Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 SamanthaCohen.pdf: 696775 bytes, checksum: 7818d5189440890278e0407d6a595a15 (MD5) Previous issue date: 2010-02-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research paper aims to investigate the structure and relationships within existing and stable theatre groups. This paper analyses 5 groups established in the early 1990's, having a body of work of considerable importance both at the local and national level. The groups under consideration are based in the south and south-east regions of Brazil: Cia Carona (Blumenau/SC); Vigor Mortis Curitiba/PR); Falos & Stercus (Porto Alegre/RS), Teatro da Vertigem (São Paulo/SP) and Os dezequilibrados (Rio de Janeiro/RJ). The current work combines bibliographic and field research. Emphasis is laid on factors that influence the establishment of the collective identity, such as, analysis and mapping of the group organization, delegation of artistic and administrative tasks, the level and types of relationship established between the group members and their environment. A second objective of this work is to highlight the differences and the survival strategies of theatre groups based at distinct locations. At the end of this paper the profiles of the five theatrical groups are presented with the intent of providing the reader an opportunity to ponder on the artistic reality of contemporaneous theatre groups. This may serve as research material to directors, actors and researchers concerned with the recent history and experience of Brazilian theatre / A presente pesquisa tem como foco principal investigar estruturas e relações de grupos teatrais estáveis, criados no início dos anos 1990 e com uma produção teatral de relativa importância dentro do atual contexto teatral regional e nacional. Os cinco grupos estudados estão sediados nas regiões sul e sudeste do Brasil, são eles: Cia. Carona (Blumenau/SC); Vigor Mortis (Curitiba/PR); Falos & Stercus (Porto Alegre/RS), Teatro da Vertigem (São Paulo/SP) e Os dezequilibrados (Rio de Janeiro/RJ). A pesquisa alia estudo bibliográfico a estudo de campo. No decorrer do trabalho são mapeados e analisados a organização dos grupos, a divisão de funções artísticas e administrativas, e os níveis e tipos de relações estabelecidas entre os integrantes e o seu entorno; a fim de perceber como estas questões influenciam na formação das identidades artísticas dos coletivos. Outro objetivo importante da pesquisa é tentar perceber as diferenças e aproximações dos modos de sobrevivência de grupos teatrais localizados em distintos lugares. Ao final são apresentados os perfis de cinco coletivos com o intuito de possibilitar o leitor refletir a respeito da realidade artística de grupos teatrais contemporâneos e oferecer material de estudo e reflexão a diretores, atores e pesquisadores acadêmicos que se interessam pela recente história e prática teatral brasileira

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 clarice.pdf: 3685560 bytes, checksum: f5aed82432693765185253955ce84bf1 (MD5) Previous issue date: 2010-04-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Playback Theatre is a theatrical form in which actors improvise real stories told by people in the audience, with the figure of the conductor as a link between artists and the public. Created in 1975 by Jonathan Fox, there are playback theatre groups in more than 30 countries. In Brazil it is a relatively unknown practice. In this sense this essay is intended to clarify the objectives of the playback theatre, its techniques and procedures. The main question of research concerns the training necessary for the performance in playback theatre in terms of art and ethics. More than a theoretical approach, this research presents a study immersed in practice, infused with real stories, constructed from a rational, emotional and physical engagement of the author / O teatro playback é uma forma teatral em que os atores improvisam histórias reais contadas por pessoas da platéia, tendo a figura do condutor como elo entre os artistas e o público. Criado em 1975 por Jonathan Fox, já existem grupos que fazem teatro playback em mais de 30 países. No Brasil é uma prática relativamente desconhecida. Nesse sentido essa dissertação tem como objetivo explicitar os objetivos do teatro playback, suas técnicas e procedimentos. O principal questionamento da pesquisa diz respeito à formação necessária para a atuação no teatro playback em termos artísticos e éticos. Mais do que uma aproximação teórica, a presente pesquisa apresenta um estudo mergulhado na prática, imbuído de histórias reais, construído a partir de um envolvimento racional, emocional e físico da autora

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 debora.pdf: 906847 bytes, checksum: 5ae7f5c8f982fd575f75b745592ed524 (MD5) Previous issue date: 2009-12-11 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The research aims to investigate the clown formation process, recognizing the technical principles and pedagogic procedure used in the clown/apprentice formation. The study of how to operationalize the practice of teaching/learning the clown art shows a group of knowledge that can be used by young artists to help them in practice. This investigation analyzes the trajectory of three professional artists: Ângela de Castro, Esio Magalhães and Fernando Cavarozzi. The study, in qualitative terms, presents initially a literature review seeking to investigate codes that define this artistic expression. Afterwards, it is analyzed the professional life of the three artists. This is made by the observation of their shows, workshops, courses and by interviewing them. The presentation of the procedure used by them regularly, far from reduce it to spreadsheets and unchangeable schemes, intends to point out a group of good advices to assist young artists to build their own artistic and professional life / A pesquisa objetiva investigar o processo de formação do palhaço, (re)conhecer princípios técnicos e procedimentos pedagógicos utilizados na formação do palhaço/aprendiz. O estudo dos modos de operacionalizar a prática de ensino/aprendizagem na arte da palhaçaria evidencia um conjunto de saberes que podem instrumentalizar a prática de jovens artistas. Esta investigação analisa a trajetória de três artistas profissionais. São eles: Ângela De Castro, Esio Magalhães e Fernando Cavarozzi. O estudo, de caráter qualitativo, apresenta inicialmente uma revisão da bibliografia na busca de investigar códigos que definem esta linguagem artística. Posteriormente, desenvolve-se uma análise dos percursos dos três artistas. Tal análise se efetua por meio da observação de espetáculos, oficinas, cursos e com a realização de entrevistas. A apresentação dos procedimentos recorrentes por eles utilizados, longe de reduzi-los a planilhas e esquemas imutáveis, pretende apontar um conjunto de bons conselhos para auxiliar jovens artistas na construção de seus próprios caminhos profissionais e artísticos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 HenriqueTeatro.pdf: 2789404 bytes, checksum: d7eebde9745970e396a4e52e2c5e62ac (MD5) Previous issue date: 2010-06-23 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The goal of this work is to observe and reflect about how metalanguage and irony can be articulated and manifested in contemporary scene. The aesthetic procedures more frequently used in building metalinguistic and ironic spectacles and how they can act over and with the spectator, stablishing (or not) an open scene, plural, non-univocal, and that accepts (or even claims for) the participation of the spectator as the scene co-author. This research is many times about non-verbal elements of scene, trespassing the boundaries of theatrical text. To exemplify the theoretical reflexions here presented I analise four theatre plays from different groups from Curitiba nowadays: Morgue Story (2004), from Vigor Mortis; Mulher artificialmente branca [Artificially White Woman] (2006), from Barridos da Cena; Gambiarra (2008/2009), from Elenco de Ouro; and O bom selvagem [The Noble Savage] (2006), from Kiwi Cia. De Teatro. Themes such as Grand Guignol, trash, image theatre, the carnivalization and the political in theatre permeate the analysis. The dissertation is structured in two chapters. In the first chapter I address the elements and procedural features of metalanguage and its reverberations in an art, in a theatre that places itself as object of reflexion, that questions itself as language (self-questioning) before the audience, in scene. In the second chapter I perform a raid through current definitions of irony, from linguistic and literary studies to theatre. Unlike the previous chapter the descriptions and analysis of ironies that appear in the plays don´t get concentrated in the end of the text: they spread throughout the issues, punctuating and increasing the steps of theoretical reasoning and providing empirical support for subsequent discussions / O objetivo deste trabalho é observar e refletir como a metalinguagem e a ironia podem ser articuladas e manifestadas na encenação contemporânea. Quais são os procedimentos estéticos utilizados com maior freqüência na construção de espetáculos metalingüísticos e irônicos, e como os mesmos podem atuar sobre e com o espectador, instaurando (ou não) uma cena aberta, plural, não-unívoca, e que aceita (e até mesmo necessita) a participação do espectador como co-autor da cena. A pesquisa debruça-se, muitas vezes, sobre elementos não-verbais da encenação, ultrapassando os limites do texto teatral. Para exemplificar as reflexões teóricas apresentadas, analiso quatro espetáculos de diferentes grupos curitibanos atuais: Morgue Story (2004), da Vigor Mortis; Mulher artificialmente branca (2006), da Barridos da Cena; Gambiarra (2008/2009), do Elenco de Ouro; e O bom selvagem (2006), da Kiwi Cia. de Teatro. Temas como o Grand Guignol, o trash, o teatro de imagens, a carnavalização e a questão do político no teatro permeiam as análises. A dissertação é estruturada em dois capítulos. No primeiro capítulo, abordo os elementos e características processuais da metalinguagem e suas reverberações em uma arte, em um teatro que coloca a si mesmo como objeto de reflexão, que se interroga enquanto linguagem (auto-questionamento) diante do público, em cena. No segundo capítulo, realizo uma incursão pelas atuais definições de ironia, partindo de estudos lingüísticos e literários até chegar, por extensão, ao teatro. Ao contrário do capítulo anterior, as descrições e análises das ironias presentes nos espetáculos não se concentram ao final do texto: elas se espalham ao longo dos itens, pontuando e encorpando as etapas do raciocínio teórico e fornecendo bases empíricas para as discussões

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Raquel.pdf: 776852 bytes, checksum: a76408a0e5f392543e1fde4e15a3f21e (MD5) Previous issue date: 2010-11-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The research is concerned with the vocal and sonorous production directed to the teaching of drama at school through the methodological approach of drama, whose creative procedure is associated to the construction of theatrical narratives. The investigation of sounds is related to a set of activities such as games, plays and strategies capable of emphasizing the vocal emission and the composition of sounds. The understanding of voice in theater is given from the perspective of poetics and explores the principles of musicality as a bearer of the meanings attributed to words. The meaning comes from the result of the connotation of the word itself and the way that sonorous elements are organized in vocalization. Dialoguing with the voice, the sounds make up the sonorous space and are produced by different materials such as paper, plastic and metal, obtaining different sonorities depending on the way in which objects are manipulated (friction, percussion, etc). The sonorous potential of voice and noises is explored in the theatrical narrative, created in the process of drama, in form of scenes, composition of dramatic atmospheres, sound design, vocalizations and other activities that emphasize the vocal and sonorous production. The process drama is the practice of teaching developed by the research in the scholastic environment, it is related to the after-criticism educational theory that deconstructs the notion of knowledge as a set of universal contents and proposes the understanding of the local and specific character of knowledge related to the very own educational experience in which it was, primarily produced / A pesquisa trata da produção vocal e sonora direcionada para o ensino do teatro na escola através da abordagem metodológica do drama, cujo procedimento criativo está associado à construção de narrativas teatrais. A investigação sonora está relacionada a um conjunto de atividades que se caracterizam como jogos, brincadeiras e estratégias capazes de enfatizar a emissão vocal e a composição de sonoridades. A compreensão da voz no teatro é proferida pelo viés da poética e explora os princípios da musicalidade como portadores dos sentidos atribuídos às palavras. O significado é um resultante entre a conotação própria da palavra e o modo como os elementos sonoros estão organizados na vocalização. Em diálogo com a voz, os ruídos compõem o espaço sonoro e são provocados por diferentes materiais (papel, plástico, metal); eles adquirem diferentes sonoridades em função do modo pelo qual os objetos são manipulados (fricção, percussão, etc.). O potencial sonoro da voz e dos ruídos é explorado durante a narrativa teatral, criada no processo de drama em forma de cenas, composições de atmosferas dramáticas, sonoplastias, jogos vocálicos, entre outras atividades que dão ênfase à produção vocal e de sonoridades. O processo de drama é a prática de ensino desenvolvida pela pesquisa no ambiente escolar e está relacionada com a teoria educacional póscrítica que desconstrói a noção do conhecimento como um conjunto de conteúdos universais e propõe a compreensão do caráter local e específico do conhecimento, relativo à própria experiência pedagógica na qual ele foi, antes de tudo, produzido

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Daiane.pdf: 1461286 bytes, checksum: f87c39007fbe8883c78cbc359fdfbf32 (MD5) Previous issue date: 2010-11-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This present research elaborates a reflection on contemporary actor s dramaturgy and performance, contextualizing the current treatrical production in the assumptions of the postdramatic theatre, - conceptualized by Hans-Thies Lehmann -, and taking as a pratical experiment the play Smoked Love. It examines the key changes from the dramatic theatre to the postdramatic theatre, taking into consideration some changes offered by the postmodernity in the society and arts. In this context, they are still listed some principles of contemporary acting perceived in the investigative process of this study. Smoked Love presents a love triangle irresolute, liquified, and virtualized in their relations, reviewed here principally from studies of the philosopher and sociologist Zygmunt Bauman, and others researchers in the field of communication. The process of creating the experiment Smoked Love, which allowed the reflection dialetic between theory and pratice, in this study, is also recorded and analyzed, focusing on the performance of the soloist and her relations with various media presents in the spectacle / Esta presente pesquisa elabora uma reflexão sobre dramaturgia do ator contemporâneo e performance, contextualizando a produção teatral atual nos pressupostos do teatro pós-dramático, - conceituado por Hans-Thies Lehmann -, e tendo como experimento prático o espetáculo Smoked Love. Analisam-se as alterações essenciais do teatro dramático para o teatro pós-dramático, levando em consideração algumas transformações proporcionadas pela pós-modernidade na sociedade e nas artes. Neste contexto, são indicados ainda alguns princípios de atuação contemporânea percebidos no processo investigativo deste estudo. Smoked Love apresenta um triângulo amoroso irressoluto, liquefeito, virtualizado em suas relações, analisado aqui principalmete a partir dos estudos do filósófo e sociólogo Zygmunt Bauman, além de outros estudiosos da área da comunicação. O processo de criação do experimento cênico Smoked Love, que possibilitou a reflexão dialética entre teoria e prática neste estudo, também é registrado e analisado, tendo como foco a atuação da solista e suas relações com as diversas mídias do espetáculo

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 luciano.pdf: 7743414 bytes, checksum: dfcd5b6fcb6c0395611e3fd8aacf759d (MD5) Previous issue date: 2010-03-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / In this dissertation I observed the ways the artists of Giramundo Teatro de Bonecos , group of puppet theater of Belo Horizonte city, Minas Gerais State, appropriated the Brazilian cultural representations ― such as causos and stories, songs, dances, dialects and local accents, legends, myths, characters, beliefs, backgrounds, customs and doings ― for the elaboration/composition of the texts, characters, and soundtracks of the shows Um Baú de Fundo Fundo (1975), Cobra Norato (1979) and Os Orixás (2001). In the first play, which is analyzed in the opening chapter, I noticed that not only in its text but also in its soundtracks, the oral and written figurations of the speaking, thinking and living ways of inland inhabitants of Minas Gerais State. Besides that, I noticed musical representations of the popular songbook that are deep-seated inside of the imagination of many Brazilians: nursery, work, leisure, satirical, mischievous and sentimental rhymes and also one congada . Furthermore, among the puppets of the play Um Baú de Fundo Fundo , I observed the figuration of unreal characters, of storytellers, of hickies, of characters of military Brazilian dictatorship and the desire for freedom of thinking and expression. At last, still in this initial chapter, I have brought the concepts of representation, cultures and iconography. In Cobra Norato , montage analyzed in the second chapter, Brazil is praised by the Giramundo group, which goes deeper in its interests regarding hybrid national culture and mix ― for the conception of some puppets in this play ― forms of the Brazilian arts craft with international artistic shapes and ideas. Moreover, the categories miscegenation, mestizo, hybridism and syncretism are clashed with the iconography of these puppets. Cobra Norato brings us symbolizations of legendary and mythological creatures which inhabit Brazilian imagination, specially of the northern population. In Cobra Norato script, I pointed out several peculiar linguistic features of the inhabitants of the Amazon region and I came across superstitions and popular beliefs, causos and animal stories, and again with the censorship. On the other hand, in the soundtrack of this play I can hear songs like the toada and the wailing of the viola, and several noises that suggest the animalistic, extraordinary and unreal world of the Amazon jungle. Finally, in the Os Orixás , play studied in the third chapter, Giramundo celebrates the afro-brazilian cultures. Therefore, the group appropriates artistic-cultural, ritualistic, mythological aspects of the cult to orishas. Here, a mythological pantheon of afrobrazilian gods is represented, from where I extracted a representative sampling of the beauty and richness of the accessories, clothes, weapons, jewelry, as well as gestures that occur in its dances and its relationships with the daily life of humans. Alvaro Apocalypse s text narrates to us about the origins, legends, passions and rites of some of these gods. In the soundtrack of this play, I noticed the presence of songs, rhythms and instruments of umbanda and candomble ; as well as syncretic songs from the clash between afro-brazilian cults with christian, indigenous and spiritist beliefs. Lastly, from these songs on, the concept of syncretism is deepened / Nesta dissertação observo de que maneira os artistas do Giramundo Teatro de Bonecos, grupo de Teatro de Animação de Belo Horizonte, Minas Gerais, se apropriaram de representações culturais brasileiras tais como causos e histórias, canções, danças, falares e regionalismos lingüísticos, lendas, mitos, personagens, crenças, práticas, costumes e fazeres para a elaboração/composição dos textos, personagens e trilhas sonoras dos espetáculos Um Baú de Fundo Fundo (1975), Cobra Norato (1979) e Os Orixás (2001). No primeiro espetáculo, que é analisado no capítulo de abertura, noto tanto em seu texto, quanto em sua trilha sonora, a figuração escrita e oral do modo de falar, de pensar e de viver típicos dos habitantes do interior de Minas Gerais. Além disso, percebo representações de músicas do cancioneiro popular que se encontram entranhadas no imaginário de muitos brasileiros: cantigas de roda, de trabalho, de diversão, cantigas satíricas, brejeiras e sentimentais e também uma congada. Não obstante, dentre os bonecos dessa peça observo a figuração de personagens fantásticos, de contadores de histórias, de caipiras, de figuras representantes da ditadura militar brasileira e do desejo de liberdade de expressão e de pensamento. Enfim, ainda neste capítulo inicial, trago os conceitos de representação, culturas e iconografia. Já no Cobra Norato, montagem examinada no segundo capítulo, o Brasil é exaltado pelo grupo mineiro, que também aprofunda seus interesses em relação às culturas mestiças nacionais e hibridiza ― para a concepção de certos bonecos desta peça ― formas do artesanato brasileiro com formas e idéias artísticas internacionais. Aliás, as categorias mestiçagem, mestiço, hibridismo e sincretismo são confrontadas com a iconografia desses bonecos. Ademais, Cobra Norato traz ainda simbolizações de criaturas lendárias e mitológicas que habitam a imaginação dos brasileiros, em particular dos nortistas. Sem demora, no seu texto aponto vários regionalismos lingüísticos característicos dos habitantes da região do Amazonas e deparo-me com superstições e crenças populares, causos e histórias de animais, e, novamente, com as censuras. Por outro lado, na trilha sonora desta peça, ouço cantigas como a toada e o chorado na viola, e vários ruídos que sugerem o mundo animalesco, extraordinário e irreal da floresta amazônica. Por último, em Os Orixás, peça estudada no terceiro capítulo, o Giramundo celebra as culturas afro-brasileiras. Ademais, se apropria de aspectos artísticoculturais, ritualísticos e mitológicos do culto aos orixás. Aqui, encontra-se representado um panteão mitológico de deuses afro-brasileiro , do qual extraí uma amostragem representativa da beleza e riqueza dos seus paramentos, indumentárias, armas e jóias, assim como das gestualidades recorrentes em suas danças e de suas relações com o cotidiano dos humanos. O texto de Álvaro Apocalypse nos conta sobre as origens, lendas, paixões e ritos de alguns destes deuses. Por sua vez, na trilha sonora desta peça, percebo a presença de cantigas, ritmos e instrumentos da umbanda e do candomblé; assim como escuto canções sincréticas oriundas do choque entre cultos afro-brasileiros com práticas e crenças cristãs, ameríndias e espíritas. Finalmente, a partir destas canções, o conceito de sincretismo é aprofundado

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Patricia.pdf: 7818115 bytes, checksum: 17e5c88b0725b9bec26aaf11e7fb0238 (MD5) Previous issue date: 2011-04-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The aim of this research is to understand the concept of urban theatricality in national contemporary street theater context. It is based on the presentations of Das Saborosas Aventuras de Dom Quixote de La Mancha e seu Escudeiro Sancho Pança - Um capítulo que poderia ter sido of Teatro que Roda theatrical group (Goiânia/GO), Dar não dói, o que dói é resistir of Tá na Rua theatrical group (Rio de Janeiro/RJ), and Mithologias do Clã of Falos & Stercus collective (Porto Alegre/RS). The approach begins with interviews and studies in existing literature. In this work, I contextualize the cities history, as well as theatrical uses, from the past to the present, in order to understand the existing street theater and the contemporaneity theatrical creation style for this specific space. For this, I have used relevant concepts to this research in order to understand the issue of flow, environment, and other uses that are made by citizens do in the urban space, and which may be related to the artistic creation / Este estudo tem como objetivo a compreensão sobre a noção de teatralidade urbana dentro do contexto do teatro de rua nacional contemporâneo. São utilizadas como base as encenações Das Saborosas Aventuras de Dom Quixote de La Mancha e seu Escudeiro Sancho Pança - Um capítulo que poderia ter sido do grupo teatral Teatro que Roda (Goiânia/GO), Dar não dói, o que dói é resistir do grupo Tá Na Rua (Rio de Janeiro/RJ) e Mithologias do Clã do coletivo Falos & Stercus (Porto Alegre/RS). A pesquisa se dá a partir de estudo de campo e entrevistas aliados à bibliografia vigente. No decorrer do trabalho contextualizo a história das cidades, assim como suas utilizações teatrais, dos primórdios até a atualidade, afim de compreender o teatro de rua existente na contemporaneidade e o modo de criação cênica para esse espaço específico. Para tanto utilizo conceitos pertinentes a esta pesquisa com o intuito de entender a questão do fluxo, ambiente e outros usos que os cidadãos criam dentro do espaço urbano e que podem ser relacionados com a criação artística

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 marcelle.pdf: 755204 bytes, checksum: d21df4dbd92d35d813eaa05864b28832 (MD5) Previous issue date: 2011-06-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation deals with the possible contributions of Somatic Education to the training of puppeteers. The research is based on the pedagogic practice developed by Jo Lacrosse and Claire Heggen, both professors at the École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette in Charleville-Mézières/France. Both use three different approaches to Somatic Education the Feldenkrais Method, Eutonia and Alexander Technique as basis for the training of the puppeteer. Besides the theories developed by Moshé Feldenkrais, Gerda Alexander and Matthias Alexander, this study makes use of articles published in the field as well as interviews carried out with these professors. Researchers such as Marcos Souza (2005), Ana Maria Amaral (2002), José Parente (2007), Michael Meschke (1988), Freddy Artiles (1998), Rafael Curti (2007), Felisberto Costa (2000) and Valmor Beltrame (2005) contributed to our understanding of the importance of the training of the puppeteer. In this context, this study stresses the role played by Somatic Education as a support to develop the expressive quality of movement and a means to avoid that physical problems in the body occur due to the extraquotidien position of the puppeteer during his work. The Feldenkrais Method, Eutonia and Alexander Technique help to organize the body movement by showing the importance of leaning on the skeletal structure, balancing the muscle tone and using the profound muscles as a basis for movement / Esse estudo aborda possíveis contribuições da Educação Somática no trabalho corporal do ator no Teatro de Animação. A pesquisa baseou-se na prática pedagógica desenvolvida por Jo Lacrosse e Claire Heggen, professores da École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette, em Charleville- Mézières, França. Ambos os professores utilizam três abordagens somáticas Método Feldenkrais, Eutonia e Técnica de Alexander como suporte para o trabalho corporal do ator animador. As teorias desenvolvidas por Moshé Feldenkrais, Gerda Alexander e Matthias Alexander referenciam este estudo, aliado a artigos e entrevistas realizadas com os dois professores, quatro alunos e um ex-aluno da escola francesa. Autores como Marcos Souza (2005), Ana Maria Amaral (2002), José Parente (2007), Michael Meschke (1988), Freddy Artiles (1998), Rafael Curti (2007), Felisberto Costa (2000) e Valmor Beltrame (2005) contribuem para a compreensão da importância do trabalho corporal na formação do ator animador. O estudo O CORPO NO TEATRO DE ANIMAÇÃO: contribuições da EDUCAÇÃO SOMÁTICA na formação do ator enfatiza o papel das práticas somáticas como facilitadoras do desenvolvimento da qualidade expressiva do movimento e como meio de evitar o surgimento de problemas posturais decorrentes da postura extracotidiana de animação. O Método Feldenkrais, a Eutonia e a Técnica de Alexander favorecem a organização do movimento, por meio do uso dos apoios da estrutura óssea, do equilíbrio do tônus muscular e do uso da musculatura profunda como suporte para realizar o movimento

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 emerson.pdf: 14836315 bytes, checksum: 79412546c77261d1e9cce7b1fc8d0482 (MD5) Previous issue date: 2011-09-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study describes and analyzes the activities developed with Shadow Theatre in two workshops carried with educators in the city of Imbituba - SC, in the period between May and July, 2010. Ideas on (re)discovery of shadow and experience are debated throughout three phases of the research. In the first phase, the bibliographical survey subsidizes studies on historical and technical elements about the art of the Shadow Theater, emphasizing the work of the puppeteer, the screens, the luminous fountains and the silhouettes. The second and third phases are dedicated to the description and analysis of the workshops, in which the profile of the participants, the developed activities and theatrical games are presented, in addition to the materials used for the scenes. Part of the pedagogical procedures carried out in the workshops was based on the methodology proposed by Viola Spolin. Texts by scholars such as John Dewey, Walter Benjamin and Jorge Larrosa Bondía provided the theoretical support for the analyses of the experience. The study still stresses the procedures of scene creation and the final work presented to the public. It also highlights the presentation of the participants impressions and the workshop photos / O estudo descreve e analisa as atividades desenvolvidas com Teatro de Sombras em duas oficinas realizadas com educadores na cidade de Imbituba SC, no período de 04 de maio a 28 de julho de 2010. Ideias sobre (re)descoberta da sombra e experiência são debatidas ao longo das três etapas da pesquisa. Na primeira etapa, o levantamento bibliográfico subsidia estudos sobre elementos históricos e técnicos sobre a arte do Teatro de Sombras, enfatizando o trabalho do ator-animador, as telas, as fontes luminosas e as silhuetas. A segunda e a terceira etapa são dedicadas à descrição e análise das oficinas, nas quais são apresentados o perfil dos participantes, as atividades e os jogos teatrais desenvolvidos, além dos materiais utilizados na realização das cenas. Parte dos procedimentos pedagógicos realizados nas oficinas se apoiou na metodologia proposta por Viola Spolin. Textos de autores, como John Dewey, Walter Benjamin e Jorge Larrosa Bondía, subsidiaram teoricamente a realização das análises da experiência. O estudo destaca ainda os procedimentos de criação das cenas e o trabalho final apresentado ao público. O texto privilegia a apresentação das impressões dos participantes e fotos das oficinas