Esta dissertação tem como intenção analisar a obra parietal de Paulo Werneck, ilustrador, gravador, muralista e mosaicista, cuja produção é fundamental para compreender a arte mural de meados do século XX no Brasil. Para tanto, este estudo se inicia a partir de uma breve explanação sobre o desenvolver da arquitetura moderna brasileira e a sua consolidação como uma linguagem própria, independente da matriz europeia. A seguir, será apresentado o conceito estético síntese das artes, que é geralmente utilizado pela historiografia tradicional para justificar o alastre da arte mural em edificações racionalistas a partir da década de 40. Nessa parte do trabalho, a intenção é apresentar o desenvolvimento histórico do tema, do seu surgimento até a leitura que irá impactar a obra de arquitetos como Le Corbusier - pela qual a questão chega no país- Lúcio Costa e Oscar Niemeyer. Por fim, a primeira parte do trabalho se debruça sobre a arte mural brasileira- seja ela pintura, azulejaria ou mosaico- tentando compreender a sua motivação estética e política. A segunda parte do trabalho é dedicada à figura e a obra musiva de Paulo Werneck. Nela apresenta-se o seu desenvolvimento como artista, o seu relacionamento com a arquitetura moderna, a sua passagem da ilustração para a arte mural e a sua chegada ao mosaico, técnica na qual se tornará um experto. Também é analisada as visualidades presentes no seu trabalho, da figuração ao abstracionismo, a partir de estudos de caso das obras mais significativas do artista, buscando sempre relacionar as suas escolhas com o que estava sendo produzindo no país na mesma época. Portanto, esse trabalho se dedica a estudar a arte mural brasileira e a importância dos painéis de Werneck, artista responsável pela renovação da linguagem do mosaico no Brasil e, quiçá, no mundo. / This dissertation analyzes the parietal work of Paulo Werneck, illustrator, engraver, muralist and mosaic designer whose production is fundamental to understand the mid-twentieth century mural art in Brazil. In this regard, the study begins with a brief explanation about the development of Brazilian modern architecture and its consolidation as a language of its own, independent of the European matrix. Then, the aesthetic concept of \"synthesis of the arts\" is going to be presented. Usually, the concept is used by traditional historiography to justify the spreading of mural art in rationalist constructions from the 1940s. This part of the dissertation intends to point out the historical development of the theme, from its appearance until the \"reading\" that would make an impact in the work of architects such as Le Corbusier the aesthetic concept arrives in Brazil via his work - Lucio Costa and Oscar Niemeyer. Finally, the first part of the dissertation focuses on the Brazilian art mural such as painting, tilery or mosaic making and tries to comprehend its aesthetic and political motivation. The second part of the dissertation is dedicated to the figure and the musive work of Paulo Werneck. It presents his development as an artist, his relationship with the modern architecture, his transition from illustration to the mural art as well as his approach to the mosaic art whose technique would convert him into an expert. Also, it analyzes the visualities in his work from the figuration to the abstractionism through case studies of the most significant works of the artist, always trying to connect his choices with things that were being produced in the country at that time. In conclusion, this dissertation intends to study the Brazilian mural art and the importance of the panels of Paulo Werneck, the artist who is responsible for the renewal of the mosaic language in Brazil and, perhaps, in the world.

A doação de obras do espólio de Yolanda Mohalyi apresenta-se como exercício para a compreensão do que representa a aquisição de coleções particulares para a constituição e a organização de um acervo especializado em arte contemporânea. O estudo sobre a incorporação do espólio de Yolanda Mohalyi pode contribuir para uma melhor compreensão sobre o perfil do acervo MAC USP e, principalmente, indicar a importância dos parâmetros adotados nos processos de doação e aquisição de obras de arte em acervos públicos. Através da análise da trajetória de Yolanda Mohalyi e de sua coleção doada ao MAC USP, em 1979 se torna possível identificar questões que envolvem os mecanismos de incorporação de obras, de manutenção das obras e de pesquisa das mesmas, assim como a definição do que se constitui um acervo e uma coleção. / The donation of Yolanda Mohalyi\'s legacy shows itself as an exercise for the comprehension of the meaning of the acquisition of private collections to the constitution and organization of a collection specialized in contemporary art. The study of the incorporation of Yolanda Mohalyi\'s legacy can contribute for a better comprehension of the MAC USP collection\'s profile and, above all, indicates the importance of the criteria adopted on the donation and acquisition of works of art in public collections. By analyzing the history of Yolanda Mohalyi and the history of her collection donated to MAC USP in 1979, it is possible to identify issues that involve the mechanisms of incorporation of works of art, their conservation and the research about them, as well as the way a Collection is constituted.

Esta dissertação tem como objeto o programa de exposições intitulado Panorama da Arte Brasileira, criado pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP) em 1969 após a transferência de seu acervo para a Universidade de São Paulo. O Panorama tinha como objetivo restabelecer a programação e, ao mesmo tempo, gerar um novo acervo para a instituição por meio da aquisição e da doação de obras a cada edição. A importância do Panorama para o reerguimento do museu e para a renovação de sua relação com o meio cultural justifica a pertinência deste estudo. Tomando como principal material de análise os textos curatoriais, discute-se como as premissas do programa, fundamentadas nos termos panorama, arte brasileira e atual, provocaram respostas distintas por parte dos curadores convidados ao longo dos anos. Parte-se da hipótese de que teria havido uma mudança de paradigma, iniciada em meados da década de 1990, que se consolidaria na virada dos anos 2000, quando o programa passa a ser curado por profissionais sem relação institucional com o MAM SP. A pesquisa aponta que ao longo desse período os discursos curatoriais tornaram-se autorreferentes e que a ideia de atual deixou de se relacionar aos trabalhos expostos e passou a materializar não só um pensamento crítico sobre eles, mas também uma reflexão mais ampla sobre a arte contemporânea brasileira e sua relação com a tradição modernista. Por fim, foi possível concluir que, a partir dos anos 2000, a problematização de uma espécie de mito de origem da arte contemporânea brasileira tornou-se recorrente no Panorama da Arte Brasileira e que os discursos curatoriais passaram a adotar o modernismo como o principal parâmetro para se pensar as características do que seria, ou no que se diferenciava, a arte nacional. / The focus of this dissertation is the program of exhibitions entitled Panorama da Arte Brasileira (Panorama of Brazilian Art) created by the São Paulo Museum of Modern Art (MAM SP) in 1969, after its collection was transferred to the University of São Paulo. The objective of the Panorama was to reestablish the program and, at the same time, create a new collection for the institution through acquisitions and donations of works to each edition. The importance of the Panorama to the reemergence of the museum and the renewal of its relationship with the cultural milieu justifies the focus of this study. Analyzing primarily curatorial texts, the study discusses how the premises of the program, founded on the terms panorama, Brazilian art and current, resulted in different responses from the guest curators over the years. It is based on the theory that there has been a change in paradigm, which began in the mid-1990s, and consolidated at the turn of the millennium, when the program began to be curated without an institutional relationship with MAM SP. The study shows that over this period the curatorial discourse became increasingly self-referencing and that the idea of current was no longer related to the works on exhibit and began to manifest, not only critical thought about them, but also a broader reflection on contemporary Brazilian art and its relationship with the modernist tradition. Finally, it was possible to conclude that, starting in the 2000s, questions surrounding a myth of origin of Brazilian contemporary art became recurrent in the Panorama of Brazilian Art and that the curatorial discourse began to adopt Modernism as the main parameter when considering the characteristics of what is national art.

Orientador: Regina Helena Pereira Johas / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T14:23:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Guideroli_IlmaCarlaZarotti_M.pdf: 37001017 bytes, checksum: c43b5a3b57dfe1e23b24169201dd8910 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: A pesquisa Entre Mapas, Entre Espaços: Itinerários Abertos consiste no mapeamento de minha produção plástica no período entre o início de 2008 e o início de 2010. É formada por quatro livros de artista intitulados Lugares Imaginários I, II, III e IV e Espaços Afluentes, composto por dezoito imagens digitais divididas entre as séries Rotas Imaginárias, São Paulo, Intersecções I, Paisagens Mapeadas, UnHorizont e Paisagem Oceânica. Ambos partilham o mesmo campo de investigações, composto de três eixos norteadores que sustentam pensamento e processo criativo. O primeiro destes eixos trata de TranSituAções, conceito que abrange as diferentes maneiras de conceber espaço e lugar, apresentado a partir da reflexão de autores que discutiram este tema. O segundo eixo estrutura a proposição Espaços Empilhados, tratados a partir da definição do virtual segundo Pierre Lévy e do conceito de remix cunhado por Lev Manovich e citado, por sua vez, por autores brasileiros que destrincharam o assunto, como André Lemos e Marcus Bastos. O terceiro e último eixo aborda a questão dos mapas, sendo que a primeira parte compreende uma breve história da cartografia com seu surgimento e características específicas; e a segunda parte consiste na investigação dos mapas deturpados, ou seja, como alguns escritores, artistas e cineastas fizeram uso dos mapas convencionais, tirando deles a função utilitária de localização em relação ao lugar físico. O corpo prático reflexivo aqui apresentado pretende situar meus trabalhos dentro de questionamentos pertinentes ao nosso tempo, e inserir tal pesquisa como resultado de uma investigação que não se encerra, mas continua infinitamente / Abstract: The research Among Maps, Among Spaces: Open Itineraries consists in mapping my artistic practice from the beginning of 2008 until the beginning of 2010. It is composed of four artist's books entitled Imaginary Places I, II, III, and IV, and Affluent Spaces, composed of eighteen digital images divided in the series Imaginary Routes, São Paulo, Intersections I, Mapped Landscapes, UnHorizont, and Oceanic Landscape. Both works share the same investigations, composed of three guiding axes that support thoughts and the creative process. The first axis approaches TranSituActions, a concept that comprises different ways of conceiving space and place, presented from the reflection of authors that investigate this theme. The second axis structures the proposition Heaped Spaces, treated from the definition of virtual according to Pierre Lévy and the concept of remix, coined by Lev Manovich and cited by Brazilian authors that explained the subject, like André Lemos e Marcus Bastos. The last axis approaches the question of maps: the first part comprehends a brief history of cartography with its appearance and specific characteristics and the second one consists of investigating the corrupted maps, that is, how some writers, artists and filmmakers used conventional maps, extracting from them the utilitarian function of localization in relation to a geographic place. The practical-reflexive body presented here intends to place my works inside relevant questions to our time, and introduce such research as a result of an investigation that does not close but continues infinitely / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

Orientador : Cláudia Valladão de Mattos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-17T16:14:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariaAntoniaCoutoda_D.pdf: 26020970 bytes, checksum: 70aa6701a0a85422c8a30061f6223ded (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Nesta tese analisei a recepção do livro Brasil Pitoresco, de autoria dos franceses Charles Ribeyrolles e Victor Frond (1859-1861), considerado pelo crítico Alexandre Eulálio como um dos "mais altos momentos da nossa iconografia oitocentista". A consulta aos periódicos do fim dos anos 1850 e inicio da década seguinte revelou novos dados sobre o contexto histórico em que a publicação foi realizada e, sobretudo, acerca de sua importância no meio artístico brasileiro. O livro apresenta um conjunto de imagens que associam fotografia e litografia, duas inovações técnicas relacionadas ã modernidade. Em relação à repercussão do livro, duas cartas do escritor Victor Hugo destinadas a Ribeyrolles, amplamente divulgadas em sua época, nos levam a refletir sobre o papel relevante que a fotografia e a litografia assumiram no campo artístico brasileiro no século XIX, e sobre a importância do livro enquanto obra de caráter abolicionista e liberal. Concebido para representar o Brasil na Exposição Universal de Londres em 1862, o livro causou grande impacto em sua época, tanto pelo texto como pelas ilustrações. Entre as litografias, produzidas na França a partir das fotografias de Frond, podemos destacar a série de vistas do Rio de Janeiro e a que registra o trabalho escravo nas fazendas fluminenses, a mais conhecida atualmente. As imagens do Brasil Pitoresco, amplamente divulgadas, ganharam autonomia em relação ao livro, e trouxeram inovações formais que se revelaram importantes para a produção de pintores e fotógrafos do período. / Abstract: In this thesis I have analyzed the reception of the book the Brazil Pittoresco (Picturesque Brazity, produced by the French Charles Ribeyrolles and Victor Frond (1859-1861), and considered by the critic Alexandre Eulálio as one of the "highest moments of our 19th century iconography". The search on periodicals of the end of the 1850's and the beginning of the following decade has revealed new data about the historical context of the book's publication and, moreover, about its importance to the artistic Brazilian realm. The book presents a series of images that associate photography with lithography, two technical innovations that relate to modernity. Repercussion wise, two letters from the writer Victor Hugo to Ribeyrolles, amply publicized back then, lead us into reflecting upon the relevant role assumed by the book regarding the 19th century Brazilian artistic realm and upon its importance as a liberal and abolitionist work. Conceived in order to represent Brazil in the 1862's London Universal Exhibition, the book produced a huge impact on its times, be it because of its text or because of its illustrations. Among the lithographs, which were produced in France from Frond's photographs, we call attention upon the Rio de Janeiro's landscape series and the one that records slave work at haciendas in the Fluminense region. The latter is the most studied nowadays. The Brazil Pittoresco images, which were amply publicized, gained autonomy and brought about formal innovations that proved to be important for the production of painters and photographers of the period. / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Submitted by Kenia Bernini (kenia.bernini@ufpel.edu.br) on 2018-11-12T17:37:11Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Ricaro_Luis_Sampaio_Pintado_Tese.pdf: 14891681 bytes, checksum: 116531767be8c837e551084f4c677a1f (MD5) / Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2018-11-13T15:58:16Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Ricaro_Luis_Sampaio_Pintado_Tese.pdf: 14891681 bytes, checksum: 116531767be8c837e551084f4c677a1f (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-11-13T15:58:16Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Ricaro_Luis_Sampaio_Pintado_Tese.pdf: 14891681 bytes, checksum: 116531767be8c837e551084f4c677a1f (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-08-15 / Sem bolsa / Esta tese trata da museografia desenvolvida pela arquiteta italiana Lina Bo Bardi no período de 1947 a 1968, a partir da instalação do Museu de Arte de São Paulo até a transferência para a sede na Avenida Paulista. Trata também da museografia desenvolvida neste ínterim para o Museu de Arte Moderna da Bahia. Especificamente, analisa a expografia, suas referências e desdobramentos nos museus enfocados. Ao tratar da expografia aproxima-se da arquitetura dos espaços expositivos e dos museus que projetou e instalou. A partir de fontes escritas e registro fotográfico descreve a expografia, seus dispositivos e os locais onde foram utilizados. Pretende-se assim, contribuir para a compreensão das práticas museográficas no Brasil a partir da análise da expografia desenvolvida por Lina Bo Bardi como contribuição para a expansão da imaginação museal no Brasil / This thesis pertains to the museography developed by the italian architect Lina Bo Bardi in the time period of 1947 through 1968, that includes the installation of the São Paulo Art Museum until the transfer to the new building on Paulista Avenue. This thesis also includes the museography developed in this era for the Museum of Modern Art of Bahia. Specifically it analyzes the design of exibits, their references and influences of the São Paulo and Bahia museums. When talks about the design of exibits gets close to the exposition spaces and from the museums she created and designed. From written sources and photographic records it describes the design for exhibits, its devices and where they were used. It's intending to contribute to the understanding of museum practices in Brazil from the analyzes of the exihibition design developed by Lina Bo Bardi as a contribution to the expansion of the museum imagination in Brazil

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-13T05:48:38Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ribeiro_MarianaKarina_M.pdf: 23924088 bytes, checksum: 9629f9aba2a553075761262ced92b28f (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Apresenta-se neste trabalho uma abordagem da obra do artista Giorgio de Chirico a partir de cinco quadros seus pertencentes ao MAC-USP, pintados entre 1914 e 1940 circa e alguns de seus escritos. Pretende-se fornecer mais elementos para o conhecimento e a interpretação desse significativo conjunto de obras do patrimônio artístico-cultural paulista, ampliando as perspectivas de debate do tema no Brasil. Ainda com este escopo são oferecidas ao final do trabalho traduções com notas, de textos selecionados, escritos pelo artista entre 1911 e 1938. / Abstract: It is presented in this text an approach to the work of the artist Giorgio de Chirico from its five paintings belonging to the MAC-USP, executed between 1914 and 1940 circa and some of his writings. It is intended to provide more elements for the knowledge and interpretation of this significant collection of artworks of paulista cultural artistic heritage, extending the perspective of debate on this subject in Brazil. Still with this scope, translations with notes of selected texts, written by the artist between 1911 and 1938, are presented by the end of this material. / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-15T10:22:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Politano_Stela_M.pdf: 14318725 bytes, checksum: 343986721357bea94757ae3b5f72fac9 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: A Exposição Didática e a Vitrine das Formas foram duas exposições que marcaram o início do Museu de Arte de São Paulo, em 1947. Foi na Rua Sete de Abril que o projeto de Pietro Maria Bardi se iniciava, na busca pela formação didática do público moderno que adentrava pelas portas do Edifício dos Diários Associados. Este estudo visa à compreensão desse momento da história artística de São Paulo e, acima de tudo, ao resgate as falas e documentos históricos antes calados pelo esquecimento. / Abstract: "Exposição Didática" and "Vitrine das Formas" were benchmarks exhibitions in the beginning of Assis Chateaubriand Museum of Art of São Paulo, in 1947. It was on Sete de Abril street that the project of Pietro Maria Bardi started the pursue of the modern audience teaching training, which came into the building through the doors of "Diários Associados". This study aims at understanding this period of Art History of Sao Paulo and, above all, to rescue the speeches and historical documents before the silent oblivion. / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T21:25:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zago_RenataCristinadeOliveiraMaia_M.pdf: 48022679 bytes, checksum: 638b1ca5a6beaceab85f0963934c9c4d (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Os Salões de Arte Contemporânea de Campinas aconteceram no Museu de Arte Contemporânea de Campinas de 1965 a 1977, sendo posteriormente retomados, em duas edições, nos anos 1980. Inicialmente realizados nos mesmos moldes de um salão tradicional foram, ao longo de suas edições, modificando seu caráter e sua estrutura. O certame pretendia, além de mostrar a produção de arte emergente naquela época, discutir como deveria ser organizado um Salão de Arte. Tais eventos, que no início obtiveram pequeno destaque, aos poucos se transformaram em acontecimentos de grande relevância, procurados por artistas do Brasil todo. Podemos dividir as exposições em dois momentos: no primeiro, de 1965 a 1969, as obras eram inscritas nas categorias estéticas tradicionais. No segundo, houve uma grande preocupação dos organizadores da mostra em atualizá-la, assim como acontecia em exposições de mesmo caráter em outros locais do Brasil, como em São Paulo e Rio de Janeiro. O estudo faz um levantamento da trajetória destas exposições, realizadas nos anos 1960 e 70, procurando dar ênfase às diretrizes que as nortearam e ao tipo de arte que abrigaram / Abstract: The Campinas Contemporary Art Salons took place in the Campinas Contemporary Art Museum from 1965 to 1977, being afterwards resumed in two editions in the 1980s. Initially realized in the same moulds of a traditional salon, they gradually modified their character and structure in the course of its editions. Besides showing the emergent art production of that time, the initiative aimed at discussing how an Art Salon should be organized. Such events, which initially obtained little prominence, gradually became highly relevant happenings, attracting artists from all parts of Brazil. We can divide the exhibitions into two moments: in the first, from 1965 to 1969, the artworks were inscribed in the traditional aesthetic categories. In the second, there was a great concern from the show¿s organizers in updating it, as it was happening in exhibitions of the same kind in other venues in Brazil, such as São Paulo e Rio de Janeiro. The study surveys these exhibitions¿ trajectories, realized in the 1960s and 70s, highlighting the rules which guided them and the kind of art they sheltered. / Mestrado / Mestre em Artes

A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930. / The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.