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Ce mémoire aborde l’importance et la problématique de l’intégration d’éléments de la musique populaire brésilienne dans la composition de musique contemporaine de concert. Comme l’histoire de la musique peut le confirmer à travers ses grandes icônes, l’identification d’un peuple à sa propre culture sous la forme musicale est très importante, surtout dans le domaine de la composition. La présente recherche s’efforce de révéler les éléments qui incarnent l’essence du langage de la musique brésilienne dans ses différents styles, et de déterminer une manière de les intégrer dans un nouveau contexte esthétique, à savoir la composition contemporaine, sans qu’ils perdent leur lien avec la tradition et de façon qu’ils restent reconnaissables pour l’auditeur. / This dissertation will discuss the importance as well as problematize the insertion of elements from Brazilian popular music in the context of contemporary concert music composition. As the history of music can confirm by its great icons, the identification of a nation with its own culture though musical form is very important, especially in the field of composition. This research thus seeks to find elements that represent the essence of the Brazilian music language in its different styles and to determine how to apply them in a new aesthetic context – namely, contemporary composition – without losing their connection to tradition and while remaining recognizable to the listener.

Dans le cadre de cette maîtrise, Mélanie Frisoli s’est penchée sur un travail de compositions spatiales qui impliquent des dispositifs de haut-parleurs conséquents (de 16 à 64 haut-parleurs) et qui s’inspirent fortement de l’esthétique du paysage sonore et des théories de l’écologie sonore. Le médium multiphonique en trois dimensions (proche de notre vécu sensoriel quotidien) s’est avéré un support de choix pour expérimenter la sensibilisation aux bruits et à notre environnement sonore via la composition musicale. Mélanie a également tenté de comprendre pourquoi la spatialisation pouvait être intéressante et ce que ce paradigme proposait d’original et de sensible par rapport à la composition stéréophonique. En parallèle, la composition musicale de paysage sonore a été explorée avec tout ce qu’elle implique en tant que posture artistique. L’ensemble de ces questionnements et de ces recherches ont permis d’élaborer des stratégies compositionnelles pour la mise en espace du son sous des dômes de haut-parleurs. Sont ainsi nées trois œuvres acousmatiques (fixes sur support) et une performance en direct qui explorent les thématiques de l’espace, de la pollution sonore, de l’immersion et de la conscientisation de l’écoute. Enfin, différentes technologies pour la spatialisation du son sont présentées dans ce mémoire, avec un intérêt particulier apporté à celle utilisée dans ce travail de recherche-création. Mélanie Frisoli a également développé cinq outils informatiques afin de mieux appréhender le travail de spatialisation et de faciliter l’intégration du paramètre d’espace au processus de composition. / As part of this master’s degree, Mélanie Frisoli worked on spatial compositions that involve substantial loudspeaker devices (16 to 64 loudspeakers) and are strongly inspired by the aesthetics of soundscape composition and the theories of sound ecology. Due to its close connection to our daily sensory experience, the three-dimensional multiphonic medium was ideal for experiencing awareness of noises and our sound environment through musical composition. She also attempted to understand why spatialization could be interesting and what was original and sensitive compared to stereo compositions. In parallel, the musical composition of soundscape was used to study what it implies as an artistic posture. All these questions and research led to the development of compositional strategies for setting sound in space under loudspeaker domes. Three acousmatic works (fixed on support) and a live performance were created, all of which explore themes such as space, sound pollution, immersion, and awareness of listening. Finally, Mélanie presented various existing technologies for sound spatialization in this thesis, but mainly focused on the one used in this research-creation work. She also developed five computer tools to support her work in spatialization and facilitate the integration of the space parameter within the composition process.

Ce mémoire traite de l’influence des Lumières sur la pensée philosophique et musicale du compositeur et guitariste Fernando Sor (1778-1839). Cette influence peut être déclinée en trois thèmes, autour desquels le présent travail est structuré. Le premier thème, qui est omniprésent dans la Méthode pour la guitare de Sor (Paris, 1830), est celui de l’usage de la raison opposé à l’obéissance aveugle à une autorité. Le deuxième thème, présent lui aussi dans la Méthode, est celui de l’harmonie conçue comme une science permettant d’établir les rapports naturels qui existent entre les sons. Le troisième thème, présent quant à lui dans des chansons à caractère politique composées par Sor entre 1808 et 1832, est celui de la recherche de liberté face à l’oppression. Nous verrons dans ce mémoire que la manière dont la raison, l’harmonie et la liberté se manifestent dans les écrits et les œuvres de ce pionnier de la guitare classique est similaire à la manière dont ces trois mêmes notions sont représentées dans l’Encyclopédie de Diderot et d’Alembert, Sor faisant d’ailleurs référence à cet ouvrage emblématique du siècle des Lumières dans sa Méthode. D’autre part, nous verrons que le guitariste a aussi été influencé par les écrits de figures importantes associées au classicisme français, comme Descartes en ce qui concerne la raison et Rameau en ce qui concerne la notion de basse fondamentale (ces deux auteurs étant d’ailleurs cités dans l’Encyclopédie). En somme, ce mémoire permet de mieux définir le concept d’« influence des Lumières chez Sor » qui restait autrement plutôt flou dans la littérature secondaire publiée à ce jour. / This master’s thesis deals with the influence of the Enlightenment on the philosophical and musical thought of the composer and guitarist Fernando Sor (1778-1839). This influence can be divided into three themes, around which this project is structured. The first theme, which is omnipresent in Sor’s Méthode pour la guitare (Paris, 1830), is that of the use of reason opposed to a blind submission to authority. The second theme, also present in the Méthode, is that of harmony seen as a science that establishes the natural relationships that exist between sounds. The third theme, present in political songs composed by Sor between 1808 and 1832, is that of the struggle of freedom against tyranny. In this thesis, we will see that the way reason, harmony and freedom are conceived in Sor’s work is heavily influenced by Diderot and d’Alembert’s Encyclopédie, which is mentioned in the Méthode. On the other hand, we will see that the guitarist was also influenced by the writings of major figures associated with French classicism, such as Descartes when it comes to reason and Rameau when it comes to the notion of basse fondamentale (both of whom are mentioned in the Encyclopédie). In short, this master’s thesis helps to better understand how the Enlightenment influenced Sor, a subject that was otherwise mostly absent from the secondary literature.

Ce mémoire porte sur la Symphonie en ré de César Franck, une œuvre écrite entre 1887 et 1888 et créée en 1889. Plus précisément, nous nous intéressons à l’organisation du matériau unificateur de cette œuvre tout en observant les problèmes que pose l’approche cyclique développée par Vincent d’Indy. Nous faisons ainsi valoir les apports et avantages à adopter plutôt la transformation thématique, une méthodologie fortement associée à l’œuvre de Franz Liszt. Théorisée en 1909 au sein du Cours de composition musicale, la forme cyclique exerce une emprise dominante dans la littérature musicologique s’intéressant à l’analyse de l’œuvre de César Franck. Nous mettons en lumière des biais idéologiques et nationalistes du discours de Vincent d’Indy visant à promouvoir la supériorité légitime des compositeurs français sur les Allemands en développant une conception de l’excellence fondée sur des métaphores chrétiennes (la trinité, la cathédrale gothique). Cette argumentation a pour effet néfaste de gommer des données historiographiques importantes telles que les échanges culturels s’établissant de part et d’autre du Rhin ou encore les contacts significatifs qu’ont entretenus César Franck et Franz Liszt. Cette recherche permet ainsi de nuancer la théorie de d’Indy et d’enrichir la perspective analytique de la Symphonie de César Franck en la remettant dans son contexte sociohistorique. L’étude de la transformation thématique a l’avantage de prendre en compte la dimension expressive des thèmes de la Symphonie en plus de la notion d’unité inhérente à l’œuvre et aide à approfondir les affinités musicales qui rapprochent Franck et Liszt. / This thesis focuses on César Franck's Symphony in D, a work written between 1887 and 1888, and premiered in 1889. More precisely, we are interested in the organization of the unifying material of this work while observing the problems posed by the cyclical approach developed by Vincent d'Indy. We thus highlight the contributions and advantages of adopting thematic transformation instead, a methodology strongly associated with the work of Franz Liszt. Theorized in 1909 as part of the “Cours de composition musicale”, the cyclical form exerts a hegemonic hold in the musicological literature interested in the analysis of the work of César Franck. We highlight the ideological and nationalist biases of Vincent d’Indy’s speech, aimed at promoting the legitimate superiority of French composers over the Germans by developing a conception of excellence based on Christian metaphors (the Trinity, the Gothic cathedral). This argument has the detrimental effect of erasing important historiographical data such as the cultural crosscurrent taking place on both sides of the Rhine or the significant contacts that César Franck and Franz Liszt maintained. This research thus makes it possible to qualify d’Indy’s theory and enrich the analytical perspective of César Franck’s Symphony by placing it in its socio-historical contexts. The study of the thematic transformation has the advantage to consider the expressive dimension of the themes of the Symphony while focusing on the unity of the piece, and helps deepen the musical affinities that bring Franck and Liszt close together.

Ce mémoire explore les territoires esthétiques de la culture populaire dans l’imaginaire carnavalisé du compositeur d’avant-garde Erik Satie (1866-1925). L’interprétation de l’arrière-texte de la poétique compositionnelle de Satie proposée par cette étude interroge le caractère iconoclaste des symboles associés à la scène des divertissements « légers ». Par les thèmes, genres, tropes et topoï qu’elle privilégie, l’œuvre musicale de Satie se situe au confluent du « savant » et du « vulgaire ». En portant un regard attentif aux créations « mineures » de Satie pour la scène populaire à Montmartre, ce travail cherche à définir les rapports antinomiques opposant les représentations, attitudes et valeurs promues par la culture « officielle » à l’attachement iconoclaste de Satie aux univers du « bas-social », du grotesque et de l’obscène. Les chahuts intempérants de Satie au cabaret artistique, au music-hall et au café-concert, au même titre que la revendication subversive par le compositeur des potentialités esthétiques offertes par le jeu et l’humour vernaculaires, prolongent le geste de résistance littéraire et artistique contre-culturel de la bohème fin-de-siècle. En visant une compréhension sémantique des enjeux discursifs qui accompagnent historiquement la représentation du populaire – cet « Autre » profanant, repoussoir de l’élite bourgeoise –, ce mémoire appréhende la portée démocratique du rire matérialiste populaire de Satie, principale figure tutélaire des premières avant-gardes modernistes parisiennes au tournant du XXe siècle. / This thesis aims to explore the aesthetic territories of popular culture within the avant-garde composer Erik Satie’s (1866-1925) carnavalized imagination. This study provides an interpretation of the subtext of Satie’s poetics of composition that questions the use of symbols associated with ‘light’ entertainment as means of protest. The themes, genres, tropes and topoï that Satie’s works invoke place them at the intersection of ‘learned’ and ‘vulgar’ culture. By paying close attention to Satie’s ‘minor’ works created for Montmartre’s popular establishments, this thesis seeks to define the antinomic relationship that opposes ‘official’ culture’s promoted representations, attitudes and values to Satie’s iconoclastic penchant for the imaginary spaces of the ‘low-class’, the grotesque and the obscene. Satie’s uproarious contributions to cabaret artistique, music-hall and café-concert, as well as the composer’s subversive exploration of the aesthetic potential of playfulness and vernacular humor, find echoes in the literary and artistic counter-cultural acts of resistance in Bohemian fin-de-siècle circles. Based on a semantic understanding of the discursive issues historically surrounding the representation of the popular as a degrading ‘Other’ by the wealthy bourgeois elite, this thesis appraises the democratic scope of Satie’s materialistic popular laughter, which serves as one of the main influences for the first Parisian modernist avant-garde movement at the turn of the twentieth century.

Thèse en recherche-création Cette version de la thèse a été tronquée des éléments de composition originale. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / Cette recherche-création est issue de ce questionnement : qu’est-ce qui est en jeu dès lors qu’il s’agit d’intégrer et d’imbriquer l’improvisation (l’écoute active, corps agissant et réagissant au son en devenir) et la composition (écoute répétée, traitements fins, auscultation de la matière) dans une pratique électroacoustique ? Pour y répondre, j’ai développé un dispositif d’improvisation multipiste — intitulé le projet MissTake — axé sur des technologies hybrides (analogiques et numériques), l’instabilité et la non-linéarité dans une approche morphologique et ondulatoire des flux sonores. Trois compositions sont issues de ce questionnement. Mes pièces Volt_#1, Volt_#3 et Dancing on the Edge of Darkness, créées avec les matériaux sonores du dispositif, ont généré un processus de délestage dans les gestes compositionnels et les mouvements de spatialisation. L’analyse de ces œuvres utilise les concepts puisés dans le nouveau matérialisme et la philosophie de Deleuze et Guattari. Le projet MissTake, conçu autour d’un magnétophone à cassettes quatre pistes configurées en sans-entrée, est l’aboutissement de cette recherche-création. Le choix du multipiste, des sonorités bruiteuses et de l’improvisation libre a apporté un changement de visée fondamental dans ma pratique et donné lieu à un processus de décélération sur le plan temporel. En me concentrant sur le matériau sonore évacué du signifié, dans la perception et l’abstraction, j’ai pu développer une pensée de la musique comme ouverture sur l’indéfini, dans le sensible et l’inachèvement de la forme. / This research-creation begins with this questioning : what is at stake when it comes to integrating and coalescing improvisation (active listening, embodied gestures, acting and reacting to the sound in the making) and composition (repeated listening, refine and detailed treatments, auscultation of the material) to an electroacoustic practice? To answer this, I developed a multichannel improvisation device – called the MissTake project – focused on hybrid technologies (analogue and digital), instability and non-linearity in a morphological and undulatory approach to sound flows. Three compositions come from this questioning and device. My pieces Volt_#1, Volt_#3 and Dancing on the Edge of Darkness have generated a process of step-down compositional gestures and spatialization movements. The analysis of the works is based on concepts drawn from the new materialism and philosophy of Deleuze and Guattari. The MissTake performance, designed around a four-track cassette recorder configured in no-input is the culmination of this research-creation. The choice of the multichannel, noise aesthetics and free improvisation brought a fundamental change of focus in my practice and gave rise to a deceleration process at the temporal level of sound. By focusing on the sound material evacuated from any meaning, in perception and abstraction, I was able to develop a thought of music as an opening on the indefinite, in the sensible and the incompleteness of the form.

Cotutelle - Université libre de Bruxelles/Université de Montréal / Si la majorité des recherches situées au croisement de la musicologie et des études cinématographiques s’est centrée sur une exploitation des sources filmiques et des textes musicaux comme outil d’analyse, le prisme de la presse permet de porter un nouvel éclairage sur les principaux enjeux de la musique au cinéma. Cette thèse se propose de mettre en examen les premiers discours sur la musique au cinéma parus dans la presse française, de l’essor de la culture des grands orchestres de fosse à la fin de la commercialisation des technologies du cinéma sonore (1918-1934). La première partie interroge les fonctions octroyées à l’objet musical au cinéma par le biais d’un périodique musical (Le Courrier musical, 1917-1935) et son esthétique par la figure d’un critique spécialiste de la question (Raymond Berner, 1921-1934). Ensuite, nous soulignons la valeur musicale des technologies développées par Charles Delacommune pour la mise en place du synchronisme audiovisuel au temps du cinéma muet (dans les écrits de Raymond Berner) et du sonore (chez Émile Vuillermoz). Les bases théoriques des deux principales pratiques de l’accompagnement musical des films muets – l’adaptation et la partition originale – sont questionnées à l’aune du discours des adaptateurs et des écrits parus dans la presse musicale. Dans la foulée, la deuxième partie de cette thèse se centre sur les discours tenus dans la presse musicale lors de la transition vers le cinéma sonore (1928-1934). Nous montrons sur quelles bases s’articulent les principales considérations techniques (la musique mécanique, la synthèse sonore), socio-professionnelles (le chômage des musiciens exécutants), pédagogiques (l’enseignement de la musique à l’aide du film), et esthétiques (la phonogénie, la musique et les effets sonores) de la musique dans le film sonore. Notre analyse se concentre ensuite sur les discours sur les premiers films sonores français publiés dans La Revue musicale, tout en cernant l’exemple du film Rapt (Dimitri Kirsanoff, musique d’Arthur Hoérée et Arthur Honegger, 1934). Enfin, nous démontrons comment une approche synthétique des entretiens menés auprès des compositeurs permet d’approfondir notre compréhension du travail des musiciens au studio. / While the majority of the researches at the crossroads of musicology and film studies has focused on harnessing films and music scores as analytical tools, the lens of the press allows to shed a new light on the most salient film music issues. This thesis aims on investigating the first discourses on film music published in the French press, from the rise of great cinema theater orchestras to the end of the commercialization of sound film technologies (1918-1934). The first part stresses film music functions through one specific music periodical (Le Courrier musical, 1917-1935) and its aesthetic through the figure of a critic specialized on the topic (Raymond Berner, 1921-1934). Then, we underline the musical value of the technologies developed by Charles Delacommune for the achievement of audiovisual synchronism during the silent film era (based on Raymond Berner’s writings) and the sound film era (based on Émile Vuillermoz’s writings). The theoretical basis of the two main silent film accompaniment practices – adaptation and original score – are questioned within the discourses of the adaptators and texts published in music periodicals. In the same perspective, the second part of this thesis focuses on the discourses published in the music press during the transition to sound film (1928-1934). We uncover and analyse of the main sound film music technological (the “musique mécanique”, sound synthesis), socio-professional (performing musicians’ unemployment), didactical (the teaching of music with the aid of film), and aesthetical (“phonogénie”, music and sound effects) issues. Our research then focuses on the discourses on the first French sound film published in the Revue musicale (1921-1939), while examining the case of the film Rapt (Dimitri Kirsanoff, music by Arthur Hoérée and Arthur Honegger, 1934). Finally, we show how a synthesis approach of interviews with composers allows to deepen our understanding of the work of musicians in film studios.

Ce projet de recherche-création est axé sur le développement d’un outil de création sonore, qui vise à faciliter l’improvisation de musiques électroacoustiques spatialisées sur de multiples haut-parleurs. L’outil nommé Live 4 Life permet plus spécifiquement de composer des polyrythmies spatialisées, combinées à des textures enveloppantes en temps réel. Actuellement, il est particulièrement difficile de contrôler dynamiquement et simultanément de multiples sons dans l’espace, en raison en partie de la stratification du processus de composition dans plusieurs logiciels et de la complexité à spatialiser individuellement chaque événement sonore. En dotant l’improvisateur d’outils de spatialisation flexibles, celui-ci peut exploiter les dimensions spatiales tout au long du processus de création, de la composition jusqu’à la performance. L’intégration, à même l’outil Live 4 Life, des autres paramètres sonores, comme le rythme ou les vitesses de lecture, permet également de créer de nouveaux liens dans la composition de l’espace. L’outil, implémenté sur la plate-forme en source libre SuperCollider, propose une approche comprenant différentes échelles temporelles, où la spatialisation est déterminée autant au niveau local sur des événements individuels que global sur des flux sonores. Des œuvres ouvertes du point de vue spatial et temporel peuvent ainsi être réalisées à partir de multiples séquences pré-composées, qui sont organisées et modifiées en temps réel. Cet outil de performance spatiale met l’accent sur la construction et la déformation de boucles de paramètres, rythmiques ou spatiales. Il permet, en outre, de questionner le développement spatio-temporel entre les objets sonores eux-mêmes, leurs traitements ou leurs réflexions et ouvre sur des questions plus larges sur les liens qui existent entre l’espace et le temps réel. / The research/creation project is focused on the development of a spatialised sound creation tool, which aims at facilitating the improvisation of electroacoustic music on multiple loudspeakers. More specifically, this tool, which is called Live 4 Life, allows to compose spatialised polyrhythms, combined with enveloping textures in real time. Currently, it is particularly difficult to dynamically and simultaneously control multiple sounds in space, due in part to the layering of the composition process in multiple software programs and the complexity of individually spatialising each sound event. By providing the improviser with flexible spatialisation tools, it allows him to exploit spatial dimensions throughout the creative process, from composition to performance. The integration of other sound parameters, such as rhythm, spectrum or playback speeds, in a global creation tool also allows to create new links in the composition of space. The tool, implemented on the open source platform SuperCollider, offers an approach comprising different time scales, where spatialisation is determined both locally on individual events and globally on sound streams. Spatially and temporally open forms can thus be realised from multiple pre-composed sequences, which are organised and modified in real time. This spatial performance tool emphasises the construction and deformation of parameter loops, rhythmic or spatial. It also makes it possible to question the spatio-temporal development between sound objects themselves, their processing or their reflections, and opens up broader questions on the links that exist between space and real time.

Cette recherche est consacrée à la découverte et à l’appréhension des musiques de l’Indochine au tournant du XXe siècle, dans un contexte où cohabitaient l’orientalisme – représentation de l’Ailleurs – et la colonisation – mis en présence d’une réalité. La recherche s’articule autour du musicologue et compositeur Gaston Knosp. Ce dernier joua le rôle de défricheur dans l’étude de musiques indochinoises en réalisant les premiers travaux in situ durant son séjour au Tonkin (1898 - 1904). L’appréhension des musiques indochinoises sera étudiée à partir d’une analyse synchronique et diachronique des discours francophones qu’elle a générés. Les écrits de Gaston Knosp constituent le noyau de cette recherche; ils seront mis en perspective avec des documents d’archives, des textes publiés en Indochine, dans le cadre de la documentation sur les colonies, et avec des articles musicologiques parus en France. Cela afin d’offrir un panorama plus complet du mode de perception sensible et intellectuel de ces musiques, lors de leur découverte, et d’analyser les mécanismes qui opèrent dans les discours. La découverte des musiques indochinoises représentant un moment de transition entre l’imaginaire et la connaissance, les principaux objectifs de cette recherche seront : d’observer et d’analyser comment se manifeste l’influence du bagage culturel de Knosp sur son appréhension et sa perception des musiques indochinoises; de déterminer ce qu’apportent les travaux d’un musicologue par rapport à ceux d’informateurs coloniaux, non spécialistes – certains ayant développé une connaissance des cultures autochtones qui manquait à Knosp. Cette recherche sera également l’occasion de développer les connaissances sur Gaston Knosp, un musicien peu étudié, et de présenter plusieurs écrits parus en Indochine, souvent restés dans l’ombre, qui contribuent cependant à alimenter les connaissances sur l’appréhension des musiques indochinoises durant la colonisation. / This research is devoted to the discovery and understanding of the music of Indochina at the turn of the 20th century, in a context where orientalism - the representation of Elsewhere - and colonization - were cohabiting in the presence of a reality. The research revolves around the musicologist and composer Gaston Knosp, who played the role of pioneer in the study of Indochinese music by carrying out the first works in situ during his stay in Tonkin (1898 - 1904). The apprehension of Indochinese music will be studied from a synchronic and diachronic analysis of the French-speaking discourses it generated. Gaston Knosp's writings constitute the core of this research; they will be put into perspective with archival documents, texts published in Indochina as part of the documentation on the colonies, and with musicological articles published in France. The aim is to offer a more complete panorama of the sensitive and intellectual perception of this music at the time of its discovery, and to analyze the mechanisms that operate in the discourses. Since the discovery of Indochinese music represents a moment of transition between imagination and knowledge, the main objectives of this research will be: to observe and analyze how Knosp's cultural background manifests itself on his apprehension and perception of Indochinese music; to determine what the work of a musicologist brings to the table in comparison with that of colonial, non-specialist informants - some of whom developed a knowledge of indigenous cultures that Knosp lacked. This research will also be an opportunity to develop knowledge about Gaston Knosp, a musician who was little studied, and to present several writings published in Indochina, which often remained in the shadows, but which nevertheless contribute to knowledge about the apprehension of Indochinese music during colonization.