Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-09-20T18:33:29Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1865095 bytes, checksum: d78c80bb3cef8c9d4828b46226261646 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-20T18:33:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1865095 bytes, checksum: d78c80bb3cef8c9d4828b46226261646 (MD5) Previous issue date: 2010-03-08 / This paper presents the research results who try to comprehend fundamental definitions aspects of vocal esthetics in musical expressions of Paraíba´s female singers, specifically focused at three state musicians with local, regional and national recognition, they are: Marinês, Elba Ramalho and Cátia de França. This work was based with views of ethnomusicology and related fields. The methodological research evolved bibliographical research, record, sound, documental research, participative observation and half-structured interviews, as well data analysis and organization resources which could generate a clear, wide and contextualized view of the researched reality. Based on the research realized, the discussions and analysis done throw the paper became evident that the vocal esthetics of each singer was defined by the inter-relation of multiple aspects linked to physiological dimensions and voice techniques, to the use of recording technological resources, voice effects and amplifications and to cultural background in general that point the history of each female singer studied. / Este trabalho apresenta resultados de uma pesquisa que buscou compreender aspectos fundamentais definidores da estética vocal na expressão musical de cantoras da Paraíba, contemplando especificamente três intérpretes do Estado de grande destaque local, regional e nacional, quais sejam: Marinês, Elba Ramalho e Cátia de França. O estudo foi realizado a partir de perspectivas da área de etnomusicologia e de outros campos afins ao foco do estudo. A base metodológica da pesquisa abrangeu pesquisa bibliográfica, pesquisa sonoro-documental, observação participante e entrevistas semi-estruturadas, bem como instrumentos de organização e análise dos dados que pudessem propiciar uma leitura abrangente e contextualizada da realidade investigada. A partir da pesquisa realizada e das discussões e análises concretizadas ao longo da dissertação ficou evidente que a estética vocal de cada cantora é definida a partir da inter-relação de diversos aspectos ligados às dimensões fisiológicas e técnicas da voz; ao uso de recursos tecnológicos de gravação, efeitos e amplificação vocal; e às influências e bases culturais em geral que marcam a trajetória das três cantoras estudadas.

Submitted by Morgana Silva (morgana_linhares@yahoo.com.br) on 2016-10-07T16:48:13Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 18219531 bytes, checksum: 0e90b5a1339f54b242beb9a61d7e6e1b (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-07T16:48:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 18219531 bytes, checksum: 0e90b5a1339f54b242beb9a61d7e6e1b (MD5) Previous issue date: 2015-03-30 / Various compositions and violin musical creations were developed with the tonal system and diatonic scale. And many musical contemporary works are like construction tools that favor the technical standard learning and giving considerable importance to scale studies. Currently, the execution of musical works is to get into music courses in schools, conservatories and universities. Considering this, the present study intended to make a descriptive, comparative and reflective analysis of the scale systems of violin from Carl Flesch (1926), Ivan Galamian (1985) and Simon Fischer (2012), checking their main characteristics, similarities and differences of approach and the design of teaching methodology. The above-mentioned authors´s works exercised and still influence on practice and on the technique of violinists generations. So the intention of the present work is, with the bibliographical, exploratory and descriptive research, to help the student with his contact to the scale systems, promoting an access to educational content and the study proposals. In order to facilitate the contact of student with the various types of technical approaches and points of view, we identify similarities and differences in relation with the left hand as fingerings, position changes, chromatic scales, double stops, "broken" thirds , arpeggios, tenths, octaves, articulations and the challenges of the right hand, on the subject of sound production, diversity of rhythms and of bowings. With this, we question the efficiency of exercises and the real motivations led these authors to write their systems. The differences of technical approaches, styles and teaching methodologies also contribute to the clarification and understanding of the changes that occurred in the period that each method was written. / Com a consolidação do sistema tonal e sua consequente formação escalar diatônica, diversas composições e criações musicais para o repertório do violino foram desenvolvidas. E muitas obras musicais da contemporaneidade são como ferramentas de construção que favorecem a aprendizagem técnica padrão e conferem ao estudo de escalas uma considerável importância. Na atualidade, frequentemente a execução de escalas é exigida em testes de admissão para cursos de música em escolas, conservatórios e universidades. Considerando o exposto, o presente estudo pretendeu fazer uma análise descritiva, comparativa e reflexiva entre os sistemas de escalas para o violino de Carl Flesch (1926), Ivan Galamian (1985) e Simon Fischer (2012), verificando suas principais características, semelhanças e diferenças na abordagem e na concepção da metodologia de ensino. Considerando que os trabalhos dos autores citados exerceram e, ainda, exercem influência na prática e técnica de várias gerações de violinistas, buscou-se com a pesquisa bibliográfica, exploratória e descritiva, auxiliar o estudante no seu contato com o sistema de escalas, promovendo um acesso ao conteúdo de ensino e às propostas de estudo. A fim de facilitar a aproximação do aluno com os diversos tipos de abordagens técnicas e dos pontos de vista, identificamos as semelhanças e diferenças em relação à mão esquerda, tais como dedilhados, mudanças deposição, escalas cromáticas, cordas duplas, terças “quebradas”, arpejos, décimas, oitavas, articulação e agilidade dos dedos, assim como os desafios da mão direita, no que diz respeito à produção sonora, diversidade de ritmos e de arcadas. Com isso, questionamos a eficiência dos exercícios e compreendemos as reais motivações que conduziram esses autoresa escreverem seus respectivos sistemas. As diferenças de abordagens técnicas, distintos estilos e metodologias de ensino também contribuem para o esclarecimento e entendimento das mudanças ocorridas no período em que foi escrito cada método.

Submitted by Cristhiane Guerra (cristhiane.guerra@gmail.com) on 2017-01-05T15:19:46Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1893451 bytes, checksum: 2bef32bf8760df86765c879ae57eb13a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-05T15:19:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1893451 bytes, checksum: 2bef32bf8760df86765c879ae57eb13a (MD5) Previous issue date: 2016-08-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The “Mais Educação” (More Education) Program, established in 2007 and implemented as from 2008, it is proposed to be an inducer of integral education in Brazilian public schools through partnership between MEC, state and local school systems, local school and community, providing several educational activities, among them musical. In João Pessoa, the research group of “Music, Culture and Education” of UFPB, investigates since 2010, pedagogical and musical practices developed by “Mais Educação” in schools of João Pessoa. Through a careful data collection and observation of the activities realized, the studies of the group is finding in many cases, practices that are distant from contemporary trends in music education, because they don‟t usually take into estimation the musical and cultural experience of the students, or open space for creation, improvisation and other important aspects of music making. So, in an attempt to overcome these difficulties and contribute to the music education in this space, this study aimed to analyze the strategies and processes of teaching and learning music used in workshop of the “Mais Educação” Program in a public school in João Pessoa. Therefore, I opted for an action-research: in addition to the bibliographical and documentary research on the program of music education and integral education, semi-structured interviews with involved agents and questionnaire with students, the research involved, as an intervention, my own role as a monitor of the workshop Choral Singing throughout the whole second half of 2014, in a municipal school, here called School X. In class, I tried to put in place guidelines for contemporary music education. In this way, I planned and developed lessons from musical experience of the student, recording them and reflecting on my practice to adjust it whenever necessary. As a result, it was possible to carry out an effective work in music, through a process in which students lived the experience of singing and playing together songs chosen by themselves; consciously appreciate repertoire of their daily lives; create small arrangements; compose a rap and attend a presentation at the school for parents and students. However, the no compulsory student attendance, main difficulty founded, greatly hindered the development of a continuous work, because every class new students arrived and others left, featuring thus a space where they went when they wanted to spend an idle time. Besides that, the apparent ignorance of the functions of the program from the school board difficult an integrated work with the activities of regular shifts, counteracting to the guidelines of their official documents. Thus, it concluded that, although the “Mais Educação” Program has not fulfilled its inducing function of integral education at School X, the musical activities realized in this action research, which considered and respected the previous experiences of the students, showed up important strategies in this specific context. Therefore, it hopes that this research will contribute to the discussion on music education in schools, and specifically in the “Mais Educação” Program. / O Programa Mais Educação, instituído em 2007 e implantado a partir de 2008, propõe-se a ser um indutor da educação integral nas escolas públicas brasileiras, através da parceria entre o MEC, redes municipais e estaduais de ensino, escola local e comunidade, oferecendo diversas atividades educativas, dentre elas musicais. Em João Pessoa, o Grupo de Pesquisa Música, Cultura e Educação, da UFPB, investiga, desde 2010, práticas pedagógico-musicais desenvolvidas pelo Mais Educação em escolas da Grande João Pessoa. Através de uma criteriosa coleta de dados e observação das práticas realizadas, os estudos do grupo vêm encontrando, em muitos casos, práticas que se distanciam das tendências contemporâneas da educação musical, pois não costumam levar em consideração a vivência musical e cultural dos alunos, nem abrir espaço para a criação, improvisação e demais aspectos importantes do fazer musical. Assim, na intenção de superar tais dificuldades e contribuir para o ensino de música nesse espaço, esta pesquisa teve como objetivo geral analisar as estratégias e processos de ensino e aprendizagem de música empregados em oficina do Programa Mais Educação em uma escola pública de João Pessoa. Para tanto, optei pela pesquisa-ação: além de pesquisa bibliográfica e documental sobre o programa, sobre educação musical e educação integral, entrevistas semiestruturadas com agentes envolvidos e questionário com os alunos, a pesquisa envolveu, como intervenção, a minha própria atuação como monitor da oficina de Canto Coral durante todo o segundo semestre de 2014, em uma escola municipal, aqui denominada de Escola X. Nas aulas, procurei colocar em prática diretrizes contemporâneas para a educação musical. Desta forma, planejei e desenvolvi as aulas a partir da vivência musical do aluno, registrando-as e refletindo sobre minha prática para ajustá-la sempre que necessário. Como resultado, foi possível realizar um trabalho efetivo em música, através de um processo em que os alunos vivenciaram a experiência de cantar e tocar em conjunto canções escolhidas por eles mesmos; apreciar conscientemente repertório de seu cotidiano; criar pequenos arranjos; compor um rap e participar de uma apresentação na quadra da escola para os pais e alunos. No entanto, a não obrigatoriedade da frequência dos alunos, principal dificuldade encontrada, prejudicou bastante o desenvolvimento de um trabalho contínuo, pois, a cada aula novos alunos chegavam e outros saíam, caracterizando, assim, um espaço aonde eles iam quando desejavam passar o tempo ocioso. Além disso, o aparente desconhecimento das funções do programa por parte da direção da escola dificultava um trabalho integrado com as atividades do turno regular, contrariando as orientações de seus documentos oficiais. Desse modo, concluí que, embora o Programa Mais Educação não tenha cumprido sua função indutora de educação integral na Escola X, as atividades musicais realizadas na pesquisaação, que consideraram e respeitaram as experiências prévias dos alunos, mostraram-se importantes estratégias nesse contexto específico. Espera-se, portanto, que a presente pesquisa possa contribuir para a discussão sobre a educação musical nos espaços escolares e, especificamente, no Programa Mais Educação.

Submitted by Cristhiane Guerra (cristhiane.guerra@gmail.com) on 2017-01-05T16:56:13Z No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 26411421 bytes, checksum: 4e95c652883f9637b7450b12a836de29 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-05T16:56:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 26411421 bytes, checksum: 4e95c652883f9637b7450b12a836de29 (MD5) Previous issue date: 2010-09-28 / This work can be divided into four parts. The first part consists in references of theoretical and methodological and contains two chapters. The first chapter contextualizes the marching bands, presenting and describing the methodological procedures used to perform this work, as well as the rationale and literature review. This is the theoretical framework that supports the analysis and subsequent discussion. The second chapter presents the bands in a broad sense and diachronic, since his arrival in Brazil and the course of this story, through Paraíba, definitions of musical bands, the fanfare and marching bands to achieve the specificity of BMCA - Banda Marcial Castro Alves - style and drum corp. The second part consists of the presentation, analysis and discussion of the dice, involving the third chapter, which contextualizes the relationship with the band's social environment, interaction with the community and the school. The fourth chapter presents the transformation of the drum corp fanfare, the BMCA. The third part that covers five chapters describing the forms of admission, teaching and learning music in BMCA, in the form of a daily test.The sixth chapter reports the daily presentations that followed and analyzed during the research, from presentations in theaters, parades and competitions to my participation as a musician in the band. Part Four, chapter seven analyzes of works in styles representative, composed or arranged for bands to BMCA. The final consideration presents some conclusions and possible research contributions. / Este trabalho pode ser dividido em quatro partes. A primeira parte consiste nos referenciais teórico-metodológicos e contém dois capítulos. O primeiro capítulo contextualiza as bandas marciais, apresentando e descrevendo os procedimentos metodológicos utilizados para a realização do presente trabalho, assim como a justificativa e a revisão da literatura. Esse referencial teórico é que sustenta a análise e discussão subsequentes. No segundo capítulo apresenta-se as bandas em um sentido amplo e diacrônico, desde a sua chegada no Brasil e o transcorrer desta história, passando pela Paraíba, as definições de bandas musicais, de fanfarras e de bandas marciais até alcançar a especificidade da BMCA – Banda Marcial Castro Alves – e do estilo drum corp. A segunda parte consiste na apresentação, análise e discussões dos dados, envolvendo o terceiro capítulo, que contextualiza a relação da banda com o entorno social, a interação com a comunidade e o espaço escolar. O quarto capítulo apresenta a transformação, de fanfarra a drum corp, da BMCA. A terceira parte que abrange os capítulos cinco que descreve as formas de ingresso, o ensino e a aprendizagem musical na BMCA, em forma de um diário de ensaios. O sexto capítulo reporta ao diário de apresentações que acompanhei e analisei durante a pesquisa, desde apresentações em teatros, desfiles e concursos até minha participação como instrumentista na banda. Quarta parte, capítulo sete analisa de obras, em estilos representativos, compostas para bandas ou arranjadas para a BMCA. As considerações finais apresentam algumas conclusões, bem como possíveis contribuições da pesquisa.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112529.pdf: 1210493 bytes, checksum: 678de388abf9bcc85697adc0e5932631 (MD5) Previous issue date: 2013-03-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação consiste na investigação dos processos metodológicos de ensino coletivo de bateria e percussão de um professor do curso de Bacharelado em Música. O trabalho identifica e descreve tais processos, analisando as concepções de ensino de música do professor participante. Esta pesquisa foi elaborada a partir da abordagem qualitativa, empregando-se o estudo de caso como método e observação participativa, entrevistas, notas de campo e gravações em vídeo das aulas, como técnicas de coleta de dados. As observações ocorreram durante um semestre letivo nas aulas das disciplinas de Instrumento Principal e de Grupos Musicais referentes ao primeiro, terceiro e quinto período do curso. As entrevistas foram de dois tipos: não-estruturada, através da retro-informação do vídeo (LOIZOS, 2007) para análise do professor; e semi-estruturada, oportunizando um diálogo entre os pontos destacados na observação. A revisão de literatura abordou textos que se reportam ao ensino coletivo de instrumentos, sendo usada na análise dos dados. Os resultados das análises apontam que o professor do caso investigado, através de um ambiente calmo e pessoal, combina aulas individuais e coletivas, usa o repertório como fio condutor das atividades, usa os recursos disponíveis (salas, instrumentos e tecnologias) e processa o seu ensino em grupo instrumental, pautando-se em uma relação de ensino e aprendizagem dialogada. Da mesma forma, facilita e media os processos de ensino e aprendizagem com os alunos, de forma a construir os conhecimentos musicais através da criação, audição e execução. Usa o Grupo de Percussão como estratégia metodológica. Foi possível constatar, também, apesar de o professor explanar suas práticas, que suas falas não revelam uma teoria subjetiva própria conforme abordam os estudos do pensamento do professor.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112516.pdf: 13557194 bytes, checksum: 408f173d69b423e9450da596a607a94e (MD5) Previous issue date: 2013-04-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação tem como objetivo investigar as sonatas para guitarra compostas e publicadas na cidade de Viena nas primeiras décadas do século XIX. Trata-se de um conjunto de vinte obras, escritas por quatro compositores: Simon Molitor, Wenzeslaus Matiegka, Anton Diabelli e Mauro Giuliani. O estudo envolve uma discussão sobre a sonata enquanto gênero e forma, questões históricas e sociais, análise formal e estilística de cada uma destas obras e aspectos comparativos em relação a obras de outros compositores do mesmo período, tais como Haydn, Mozart, Beethoven e Schubert. Uma sonata de cada compositor é analisada extensivamente e as restantes são comentadas nas suas características sobressalentes.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112515.pdf: 5708052 bytes, checksum: 1dc36cc0a7f1e3f9e5c028a94671f399 (MD5) Previous issue date: 2013-03-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esse trabalho consiste da investigação das estratégias composicionais adotadas por alguns violonistas compositores contemporâneos brasileiros, para caracterização dos gêneros choro, jongo e baião em suas obras para violão. Por essas obras fazerem parte de um universo conhecido como ¿violão brasileiro¿, inicialmente realizou-se um levantamento bibliográfico de questões históricas do violão no Brasil, assim como também dos gêneros tratados e suas respectivas características. A principal ferramenta de análise foi o conceito de spatio-motor thinking, termo criado por Baily (1985) para determinar os padrões de movimento formadores das estruturas musicais rítmicas e melódicas que caracterizam os gêneros abordados. Essa investigação identifica, entre outros aspectos, a tradução para o repertório violonístico de elementos retóricos de cada um dos gêneros tratados, assim como a representação de movimentos inerentes do toque do pandeiro, da zabumba, do triângulo, da sanfona e dos tambores transpostos para o violão.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112514.pdf: 13441942 bytes, checksum: 91d8223e0d9aa82ef69cb94b5da98970 (MD5) Previous issue date: 2013-04-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Localizada no planalto norte de Santa Catarina, São Bento do Sul é conhecida como ¿cidade da música¿, e em seu cenário musical destaca-se a Orquestra de Câmara São Bento do Sul (OCSBS). Fundada em 1955 e composta basicamente por alunos e professores da Escola de Música Donaldo Ritzmann, a OCSBS carrega consigo a herança das primeiras orquestras da cidade. Este trabalho divide-se em duas partes: a primeira apresenta uma pesquisa histórica sobre a prática orquestral em São Bento do Sul com enfoque na OCSBS, a partir de documentos, programas e demais registros, encontrados principalmente nos arquivos da Escola de Música Donaldo Ritzmann e com pessoas ligadas à OCSBS. Na segunda parte são discutidos os resultados de uma pesquisa buscando determinar o papel da orquestra para o município como formadora de gosto, os hábitos musicais e perfil social do seu público.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112513.pdf: 19011036 bytes, checksum: d17ef97dfa0eb821754cbb24b43940a4 (MD5) Previous issue date: 2013-04-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Nos séculos XVII e XVIII os clavecinistes utilizaram características composicionais do alaúde para gerar uma linguagem própria para o cravo, explorando e criando novas possibilidades de composição que se perpetuaram de geração em geração, ampliando e inovando o repertório do instrumento. Por meio de compositores como Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772) e Jean-Philippe Rameau (1683-1764) estabeleceu-se um novo tipo de escrita para cravo obbligato que permitiu que o instrumento obtivesse destaque maior em um ensemble, compartilhando muitas vezes a função de solista junto com outros instrumentos melódicos. A partir das publicações dos compositores mencionados, seguiram-se inúmeras obras para cravo obbligato acompanhado de outro instrumento. Neste trabalho é apresentada uma reflexão sobre essa mudança de escrita cravística principalmente a partir das Pièces de Clavecin en Concert de Jean-Philippe Rameau, publicadas em 1741, e é realizada uma breve contextualização sobre características composicionais do alaúde para um melhor entendimento da tradição da linguagem do cravo.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113291.pdf: 7552729 bytes, checksum: 4c68248498366bb48a37372ab06ded38 (MD5) Previous issue date: 2013-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation analyzes the cycle "light and shadow" of the brazilian composer Harry Crowl (1958) comprising the works: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997) e No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). The goal was to relate musical structures to phenomena of light and shadow that inspired these works, as well as aesthetically and historically situate the resources involved in this representation. The work of Harry Crowl makes a strong allusion to the visible with a musical language that is the synthesis of several references. First, its language is contextualized within postmodernism front of the most striking features of concert music in the second half of the century. In a second moment, considerations ball visible in music brings relationships between sound, color, light and texture. Subsequently, a survey on musical representation of light and shadow throughout history shows strategies used by other composers. Finally, through interviews with the composer, a study on the genesis of the cycle in question works and musical analysis with emphasis on texture attempts to uncover the structures involved in the musical depiction of light and shadow. / Este trabalho analisa o ciclo ¿luz e sombra¿ do compositor brasileiro Harry Crowl (1958) formado pelas obras: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997); No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). O objetivo foi relacionar estruturas musicais aos fenômenos de luz e sombra que inspiraram estas obras bem como situar historicamente e esteticamente os recursos envolvidos nesta representação. A obra de Harry Crowl faz uma forte alusão ao visível com uma linguagem musical que é síntese de várias referências. Primeiramente, sua linguagem é contextualizada dentro do pós-modernismo frente às características mais marcantes da música de concerto na segunda metade do século XXI. Em um segundo momento, considerações sobre a esfera do visível em música traz relações entre som, cor, luz e textura. Posteriormente, um levantamento sobre a representação musical de luz e sombra ao longo da história mostra estratégias utilizadas por outros compositores. Finalmente, mediante entrevista com o compositor, um estudo sobre a gênese das obras do ciclo em questão e análise musical com ênfase na textura procura desvendar as estruturas musicais envolvidas na representação de luz e sombra.