Esta tese investiga transformações nos modos de produção das imagens do cinema de animação, na perspectiva do pós ao pré-cinema. O problema da pesquisa advém de experiências práticas observadas e vivenciadas e encontra embasamento em estudos sobre as especificidades técnicas e culturais ― percebidas na produção de tais imagens ― à luz de conceitos desenvolvidos por Vilém Flusser (caixa preta, aparelho, imagens técnicas), Lev Manovich (animação como lógica processual do cinema), Lucia Santaella (paradigmas evolutivos da imagem) e Richard Sennett (o dilema entre o artífice-artesão e as máquinas). Com o propósito de compreender tais transformações, o presente trabalho é norteado pelos seguintes objetivos específicos: (a) Identificar quais são as teorias científicas que originam os aparelhos que produzem as imagens do cinema de animação; (b) Identificar como os aparelhos regulam os modos de produção das imagens do cinema de animação; (c) Investigar os modos de produção das imagens no cinema de animação a partir de amostra representativa (Rio Grande do Sul) na sua relação com os paradigmas pré-fotográfico, fotográfico e pósfotográfico; (d) Especular sobre o potencial autocrítico do cinema de animação contemporâneo, analisando a presença ou ausência de procedimentos metassemióticos, fílmicos e extra-fílmicos, relacionados ao corpus da pesquisa. Este, por sua vez, é composto por uma amostra representativa contendo filmes realizados pela mesma produtora, Otto Desenhos Animados, a qual possui modos de produção que alteram o estatuto das imagens do cinema de animação. São eles: Até que a Sbórnia nos Separe (2013), Wood e Stock: Sexo, Orégano e Rock’n’Roll (2006) e Rocky e Hudson (1994). A abordagem metodológica mantém sua conduta investigativa fundamentada na arqueologia foucaultiana, priorizando o foco em questões contemporâneas e em aspectos históricos, não pela visão linear e descritiva dos acontecimentos, mas enquanto fatos, recortes históricos específicos que revelam a reescrita a partir de descontinuidades, singularidades, acasos, diversidades, tendo como pano de fundo uma transformação regulada, um jogo de regras que se repete. / The current thesis investigates transformations on the images production ways for animation feature films, in the perspective of post and pre-cinema. The research problem comes from the practical experiences observed and lived and are based in studies about the technical and cultural details – perceived in the production of such images – on the concepts developed by Vilém Flusser (black box, apparatus, technical images), Lev Manovich (animation as a procedural logics of the cinema), Lucia Santaella (evolutionary paradigms of the image) and Richard Sennett (the dilemma between the artificer-craftsman and the machines). Aiming to comprehend such transformations, the current paper is guided by the following specific goals: (a) Identify what are the scientific theories that have originated the apparatus that produce the images for the animation cinema; (b) Identify how the apparatus rule the ways of images production of the animation cinema; (c) Investigate the production ways of the images in the animation cinema from the representative sample (Rio Grande do Sul) in its relation with the pre-photographic, photographic and post-photographic paradigms; (d) Speculate about the self-critical potential of the contemporary animation cinema, analyzing the presence or absence of metasemantic, filmic and extra-filmic procedures, related to the corpus of the research. This, on the other hand, is composed by a representative sample containing films produced by the same producer company, Otto Desenhos Animados, which develops ways of production that change the statute of images in the animation cinema. They are: Até que a Sbórnia nos Separe (2013), Wood e Stock: Sexo, Orégano e Rock’n’Roll (2006) and Rocky and Hudson (1994). The methodological approach maintains its investigative conduct based in the Foucault Archeology, prioritizing the focus in contemporary issues and in historical aspects, not by linear and descriptive view of the happenings, but while facts, specific historical cuts that reveal the rewrite from discontinuity, singularities, fortuities, diversities, having as a backcloth a regulated transformation, a game of rules that keeps repeating. / Esta tesis investiga cambios en los modos de producción de las imágenes en el cine de animación en la perspectiva del cine moderno hacia el cine antiguo. El objeto de la investigación proviene de experiencias prácticas observadas y vividas y se basa en estudios sobre los detalles técnicos y culturales que se utilizan en la producción de tales imágenes. La investigación se hace bajo la luz de conceptos desarrollados por Vilém Flusser (la caja negra, el equipo, las imágenes técnicas), Lev Manovich (la animación como lógica en el proceso del cine), Lucia Santaella (paradigmas evolutivos de la imagen) y Richard Sennet (el dilema entre el artesano y las máquinas). Con el propósito de comprender dichos cambios, el presente trabajo se dirige hacia los siguientes objetivos: (a) Identificar cuáles son las teorías científicas que originaron los equipos que producen las imágenes del cine de animación; (b) Identificar cómo los aparatos influencian los modos de producción de las imágenes del cine de animación; (c) Investigar los modos de producción de las imágenes del cine de animación desde una muestra representativa (Río Grande del Sur) respecto a sus paradigmas fotográficos; (d) Reflexionar sobre el potencial autocrítico del cine de animación moderno, analizando la presencia o la ausencia de procesos semióticos, fílmicos y que van más allá de las películas aunque estén dentro del corpus de esta investigación. Éste se compone de una porción representativa de películas hechas por la productora Otto Desechos Animados, que posee métodos de producción que cambian el estatuto de las imágenes del cine de animación. Las películas son: Até que a Sbórnia nos Separe (2013), Wood e Stock: Sexo, Orégano e Rock’n’Roll (2006) y Rocky e Hudson (1994). El abordaje metodológico mantiene su conducta de investigación basada en la arqueología de Foucault, que le da prioridad a tratar de los temas contemporáneos e históricos no con una visión linear y descriptiva de los hechos, sino con hechos, recortes históricos específicos que revelan la reescritura desde cosas sin conexión, singularidades, casualidades y diversidades. El paño de fondo es una transformación continuada como si fuera un juego con sus reglas que se repite.

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2015-11-26T09:52:53Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kamyla Faria Maia - 2015.pdf: 2785646 bytes, checksum: 0eb7cd7137e950e0fa648b889868fcd4 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-11-27T07:24:39Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kamyla Faria Maia - 2015.pdf: 2785646 bytes, checksum: 0eb7cd7137e950e0fa648b889868fcd4 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-11-27T07:24:39Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kamyla Faria Maia - 2015.pdf: 2785646 bytes, checksum: 0eb7cd7137e950e0fa648b889868fcd4 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-08-21 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / Esta investigación se centra principalmente em analizar el festival de cine a través de los conceptos de fiesta y dispositivo y así mostrar como este tipo de eventose convierte em unórgano autorizadordel cine brasileño, especialmente el género documental. Para tanto, la primera línea de análisis traza um enfoque histórico-antropológico que muestra la evolución de la fiesta para el festival. El segundo, en el tiempo histórico y filosófico, aclara cómo este tipo de evento constituye un dispositivo, de acuerdo con los conceptos presentados por Foucault, Deleuze y Agamben. Un dispositivo como el festival es capaz de crear subjetividades en los sujetos involucrados en el proceso y asegurar la continuidad de la producción y distribución de películas. El trabajo toma el Festival Internacional de Cine Documental É Tudo Verdade como un caso ejemplar y analiza la estructura de las primeras 15 ediciones del evento, llevadas a cabo entre 1996 y 2010. Entendido como un dispositivo, el festival ocupa un lugar social determinante en la evolución ética y estética del género y para aumentar la visibilidad de los documentales. A través de este enfoque, podemos identificar en el festival y en las películas ganadoras huellas de discursos, capaces de reconstituir la memoria social del documental brasileño en el período de recuperación del cine nacional y señalar una noción expandida de realidad contenida en el cine documental. / Esta pesquisa tem como principal foco analisar o festival de cinema por meio dos conceitos de festa e dispositivo e assim mostrar como esse tipo de evento se torna uma instância autorizadora do cinema brasileiro, principalmente do gênero não ficcional. Para tanto, a primeira linha de análise traça uma abordagem histórico-antropológica que mostra a evolução da festa para o festival. A segunda, por sua vezhistórico-filosófica, elucida a forma como esse tipo de evento se constitui um dispositivo,segundo os conceitos trazidos por Foucault, Deleuzee Agamben. Como dispositivo o festival é capaz decriarsubjetivações nos sujeitos envolvidos e garantira continuidade de produção e distribuiçãode filmes. Otrabalho toma o Festival Internacional de Cinema Documentário É Tudo Verdade como caso exemplar e faz uma análise da estrutura das 15primeiras ediçõesdo evento, realizadas de 1996 a2010. Entendido como dispositivo,essefestival ocupa um lugar social determinante para a evolução ética e estética do gênero e para o aumento da visibilidade dos documentários. Mediante tal abordagem,é possível identificar no festival e nos filmes premiados vestígios dos discursos, capazes de reconstituir a memória social do documentário no Brasil no período de retomada do cinema nacionale de apontar uma noção expandida de verdade contida no cinema documentário.

Este artículo busca analizar el poder expresivo del silencio, específicamente el verbal, y cómo éste es representado en el cine sonoro contemporáneo. Es importante investigar el silencio como herramienta expresiva en la cinematografía, ya que muestra el impacto de la comunicación no verbal, abre las puertas al entendimiento de las dimensiones más internas del ser humano y a los aspectos latentes de la existencia. Asimismo, otorga sentido a la historia e incrementa el poder de los elementos visuales. El silencio significativo merece ser estudiado por su riqueza en contenido comunicacional y se plasma de forma sobresaliente y original en las realizaciones de los directores que son materia de análisis para esta investigación: Béla Tarr, Wong Kar-Wai y Lucrecia Martel. / Trabajo de investigación

El presente trabajo analiza la percepción de la generación millennial respecto al product placement utilizado en las películas peruanas. Este estudio opta por escoger el film de “Asu Mare 3”, el cual logró tener una gran aceptación por el público peruano. Si bien es cierto, el product placement es considerada una gran herramienta publicitaria en el mundo cinematográfico, puesto que brinda la gran recordación de marcas. Debido a que las generaciones van cambiando con el pasar de los años, esta investigación tiene como objetivo analizar la percepción de los jóvenes millennials hacia esta estrategia. Por ello, este trabajo utiliza una metodología cualitativa para comprender la perspectiva del consumidor y descubrir si la estrategia publicitaria sigue brindando beneficios positivos para una marca. Además, el enfoque que usa la presente investigación es el estudio de caso, el cual permite usar diversos recursos como entrevistas, documentos o reportes para la recopilación de información. / This work analyzes the perception of the millennial generation regarding the product placement used in Peruvian films. This studio chooses to choose the film "Asu Mare 3", which managed to have a great acceptance by the Peruvian public. Although it is true, product placement is considered a great advertising tool in the cinematographic world, since it provides great brand recall. Because the generations change over the years, this research aims to analyze the perception of young millennials towards this strategy. Therefore, this work uses a qualitative methodology to understand the consumer's perspective and discover if the advertising strategy continues to provide positive benefits for a brand. Furthermore, the approach used in this research is the case study, which allows the use of various resources such as interviews, documents or reports for the collection of information. / Trabajo de investigación

La presente investigación se realizó con la finalidad de conocer las diferentes representaciones de la sociedad limeña y sus imaginarios que se encuentran en la filmografía del Grupo Chaski y Tondero Producciones, haciendo una comparación dentro del marco histórico de Lima desde la época de los ochenta hasta la actualidad. Por un lado, se analiza las películas Gregorio (1984) y Juliana (1989) del Grupo Chaski y las películas ¡Asu Mare 2! y Soltera Codiciada (2018) de Tondero Producciones para comprender los imaginarios que se desprenden de Lima. Luego, se identifica las representaciones que encontramos de Lima en las películas a partir de su narrativa audiovisual. Por último, luego de los análisis realizados a las películas, se compara las principales diferencias en sus representaciones. / The present research was carried out with the purpose of knowing the different representations of Lima society and its imaginaries found in the filmography of Grupo Chaski and Tondero Producciones, making a comparison within the historical framework of Lima from the eighties to the present. On the one hand, the films Gregorio (1984) and Juliana (1989) by Grupo Chaski and the films ¡Asu Mare 2! and Soltera Codiciada (2018) by Tondero Producciones are analyzed to understand the imaginaries that emerge from Lima. Then, we identify the representations we find of Lima in the films based on their audiovisual narrative. Finally, after the analysis of the films, we compare the main differences in their representations. / Trabajo de investigación

La presente investigación gira en torno a la película “Morte a Venezia” y hace hincapié en la técnica de transposición cinematográfica aplicada por Luchino Visconti a la novela corta de Thomas Mann, “Der tod und Venedig”. Se revisa las teorías acerca de la adaptación cinematográfica en general y específicamente las reflexiones que ha suscitado la paradigmática transposición de “Morte a Venezia”. La tesis pone de relieve la centralidad de la cita del “Fedro” de Platón en dicha novella y cuestiona la interpretación de Mario Vargas Llosa sobre el intertexto platónico. De esta manera facilita la distinción entre la obra escrita y el film en temas de ética, estética y mística. Finalmente, se concluye en que una buena transposición es paradójica, pues logra que dos obras distintas sean poéticamente la misma. / The present research examines the film "Morte a Venezia" and focuses on the technique of cinematographic transposition that Luchino Visconti applied to Thomas Mann's short novel, "Der tod und Venedig". The theories about the cinematographic adaptation in general and specifically the reflections that the paradigmatic transposition of "Morte a Venezia" has provoked are reviewed. The essay highlights the centrality of the quote from Plato's "Phaedrus" in the novel and questions Mario Vargas Llosa's interpretation of the Platonic intertext. In this way, it facilitates the distinction between the written work and the film in ethics, aesthetics and mystic themes. Finally, it is concluded that a good transposition is paradoxical, since it achieves that two different works are poetically the same.

El presente trabajo propone estudiar cómo se estructuró y desarrolló inicialmente la Ley de cine de 1972 promulgada durante la primera fase del denominado Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas. Dicha Ley sería el resultado de la convergencia entre dos propuestas culturales: la del Gobierno Revolucionario de las Fuerzas Armadas, encabezada por Juan Velasco Alvarado, y la de los cineastas y críticos de cine peruanos que venían bregando con el congreso por la promulgación de una ley que favoreciera la producción cinematográfica. El punto en común que permitió la promulgación de la Ley fue la idea de ver al cine como un medio de identidad nacional, a pesar de que, durante el gobierno de Velasco Alvarado, esta permitió observar cómo cada grupo articuló su propia lógica del cine como una industria cultural. En ese sentido, la Ley de cine permite observar cómo civiles y militares trabajaron coordinadamente en la construcción de diversos proyectos sociales o políticos. No obstante, el hecho de observar la Ley como un proceso permite vislumbrar los desencuentros (manifestados en la censura, la crítica cinematográfica y la promoción de ciertas producciones) entre ambos sectores que detentaban agendas políticas muchas veces divergentes / Tesis

El cortometraje animado Huaytita (2019) parte de la experiencia personal de Melanie, integrante del grupo, quien desde muy pequeña ha recibido remedios naturales por parte de su abuela. Es por ello que para la realización de este proyecto se plantea un objetivo principal y un objetivo secundario. El objetivo principal es desarrollar a través de la animación la relación abuela-nieta-medicina natural y que esto se refleje en las áreas de Gráfica, Animación, Edición y Diseño sonoro. Además, el objetivo secundario es lograr un producto audiovisual enriquecido por la imagen y el sonido, prescindiendo del uso del diálogo. Para lograr estos objetivos, planeamos los ajustes necesarios para el uso de los programas de Adobe a utilizar tanto para el área de Gráfica, Edición y Animación. Posteriormente, en base al guión empezamos a trabajar los expression sheets y paleta de colores para el diseño de los personajes;así también, trabajamos el diseño y color para los fondos desde el área de Gráfica. A la par manejamos los ajustes necesarios para la música junto al compositor así como el diseño sonoro para cada escena considerando el ambiente y objetos necesarios para la realización del foley desde el área de Sonido. Una vez digitalizados los archivos de dibujo, juntamos cada frame para crear un movimiento continuo (animación tradicional). Así también, optamos por el uso de la animación digital en el caso de la magia y otros movimientos complejos desde el área de Animación. Finalmente, juntamos todos los archivos realizados manejando el ritmo y el tiempo necesario para cada escena desde la Edición. Como resultado se obtuvo un corto animado que muestra a la medicina natural no solo como una alternativa para la cura de enfermedades sino también como un vínculo familiar y una herencia. / The animated short film Huaytita (2019) is based on the personal experience of Melanie, a member of the group, who from a very young age has received natural remedies from her grandmother. That is why for the realization of this project we propose a main objective and a secondary objective. The main objective is to develop through this animation this grandmother-granddaughter-natural medicine relationship and reflect this in the areas of Graphics, Animation, Editing and Sound. While, the secondary objective is to achieve an audiovisual product enriched by image and sound, regardless of the use of dialogue. To achieve these objectives, we plan the necessary adjustments for the use of Adobe programs to be used for Graphics, Editing and Animation area. Subsequently, based on the script we started to work on the expression sheets and color palette for the character design; also, we worked on the design and color for the backgrounds from the Graphic area. At the same time, we handle the necessary adjustments for the music next to the composer as well as the sound design for each scene considering the environment and objects necessary for the realization of the foley from the Sound area. Once the drawing files have been digitized, we put each frame together to create a continuous movement (traditional animation). Also, we opted for the use of digital animation in the case of magic and other complex movements from the Animation area. Finally, we put together all the files managing the rhythm and time needed for each scene since the Edition. As a result, a short animated fiction was obtained that shows natural medicine not only as an alternative to cure diseases but also as a family bond and inheritance.

[ES] El mexicano Guillermo del Toro, ha contribuido a enriquecer la estética y mitología del cine fantástico y de terror. Gracias a los seres dentro de sus filmes, e inspirados en los espectros de las pinturas y grabados de Francisco de Goya y Lucientes, el realizador presenta, mediante ensoñaciones maravillosas, los traumas y conflictos que se han arrastrado durante la historia; sobre todo en épocas de conflictos bélicos y sociales. La investigación que aquí se plantea, busca reivindicar el valor estético y ético de la obra de Goya dentro del cine contemporáneo. Así se propone un recorrido iconológico comparativo que rescata la influencia del arte del aragonés en los largometrajes del latinoamericano. / [CA] El director mexicà Guillermo del Toro, ha contribuït a enriquir l'estètica i la mitologia del cinema fantàstic i de terror. Gràcies als éssers dins dels seus films, i inspirats en els espectres pictòrics de les pintures i gravats de Francisco de Goya y Lucientes, el realitzador presenta, mitjançant ensomnis meravellosos, els traumes i conflictes que s'han arrossegat durant la història; sobretot en èpoques de conflictes bèl·lics i socials. La investigació que ací es planteja, vol reivindicar el valor estètic i ètic de l'obra de Goya dins del cinema contemporani. Així es proposa un recorregut iconològic comparatiu que rescata la influència de l'art de l'aragonés en els llargmetratges del llatinoamericà. / [EN] Guillermo del Toro, the Latin American director, has contributed to enriching the aesthetics and mythology of fantasy and horror films. Thanks to the beings in his films, inspired by the pictorial spectrums of the paintings and engravings of Francisco de Goya y Lucientes, the director presents, through fantastic reveries, the traumas and conflicts that have dragged through history, especially in times of war and social conflicts. The research proposed here seeks to vindicate the aesthetic and ethical value of Goya's work within contemporary cinema. Thus, a comparative iconological tour is proposed that rescues the influence of the art of the Aragonese in the Latin-American movies. / Ponce Tarre, JE. (2023). Totalitarismo y ficción. Goya y sus espectros en el cine de Guillermo del Toro [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/194753

[pt] A presente tese investiga a disputa da memória e as tensões de narrativas sobre a violência perpetrada pelo Estado e pelo colonialismo na América do Sul, com foco no cinema sul-americano. A pesquisa se concentra na obra dos cineastas Patricio Guzmán (Chile), Jonathan Perel (Argentina), Paz Encina (Paraguai) e Ana Vaz (Brasil), cada um utilizando uma estratégia de montagem específica. A interseção entre paisagem e arquivos cinematográficos é o ponto central, analisando como a montagem desses elementos contribui para a construção de sentido nos documentários. Partimos da hipótese de que, ao colocar em tensão paisagem e arquivo, ela [paisagem] é território, transcendendo a função de ornamento para se transformar em território, espaço resultante de diferentes processos, de disputas de poder e de projetos contraditórios. Desta forma, os cineastas, a partir de diferentes estratégias de montagem, podem ser capazes de transformar a paisagem em testemunha das diferentes temporalidades, fazendo emergir as camadas de geo-história contidas na paisagem, criando heterotopias. O estudo utiliza uma abordagem denominada arqueologia fílmica, que envolve a análise comparativa dos documentários a partir de três categorias principais: paisagem-arquivo, paisagem-monumento e paisagem-memória. A relevância da pesquisa se dá devido à constante disputa pela memória na América do Sul, exacerbada pelas recentes reviravoltas políticas na região. O estudo visa a contribuir para as pesquisas no campo da imagem ao focar na produção audiovisual contemporânea sul-americana pela chave da memória e a fortalecer os laços acadêmicos entre o Brasil e outros países da região. / [en] The presente tesis investigates the dispute over memory and the narrative tensions surrounding state and colonial violence in South America, with a focus on South American cinema. The study zeroes in on the filmmakers Patricio Guzmán (Chile), Jonathan Perel (Argentina), Paz Encina (Paraguay), and Ana Vaz (Brazil), each employing a distinct montage strategy. Central to the analysis is the intersection of landscape and cinematic archives, exploring how the montage of these elements shapes meaning in documentaries. The hypothesis is that by putting landscape and archive in tension, the landscape itself becomes a territory, encompassing all inherent disputes. Thus, it transcends its ornamental role, transforming into a territory shaped by various processes, power struggles, and contradictory projects. Through different montage strategies, filmmakers can potentially transform the landscape into a witness of different temporalities, revealing layers of geo-history and creating heterotopias. The study adopts a qualitative approach called film archaeology, involving a comparative analysis of the documentaries through three main categories: landscape-archive, landscape-monument, and landscape-memory. The relevance of the research lies in the ongoing dispute over memory in South America, exacerbated by recent political upheavals in the region. The study aims to contribute to film studies by focusing on contemporary South American audiovisual production through the lens of memory and strengthening ties between Brazil and other countries in the region. / [es] La presente tesis investiga la disputa por la memoria y las tensiones narrativas en torno a la violencia perpetrada por el Estado y el colonialismo en América del Sur, con un enfoque en el cine sudamericano. La investigación se centra en la obra de los cineastas Patricio Guzmán (Chile), Jonathan Perel (Argentina), Paz Encina (Paraguay) y Ana Vaz (Brasil), cada uno empleando una estrategia de montaje específica. La intersección entre paisaje y archivos cinematográficos es el eje central, analizando cómo la articulación de estos elementos contribuye a la construcción de sentido en los documentales. Partimos de la hipótesis de que, al poner en tensión el paisaje y el archivo, el primero se convierte en territorio, con todas las disputas inherentes a este. Es decir, trasciende la función ornamental para transformarse en territorio, un espacio resultante de diferentes procesos, de disputas de poder y de proyectos contradictorios. De esta manera, los cineastas, a partir de diferentes estrategias de montaje, pueden ser capaces de convertir el paisaje en testigo de las distintas temporalidades, haciendo emerger las capas de geo-historia contenidas en el paisaje y creando heterotopías. El estudio emplea un enfoque cualitativo, denominado arqueología fílmica, que involucra el análisis comparativo de los documentales a partir de tres categorías principales: paisaje-archivo, paisaje-monumento y paisaje-memoria. La relevancia de esta investigación radica en la constante disputa por la memoria en América del Sur, exacerbada por los recientes giros políticos en la región. El estudio busca contribuir a las investigaciones en el campo de la imagen, enfocándose en la producción audiovisual sudamericana contemporánea desde la perspectiva de la memoria, y fortalecer los lazos académicos entre Brasil y otros países de la región.