Cette thèse porte sur la question de la figuration des signes du Zodiaque entre Antiquité et Moyen Âge et en particulier dans les églises entre le XIe et le XIIIe siècle. Le cœur de cette thèse est l’analyse d’un corpus de 260 occurrences des signes du Zodiaque et Occupations des mois, qu’ils soient associés ou non, au sein de la décoration ecclésiale entre le XIe siècle et la fin du XIIIe siècle. Cette période correspond à la « renaissance » et à l’essor de la figuration du Zodiaque dans un tel contexte. L’étude est organisée en trois parties. La première est consacrée à l’historiographie, à la présentation du corpus réuni, puis aux origines, réappropriations et transmissions de la tradition zodiacale entre Antiquité et Moyen Âge. La deuxième partie envisage la répartition du Zodiaque dans l’édifice ecclésial. Sa place dans le décor extérieur et en lien avec le thème de la Porta coeli est discutée avant de passer à sa place dans la structuration du décor intérieur. Du sol à la voûte en passant par les chapiteaux, piliers et arcs, la distribution des signes du Zodiaque dans l’espace ecclésial est analysée au regard des dynamiques liées aux notions de transitus et d’iter et à une certaine polarisation du lieu ecclésial. La troisième partie commence par aborder les enjeux de la figuration des signes zodiacaux dans leurs rapports dynamiques avec les Occupations des mois. Ensuite, la re-sémantisation chrétienne de chacun des signes du Zodiaque est observée grâce à une mise en série des occurrences du corpus. Enfin, l’ensemble se conclut par une approche synthétique mettant en lumière les articulations entre ciel et terre traduites par le biais des signes zodiacaux et leur pendant mensuel/terrestre. Leur insertion dans un contexte iconographique plus large lié à l’histoire chrétienne et selon une perspective eschatologique est considérée afin de montrer que les signes du Zodiaque sont comme des opérateurs entre terre et ciel, à la fois dans le lieu ecclésial tendu vers son modèle céleste et dans un contexte iconographique articulant charnel et spirituel, humain et divin. / This dissertation deals with the iconography of the Zodiac between Antiquity and Middle Age, in particular in churches between the XIth and the XIIIth century. The heart of the dissertation is the analysis of a corpus of 260 items. These items concern the figuration of the signs of the Zodiac and the Labors of the months, whether or not combinated, within ecclesial ornamentation between the XIth and the XIIIth century. This period corresponds to the “renaissance” and to the growth of the figuration of the Zodiac in this context. The study is divided into three parts. The first section deals with historiography and with the presentation of the corpus. Then, the origins, re-appropriations and transmissions of the zodiacal tradition between Antiquity and Middle Ages are discussed. The second section considers the distribution of the Zodiac in church. Its role in exterior ornamentation relating to the theme of the Porta coeli and its role in the structuring of intern ornamentation are observed. From the floor to the vault, through capitals, pillars and arches, distribution of the Zodiac in ecclesial space is analyzed in the light of the notions of transitus and iter and in the light of a certain focusing of the ecclesial place. The third section begins with the stakes of the figuration of the zodiacal signs and their dynamic relationship with the Labors of the months. Then, the “re-sémantisation” of each of the zodiacal signs is observed. Finally, the last chapter is an overall view of the connections between heavens and earth which find expression in signs of the Zodiac and the Labors of the months. Their place is considerated according to their iconographical context linked to Christian history and from an eschatological perspective. Signs of the Zodiac are like operators between heavens and earth, both in the ecclesial space tented towards its celestial model and in an iconographical context which connect caro and spiritus, the Human and the Divine.

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Regarding the religious iconographic representations, only those that are relevant to the role of saint makers, related to the considered period, are analyzed. Basically, the text discuss the saint makers role as creators of either original or non-original art works that represent not only their own subjectiveness but also the collective spirit of their time. In addition, the aim is to determine the relations between history and art history in terms of saint makers art and to understand the language associated to the images and their potential for the comparative analyses of the works. Initially, the objective was to develop a comparative study between the works by Veiga Valle and his son Henrique Ernesto da Veiga Jardim (1849-1933). However, the conducted research revealed other saint makers from the state of Goiás that deserve recognition as well. Hence, the goal was slightly modified into the discoveries of their works, their location and the authorship corroborating documents. In the cities of Goiás, Pirenópolis, Goiânia, Jaraguá and Cuiabá, the empirical research and interviews were developed based on the methodology of the oral history. Among the most relevant saint makers from the state of Goiás, one can mention Antonio de Sá (1879- 1905) and Francisco Ignácio da Luz (1821-1878), both from the city of Pirenópolis, Henrique Ernesto Veiga Jardim and Sebastião da Silva Jesus, this one known as Sebastião Epifânio (1869-1937) from the city of Vilas Boas. In order to understand the sacred art in Goiás, it is important to define a group of images for the iconographic study, namely, the sculptures of God Boy, that were chosen not only due to their presence during religious celebrations, but also because they were made in significant numbers by Veiga Valle and the other studied saint makers. Only Francisco Ignácio has never carved or even there is no sign about such event. The aim of this research is to focus on some concepts related to the art history and to demonstrate the interpretation about the found discoveries, once the history itself shows distinct versions and seeks an approximation with the truth, the verisimilitude. Through the collection of documents and iconographic analysis, the research was conducted towards to reveal anonymous saint makers, to valorize their art works, a heritage of the cultural patrimony from the state of Goiás. Additionally, these sacred art works have great devotional meaning and nowadays they are also considered as artistic objects. Most of these works can be found in either private collections or even are exposed in museums and churches. / Nesta dissertação, intitulada “A imaginária religiosa de Goiás: o reconhecimento de Veiga Valle e o anonimato dos santeiros goianos (1820-1940)”, procuro divulgar os resultados da pesquisa de campo e bibliográfica sobre os santeiros goianos que ficaram à sombra de José Joaquim da Veiga Valle (1806-1874) no século XIX e início do século XX. O período dessa produção artística abrange de 1820 a 1940. Não apresento, contudo, um estudo histórico secular, e sim a biografia dos artistas e suas obras. O que pretendo é, por meio das fontes e imagens, analisar as representações iconográficas religiosas desse tempo histórico, no qual se destaca o papel dos artistas santeiros responsáveis por sua produção, interpretando-os como artistas criadores, originais ou não, que representaram a sua subjetividade ou o espírito da coletividade da época. Busco estabelecer as relações entre história e história da arte no que se refere à arte santeira e entendo ser necessária uma compreensão da linguagem imagética e seu potencial de leitura para uma análise comparativa entre as obras. O objetivo, a princípio, era realizar um estudo comparativo entre as obras de Veiga Valle e de seu filho Henrique Ernesto da Veiga Jardim (1849-1933). No entanto, no decorrer da pesquisa, descobri que havia outros santeiros goianos que mereciam ser reconhecidos, isto é, sair de sua condição de quase anonimato. O intuito passou a ser a descoberta dessas obras, buscar sua localização e algum documento que comprovasse a autoria. Nas cidades de Goiás, Pirenópolis, Goiânia, Jaraguá e Cuiabá, fiz a pesquisa empírica e as entrevistas, para as quais utilizei a metodologia da história oral. Entre os santeiros goianos destacados estão os pirenopolinos Antônio de Sá (1879-1905) e Francisco Ignácio da Luz (1821-1878); os vilaboenses Henrique Ernesto da Veiga Jardim e Sebastião da Silva de Jesus, este conhecido como Sebastião Epifânio (1869-1937). Para entender a imaginária religiosa em Goiás, considero pertinente a definição de um grupo de imagens para o estudo iconográfico: as esculturas do Menino Deus, que foram escolhidas por sua presença nas festas religiosas goianas e por terem sido realizadas, em boa quantidade, por Veiga Valle e, entre os santeiros estudados, somente o padre Francisco Ignácio não o esculpiu ou não se teve notícia a esse respeito. Nesta pesquisa, abordo alguns conceitos relacionados à história e à história da arte e interpreto o que foi encontrado, uma vez que a história apresenta versões e busca uma aproximação com a verdade, uma verossimilhança. Por meio de documentos e análise iconográfica, busco tirar alguns santeiros do anonimato, valorizar a sua arte, herança ao patrimônio cultural goiano, destacar que essa imaginária religiosa possui grande significado devocional e hoje é vista também como objeto artístico. Muitas dessas obras se encontram em acervos particulares ou estão expostas em museus e outras ainda estão em igrejas.

A historiografia pesquisou o PCB a partir de sua militância, sua atuação eleitoral, sua ideologia, sua relação com a URSS etc, mas ignorou a importância das imagens difundidas pela imprensa partidária, aspecto fundamental da propaganda: principalmente em um país com altos índices de analfabetismo. Esta pesquisa pretende estudar a trajetória do PCB por meio da análise dos desenhos, caricaturas, charges e ilustrações presentes na imprensa comunista. As transformações, características, omissões e referências da iconografia comunista formam uma verdadeira história ilustrada do partido e contribuem para o estudo de novos problemas e perspectivas da história do PCB. A periodização enfatiza o momento de maior crescimento da legenda, da redemocratização de 1945 até o golpe de 1964, que desmantelou a estrutura partidária, condenou ao exílio parte dos militantes e torturou milhares de comunistas. / Historiography researched the PCB from its militancy, its electoral performance, its ideology, its relationship with the USSR, etc. However, ignored the importance of the images published by the party press, a key aspect of propaganda: especially in a country with high illiteracy rates. This research aims to study the trajectory of the PCB through the analysis of drawings, caricatures, cartoons and illustrations present in the communist press. The changes, features, omissions and references of this communist iconography form a true \"illustrated\" history of the party and contribute to the study of new problems and perspectives of the history of PCB. The periodization emphasizes the moment of greatest growth of the legend, the democratization of 1945 until the coup of 1964, which dismantled the party structure, ordered the exile of the militants and tortured thousands of communists.

Esta investigação propõe caracterizar a incorporação da informação paleontológica nas narrativas expositivas em museus de história natural por meio da utilização de imagens. A iconografia paleontológica, vulgarmente referenciada como \"paleoarte\", é contextualizada na esfera do objeto museal. Objetiva-se aqui a caracterização do estado-de-arte das técnicas e modalidades iconográficas aplicadas às narrativas expositivas. Para tanto, três casos distintos são analisados: o do Museu Americano de História Natural (Estados Unidos), o do Museu da Evolução da Academia Polonesa de Ciências (Polônia) e o do Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (Brasil). Além de aspectos ligados à materialidade, técnicas artísticas, precisão e escala, foram investigadas a proporção de sua inserção na composições das expografias, bem como as expectativas curatoriais em relação a sua contribuição comunicacional para as narrativas expositivas. Apesar de notáveis diferenças entre todas as instituições investigadas, evidenciamos a convergência da iconografia paleontológica - especialmente a paleontografia, uma abordagem sofisticada que combina técnica artística e epistemologia científica - como um recurso estratégico adotado pelos museus na comunicação de conceitos paleontológicos complexos para o grande público. Esta pesquisa também evidenciou que para além das decisões conceituais, a concepção, formulação e aplicação da iconografia paleontológica em exposições de história natural são diretamente influenciadas pelas políticas de comunicação institucional, enfrentam desafios práticos e são suscetíveis a restrições financeiras. Esta análise, que oferece possibilidades a desdobramentos futuros de pesquisa, busca oferecer subsidio para o planejamento de exposições em museus de história natural, de modo a contribuir à consolidação dessas instituições como espaços privilegiados para o diálogo e a prática da educação para a ciência, para a preservação do patrimônio e para a sustentabilidade. / This research proposes to characterize the incorporation of paleontological information in natural history museums exhibition narratives through the use of images. The paleontological iconography, commonly referred to as \"paleoart\", is contextualized in the realm of the museum object. The goal is featuring the techniques and iconographic modalities state-of-art applied in exhibition narratives. Three different cases are being analyzed: the American Museum of Natural History (United States), the Museum of Evolution of the Polish Academy of Sciences (Poland) and the Museum of Zoology of the University of São Paulo (Brazil). Besides aspects of iconography\'s materiality, artistic techniques, accuracy and scale, it was investigated the proportion of its insertion in expography compositions, as well as the curatorial goals regarding its communication contribution to exhibition narratives. Despite notable distinctions between all the institutions investigated, we evidenced the convergence of the paleontological iconography - especially the paleontography, a sophisticated approach that combines artistic technique and scientific epistemology - as a strategic resource of museum exhibitions to assist the communication of high complex paleontological concepts to broader audiences. This research also evidenced that in addition to conceptual decisions, the design, making and implementation of paleontological iconography in natural history exhibitions are direct influenced by institutional communication policies, face practical challenges and are susceptible to financial constraints. This analysis, which offers possibilities for future research developments, intends to provide subsidies for exhibitions planning at natural history museums, to contribute to their consolidation as privileged spaces for dialogue and the practice of education for science, for heritage preservation and sustainability.

O delineamento desta pesquisa deu-se a partir da busca de informações históricas sobre as origens musicais da cidade de Tatuí - SP e da análise sócio-cultural da contribuição da música na sociedade local. Desta busca resultou o resgate das origens do Conservatório Dramático e Musical \"Dr. Carlos de Campos\" de Tatuí, enquanto organização e instituição estadual pública de educação musical formal. Como observador de uma organização que nasce da tradição musical de Tatuí e pelo envolvimento direto com esta escola - a problemática de pesquisa surge na reconstituição histórica da memória da instituição. / The design of this work starts at the search for historical data about the musical roots in Tatuí City -São Paulo - Brazil and from the social and cultural analysis on the contribution of music to the local society. Of this search resulted the rescue of the origins of the Dramatical and Musical Conservatory Dr. Carlos de Campos of Tatuí, while organization and public state institution of formal musical education. As a direct observer of an organization that was rised through the musical tradition of Tatuí, and for the direct evolvement with this school - the issue of this research appears from the institution\'s historical and memory rebuilding.

A pesquisa em questão aborda o levantamento, a catalogação e o estudo dos desenhos da Vila Penteado, projeto de 1902, do arquiteto Carlos Ekman (1866- 1940), um dos poucos remanescentes da produção em estilo Art Nouveau no Brasil e a consequente análise de seu contexto simbólico. O estudo da ornamentação proposto nesse projeto trata além da análise de referências estrangeiras, as características nacionais específicas, por meio de um registro iconográfico detalhado dos aspectos ornamentais, características espaciais de seus ambientes internos e externos, a relação entre eles e sua relação com a cidade. Após a catalogação dos detalhes ornamentais e análise da sua configuração espacial, foram considerados todos os estudos anteriores feitos sobre a Vila Penteado. Foi investigado o processo de criação e os registros que poderiam ter inspirado o projeto do arquiteto Carlos Ekman, levantada a questão de quais simbologias estariam presentes na ornamentação e qual a relação com o contexto brasileiro e o internacional. A questão central foi ampliar o entendimento das características específicas em termos estéticos, plásticos e espaciais. Ao mesmo tempo, não se restringir à contribuição do Art Nouveau apenas à ornamentação e, assim, reposicionar essa arquitetura em um panorama mais abrangente da História da Arquitetura no Brasil. / This paper deals with surveying, cataloging, and studying the drawings of Vila Penteado, a 1902 design by architect Carlos Ekman (1866-1940), one of the few remnants of the Art Nouveau style production in Brazil, and then analyzing its symbolic context. The study of ornamentation proposed in this project includes not only an analysis of foreign references, but also specific national characteristics, through a detailed pictorial record of ornamental aspects, spatial characteristics of its internal and external spaces, the relationship between them and their relationship with the city. After cataloging the ornamental details and analyzing their spatial configuration, all previous studies on Vila Penteado were considered. The creation process and records that could have inspired the design by architect Carlos Ekman were researched, which raised the question of what symbols would be present in the ornamentation and how they relate to the Brazilian and international context. The focal point was to increase the understanding of the specific characteristics in aesthetic, plastic, and spatial terms. At the same time, the contribution of Art Nouveau should not be limited to ornamentation, but rather this architecture should be placed in a broader perspective of the History of Architecture in Brazil.

Foram identificadas diversas ambigüidades e contradições acerca do significado semântico, e da identificação de imagens tidas como de \"felinos\", no trabalho de diversos pesquisadores da área andina. Essas contradições são constantemente acompanhadas por uma idéia de que as representações de felinos teriam um conjunto de significados comuns, presentes praticamente em todas as culturas pré-colombianas, desde o período pré-formativo. Este trabalho procura questionar essa idéia, demonstrando, através da sociedade mochica, que as representações de felinos que figuram em suas manifestações artístico-religiosas não correspondem a esta idéia de universalidade. Da mesma forma, são discutidas as contradições presentes na bibliografia, a fim de elucidar a condição do felino dentro do âmbito da cultura analisada. Será dada especial atenção ao fato de que, de forma geral, há uma identificação imediata de imagens de \"mamíferos com presas à mostra\", como sendo de felinos. / Several ambiguities and contradictions in relation to the meaning and the identification of images held as \"felines\" have been identified in the works of many researches specialized in the Andean Pre-Columbian cultures. Such contradictions are constantly followed by the concept that all feline representations would carry the same symbolic meanings, regardless of the cultural differences or of the context in which they would be inserted in. This present work challenges this idea by demonstrating, through the analysis of the iconography produced by the mochica culture, that its feline representations do not correspond to such generalizations. An attempt is also made to elucidate the condition of the image of the feline in realm of the culture here analyzed. Special attention will be given to the fact that usually images of other mammals that carry the symbol of the \"cross-fangs\" are mistakenly identified as felines.

Esta dissertação foca na questão da variabilidade artefatual das cerâmicas Guarita da Amazonia central, complexo cerâmico pertencente à Tradição Polícroma da Amazônia, que se inicia por volta do ano 1000 e perdura até a conquista europeia, espalhando-se por toda a Amazônia central e a alta Amazônia. A partir de um recorte analítico sobre um determinado tipo de vasilha muito recorrente na cerâmica Guarita, o vaso com flange mesial, a pesquisa desenvolveu uma abordagem de análise que integra elementos tecnológicos e iconográficos, definindo os elementos distintivos e variações regionais do estilo polícromo. A partir desta variabilidade formal, das linguagens e temas iconográficos elencados, discutem-se os possíveis processos de transmissão e reprodução deste estilo. Partindo da interlocução entre conceitos da Arqueologia, da Antropologia da Arte e da Etnologia, pudemos entender estes componentes cerâmicos enquanto expressões materiais de um estilo introduzido e compartilhado entre distintas regiões na Amazônia, atuando na veiculação de mensagens imbricadas aos sistemas ontológicos ameríndios, centralizados na transformação corpórea. Desta forma, os artefatos foram analisados enquanto agentes em dinâmicas rituais de reatualização cosmológica, dentro de um amplo sistema cosmopolítico. A partir destas discussões pudemos ampliar o debate sobre a expansão do estilo polícromo entre as sociedades pré-coloniais da Amazônia, pensando quais eram as relações existentes entre estas linguagens estéticas pretéritas e as sociedades que produziram as cerâmicas Guarita. / This thesis focus is the variability of Guarita ceramics, a complex belonging to the Amazonian Polychrome Tradition, which begins around the year 1000 and lasted until the European conquest, spread throughout the central and upper Amazon. We chose to work with a very recurrent type of vessel in the Guarita ceramic complex, the vase with mesial flange, in order to apply a method which integrates technological and iconographic variables and define distinct elements and regional variations of the polychrome style. Based on the morphological variability and different iconographic languages, we were able to discuss the possible processes of transmission and reproduction of this style which could explain its regional spread and apparent homogeneity. This work benefits from a dialogue of concepts form Archaeology, Anthropology of Art and Ethnology, enabling us to understand these ceramic components as material expressions of an introduced and shared style among different regions in the Amazon, displaying messages related to specific Amerindian ontological systems, centered on the transformation body. Thus, the artifacts were analyzed as agents taking part in dynamic rituals for reenacting cosmological beliefs, within a broad cosmopolitical system. From these discussions we were able to broaden the debate on the expansion of the polychrome style of the pre-colonial societies of the Amazon, and enhance our understanding of the relation between these ancient aesthetic languages and societies that produced the ceramics.

Nesta tese, estudamos os vasos cerâmicos produzidos pelo Pintor de Gela, um artista ático, cujo período de atividade vai da última década do século VI a meados do século V. Esse Pintor pertence à geração de artistas tradicionalistas que prossegue produzindo vasos de figuras negras no período em que a técnica de figuras vermelhas é introduzida e adotada por diversos artistas em Atenas. O Pintor de Gela pode ser considerado um artista completo, uma vez que tanto molda como decora seus vasos com a mesma dedicação; ele pensa como um ceramista, porque ele é um deles, consciente do volume sobre o qual ele coloca os elementos da imagem que constrói, consciente assim da natureza do objeto suporte da imagem e das manipulações e rotações que serão feitas ao longo de sua utilização. Em sua obra, o Pintor apresenta qualidades artísticas interessantes e importantes que devem ser levadas em conta sob diversos aspectos: a originalidade técnica com a qual produz vasos em que se percebe a preocupação com simetria, volume e proporção; a capacidade de abstração e ordenação de imagens; a criatividade e liberdade artísticas com que apresenta novas representações e versões de temas desenvolvidos por outros artistas e oficinas contemporâneos a ele. A produção desse Pintor merece uma revisão e novas interpretações já que o que possuímos de publicações dedicadas ele é muito pouco em relação à sua importância como artista pertencente a um período tão produtivo da arte grega. Apontamentos sobre qualidade artística, estilo, produção e cronologia podem ser feitos a partir do estudo sistemático de seus vasos, inseridos no universo de artistas e da produção de vasos áticos de figuras negras. O conhecimento da produção desse artista, tanto no nível formal quanto imagético, contribui para uma caracterização e maior conhecimento do desenvolvimento técnico e artístico pelos quais passa a cerâmica grega, permitindo questionamentos sobre o que conhecemos da arte, tecnologia e iconografia gregas do período / This thesis deals with the pottery vases produced by the Gela Painter, an attic artist who worked from the last decade of the sixth to the beginning of the fifth century BC. This painter belongs to a generation of traditional artists who keeps on producing black figured vases when the red figured technique is introduced and adopted by many artists in Athens. The Gela Painter can be considered a complete artist due to the fact that he makes and decorates his vases with the same dedication. He thinks as a ceramist because he is one - he is aware of the volume in which he creates the elements of image, conscious of the nature of the object in which the image is placed and of the manipulations and shifts that will happen during its use. In his work, the Painter shows interesting and important artistic qualities which have to be considered under different aspects: the technical originality used to produce his vases through which it is possible to notice his worries about symmetry, volume and proportion; the capacity of abstracting and arranging images; the artistic creativity and liberty with which he shows new representations and versions of the same theme developed by other contemporary artists and workshops. This Painter\'s production deserves to be reviewed and re-interpreted due to the fact that all the works dedicated to him are really few when we take into account his importance as an artist belonging to such a fruitful period of the Greek art. Considerations about artistic quality, style, production and chronology can be taken out studying his vases systematically, always having in mind the production of attic black figured vases universe. The knowledge of this Painter\'s production, taking into account both its form and imagery characteristics, contributes to a better characterization and a greater understanding of the artistic and technical development seen in the Greek ceramic production, allowing us to question what we know about art, technology and iconography of this period

Utilizando-se da metodologia proposta pela Arqueologia da Imagem, assim como dos estudos iconográficos tradicionais, este trabalho procura compreender a origem e posterior evolução das imagens paleocristãs entre os séculos III e inícios do VI.Considerando que a cristianização do mundo romano foi um processo lento e gradual, o estudo deimagens cristãs do período assinalado pretende averiguar, com o auxílio da análise da cultura material, a possibilidade de se identificar a formação de um discurso imagético, ou de um programa doutrinário visual cristãoao longo da Antiguidade Tardia. A investigação e explicitação deste discurso, por meio da pesquisa arqueológica, intenta decifrar a conexão existente entre arte e sociedade, localizando na evolução da iconografia cristã antiga a essência do poder das imagens para aquela comunidade, seu conteúdo de produção e difusão de símbolos identitários e espirituais. / Using the methodology established by the Archaeology of Image and the traditional iconographic studies, this present work intends to understand the origins and further evolution of paleochristian images between the IIIth and the beggining of the VIth century. The christianization of the Roman world was a slow and gradual process. The work with christian images of the period tries to investigate, with also the help of christian material culture, the creation of an imagetic discourse, or a visual doctrinal program through the Late Antiquity. The research and the exploitations of this discourse in archaeology intends to decipher the connection between art and society, localizing in the evolution of the ancient christian iconography the power of images, its content of production and the diffusion of spiritual and identity symbols.