Depuis plus de cinq ans, je poursuis une recherche portant sur les fictions sous-jacentes à mon réel et ce, afin d'en faire émerger de nouveaux récits. Situé à la frontière du documentaire et de la fiction, mon travail se base sur une méthode d'autofilmage et de documentation obsessive me permettant d'aborder le monde et de provoquer des situations sujettes à la métamorphose fictive par le récit et le montage. De la pratique intimiste en vidéo à la réalisation d'un projet de long métrage collectif, mes projets sont le résultat de rencontres filmées, autant avec l'Autre qu'avec le Soi, à travers différents niveaux d'existence. Inspiré de la formule de Rimbaud, mon corpus d'œuvres réalisé à la maîtrise porte le nom *Je est un autre*. Son noyau, *Le Forget Show*, est un projet de long-métrage tourné lors d'une résidence de création au Domaine Forget en mai 2022. Ce film, ainsi que les expérimentations vidéographiques qui l'accompagnent, servent de témoignages de mon parcours vécu et performé pendant les deux dernières années. Mon travail sera présenté sous une forme hybride - entre l'exposition et la salle de cinéma - lors d'un événement public, rassemblant les acteurs et actrices improvisés, amis et famille ayant été transformés, avec moi, en personnages de mon univers filmique. Ce mémoire-essai, explorant les différentes étapes de ma méthode ainsi que les principes de la rencontre filmée, tentera de mettre en lumière les questions soulevées par ma démarche, à savoir les idées qui se sont dégagées à travers ces deux années de production de films docufictifs collaboratifs. / For over five years, I have been researching the underlying fictions of my reality in order to create new narratives. Situated on the border between documentary and fiction, my work is based on a method of self-filming and obsessive documentation, enabling me to navigate the world and to provoke situations that undergo fictional metamorphosis through narrative and editing. From intimate video practice to the realization of a collective feature-length film, my projects are the result of filmed encounters with both the Other and the Self, across different levels of existence. Inspired by Rimbaud's formula, my body of work completed during my master's degree in art bears the title *Je est un autre*. Its core, *Le Forget Show*, is a feature-length project shot during a creative residency at Domaine Forget in May 2022. This film, along with other video experimentations, serve as a record of the journey I have lived and performed over the past two years. My work will be presented in a hybrid form - between exhibition and the movie theatre - during a public event, bringing together the improvised actors, friends and family who have been transformed, with me, into characters of my filmic universe. This essay-memoir, exploring the different steps of my method as well as the principles of the filmed encounter, will attempt to shed light on the questions raised by my approach, namely the ideas that have emerged through these two years of collaborative docufictive film production.

Mon mémoire est un essai bibliographique. Une tentative pour trouver naturellement une manière d’écrire et de discuter. Une recherche d’une forme authentique pour développer une pensée conséquente de mon travail d’atelier et par le fait même, éviter de décrire ce dernier. J’ai l’ambition d’évoquer implicitement la peinture, pour progresser, ou régresser, vers une sensation de crédibilité des choses. Some Writings est un exercice dont le cadre n’est pas théorique, mais littéraire, pour évoquer des choses indirectement, par analogie.

Cette thèse est le résultat d’une recherche-création en arts visuels analysée à travers une méthode autoethnographique afin d’établir quels savoirs provenant de la réalisation d’une création artistique sont transférables à l’enseignement des arts. En étudiant ma propre recherche-création, je mets en relief le dialogue de la création (Buber, 1923/2012) ainsi que la posture d’amateur public (Pentecost,2007). Je démontre comment le processus de création et la pratique réflexive d’une artiste-pédagogue peuvent alimenter sa posture d’accompagnement pédagogique. En utilisant une méthode autoethnographique (Chang, 2008; Ellis,2004, 2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay,1997), j’explore les liens unissant la pratique artistique et l’enseignement des arts visuels s’approchant d’une épistémologie constructiviste radicale (Glasersfeld,1981/1988, 1988) où le bricolage est mis à l’avant-plan (Denzin & Lincoln, 2011).Cette recherche se réalise sur deux fronts : d’abord par la réalisation d’un projet de création artistique, puis par l’observation et l’analyse de ce projet (processus et résultats) selon une perspective autoethnographique. Le projet de création, Bluetooth, est composé de pièces de céramique et d’estampes numériques inspirées d'une quête où se croise mon histoire personnelle à des faits historiques. II en découle une hagiographie fantasmée et improbable dans laquelle des dents bleues ainsi que le viking Harald Bluetooth et le Frère Marie-Victorin se retrouvent à l’avant-plan, au carrefour du dialogue de la création et du concept d’amateur public. La thèse est rédigée à la manière d’un récit autobiographique, un récit de pratique de création (Paquin, 2014) écrit à la première personne, à partir duquel j’extrais des connaissances nouvelles. La mise en relief de ces connaissances vise dans un premier temps à faire ressortir le dialogue bubérien présent dans l’expérience de création et à présenter une modélisation de mon processus de création. Dans un deuxième temps, je dégage des principes tirés de cette expérience de création personnelle et j’établis comment ils se transposent dans l’accompagnement pédagogique que je réalise auprès d’étudiants universitaires en enseignement des arts. Mots clés : accompagnement, amateur public, dialogue, pratique réflexive, processus de création / This thesis is the culmination of a research-creation in visual arts that employs an autoethnographic method of examination and analysis. My goal with this project isto determine which knowledge derived from artistic creation is transferable to arts education. By studying my own research-creation, I emphasize the dialogue of creation (Buber, 1923/2012) and how the position of the public amateur(Pentecost, 2007) can be embodied in the creative process. I demonstrate how the creative process and the reflexive practice (Schön, 1982) of an artist-teacher cannourrish the artist-teacher’s engagement with guided pedagogy (accompagnement pédagogique). Using an auto-ethnographic method (Chang, 2008; Ellis, 2004,2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay, 1997), I explore how the links between artistic practice and visual arts education approach radical constructive epistemology (Glasersfeld, 1981/1988, 1988) where bricolage construction is foregrounded.This research is carried out in two ways. First, by the realization of an artistic project, and second, by observing and analyzing the process and results of the project from an autoethnographic perspective.The creative project, Bluetooth, is composed of ceramic pieces and digital prints inspired by an investigation to see where my personal history crosses with historical facts. The end result is a fantasized and unlikely hagiography in which blue teeth, as well as the Viking Harald Bluetooth and Brother Marie-Victorin find themselves front and center, intersecting with the dialogue of creation and the concept of public amateur.The thesis is written as art practice narrative (Paquin, 2014), an autobiographical account written in first person from which I am able to draw out new knowledge.The first objective in high lighting this knowledge is to bring out the Buberian dialogue present in the experience of creation and to provide a model of my creative process. The second objective is to draw out principles from this experience of personal creation and to establish how they are transferred into the guided pedagogy that I engage in as an arts educator with my university students. Key words: guided pedagogy, public amateur, dialogue, reflexive practice, creative process

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Ce texte est un accompagnement théorique de l'exposition Piscines, présentée au mois de juin 2008 à la Galerie des Arts Visuels de l'Université Laval. J'y traite de mon travail de création en explicitant les points théoriques et formels essentiels : la représentation et ses mécanismes, le factice et l'apport des traces du travail, le jeu et sa relation à l'art et au rite, et enfin, l'hétérotopie et son rapport à la problématique du fragment et de la totalité.

Notre recherche consiste à étudier la résistance reliée au processus de création. Notre objectif est d'observer la résistance, de nommer ses manifestations et ses comportements lors du processus de création pour ensuite en faire une analyse. Afin de réaliser notre étude, nous avons conçu une œuvre théâtrale qui nous a mise en contexte de résistance. Nous avons écrit un texte, fait la mise en scène et conçu conjointement la scénographie du spectacle Cendrillon, la femme ourse. Tout au long du travail de création, nous avons tenu un journal de bord afin d'y inscrire tous comportements et états d'âme pouvant nous informer sur cette résistance. À partir de notes journalières et de la trace génétique de la création, nous avons retracé les moments de résistance et analysé ses fondements psychiques. Le premier chapitre expose un cadre théorique qui sert d'assisse pour la compréhension du phénomène de résistance relié au processus de création. Nous relaterons certaines théories de Freud afin de mieux comprendre les travaux du psychanalyste Didier Anzieu. Ce dernier propose une théorie sur le travail créateur qui se divise en cinq étapes et il élabore sur les résistances rencontrées à chacune des phases du processus de création. Nous joignons à ce cadre théorique la représentation de la dynamique du processus de création définie par Pierre Gosselin. Ses travaux complètent les données théoriques utilisées. Sa représentation permet d'identifier les moments de résistance rencontrés lors du processus créateur. Le deuxième chapitre relate cette identification des moments de résistance à partir de l'observation des manifestations et des états de chaos et relève quelques-unes des traces génétiques de l'œuvre. Enfin, le troisième chapitre analyse les enjeux psychologiques et psychanalytiques reliés à la résistance. En observant la fonction du Surmoi, le rôle du Moi et du Ça de l’appareil psychique, nous tentons de comprendre la nature des conflits psychiques qui instaurent la résistance. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : résistance, genèse, processus de création, Anzieu, Gosselin

Le présent document présente un projet d'espace virtuel de construction collective sur internet. Débuté il y a maintenant six ans, le contexte social et technologique web qui a servi de base à la conception et la production de ce projet était alors très différent. La montée fulgurante des réseaux sociaux n'avait pas encore commencé et le web social en était encore à ses débuts. Ce projet tire donc ses racines des débuts de l'ascension des réseaux sociaux. S'appuyant sur les principes de cyberculture et de communautés virtuelles, cet espace virtuel cherchait à appuyer le développement d'une démarche artistique virtuelle et collective en permettant aux utilisateurs de construire ensemble des espaces tridimensionnels. Fournissant une interface interactive à l'intérieur d'une page internet, l'application projetée se voulait ouverte à tous et évolutive. C'était les utilisateurs qui en fournissaient le contenu. L'application ne fournissait que les outils de construction afin de bâtir les espaces : objets géométriques, lumières, matériaux, etc. Les utilisateurs travaillaient donc collectivement afin de créer les espaces selon des thématiques qu'ils définissaient eux-mêmes : thématique précise, portfolio, espaces artistiques divers, etc. D'un point de vue pratique, le projet était d'une ampleur démesurée par rapport aux ressources disponibles à la production. La complexité technique du projet ainsi que les limites de ressources ont grandement contribué à réduire l'étendue du projet, le limitant à un prototype fonctionnel. Ces derniers éléments ont également limité l'analyse du prototype dans un contexte d'interaction entre les différents utilisateurs. La phase de test a été effectuée principalement par ceux qui ont contribué à la création du projet, limitant de ce fait les données quant à l'efficacité du système dans la création d'une démarche artistique virtuelle et collective. Le projet se résume donc à un prototype fonctionnel ayant permis d'acquérir des connaissances considérables dans l'univers des réseaux sociaux. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : communauté virtuelle, espace virtuel, construction collective, réseaux sociaux, internet.

Comment construire une convergence d'ordre musical entre le son et l'image, entre l'audio et le visuel, à l'heure du numérique? Qu'est-ce qu'est musicable dans le domaine de l'image? Nous postulons que la convergence musicale se construit par l'utilisation de dispositifs technologiques qui permettent 1) d'établir un certain degré d'interaction entre les médias visuel et musical, et 2) de manipuler les moyens du visuel en utilisant un ensemble défini d'opérations compositionnelles cohérentes avec un paradigme musical choisi. Sur cette base, nous mettons en avant l'hypothèse que ce qui est "musicable" dans le domaine de l'image est l'ensemble des variables visuelles qui peuvent être manipulées au moyen du dispositif technologique utilisé dans le processus de création dans la mesure où elles font musicalement sens. Dans cet esprit, nous traçons le cheminement historique qui a produit la convergence entre les médias et nous présentons un cas d'étude multiple intégré par douze travaux qui appartiennent à diverses étapes de l'histoire de la musique visuelle. Ensuite, nous analysons les 41 méthodes utilisées dans les travaux analysés pour construire la convergence musicale entre les médias. Finalement, nous présentons une démonstration artistique de l'application des méthodes et des concepts proposés pour construire la convergence musicale entre les médias. La conclusion fait la synthèse des résultats, revient sur l'interaction entre approche théorique et pratique dans ce travail et évoque les voies d'une recherche future. / How can the musical convergence between sound and image, between audio en video, be achieved when working with digital technology? What is "musicable" in the visual domain? I suggest that the musical convergence is achieved through the use of technological devices that allow to 1) establish a certain degree of interaction between the musical and visual media, and 2) manipulate visual materials through an ensemble of compositional operations that are coherent with a given musical paradigm. On this basis, we suggest that what is "musicable" in the visual domain is the ensemble of visual variables that can be manipulated during the compositional process, to the extent in which they make musical sense. The research begins by identifying the historical context that set the conditions for the musical convergence between visual and musical media. We then present a multiple case study that is integrated by 12 works which belong different stages of the history of visual music. The study reveals the use of 41 methods to craft the musical convergence between visual and musical media. The final chapter presents an artistic demonstration of the use of the methods and concepts that emerged from our multiple case study. The conclusions present a synthesis of the results, a discussion of the interaction between theoretical and practical approaches, and my personal reflections on the pathways for future research in the field.

La majorité des images documentaires françaises sont aujourd’hui produites par l’industrie télévisuelle, et non plus par la filière cinématographique. Je m’intéresse à la figure culturelle prééminente de la politique audiovisuelle française et européenne, ARTE. Ce travail tente de repenser les relations entre l’artistique et l’économique, l’art et les médias, à partir d’une enquête de terrain menée auprès de professionnels du documentaire. Mon analyse se structure autour de trois grands axes : l’évolution du marché du documentaire français, les changements du sens symbolique et du mode de conception des images documentaires, la redéfinition des rôles et des identités professionnelles des acteurs qui y sont impliqués. L’arrivée progressive de la télévision, conjointe à l’institutionnalisation et à la consécration du cinéma en tant que pratique artistique, bouleverse le marché du documentaire au niveau de son système économique de production, de diffusion, ainsi que les aides publiques de soutien à la création. La taxinomie « documentaire » se transforme historiquement. Née avec le cinéma, cette dernière perd sa qualification d’activité artistique en s’intégrant progressivement au système médiatique du petit écran. Pour comprendre les processus diachroniques par lesquels s’effectue l’hybridation du cinéma et de l’audiovisuel, il semble nécessaire d'analyser les « opérateurs de genre » , i.e. ceux qui le définissent. Pour mieux comprendre les récentes transformations de la programmation documentaire d’ARTE, j’analyse les mécanismes de sa production et les rôles et les places de ceux qui y participent. La création se développe autour de processus de socialisation et de coopération complexifiés, erratiques et souvent conflictuels. L’arrivée d’un nouvel acteur prépondérant dans la création, salarié de la télévision, suscite de profondes mutations dans la chaîne de production des images. / Today the majority of the French documentary pictures are produced by the television industry, and not anymore by the film sector. I am interested in the pre-eminent cultural figure of the French and European broadcasting policy, ARTE. This work tries to rethink the relations between the artistic and the economic, the art and the media, from a field study carried out- held with documentary’s professionals. My analysis develops its structure around three main lines : the evolution of the French documentary’s market , the changes of the symbolic sense and the mode of conception of the documentary pictures, the redefinition of the roles-functions and professional identities of the actors who are implied in the process. The television’s progressive arrival, together with the institutionalization and the establishment of the cinema as artistic practice, disrupted-changed completely the documentary’s market at the level of its economic system of production, distribution [broadcasting], as well as the public subsidies-funds to support the creation. The taxonomy "documentary" is historically transformed. Born with the cinema, this last one loses its qualification of artistic activity by becoming gradually integrated into the media system of the small screen. To understand the diachronic processes by which is made the hybridization of the genres cinema and broadcasting, it seems necessary to analyze the « operators of genre » , i.e. those who define it. To understand better the new documentary programming of ARTE, I analyze the mechanisms of its production and those who participate in it. The creation develops around complicated, erratic and often conflicting processes of socialization and cooperation. The arrival of a new dominating actor in the creation, a television’s employee, causes profound changes in the production line of the pictures.

Dénaturer l’écocritique : une lecture de l’écologie queer de Timothy Morton propose de réfléchir l’écocritique à la lumière de l’écologie queer. Alors que l’écocritique s’intéresse aux traces de la « nature » dans les textes littéraires, les outils de la théorie queer permettent de faire apparaître le caractère artificiel de l’idée de nature. L’essai réfléchit à l’implication d’une écologie « sans nature » pour l’écocritique et propose la focalisation et l’ironie comme moyens d’approcher un texte selon une écocritique queer. Cochoncetés et autres nouvelles est une exploration littéraire de l’écologie queer sous différentes formes. Les personnages du recueil tissent des liens avec humains et non-humains, traversent des réseaux toujours ouverts, entrent en relation avec un temps, un espace, une matière ou un savoir qui les dépasse. / Dénaturer l’écocritique : une lecture de l’écologie queer de Timothy Morton proposes to reflect on ecocriticism in the light of queer ecology. While ecocriticism is interested in the traces of “nature” in literary texts, the tools of queer theory examine the idea of nature to reveal its artificiality. The essay reflects on the implication of an ecology “without nature” for ecocriticism and proposes focalization and irony as ways to approach a text through queer ecocriticism. Cochoncetés et autres nouvelles is a literary exploration of queer ecology in various shapes. The characters in the collection connect with humans and non-humans, pass through open networks, engage with a time, a space, a matter or a knowledge that expand beyond their reality.