Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-01-04T13:19:35Z No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2017-01-31T10:33:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-31T10:33:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) Previous issue date: 2016-07-27 / O objetivo principal deste trabalho foi investigar a produção artística de Achille Perilli (1927-) para entendermos a importância de suas obras presentes na coleção de arte moderna do poeta Murilo Mendes (1901-1975), e a relação entre os dois. Esta coleção de arte pertence ao acervo do Museu de Arte Moderna Murilo Mendes da Universidade Federal de Juiz de Fora (MAMM/UFJF). O Acervo de arte modernada em questão é composto por obras de diversos artistas nacionais e internacionais, contando com significativa representação de vinte e cinco artistas italianos, dentre os quais Achille Perilli, um dos mais importantes protagonistas da arte moderna italiana no imediato pós- Segunda Guerra, fundador do Gruppo Forma1 em 1947. Perilli é um artista romano, pesquisador da forma no espaço, sua poética se afirma no abandono absoluto de qualquer referência ao real. A sua pesquisa orientou-se para o alcance da forma enquanto uma compreensão lógico-estrutural ou mesmo ilógico-estrutural (termos do artista), sendo para ele como um ato de pura espacialização. A presença desse artista na coleção de Murilo Mendes permite-nos conhecer e ponderar sobre as experiências da arte concreta de filiação italiana e, especialmente, a proximidade destas experiências com o pensamento poético de Murilo Mendes. O poeta é natural de Juiz de Fora, e viveu por dezoito anos em Roma onde lecionou e atuou como poeta, ensaísta e crítico de arte. Ele tinha 56 anos quando se transferiu para a Itália definitivamente, onde viveu até o fim de sua vida, vindo a falecer em Portugal. Achille Perilli foi amigo do poeta, uma amizade que durou para sempre. / The main objective of this study was to investigate the artistic production of Achille Perilli (1927-) to understand the presence and importance of his works in the modern art collection of the poet Murilo Mendes (1901-1975). This art collection now belongs to the Museum of Modern Art Murilo Mendes of Universidade Federal de Juiz de Fora (MAMM / UFJF).The moderna Art Collection in question, consists on works of several national and international artists, with significant representation of twenty-five Italian artists, among them Achille Perilli, one of the most important protagonists of Italian modern art in the immediate postWorld War II , and founder of Gruppo Forma1 in 1947. Perilli is a Roman artist, researcher of form in space, his poetic stated in absolute abandonment of any reference to the real. His research was oriented to the achievement of the way while a logical-structural or even illogical-structural understanding (terms of the artist), and for him as an act of pure spatiality. The presence of this artist in the collection of Murilo Mendes, allows us to know and reflect on the experiences of concrete art of Italian parentage, and especially the proximity of these experiences with the poetic thought of Murilo Mendes. The poet was born in Juiz de Fora, and lived for eighteen years in Rome where he taught and served as poet, essayist and art critic. He was 56 years old when he moved to Italy permanently, where he lived until the end of his life, even though he died in Portugal. Achille Perilli was a friend of the poet. A friendship that lasted forever.

O objetivo deste trabalho é analisar o modelo interpretativo de Sergio Milliet a respeito da arte moderna e, a partir dele, demonstrar como emerge, de sua teoria da marginalidade, a idéia de morte da arte moderna. Procuraremos circunscrever este problema no ano de 1942, provocando o diálogo entre Milliet e os outros discursos críticos contemporâneos a ele. Por meio dos cruzamentos reflexivos que se estabelecem neste ano, operaremos um trabalho de desmontagem e montagem dos discursos a fim de formar o entroncamento de 1942. Os resultados deste trabalho serão extraídos em função dos efeitos criados pela lógica argumentativa de Milliet, suas bases epistemológicas e pelos contatos entre os diversos textos que se encontraram ao longo do estudo. / The objective of this work is to analyze the interpretative model of Sergio Milliet about modern art and, from it, demonstrate how it emerges, from his marginality theory to the idea of the modern art death. We will try to circumscribe this problem in the year of 1942, provoking the critical dialogue between Milliet and the others contemporary speeches to him. Through the reflective crossings that were established in this year, we will operate a work of dismounting and mounting of speeches in order to form a confluence point of 1942. The results of this work will be extracted in function of the effect created by the logic arguing of Milliet, its epistemologic bases and by the contacts among several texts found throughout the study.

Enquanto muitos estudos são feitos para a análise e classificação de pinturas e outros ramos das Artes, este estudo não se detém somente a classificação. Estende-se aqui um método de análise já aplicado a Música e Filosofia (1), representando a evolução da Pintura como uma série temporal onde relações como oposição, inovação e dialética são medidas quantitativamente. Para isso, um corpus de pinturas de 12 artistas reconhecidos do período Barroco e de movimentos da Arte Moderna foram analisadas. Um conjunto de 99 atributos foi extraído e os atributos que mais contribuíram para a classificação das pinturas foram selecionados. O espaço de projeção obtido a partir desses atributos criou a base para a análise de medidas. Essas medidas quantitativas revelaram observações sobre a evolução dos estilos artísticos, especialmente quando comparados com outras áreas do conhecimento humano já analisados. A Música parece ter evoluído com a influência de uma tradição mestre-aprendiz (i.e. por apresentar alta dialética entre os músicos estudados). A Filosofia apresenta valores altos de oposição entre os representantes escolhidos (1), sugerindo que sua evolução apresenta constante oposição de ideias. Já na Pintura nota-se um outro padrão: aumento constante da inovação, baixa oposição entre membros do mesmo período artístico e picos de oposição no momento de transição entre estes períodos. Uma diferença entre os movimentos Barroco e movimentos da Arte Moderna foi também percebido no espaço projetado: enquanto as pinturas barrocas aparecem formando um agrupamento sobreposto, as pinturas modernas apresentam quase nenhuma sobreposição e estão dispostas espalhadas ao longo da projeção, mais que as barrocas. Essa observação encontra base na história da Arte onde os pintores barrocos compartilham características estéticas de suas pinturas, enquanto os modernos tendem a desenvolver seus próprios estilos e, por conseguinte, suas próprias estéticas. / While many studies were performed for the analysis and classification of paintings and other art venues, this study does not stop in the classification step. It extends an analysis method already applied to music and philosophy, representing the evolution of painting as a time-series where relations like opposition, skewness and dialectics were measured quantitatively. For that, a corpus of paintings of 12 well-known artists from Baroque and Modern art was analyzed. A set of 99 features was extracted and the features which most contributed to the classification of painters were selected. The projection space obtained from the features provided the basis to the analysis of measurements. This quantitative measures underlie revealing observations about the evolution of art styles, even when compared with other humanity fields already analyzed. (1) While music seems to evolve guided by a master-apprentice tradition (i.e. presenting high dialectics between composers) and philosophy by opposition, painting presents another pattern: constant increasing skewness, low opposition between members of the same movement and opposition peaks in the transition between movements. A difference between Baroque and Modern movements are also observed in the projected space: while Baroque paintings are presented as an overlapped cluster, the Modern paintings present minor overlapping and are disposed more scattered in the projection than baroques. This finds basis in arts history where Baroque painters share aesthetic characteristics while Modern painters tend to develop their own style and aesthetics.

Orientador: Roberto Berton de Angelo / Acompanha 1 CD-ROM: acervo Moholy Nagy / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T13:18:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Castral_PauloCesar_D.pdf: 28061578 bytes, checksum: c96d8994b2af4fc5919d0c0ce28e4924 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Pretende-se discutir através das formulações dos conceitos de criação ótica absoluta e criação ótica representativa elaborados por László Moholy-Nagy, tendo como recorte de análise sua produção de imagens fotográficas, o desenho dos contornos das relações de reciprocidade entre os meios de expressão fotográfica e os meios de expressão espacial, estabelecidas na primeira metade do século XX. Dessa maneira, procura-se resgatar a contribuição do campo específico da linguagem fotográfica no debate e definição do espaço dito moderno. Busca-se redirecionar as abordagens antes focadas nos diferentes níveis de figuração empregados na elaboração dos discursos sobre o espaço, para a discussão então do processo de constituição das possíveis proposições de novas configurações espaco-temporais, elaboradas através da própria imagem fotográfica. / Abstract: Through the concept formulation of 'absolute optical creation' and 'representative optical creation' created by László Moholy-Nagy, It Intend to discuss, having as a cutting out of analysis his production of photographic images, the sketch contours of the reciprocities relations between photographic expression media and espacial expression media, estabilished in the first half of twentieth century. In this way, it intend to rescue the contribution of the specific field of photographic language in the debate and definitions of the modern space. One searchs to redirect the approach previously focus on different levels of figuration used to elaborate space's speeches, for the discussion of the constitution process of possible proposals of new configurations space-time, elaborated through photographic image. / Doutorado / Doutor em Multimeios

Orientador: Maria José de Azevedo Marcondes / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-24T17:11:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Valio_LucianaBenettiMarques_D.pdf: 19188044 bytes, checksum: 89dc378e5989e4e90bc9d6f5cca49e49 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Pretende-se na tese "Renata Lucas e os espaços públicos: intrincamento e fissura" discutir o conjunto dos trabalhos da artista que se configuram como instalações e intervenções no espaço, com ênfase nas intervenções nos espaços públicos. Parte-se das premissas de que tais trabalhos se instituem como um intrincamento específico com o lugar onde se inserem, e de suas configurações enquanto potencial político. Assim, o objeto da pesquisa decorre das relações que o trabalho artístico estabelece com o espaço, seja em sua fisicalidade ou em sua discursividade. A análise do conjunto dos trabalhos de Renata Lucas, produzidos entre 2001 e 2013, baseia-se em teorias de áreas diversas (filosofia, antropologia, história e, fundamentalmente, nas teorias do campo da arte). Por meio de leituras distintas, tenciona-se ressaltar na poética da artista: a percepção corporal do espectador/participante no espaço; a possibilidade de irromperem-se socialidades; a tentativa de criar uma fricção com o espaço por meio da alteração dos códigos representacionais pré-ordenados. Investigam-se as problematizações decorrentes da intervenção no espaço pré-ordenado, que possibilitem novas leituras e percepções. Procura-se defender, inclusive, o potencial político do trabalho de Renata Lucas como contido em estado de latência, no sentido de um potencial a ser desencadeado para o político, tanto pela produção de novos espaços, quanto pela subversão da ordem espacial preestabelecida, assim como pela constituição de uma esfera pública. Conclui-se que os trabalhos artísticos de Renata Lucas contêm muito do estranhamento, da incerteza, da fragmentação, da irrupção. Portanto, desvelar as camadas dos trabalhos da artista possibilita também desvelar camadas subjetivas, não aparentes, aflorar a emergência da "situação na qual estamos imersos". Inferiu-se, com isso, que o trabalho de Renata Lucas concretiza-se na oscilação entre o intrincamento e a fissura, o imiscuir-se e o friccionar / Abstract: The purpose of the thesis "Renata Lucas and the public spaces: intricacy and fissure" is to discuss the collection of the artist¿s works that configure as installations and interventions of space, with emphasis on interventions of the public space. It is assumed that such works consist of specific intricacy of the space with which they deal, and of their configurations as to their political potential. Thus, the objective of the study results from the relationship that the artistic work establishes with the space, whether in its physicalness or its discursiveness. The analysis of the collective works of Renata Lucas, produced between 2001 and 2013, is based on theories in diverse areas (philosophy, anthropology, history, and, fundamentally, on theories in the field of art). By means of distinct interpretations, the aime was to highlight the poetical aspects of the artist: the corporal perception of the spectator/participant in the space; the possibility of interrupting socialities; the attempt to create a friction with the space through the alteration of pre-organized representational codes. An investigation was conducted of the problematics resulting from the intervention in the pre-organized space that permit new interpretations and perceptions. An attempt was also made to defend the political potential of Renata Lucas¿ works as contained in the latent state, in the sense of a potential to be released in its political aspect, as much through the production of new spaces as to the subversion of pre-established spacial order, as well as for the constitution of a public sphere. It is concluded that the artistic works of Renata Lucas contain much of the surprise, the uncertainty, the fragmentation, the irruption. Therefore, uncover the layers of the artist¿s works enables us also to reveal subjective layers, not apparent, to treat the emergence of the "situation in which we are immersed". It is inferred, as such, that the work of Renata Lucas is concentrated on the oscillation between intricacy and fissure, intromission and friction / Doutorado / Artes Visuais / Doutora em Artes Visuais

[pt] Este trabalho procura pensar a arte contemporânea a partir do seu nexo com o caráter crítico da arte moderna. Observando que esta última se desenvolve mediante um impulso crítico ambíguo e mesmo contraditório- o contínuo reprocessamento de uma linguagem cada vez mais específica convivendo com expectativas de sua dissolução no mundo da vida-, considera-se o olhar contemporâneo como fruto do simultâneo esgotamento e redimensionamento desse impulso. A arte contemporânea não é aqui encarada como a arte mais recente, mas como aquela em que a própria lógica de superação modernista é artisticamente convocada a um plano crítico. Os sinais de um sentido de contemporaneidade tomando corpo já no espaço do moderno são detectados junto à prática da colagem e ao gesto envolvido na produção do ready-made. Caracterizado por um sentido particular de atualidade e por uma visão crítica irreversível acerca da condição-arte, o contemporâneo enfrenta o problema da relação entre arte e mundo e entre forma e idéia, instâncias que foram freqüentemente levadas a extremos opostos ou mesmo confundidas mediante a dinâmica de superação modernista. / [en] This study looks for thinking the contemporary art from its link with the modern art critical character. Modern art develops by ambiguous critical impulse and also contradictory - the continuous reprocessing of a specific language which lives together the expectations of break itself up in the real world-, the contemporary look is fruit of simultaneous breakdown and reassessment of that impulse. Here, contemporary art is not regarded as the most recent art, but like the one which the own logic of the modernist overcoming is artistic presented in a critical plan. The appearence of contemporary sense signals into modern space are realized close to practice of collage and in ready-made production. Characterized by a present private sense and by critical look on the art condition, the contemporary faces art/world and shape/idea relationships, conditions often take to extreme opposite sides or confused with modernist overcoming process.

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-07T23:44:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cardoso_RenataGomes_M.pdf: 9115223 bytes, checksum: 27434bf124a604ae31768f96a9421932 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho analisa algumas pinturas dos períodos iniciais da trajetória de Anita Malfatti. Para tal propósito, toma-se como base a análise formal, procurado adicionar a essa reflexão uma revisão das fontes sobre a artista e sobre a arte moderna internacional, das quais são levantadas algumas questões fundamentais, que marcaram o debate sobre a sua obra no início do século XX e as consecutivas abordagens sobre a artista ao longo da história da arte brasileira / Abstract: This work analyses some paintings of the early periods of Anita Malfatti¿s career. For this aim, it based on the formal analyses, but includes in this reflection a review of the sources about the artist and international modern art, detaching from it some relevant questions, that marked the debate about her work in the beginning of 20th century and the consecutive approaches of the artist throughout the history of Brazilian art / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T03:51:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cardoso_RenataGomes_D.pdf: 10111479 bytes, checksum: 87e98a9c6aaf3763c110ed8ab1bf1136 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Este trabalho propõe um estudo sobre atividade artística de Anita Malfatti dos anos de 1920, com o objetivo de analisar a inserção dessa produção no debate sobre arte moderna do período e o posterior reflexo desse debate nos principais estudos sobre o Modernismo no Brasil. Essa análise pressupõe uma reflexão sobre a recepção crítica em torno da obra da artista, desde a primeira apresentação ao público brasileiro, até a exposição individual realizada em 1929, que apresentou um panorama geral de sua produção artística. Considerando que a relevância de Anita Malfatti na história da arte brasileira está pontuada entre 1917 e a Semana de Arte Moderna, procuramos abordar as obras realizadas durante o estágio em Paris, entre 1923 e 1928, analisando o diálogo dessa produção com algumas discussões em pauta nesses anos: a relação com a Europa, o nacionalismo, o debate entre tendências mais radicais ou mais moderadas no contexto da arte moderna / Abstract: This study focuses on the artistic activity of Anita Malfatti in the 1920s. The main objective of this thesis is to analyze the relevance of her works in the modern art debate of the period, and the subsequent impact of this debate in the Modernism studies in Brazil. This analysis implies an understanding of the art criticism around her work, from the first presentation to the Brazilian public, until the exhibition held in 1929, which presented an overview of her artistic production. Whereas the relevance of Anita Malfatti in Brazilian art history is mostly discussed from 1917 to the exhibition of the Modern Art Week, this study deals with the paintings produced in Paris, between 1923 and 1928, by reflecting about their relations with modern art in Europe, nationalism in Brazil, and the debate between tradition and advanced art tendencies in the context of modern art / Doutorado / Artes Visuais / Doutora em Artes

Orientador: Robert Schwarz / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-07-19T18:54:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Berriel_CarlosEduardoOrnelas_D.pdf: 6970174 bytes, checksum: a9cffe80eb87733d82e53024aace37e6 (MD5) Previous issue date: 1994 / Resumo: Esta tese busca interpretar a obra de Paulo Prado e situá-la dentro de suas circunstâncias históricas e literárias - sociedade do café, Semana de Arte Moderna. Paulo Prado foi, pelo depoimento dos modernistas, o grande organizador da Semana de 22. Mas foi também aquele que convertia as idéias estéticas deste movimento em discussões sobre a realidade nacional: juntava, assim, estética e cultura à política. Através de sua obra - Paulística e Retrato do Brasil - o Modernismo constituiu um importante vínculo com o pensamento da Geração de 70 da literatura portuguesa, principalmente com Eça de Queirós, Oliveira Martins e Antero de Quental. Sua obra também expressou um desejo de autonomia nacional, de emancipação cultural que significou, também, a aspiração à uma hegemonia da oligarquia do café sobre o destino da sociedade brasileira. É possível ver também nesta obra tópicos que serão reelaborados pelo ensaísmo de 30. / Abstract: Not informed. / Doutorado / Historia e Historiografia Literaria / Doutor em Teoria e História Literária

[pt] Amilcar de Castro e a página neoconcreta trata do projeto gráfico realizado pelo escultor para o Jornal do Brasil, em especial para o Suplemento Dominical do Jornal do Brasil, nos últimos anos da década de 1950. A diagramação do suplemento é voltada, sobretudo, para experimentação plástica, acima de aspectos funcionais ou do ideal de transformação do cotidiano pela arte. Aproxima-se do pensamento neoconcreto e da fenomenologia de Merleau-Ponty, no que diz respeito à indissociação entre inteligível e sensível. O projeto gráfico para o suplemento esteve sempre em transformação, unindo concepção e realização no processo contínuo do fazer. Em suas páginas, a visualidade do signo gráfico foi intensamente explorada, estreitando a relação entre o jornal e as poesias concreta e neoconcreta, freqüentemente publicadas no suplemento. Muitas das questões trabalhadas por Amilcar de Castro em suas esculturas e desenhos são, de modo semelhante, exploradas pelo artista na diagramação do jornal, um dos meios no qual exercitou a sua poética. Nesse sentido, destacam-se a conjugação entre pensamento e fazer na sensibilidade do olhar; a utilização sempre do mínimo de elementos, priorizando as relações entre eles; a experimentação do espaço e do tempo como dimensões indissociáveis, vivenciadas a partir da motricidade e da operacionalidade. / [en] Amilcar de Castro and the Neoconcrete Page deals with the sculptor's graphic design project for the news daily Jornal do Brasil, and especially for the Suplemento Dominical do Jornal do Brasil (the paper's Sunday supplement) during the late 1950s. Above all else, the supplement's layout reflected visual experimentation beyond any mere concern with functionality or the idealized tranformtion of everyday life by art. Insofar as it touches upon the indissociation between intelligibility and sensibility, it contains a number of commonalities with neoconcretist thought and the phenomenology of Merleau- Ponty. During the period in question, the supplement's graphic design project changed continuously, blending concepts and execution within its ongoing creative process. The visuality of the graphic sign was intensely explored in its pages, strengthening the newsaper's relationship with the concretist and neconcretist poetry published by the supplement. Similarly, many of the problems explored by Amilcar de Castro in his sculptures and drawings were also dealt with by the artist in the newspaper's layout as one of the mediums according to which he forged his poetics. To this end, we shall highlight associations between thought and production as results of the sensitivity of the gaze; the artist's minimalist use of elements that focus on inter-relationship; and the experimental use of space and time as indissociable dimensions experienced and based on motion and operationality.