fyodor Dostoevsky’s The Double and Vladimir Nabokov’s Despair.

Le phénomène de la création dans le cadre d’un discours sur la création – la production littéraire et artistique – ne va pas de soi. La tâche de le circonscrire comme un objet est antinomique : l’expérience du discours est en soi une création. Alors que le langage écrit semble au plus souvent «supprimer» l’auteur, le processus de création implique un «Je» créateur qui pense, qui se transforme, qui vit et dont la pensée s’imbrique à son objet qui, quant à lui, est «supprimé»; car il n’est pas extérieur à la pensée mais en relation avec elle. Ce travail, qui démontre le rapport complexe entre l’objet, la critique, le sujet et le commentaire, se penche donc sur l’«avant», le «pendant» et l’«après» de la création, dans un acte de mémoire, qui découle d’une performance littéraire sur la création. Des forces motrices informes et inconscientes, à la mise en forme jusqu’à la transmission, qui lui redonne un caractère d’informe, la création est en mouvement, comme le savoir est toujours prisonnier d’un «work in progress». Tributaire d’Antonin Artaud, le texte s’inscrit à partir de l’artiste en guise d’archétype existentiel, et s’y réfère constamment pour témoigner de la création sans la détacher de la vie et de ses expériences. Pour accéder au mystère du processus de création, lié à la pensée subjective, inobjectivable et irréductible au discours linéaire, ce travail met l’accent sur les associations de la pensée qui procède, exprimées par un «Je» exemplaire omniprésent, tatoué par l’expérience, mais à la position ambiguë à titre d’auteur. Processus de vie, de pensée et de création sont non seulement entremêlés, mais traversés par le champ du tout autre, historique, mondial et social, en perpétuelle évolution. Le rôle du créateur n’est pas de ne créer qu’à partir des connaissances extérieures à lui, mais à partir de lui-même – de son moi multiple et de sa pensée imprégnée de lectures et de ce qui le traverse et l’habite dans un temps donné – pour aboutir à la mise en forme d’un texte cohérent, d’une gravure particulière de l’esprit en marche vers le savoir, qui se situe toujours dans le devenir. / The creation phenomenon within a discourse on creation – the literary and artistic production – is not self-evident. The task to define it as an object is antinomic; the experience of discourse is in itself creative. While written language seems often to “suppress” the author, the creation process actually implies a creative “self” who thinks, lives and transforms itself, and whose thoughts are overlapping into its object, which is thus “suppressed” because it is not outside of thought, but bound to it. This work, showing the complex relationship between object, criticism, subject and comment, is focussed on the “before”, “during” and “after” portions of the creative process, in an act of memory that stems from a literary performance about creation. From the shapeless and unconscious forces at its origin, to the its shaping, and then transmission, which gives it back its shapeless form feature, creation is in motion as knowledge is always captive of the work in progress. Tributary of Antonin Artaud, the text acts as an existentialist archetype of the artist and refers to him constantly to show creation without separating it from life and its experiences. To access the mystery of the creative process, linked to subjective, non-objectivable tought irreducible to linear discourse, this work focuses on the associations within the mind that proceeds, expressed through an ever present and exemplary “self”, tainted by experience, but in the ambiguous position of author. The processes of life, thought and creation are not only intertwined but infused by the “outside”, which is historical, global, social and in perpetual evolution. The creator's function is not to create based solely on his external knowledge, but from within himself – from his multiple selves and his mind filled by what he reads, what goes through his mind and inhabits him at a given time – to eventually shape a coherent text, a specific engraving of the soul as it marches towards the knowledge always hiding in the becoming.

Cette thèse, intitulée « Réécriture et dialogue avec la tradition dans l’œuvre de Irmtraud Morgner : de Schahrazade à Mnèmosunè », vise à comprendre le recours à la réécriture comme modalité de dialogue avec la tradition dans l’œuvre de l’auteure est-allemande Irmtraud Morgner. L’analyse porte sur divers cas de réécriture tirés de Hochzeit in Konstantinopel, Gauklerlegende, Leben und Abenteuer et Amanda, sur les déplacements narratifs introduits par la reprise, ainsi que sur l’emboîtement des récits les uns aux autres. Cette démarche permet de repérer une structure narrative récurrente qui organise le travail de réécriture en trois temps : par une conteuse romantique, par une narratrice critique héritière de l’Aufklärung et par une auteure qui intervient pour souligner les limites de la pensée critique imposée par la narratrice. Cette structure de réécriture en trois temps organise le travail d’expérimentation narrative dans l’ensemble des textes. Elle vise à chaque fois un matériel différent : les récits hérités des traditions du conte, des jongleurs, du roman courtois, du roman moderne, mais également les récits modernes de l’Histoire, de la Science, de la Mémoire. Le moment de la troisième réécriture, confiée par Morgner à la figure de l’auteure, est déterminant car il lui permet de préciser la nature de ce « Tat », de cette « action » de la réécriture, qu’elle tente de définir pour elle-même et ses narratrices, qui rendrait possible le maintien d’un rapport vivant à l’Histoire, à la Mémoire et à la Tradition. C’est en insérant la question du rapport à la tradition dans le cadre plus large d’une interrogation sur le travail de la représentation, que Morgner parvient à la repenser en des termes autres que ceux définis par le Erbedebatte ou par une pensée marxiste ou féministe de la réappropriation de la tradition. Son travail fictionnel contribue ainsi à la réflexion sur le phénomène littéraire contemporain, sur l’évolution de la forme du roman et sur la fortune du récit dans la modernité. Son œuvre est porteuse de questionnements à l’égard du phénomène littéraire contemporain qui dépassent largement le cadre plus étroit souvent attribué à la production littéraire est-allemande. Elle suggère la nécessité d’une réévaluation de la place octroyée à Morgner dans la littérature allemande. / This dissertation entitled, «Rewriting and dialogue with tradition in the works of Irmtraud Morgner : from Schahrazade to Mnèmosunè», tries to understand how and why, in her works, East German writer Irmtraud Morgner turns to strategies of rewriting as a mean of establishing a dialogue with tradition. The analysis examines various cases of rewriting found in Hochzeit in Konstantinopel, Gauklerlegende, Leben und Abenteuer and Amanda, the narrative shifts thus introduced and the way in which narratives interlock with one another. It makes it possible to identify a narrative structure which organizes the work of rewriting into three distinct moments : first, that of a storyteller using the idiom of romanticism, second, that of a narrator whose critical discourse represents the Enlightenment heritage, and third, that of an author who intervenes to underline the limits of critical thought imposed by the narrator. This structure of rewriting in three stages is shown to organize the work of narrative experimentation in all the texts under study. It applies in each case to a different narrative material inherited from various traditions : the fairy tale, minstrel stories, the courtly novel, as well as modern narratives such as History, Science and Memory. The third rewriting, which Morgner assigns to the figure of the author is the most significant since it characterizes the nature of this « Tat », of this «work» of rewriting which Morgner is attempting to define for herself and her women narrators as that, which would open the possibility of maintaining a living relationship with History, Memory and Tradition. By reframing the question of the nature of the relation to tradition within the larger context of an interrogation on the question of Representation, Morgner manages to rethink the question of the relation to tradition in terms other than those established by the Erbedebatte or by Marxist and feminist theories of re-appropriation of tradition. Thus her fictional works contribute to the reflection on contemporary literature, on the evolution of the novel and on the heritage of the tradition of storytelling in modernity. Her work shares a questioning about contemporary literature which go far beyond the narrower frame through which East German literary production has usually been defined. This suggests the need for a reevaluation of Morgner’s works within German literature. / Thèse de doctorat effectuée en cotutelle au Département de littérature comparée, Faculté des arts et des sciences de l'Université de Montréal et à l'Institut für Deutsche und Niederländische Philologie, Fachbereich Philosophie und Geisteswissenschaften de la Freie Universität Berlin

This dissertation examines the conceptualization of the ideal society in Western culture in relation to changes in communication modes. The utopian discourse is defined by a concern with the relationship between language and reality. I explore this concern as a reflection of the theoretical disposition invited by changes in communication modes, which are perceived as crises of representation. Plato and Thomas More’s enlightened communities in the Republic and Utopia reflect comparable idealistic perspectives on education. In my view, this optimism stems from the social reality of growing literacies with the advent of the alphabet and printing, respectively. I contend that these writers are animated by an ethical impulse to teach their readers that language is representation. From the vantage point of this knowledge, each individual may employ language symbolically in order to create and perpetuate a moral and spiritual mode of thought. I argue that the discourse of the ideal is the symbolic expression of humanity’s engagement with death, the ultimate existential concern made acute by the aspect of historical discontinuity in the crisis of representation. Plato and More exhibit comparable efforts to open to their readers the superior space of critical reflexivity which they themselves inhabit. From this conceptual, pre-representational space of conscious choice, language is subjected to achieving spiritual progress. I introduce the concept of post-utopia, which describes a pragmatic moment when the relationship between author and the ideal society is brought into the foreground and reinforced as a way of addressing concerns with textual authority. I examine these developments in Augustine’s De Civitate Dei, François Rabelais’s episode of the Abbaye de Thélème in Gargantua, and Francis Bacon’s New Atlantis. These authors draw on the ideologies of representation inherent in utopian discourse, and position the authorial figure as link between scriptural teleology and history, ensuring spiritual and societal betterment in the textual cultures of late antiquity and early modernity. The figure of the author emerges as a symbol of history and of man’s ability to assume the limits of the mind and of language.

Il est peu de notions aussi vastes que celle du non-savoir, mais le flou du caractère nécessairement négatif de sa définition s’accompagne tout de même du sentiment que la source de ce qui ne peut qu’être déterminé négativement par la pensée (non, cela n’est pas le savoir) ne peut qu’être positive. Notion à l’applicabilité infinie, parce qu’en elle vient s’abîmer tout ce qui ne peut tenir dans l’espace de la maîtrise relative à ce dont on peut dire : je sais de quoi il s’agit. Est non-savoir tout ce qui se rapporte au bouillonnement pulsionnel de la vie et à l’échéance fatale de la mort. Ce qui pousse l’homme au meurtre, au génocide, à la guerre et à la violence révolutionnaire se confond avec un contenu affectif et identitaire qui ne peut être ramené au savoir sans laisser de reste. Mais tenter de comprendre ce qui échappe à l’entendement est cela même qui relance sans cesse la réflexion comprise comme cœur du savoir. Le savoir se montre ainsi sous une extrême dépendance face à son Autre. À la lumière de cette hypothèse devant beaucoup aux découvertes de la psychanalyse, le présent mémoire s’est donné pour objectif de jeter un regard frais sur quelques grandes tensions sociopolitiques de l’Histoire; mais il a d’abord fallu évaluer philosophiquement la possibilité d’un concept de non-savoir. Des champs identitaires majeurs — révolutions totalitaires ou démocratiques, bouleversements ou synergies culturelles — sont ainsi analysés sous l’angle d’une économie pulsionnelle qui s’inscrit dans une interaction perpétuelle avec ce qui s’ébauche ici comme une économie du rapport entre non-savoir et savoir. Est ainsi produite une esquisse des rapports possibles entre la vie pulsionnelle de l’homme, le savoir institutionnel et le monde sociopolitique. / Few notions are as vast as that unknowing; but the imprecise nature of its definition is nonetheless accompagnied by the implication that what offers itself only negatively to the mind has a positive source. The applicability of the notion of unknowing is infinite; it swallows up all that resists the mastery indicated by statements about that which is. Unknowing encompasses all that belongs to the boiling drive of life and to the faceless moment of death. What leads human beings to murder, to genocide, to war and to revolutionnary violence is bound up with an affective content of identification that cannot be subsumed by knowledge without leaving a residue. Yet attempting to understand what exceeds the mind’s grasp serves as the motor of mental reflection at the heart of knowledge production itself. In this sense, knowledge is inescapably dependent on its « other ». In light of this hypothesis drawn from the domain of psychoanalysis, this thesis aims to reexamine the conceptual underpinnings of basic sociopolitical tensions in History. The conceptual impetus driving major identity movements — such as totalitarian or democratic revolutions and cultural disruptions or synergies — is analysed in terms of a libidinal or drive-oriented economy which is in perpetual interaction with what this thesis characterizes as an economy of the relation between knowing and unknowing, between knowledge and its negation.

Résumé Ce mémoire traite des enjeux multiculturels du tournant du vingtième siècle en Amérique du Nord, des problématiques de la communauté de face-à-face ainsi que de la non-conventionalité des protagonistes féminins présents dans The Diviners (1974) de Margaret Laurence et O Pioneers! (1913) de Willa Cather. Cette étude a pour objectif de faire des liens entre ces deux œuvres qui ont été écrites par des auteures féminines, qui mettent en scène des femmes fortes et émancipées dans des petites communautés multiculturelles de l’Ouest. Cette étude traitera également des différences entre les deux romans, soit l’époque et le contexte. Cette étude s’intéressera, en premier lieu, aux différents enjeux de la multiculturalité et analysera les deux romans à la lumière de concepts tels le Melting pot, l’assimilation et l’interculturalité. Cette étude s’intéressera ensuite aux problématiques de la communauté de face-à-face. Elle aura pour objectif de déconstruire l’idéal type de la communauté de face-à-face et de démontrer comment frictions et rejets font partie du quotidien des personnages des deux romans. En dernier lieu, cette étude s’intéressera à la non-conventionalité des personnages féminins principaux. En effet, chacune à leur manière, les protagonistes fracassent les stéréotypes féminins de leur milieu et de leur époque afin de s’émanciper. / Abstract This thesis studies the multicultural stakes at the turn of the twentieth century in North America, the problems occuring in face-to-face communities and the unconventional traits of the feminin protagonists in The Diviners (1974) by Margaret Laurence and O Pioneers! (1913) by Willa Cather. This study aims at highlighting the similarities between the two novels which were written by women writers and narrate the stories of strong and independant women who are living in multicultural communities of the West. This study will also highlight the differences between the period and context in which each novel takes place. Firstly, this thesis will study several problems regarding multiculturality and will analyse the two novels with the help of such concepts as Melting Pot, assimilation and interculturalism. Secondly, this thesis will study several problems regarding face-to-face community. This section, in an attempt to deconstruct the ideal of the face-to-face community, will show how frictions and rejections are part of the daily life of the novels’s characters. Lastly, this thesis will study the nonconformism of the two feminine protagonists and will show that in their own way, they deconstruct the feminine stereotypes of their environement and period in order to become emancipated.

Ce mémoire se veut une réflexion sur la place de l'interprétation dans un travail de traduction d’œuvres poétiques. La réflexion s'articule premièrement autour de l'exemple d'Ezra Pound, traducteur de poèmes chinois classiques. Elle se poursuit par une exploration des possibilités interprétatives contenues dans le langage lui-même, pour se conclure par une expérience subjective de traduction. J'ai choisi de traduire trois poèmes de Xi Chuan, poète chinois appartenant au mouvement de la poésie obscure. La poésie obscure est un courant littéraire contemporain, qui se poursuit encore aujourd'hui sous l'appellation de poésie post-obscure. Les travaux de Xi Chuan sont un exemple de la recherche d'une nouvelle forme d'expression pour les poètes chinois contemporains, soit l'émergence de la voix subjective, phénomène directement relié à une prise de position face au passé traditionnel et au désir d’émancipation et d’autonomie de l’expression littéraire. Cette place qu’occupe le poète obscur entre le nouveau et l'ancien permet à l'individu d’interpréter d’une manière plus personnelle le présent. De la même manière, le traducteur doit rompre avec le passé (soit le texte de départ) pour permettre l’interprétation et la projection du nouveau texte dans l’avenir (soit dans la langue d’arrivée). / This dissertation strives to be a reflection on the importance of interpretation in a translation of poetic language. This reflection takes is point of departure from the example of Ezra Pound, translator of classic Chinese poems. It continues with an exploration of the interpretative possibilities included in language itself, concluding with a subjective experience of translation. I chose to translate three poems by Xi Chuan, a Chinese poet belonging to the obscure poetry movement. Obscure poetry is a contemporary literary movement which still continues today under the name of post-obscure poetry. Xi Chuan’s writings are an example of the search for a new expressive form for contemporary Chinese poets or, in other words, for the emergence of a subjective voice that is directly related to taking a stand with regard to the traditional past while striving for the emancipation and autonomy of literary expression. The place occupied by the obscure poet between the new and the old allows the individual to interpret the present in a manner that is more personal. In the same way, the translator has to break away from the past (in other words, the original text) to allow for interpretation and the projection of the new text into the future (that is, the receiving language).

Cette thèse pense la place des figures littéraires (le Cantique des cantiques, Kierkegaard, Hofmannsthal) et cinématographiques (Matador d'Almodóvar) de la séduction dans la relation entre le soi et l'autre. Elle interroge le rapport au sacré et à la transcendance que pose l'écriture de la séduction. Dans le premier chapitre, les frontières établies entre littérature et philosophie (personnage conceptuel, figure esthétique) sont interrogées à travers les figures de la séduction. À ces figures sont associées les figures de matadors, qui permettent de penser la violence extrême de la séduction et l'instant au cours duquel la conscience ne peut plus se dédoubler. Le deuxième chapitre est une réflexion, à partir des figures du maître et de l'esclave, sur le désir et la conscience de soi et de l'autre dans la séduction. Les figures tauromachiques exposent le sacrifice à l'œuvre dans la séduction. Le dialogue est ici pensé au sein de la séduction, pour saisir la place de celle-ci dans la formation de la pensée. Le troisième chapitre développe le rapport entre le soi, l'autre et le monde qu'établit la séduction. Le dandysme permet d'approcher la tension entre la matière et l'esprit que posent la séduction et son écriture. Le dialogue à l'œuvre dans la séduction est présenté comme un espace de formation. La séduction est envisagée comme séduction éthique, quête de la bonne distance, exercice spirituel. La syncope, le duende, l'extase sont décrits comme des états de conscience où la distance entre le soi et le monde, le soi et l'autre, l'esprit et la matière s'abolit. À partir de ces états, l'ouverture vers l'infini et vers la transcendance que peut poser la séduction est exposée. Dans le quatrième chapitre, la séduction est pensée comme le parfum du sacré, à travers une lecture du Cantique des cantiques. Par la séduction, l'importance du corps dans le sacré est soulignée. La place du secret et de la foi dans la séduction, dans le sacré et dans le littéraire est étudiée. La séduction permet une plongée érotique dans le monde et dans le réel, par les figures et par les images qu'elle déploie. Le savoir de la séduction est un parcours, savoir du corps et de l'esprit. / This thesis reflects on the place of literary (Kierkegaard, Hofmannsthal, The Song of Songs) and cinematic (Matador d'Almodóvar) figures of seduction in the relation between the self and the other. It explores the connection to transcendence and the sacred inscribed in writings on seduction. In the first chapter, the figures of seduction help us put into question the boundaries between literature and philosophy (conceptual persona and aesthetic figure). The figures of bullfighters, associated with the figures of seducers, present the extreme violence of seduction and the instant when consciousness can no longer be split in two. The second chapter is a reflexion, through the figures of the master and the slave, on desire, consciousness of the self and the other in the relationship of seduction. The figures of bullfighters manifest the sacrifice in seduction. Dialogue, considered at the heart of seduction itself, reveals the importance of seduction in the process of thinking. The third chapter develops the bond established by seduction between the self, the other and the world. In the writings of seduction, dandyism shows the tension between mind and matter. The dialogue at work in seduction opens a space of education. Seduction is viewed as an ethical process, the search for an appropriate distance, a spiritual exercise. Loss of consciousness, duende and ecstasy are described as states of consciousness that abolish the distance between self and world, self and other, and mind and matter. Through these states, seduction brings about an opening to the infinite and transcendence. Finally, seduction is defined as the perfume of the sacred through a reading of The Song of Songs. Through seduction, the importance of the body in the sacred is underscored. The place of secrecy and faith in seduction, the sacred and literature is examined. Seduction enables an erotic immersion in the world, in the real, through the figures and images of seduction. The knowledge of seduction is a process, a knowledge of body and mind.