Cette thèse/œuvre démontre, dans la partie thèse, comment l’art pictural a joué un rôle clé dans la formation et l’évolution du concept de paysage en Occident de la Renaissance au XXe siècle et comment ce genre pictural a contribué à ancrer notre intérêt pour les paysages pittoresques matériels et leur représentation. L e déroulement de l’histoire du mot « paysage » qui est apparu simultanément dans différentes langues à la Renaissance est d’abord passé en revue. Les différentes théories sur le concept de paysage sont ensuite présentées. Puis les concepts de nature et d’environnement sont développés dans leur rapport avec le paysage. La dernière partie traite du corpus présenté en accompagnement de la thèse, dans le contexte où les arts visuels peuvent à nouveau jouer un rôle à l’époque actuelle pour réévaluer et éventuellement nous aider collectivement à réinventer notre rapport à la nature, au paysage et à l’environnement. / This thesis in research/creation will develop in the research portion, how painting has played a major role in the evolution and formation of the concept of landscape in Western civilization, from the Renaissance to the 20th century. It will explain how landscape painting has contributed to our present fascination in the ‘picturesque’ landscape, and its representation. The evolution and transformation of the word ‘landscape’, which emerged simultaneously in several European languages during the Renaissance will be summarized. The various theories on the concept of landscape will be presented, and the concepts of ‘nature’ and ‘environment’ will be developed in relation to the landscape. The last part is dedicated to the body of work linked to this thesis. It expresses how the visual arts may now, as during the Renaissance and several centuries after, play a role in the reevaluation and re-creation of our relationship to nature, landscape and the environment.

Le but principal de ce mémoire est d’explorer les concepts et les gestes musicaux du statisme et mouvement en musique. Le mémoire va présenter comment ces concepts et gestes peuvent enrichir la compréhension d’une composition, au niveau de sa forme, du rythme, etc. Les trois œuvres à l’étude sont : 1) Brume, pour quatuor à cordes, où l’atmosphère statique présente très peu de matériaux qui n’évoluent guère, et ce, pendant un long moment. 2) Sous le Sol, pour quintette à vents, où le statisme de la pulsation est dynamisé par les changements métriques, agogiques, et tonaux.3) Lumière et Couleurs, pour l’orchestre, dans laquelle tous les éléments du discours musicale (harmonie, durée, hauteur) sont prédéterminés à l’aide d’une série de Fibonacci. Dans le contexte du mémoire, je vais définir les mots « statisme » et « mouvement », expliquer les sources d’inspiration musicales et littéraires qui me sont dirigées vers cet approche, et, en finale, je vais analyser les trois œuvres mentionnées ci-haut et présenter les concepts de statisme et de mouvement se présentent au niveau de la composition. / This thesis is meant to be an exploration of musical gestures pertaining to the concepts of stasis and motion in music, in three of my original compositions. The intent of this exploration is to demonstrate how looking at musical compositions from the perspective of stasis and motion can help both the composer and the listeners to understand their formal structures, as well as be interesting, inspiring, and can add more depth to a work. The compositions are as follows: 1) Brume, for String Quartet, which details my attempt at creating an overall atmosphere of stasis with little, minutely -detailed motion over a long period of time, using very little musical material. 2) Sous le Sol, for Woodwind Quintet, where changes in metre, rhythmic accent, and key signature (motion) come to the fore to obscure an unchanging (static) rhythmic drive. 3) Lumière et Couleurs, for Orchestra, where all of the elements of stasis and motion, such as harmony, rhythm, and pitch are guided in part by a pre-determined compositional process, namely, the Fibonacci sequence. I will first define what is meant by stasis and motion in the context of this essay, then I will explain the musical and literary sources of inspiration that led to my choosing this approach, and, finally, I will analyze the three-aforementioned works and how I applied stasis and motion throughout their compositional processes.

Cette thèse en recherche-création s’intéresse aux différentes formes du corps-frontière et à ses représentations dans l’art performance. Corporéité hybride (par sa culture, son genre, son orientation sexuelle ou sa classe sociale), le corps-frontière s’inscrit comme entité hors norme, en rupture avec les discours dominants. Dans un premier temps, la thèse traite de l’analyse d’œuvres de performeurs établis au Québec et à l’international. Tous ont en commun d’avoir abordé les thématiques de la déshumanisation et de la marginalisation, en plus d’avoir utilisé dans leurs œuvres la corporalité intime, l’espace public et/ou l’empreinte corporelle comme médiums. Dans un second temps, la thèse fait état de manière autopoïétique d’un processus de création artistique visant à représenter les récits de trois populations : les personnes issues de l’immigration, les personnes malvoyantes et les femmes. Les différents laboratoires de création ont poétisé le rapport que le corps entretient avec l’espace public pour exploiter le potentiel antihégémonique des arts de la performance. En explorant ce territoire socialement partagé et en décloisonnant des discours qui autrefois étaient réservés à l’espace privé, les œuvres ont contribué à marquer l’espace urbain symboliquement et poétiquement, avec comme objectif final d’influencer le regard vis-à-vis du corps social et du territoire. En permettant aux différentes représentations alternatives des corporéités de franchir la frontière imposée par le corps social et ses codifications, les projets ont aussi façonné une réaffirmation et une reprise de possession symbolique des identités troubles, des corporéités aux identités dépossédées. Ainsi, cette démarche corpopoétique et performative prenant comme sujets des populations minoritaires, susceptibles de vivre les frontières sociales, a permis de changer le statut du corps-frontière en celui de corps transfrontalier. En tant que non-lieux marginalisés, les corps-frontières disposent d’un potentiel pour s’exprimer comme lieu de mémoire individuelle et collective, par l’intermédiaire de la performance qui aborde leurs réalités et par le biais d’une esthétisation des discours. / This creation as research thesis focuses on the different forms of the borderbody and its representations in performance art. Hybrid corporality (through its culture, gender, sexual orientation or social class), the borderbody is inscribed as an out-of-norm entity, in breach of the dominant discourses. First, the thesis analyses the works of established performers, both in Quebec and internationally, who have addressed the themes of dehumanization and marginalization and who have used in their works the intimate body, public space and/or corporal traces as mediums. In a second phase, the thesis relates autopoietically a process of artistic creation, which concentrated on representing the narratives of three populations : immigrant people, the visually impaired and women. The various creative laboratories have poetized the relations that maintains the body with the public space. By exploring this socially shared territory and spreading discourses that were once reserved for the private space, the creations contributed to symbolically and poetically transform the urbanspace, with the ultimate objective of rehumanizing a disembodied territory. By enabling the various representations of corporalities to cross the frontier imposed by the social body and its codifications, the projects also aimed at a symbolic reaffirmation/restsession of disturbed identities, dispossessed corporeities. Thus, the performative corpopoetic approach taking as subjects of minority populations, or likely to live on social boundaries, has made possible to change the status of the borderbody to one of transboundary body. Non-lieux spaces, borderbody and reality have a potential to express themselves as places of individual and collective memory, through the intermediary of the artist who approaches their reality through the performance and the aestheticization of their discourses.

Ce mémoire accompagne l’exposition Ordinaire distinction qui se tenait du 15 octobre au 26 octobre 2014 à la galerie Espace Projet à Montréal. Le projet Hibou(x) dont il est question dans ce mémoire présentera une centaine de sculptures de plâtre créées à partir d’un même moule, se transformant par un ajout de glaise ponctuel lors de chacun des moulages. Ce processus témoigne du passage cumulatif entre un prisme rectangulaire et rien du tout, en passant par plusieurs formes évoquant celle du hibou. Il s’agira d’abord de percevoir tous les éléments impliqués dans une création très systématique. D’autre part, il s’agira, par l’expérience et le processus de l’œuvre, de percevoir si cette création, très programmée, peut échapper à la programmation. Le mémoire tentera de mettre en évidence ce qui lie le singulier et le multiple, la masse et l’individu, la norme et l’évolution. Il mettra de l’avant une exploration qui affiliera les divergences de ces oppositions en les faisant converger vers un tout. Avec les écrits notamment de Georges Canguilhem, Tristan Garcia et Giorgio Agamben, je développerai une analyse se situant quelque part entre une hypothèse et une expérience. Je tenterai de distinguer ce qui les oppose et ce qui les lie au travers d’une série de sculptures répétitives et évolutives. Ce mémoire souligne l’espace existant entre l’idée et la manifestation; l’idée et l’incarnation de l’idée

Titre de l'écran-titre (visionné le 29 juin 2023) / Ce mémoire de maîtrise porte sur l'interaction des langages littéraires et visuels dans le contexte du livre d'artiste. Il examine l'effet de la présentation d'un texte de non-fiction sous forme de livre d'artiste afin de déterminer si l'expérience de lecture résultante représente mieux la singularité d'une expérience humaine précise. Le ventre des galets constitue la première partie du mémoire. Il s'agit d'un récit de non-fiction portant sur un voyage en Irlande et sur le deuil d'un parent, le tout présenté sous forme de livre d'artiste. Le texte en fragments est séparé en carnets et entrecroisé de reproductions d'aquarelles réalisées au fil de l'écriture. Le récit imprimé et relié est contenu dans un boîtier réalisé à la main et l'objet est essentiel à l'expérience de lecture. La deuxième partie du mémoire, à travers l'analyse du livre d'artiste de Margaret Atwood et Charles Pachter The Illustrated Journals of Susanna Moodie, étudie le rapport entre le texte et l'image et l'effet émergeant du mélange des deux. L'analyse est précédée d'une démarche de clarification de deux domaines - l'écriture du réel et le livre d'artiste - afin de comprendre les caractéristiques clés de chaque discipline. La troisième partie de ce mémoire est un retour sur la démarche créative : l'écriture, la réécriture, la construction et la reconstruction du récit et du livre objet. Elle examine également les défis connexes à l'écriture du réel, plus précisément à l'écriture du deuil. / This master's thesis explores the interaction of literary and visual languages within artist's books. It examines the impact of presenting a nonfiction text as an artist's book in order to determine if the reading experience evokes more effectively the singularity of a specific human experience. Le ventre des galets is the first part of this master's thesis. It is a nonfiction narrative about a trip to Ireland and about the grieving process for a parent. Presented in fragments, the text is intertwined with a visual narrative consisting of reproductions of watercolour paintings realized during the writing of the narrative. The book is printed and bound and is contained in a handmade case; the object is essential to the reading experience. The second part of the thesis is an analysis of the artist's book by Margaret Atwood and Charles Pachter, The Illustrated Journals of Susanna Moodie, focusing on the relationship between words and images and the effect that the combination creates. The analysis is preceded by a survey of two fields - nonfiction writing and the artist's book - to clarify each field and better understand the key characteristics of each. The third part of this thesis is an observation of my own creative process: writing, rewriting, constructing, and reconstructing of the nonfiction narrative and the book as an object. This section also touches on the challenges associated with the writing of nonfiction, specifically as it relates to revisiting and writing about grief.

Ce texte est l'accompagnement réflexif du corpus d'oeuvres Les assises, un ensemble de huit tableaux, réalisé lors de mes deux années à la maitrise et présenté à la Galerie des arts visuels du 25 au 30 août 2009. Il décortique le processus élaboré pour ce projet en peinture, dont la principale problématique touche à la nature de l'expérience de représentation, en permettant d'expliciter deux phases de la création de l'oeuvre qui demeurent inaccessibles à l'exposition. La première phase concerne la création d'un matériel photographique saisissant dans un espace neutre différentes étapes d'une mise en scène où j'entre en relation avec certains objets dont principalement des chaises. Afin de constituer une expérience originale, je vise à réinventer la relation physique avec ces objets en tentant d'éliminer les automatismes liés à la fonctionnalité de ceux-ci dans le cadre quotidien. Cette étape est nourrie par la recherche d'une intensité de la présence personnelle dans le champ spatio-temporel de l'expérience qui prend la forme d'une « performance » dite privée, captée par une caméra vidéo. La deuxième phase se situe dans le champ du « faire » de la peinture. J'élabore les tableaux à partir des documents vidéo ou photographiques produits lors des événements performatifs. Les oeuvres prennent forme par des étapes d'actions connectées tout autant à l'expérience passée qu'à l'apparition graduelle de la représentation. Double état de conscience qui puise dans la mémoire affective tout en développant une traduction picturale à partir des choix de couleurs, et des gestuelles d'application. Aussi, au cours de ce mémoire, je m'intéresse au point de vue du regardeur, j'expose certaines notes d'ateliers et présente les oeuvres.

Ce texte d’accompagnement du projet explique dans le détail les notions relatives à ma recherche-création en arts visuels. Les principaux points traités sont en lien avec l’installation immersive interactive travaillée par l’entremise de la fibre optique, la lumière et la microprogrammation. Il s’agit d’une œuvre multidisciplinaire et hybride qui allie la sculpture et l’art numérique dans un ensemble médiatique interactif rappelant à la fois le microcosme et le macrocosme dans son esthétique visuelle générale.

Le présent mémoire fait état de ma recherche-création qui se veut une prospection sur la connaissance de soi, comprendre comment les expériences transforment différents aspects de la réalité humaine tels notre corps, notre intimité, notre personnalité et nos émotions. Mon travail s’esquisse autour de la présence de l’autre, de ses affects, et joue sur les possibilités visuelles pour mettre en relief les ambiguïtés interrelationnelles. Mettre en exergue la notion de subjectivation par l’intermédiaire de dispositifs immersifs interactifs est le fil conducteur de ma démarche, cette notion qui fait de nous des êtres créés par les éléments extérieurs qu’il côtoie, qui fait de vous et moi, le même.

Dans ce texte, je discute de ma pratique artistique actuelle, plus particulièrement des œuvres d’art que j’ai réalisées dans l’espace public. J’explique d’une part l’articulation de mon travail autour des thèmes de l’architecture et de l’urbanisme ainsi que l’intérêt que je porte à l’espace public. J’explore d’autre part la possibilité d’intégrer un usage dans une œuvre d’art et je traite de certaines théories en rapport à la notion d’usage, en particulier la théorie des affordances de Gibson et la théorie des sites comportementaux de Barker. J’explique ensuite la façon dont l’étude des comportements humains s’immisce dans mon processus créatif ainsi que le type d’expérience que je cherche à créer par des œuvres d’art destinées à l’usage. Je traite également de la perception corporelle que je désire provoquer et j’aborde le concept d’appropriation relié aux opportunités d’usage présentes dans la ville. Enfin, j’aborde et explique les différents projets d’art que j’ai réalisés au cours de ma maîtrise.

Ce mémoire de maîtrise interroge la coexistence de l'image et de l'objet dans l'installation et l'émergence d'espaces psychologiques dans un lieu semi-clos. Ce projet consiste à créer un environnement qui évoque les blessures psychologiques qui affectent l'individu. De ce sujet intemporel, je propose un bouleversement, une réflexion transposée par l'intermédiaire de fragments narratifs picturaux qui prennent place au sein d'une installation où surgit un univers trouble. Dans ce contexte, la notion d'expérience est une dimension essentielle qui nous met en relation avec le monde extérieur, mais elle nous place aussi en dialogue avec notre univers propre, c'est-à-dire avec notre univers intérieur. Il sera question de tragédies-fantômes, habitées d'un délire surréaliste, c'est-à-dire de ces forces de l'inconscient provenant du souvenir, du mythe ou de la prophétie. Dans ce travail, je désire susciter la rencontre entre mon espace psychologique et celui du spectateur. Il s'agit d'une sorte de mémoire virtuelle qui provoque un retour à l'intimité propre du spectateur. Je m'intéresse donc aux défaillances de l'homme et à sa vulnérabilité. Ces questions alimentent mes réflexions et ma production artistique sur la fatalité qui nous accompagne et sur le processus de la pensée qui se met en branle pour nous permettre de continuer à avancer dans un monde où tout est précaire. Enfin, je tente de créer une oeuvre qui oscille entre réalité et imaginaire dans laquelle se dégage un sentiment d'inquiétante étrangeté, tout en exploitant l'interaction entre l'intangibilité de la blessure que nous vivons et les images mentales qui sont susceptibles d'en découler.