L'étude présentée Ici est d'abord briser les verrous qui lui sont imposées et parfois perturbé le coup, comme pointera Ferrez, exposant de la littérature dite périphérique, en ce qui concerne la voix et de l'écriture venant de la banlieue. Pour ce faire, vous devez savoir pour arriver aux portes, métaphore utilisée pour présenter narrateurs oraux qui quadrillent cette promenade: propriétaire Enilda; se déplace dans la maison, et le propriétaire Sirley; sort. Pour développer cette métaphore, je servais des études et des chercheurs de notes dans divers domaines de l'histoire, la géographie, l'anthropologie, et les grammairiens et les critiques littéraires. Cependant, Gaston Bachelard et Michel de Certeau sont mis en évidence dans la boîte de dialogue qui attirent les paramètres de la maison et leurs façons de les habiter. Tout le texte, autant que - parfois - dispersée - est guidé par la définition de la voix poétique, car il est aussi la recherche clés sur pourquoi il existe et la nécessité d'arrêter et d'écouter. L'école Etat Lília Neves, situé dans la Ville de Quinta- Rio Grande / RS a été choisi parce qu'il est là où je travaille en tant que professeur de système étatique, pour donner un aperçu de la vie étudiante à l'école publique jusqu'à la question de l'utilisation et de la qualité des livres teaching présenté par le gouvernement. Au milieu de cette situation, la littérature se manifeste de différentes manières, que ce soit par voie orale, avec une analyse documentaire Le zéro n'est pas vide; maintenant des études des auteurs canoniques tels que Mário de Andrade, maintenant avec des performances d'artistes anonymes, musiciens, écrivains et portugais africain. Afin de déterminer le chemin où je marchais, j'ai mené une recherche quantitative dans les portails virtuels des bibliothèques de trois universités gauchos pour qui je: FURG, UFPel et UFRGS. Ces données filtrées par la mémoire mot-clé, la voix, le récit oral et a donné un aperçu perspicace cette voix, nous parlons de notre science académique. / O estudo que aqui se apresenta tem como princípio romper os trincos que são os limites impostos e, às vezes, rompidos a pontapé, como apontará Ferréz, expoente da chamada Literatura Periférica, a respeito da voz e da escrita que vem das periferias. Para que isso ocorra, é necessário saber chegar aos portões, metáfora utilizada para apresentar as narradoras orais que se entrecruzam neste trilhar: dona Enilda; transita para dentro de casa, e dona Sirley; transita para fora. Para desenvolver essa metáfora, fiz uso de estudos e apontamentos de pesquisadores em diversas áreas desde história, geografia, antropologia, além de gramáticos e críticos literários. No entanto, Gaston Bachelard e Michel de Certeau ganham destaque no diálogo que travam sobre definições de casa e suas maneiras de habitá-las. O texto todo, por mais que – por vezes – disperso – encontra-se guiado pela definição de Poética da voz já que também é a chave da pesquisa a respeito do porquê de ela existir e da necessidade de parar para escutá-la. A escola Estadual Lília Neves, situada na Vila da Quinta- Rio Grande/RS foi a escolhida, por ser onde atuo como professora de rede estadual, para traçar um panorama da vida estudantil em escola pública até chegar ao questionamento do uso e qualidade dos livros didáticos apresentados pelo Governo. Em meio a esse panorama, a Literatura se manifesta de diferentes maneiras, ora via oralidade, com análise do documentário O zero não é vazio; ora com estudos de autores canônicos como Mário de Andrade, ora com apresentações de artistas anônimos, músicos, escritores portugueses ou africanos. A fim de averiguar o rastro de por onde caminhei, realizei uma pesquisa quantitativa, nos portais virtuais das bibliotecas de três universidades gaúchas pelas quais passei: FURG, UFPel e UFRGS. Esses dados filtrados pelas palavras-chave memoria, voz, oralidade e narrativa originaram uma síntese esclarecedora de que voz estamos falando em nossa ciência acadêmica.

La thèse actuelle propose un modèle interactif de capacité métalinguistique, de poésie et d'apprentissage des langues étrangères. Elle vise à examiner l'influence du cours d'anglais langue étrangère basé sur la poésie sur la capacité métaphonologique des élèves, et à explorer des relations entre leur capacité métaphonologique et les facteurs d'apprentissage tels que la pédagogie des enseignants, les stratégies d'apprentissage des langues des apprenants, l'exposition linguistique à l’anglais en dehors de la classe et les commentaires des élèves sur le cours d’anglais auquel on a intégré de la poésie. Deux études de cas visent à enquêter sur le développement de la capacité métaphonologique des élèves dans le cours d’anglais avec poésie, ainsi que les relations mentionnées ci-dessus. Une combinaison de méthodes quantitatives et de méthodes qualitatives est utilisée dans cette thèse. Les résultats de la quasi-expérience indiquent que la classe d'anglais prenant appui sur la poésie facilite le développement de la capacité métaphonologique des élèves dans une certaine mesure. La théorie de Bialystok (2001, 2012), la « noticing hypothesis » de Schmidt (Schmidt, 2010) et la poétique cognitive de Tsur (2008) sont utilisées pour analyser et expliquer les résultats des tests de capacité métaphonologique. / The present study proposes an interactive model of metalinguistic awareness, poetry and foreign language learning. It aims at examining the influence from poetry-embedded class of English as a foreign language on pupils’ phonological awareness, with considering the relations between their phonological awareness and the factors in ecological learning environment that includes teacher’s instruction, learners’ language learning strategies, linguistic exposure to English that learners receive outside of classroom, and pupils’ feedback on the poetry sequence. Two case studies are conducted to probe into the development of pupils’ phonological awareness in the context of poetry-embedment English class, as well as the relations mentioned above. A combination of quantitative methods and qualitative methods are employed in the current study. The results of quasi-experiment of phonological awareness indicate poetry-embedment English class globally facilitates the development of pupils’ phonological awareness to some extent. Bialystok’s theory (2001, 2012) Schmidt’s noticing hypothesis (Schmidt,2010), and Tsur’s cognitive poetics (2008) are employed to interpret the results of phonological awareness tests.

Suivant le fil conducteur sous-jacent à la pensée de Jean Baudrillard, la présente recherche s’attache à explorer les premiers travaux de l’auteur afin de saisir sa conception de la nature du langage, du signe et du sens. Notre démarche s’inscrit dans une tentative de rendre compte à la fois des changements de paradigmes théoriques et d’explorer la vision du langage de Baudrillard dans le contexte des sciences humaines françaises. La théorie du langage de Baudrillard repose sur une double spirale à deux chaines que sont la sémiotique et le symbolique. Ces deux mouvements s’opposent au même objet critique qu’est le sens figé et passent, pour ce faire, par des approches largement diversifiées, voire contradictoires. La dimension symbolique, qui assure le vide ou le néant du sens, la consommation de la valeur ainsi que l’anéantissement du code, s’oppose ainsi à la dimension sémiotique dont l’objet est précisément orienté sur l’indétermination et les incertitudes du sens, sur la production de la valeur ainsi que sur l’hégémonie du code. La complexification de ces postulats au sein de la double spirale de Baudrillard est incontestable dans le champ des sciences humaines françaises. C'est dans l’espace entre le sémiotique et le symbolique – la double spirale visant à subvertir et à déconstruire la pensée moderne – que Baudrillard confère au symbolique le pouvoir mystérieux de renier les civilisations modernes, son engagement envers le statut originel du langage accompagné du rejet de la signification et de la communication suscitant une vision tant radicale qu’impossible. / Jean Baudrillard is regarded as one of the most important figures in contemporary French thought. His theoretical studies and cultural perspectives provide important insights into academic subjects. This dissertation probes Baudrillard’s early works to explore his view on language within the context of French Human Science. Baudrillard’s discussion about consumer objects, his critique of Semiology, his concept of simulation, and his debate over poetic language are closely examined to clarify the theoretical transitions and conflicts of his insights into the nature of language, sign and meaning.Baudrillard’s theorizing of language presents a ‘double spiral’ consisting of two chains: the semiotic and the symbolic. A thorough examination of such a spiral is the foundation for interpreting his view on language.The semiotic chain of the double spiral embodies sign and code. Baudrillard begins with the structuralist approach to the meaning of consumer goods, proceeding with a post-structuralist shift towards the critique of Semiology and the theory of simulation. These moves give insights into language and sign, which privilege the signifier as the principle of circulation and game. Baudrillard illustrates how the structure of the sign is dismantled, arguing that what is signified is merely an effect determined by the primacy of the signifier. In essence the signified is a structural play of the signifier under the manipulation of code.The symbolic chain is Baudrillard’s deepening investigation of primitive cultures as cultures of the symbolic exchange, to the discipline of which converge Mauss’s notion of gift, Bataille’s notion of expenditure and Saussure’s anagrams. Baudrillard claims that the poetic, as the terrain of the symbolic exchange in language, has brought out the antagonistic character of a non-expressive language, and has decentered the primacy of the signifier and the dominancy of code. The signifier in the poetic is dismembered into scattered phonemes, and the doubling up of phoneme and counter-phoneme is conceived as a cyclical cancellation. For Baudrillard, the exact poetic operation is equivalent to the signifier’s death and annihilation, a force proper to the destruction of the final signified or the signified in process, and proper to the extermination of code. Interpreted as a pure expenditure of language and a break with the logic of production, the poetic resolves the signifier, the distinction between the signifier and the signified, and accordingly the mechanism of language activity.Baudrillard’s double spiral, the coexistence and contest between these two chains, aims to reject the definite meaning and seeks to dismantle the structure of the sign and to explode all metaphysical binary oppositions. In spite of spiraling around the same critical object, the semiotic and the symbolic are showing widely divergent approaches. The semiotic chain implodes the unity of the signifier and the signified in the structural play of the signifier. The symbolic puts an end to the structure of the sign and thereby that of code, operating in a realm beyond all distinctions assigned by code. According to Baudrillard, the symbolic stands for the void or nothingness of meaning, the consumption of value and the extermination of code, as an antagonist force against the indetermination or incertitude of meaning, the production of value and the domination of code.There are inevitably positions of a more complex pattern that Baudrillard’s double spiral presents in the field of language studies in French Human Science. Baudrillard adhered to certain features and suppositions of the semiological tradition even as he struggled against it in the institutional settings of structural interpretation. / 鲍德里亚是法国思想界重要的标杆性人物之一，其理论研究和文化视角对当代社会理论和文化研究产生了广泛而深远的影响。本文试图厘清鲍德里亚思想语言维度的双重线索，从他对消费品的探讨、对符号学的批判、对拟真的研究以及对诗学语言的极端推崇来考察其对待语言符号以及意义问题的观点和立场转变，并阐释这些转变的理论根基和内在承接关系，以期在法国人文科学语境下对其思想的语言维度作出深入探索。从坚持意义结构观的消费品符号学到批判符号学的拟真理论，再转向推崇象征性交换的诗学研究，鲍德里亚思想的语言维度呈现出双链螺旋的趋势——符号化和象征性。就符号化螺旋而言，鲍德里亚思想的基点在于符号和符码，他从借鉴现代符号学思想起步，对物品和消费社会进行结构分析，然后以向后结构主义的转变来完成对符号学的批判和拟真理论的建构，这反映出他对现实社会符号、符码以及语言游戏的深度思考。语言的符号化螺旋凸显了能指优势和能指的结构游戏：能指和所指完全断裂，由二者构成的符号不再是一个稳固确定的结构；能指对于游离的所指来说具有压倒性的优势地位，所指意义是符码结构操作下的能指效果和能指游戏；作为符号联结的规则系统，符码结构是构造和生产意义的母体。就象征性螺旋而言，鲍德里亚把莫斯和巴塔耶对原始社会曾经存在的象征性交换方式奉为革命性手段，同时把索绪尔的易位书写笔记融入其中，寄希望于象征性交换方式对抗符号和符码操控下各种权力和价值的积累、生产和再生产。语言的象征性螺旋锁定在诗学语言对能指优势和符码霸权的去除：诗学语言通过易位书写方式把语词分解成零散的能指碎片，通过配对方式对这些能指进行重复，音素和音素的副本（即反音素）之间相互抵消，这种能指返回自身并作用于自身的象征性交换相当于能指的死亡和毁灭。能指的耗费相当于所指的耗费，诗学语言在摧毁能指的同时也摧毁了终极的先验所指以及过程中延异的所指。象征性交换消解了能指，消解了能指和所指的区分，同时也消解了这种区分对立背后的语言活动机制——操控意义生产和再生产的符码。双链螺旋语言研究形成了既共生又对抗的纠缠关系，其核心目标是否定意义确定论，其直接的批判对象是结构主义符号学的符号结构，而深层的批判对象则是形而上学赖以依存的二元对立思维模式。尽管双链螺旋围绕着共同的批判根基而盘旋上升，但不可否认双链螺旋在意义问题上呈现出大相径庭的批判进路。在拆解结构问题上，符号化螺旋是在语言符号学内部批判意义生产的结构，让能指和所指的符号二元结构内爆，突出由符码结构主导的能指游戏；而象征性螺旋则是在语言符号学外部超越意义生产的结构，诗学的象征性交换不仅要驱逐符号结构甚至要把等级二元的根基——符码结构也彻底终结。鲍德里亚视象征性螺旋为消灭能指的物质性和符号学符码规律的革命手段，以意义的空无、价值的耗费和符码的根除来对抗符号化螺旋之意义的不确定、价值的生产和符码的霸权。双链螺旋在法国当代人文科学语言研究的大背景下呈现出微妙的两面性。鲍德里亚虽然批判了结构主义符号学的形而上学但不可否认他还是坚守了结构主义的某些预设和准则；他似乎想靠近后结构主义阵营来反对结构主义，但是又想与后结构主义保持距离凸显个性，这种微妙的态度决定了他的语言研究游走于符号化和象征性之间。鲍德里亚一方面承认意义产生于语言游戏，尤其依赖于符号与符号之间的符码关系结构；另一方面，他孜孜不倦地试图摆脱符号和符码的控制，让语言回到非表意的声音或线条的原初状态，拒绝所有言说和意义。尽管双链螺旋顺应了西方人文科学语境中推翻意义、理性和主体等先验中心的大趋势，但是鲍德里亚在象征性螺旋中所秉持的观点极大地暴露了其思想的极端性和消极性，把象征性交换的耗费抬高为否定一切社会历史文明进步的超然力量，让已经具有了意指和交流功能的语言符号回复到非表意的混沌状态，不足以成为解决现实问题的办法。

La recherche étudie la poétique de l’encadrement dans trois œuvres du grand écrivain belge Hubert Nyssen, qui sont : La Mer traversée, L’Italienne au rucher et Des arbres dans la tête. Le mot « encadrement » désigne deux sens : le premier se situe du point de vue de la structure, de la bordure, du cadre ou de la frontière d’un texte ou d’un objet au sens concret. Sur le plan littéraire, on peut ajouter cette bordure à la structure externe du roman par des préfaces, des épilogues, des prologues qui constituent les seuils des récits.Le deuxième se situe du point de vue actionnel : il s’agit de maîtriser ou de posséder un sujet concret ou abstrait, ou encore la totalité de l’œuvre en procédant à des techniques qui contraignent le texte et empêchent sa fluidité telles que le dialogue, l’intertextualité, les différentes représentations limitées qui soumettent le récit à des contraintes discursives variées.Ce thème sera étudié à travers « sa poétique ». Ce terme est entendu au sens jakobsonien : la poétique désigne alors le sens esthétique du style ou du thème.L’encadrement sur les structures romanesques, les textes narratifs ou les éléments constitutifs du roman, le grand écrivain confère à son écriture francophone un nouvel élan et une nouvelle identité littéraire, distinguée par son originalité et sa spécificité. / The research studies the poetics of the frame in three novels of the big Belgian writer Hubert Nyssen, which are: THE CROSSED SEA, THE ITALIAN IN THE APIARY and THE TREES IN THE HEAD. The word "frame indicates two senses: the first one is situated from the point of view of the structure, of the border, of the frame or of the border of a text or an object in the concrete sense. On the literary plan, we can add this border to the structure extern of the novel by forewords, the epilogues, the prologues which establish the thresholds of narratives.The second is situated from the actionnel point of view: it is a question of mastering or of possessing a concrete or abstract subject, or still the totality of the work by proceeding to techniques which force the text and prevent its fluidity Such as the dialogue, the intertextualité, the various limited representations which subject the narrative to varied discursive constraints.This theme will be studied through «its poetics ". This term is understood through jakobson’s sense: the poetics indicates then the aesthetic sense of the style or the theme.The frame on the romantic structures, the narrative texts or the constituent elements of the novel, the big writer confers on its French-speaking writing a new moose(run-up) and a new literary identity, distinguished by its originality and its specificity.

Face aux incertitudes génériques liées à la perte des contours stricts entre les genres, qui se renforce dans les années 1950 avec les oeuvres du « Nouveau Théâtre », la théorisation de la comédie contemporaine et sa définition selon des critères génériques s'avèrent problématiques. Puisque les structures, les procédés d'écriture et les intentions des comédies divergent suivant les auteurs et leurs pratiques, dans une démarche descriptive et analytique, cette thèse propose un état des lieux de la situation de la comédie contemporaine française d'un point de vue générique. Trois manières d'écrire la comédie se dessinent. Les auteurs composent dans le genre, en pratiquant l'intertextualité, à partir des comédies classiques françaises, de la farce ou du vaudeville. Profitant d'un cadre structurel établi, ils s'approprient et radicalisent les procédés de ces genres issus de la tradition. Ils usent ensuite de techniques de composition coutumières du drame et de la tragédie pour créer des comédies catastrophiques qui superposent le comique et le tragique et jouent avec l'« horizon d'attente » de la comédie. Ils élaborent enfin des comédies scéniques à partir du plateau, en s'appuyant sur les formes comiques populaires. Malgré leur diversité, ces comédies présentent des éléments de poétique communs : elles maintiennent une ligne de fable, l'existence de personnages et la présence de dialogues, qui tendent à la conversation. Le comique reste l'élément essentiel du genre et se retrouve dans la vitalité des comédies burlesques, l'équivoque des comédies humoristiques et la critique des comédies satiriques. Forte de son hétérogénéité, puisant dans sa tradition qu'elle réinvente et osant l'inédit, la comédie contemporaine persiste en tant que genre. / Theorizing about contemporary comedy and defining it according to generic criteria has been getting harder and harder ever since the frontiers between literary genres became blurry, especially since the 1950s with the influence of the "Nouveau Théâtre". Since the structures, literary devices, and intentions of comedies vary according to their authors and the latter's practices, we will adopt a descriptive and analytical approach in assessing the situation of French contemporary comedy from a generic point of view. Three ways of writing comedy will emerge from our study. Some authors compose their texts from within the generic frame of comedy by building intertextual bridges with French classic comedy, farce or vaudeville and by exaggerating the traditional devices of the genre. Some choose to use composition techniques usually found in drama or tragedy in order to create comedies that end in disaster thus juxtaposing comedy and tragedy in a playful attitude with comedy's usual "horizon of expectation". Finally, others write comedies from the stage onwards and draw on popular comic conventions. Despite their diversity, these comedies share common poetic traits: they are all built around a storyline, characters and dialogues that verge on idle talk. The comic remains the essential element of the genre, be it in the vitality of burlesque comedies, the ambiguity of humorous comedies, or the criticism of satirical comedies. Contemporary comedy, buoyed by its heterogeneity and its ability to reinvent its own traditions, remains a relevant genre in today's theatrical landscape.

Parce qu’elle se donne comme un discours ancillaire chargé d’actualiser le dialogue et de construire la représentation, parce qu’elle semble empiéter sur le terrain réservé du metteur en scène mais ne peut égaler la magie du spectacle, parce qu’elle n’est ni vraiment littéraire ni réellement scénique, la didascalie est longtemps restée le parent pauvre des études théâtrales. Depuis quelques années, elle fait l’objet d’un engouement relatif. D’une part, des études linguistiques décrivent le fonctionnement standard du discours didascalique en synchronie.D’autre part, des études critiques éclairent les poétiques didascaliques d’auteurs en s’intéressant particulièrement aux infractions par rapport à une pure fonctionnalité supposée.Dans cette thèse, nous cherchons à dépasser cette approche clivée en fournissant une poétique générale de la didascalie et, afin de lui donner sens, poids et nuance, nous l’ancrons résolument dans l’histoire en nous fondant sur le théâtre du XXe siècle, de Villiers à Koltès, soit un XXe siècle élargi, solidement ancré dans le XIXe et les yeux déjà tournés vers le XXIe. C’est le moment où la didascalie se redéfinit du fait de l’avènement et de la prise de pouvoir du metteur en scène, le moment où elle sort spectaculairement de son ornière sans pour autant pouvoir ou vouloir se débarrasser totalement d’un fond utilitaire. Elle apparaît alors sans conteste comme une parole boitant "un pied dans le devoir, un pied dans le désir", une parole icarienne tendue entre des catégories théoriquement exclusives. Dans une première partie, nous posons le format du discours didascalique, son territoire,son fonctionnement énonciatif (c’est-à-dire la place exacte qu’il occupe dans la communication dramatique) et ses caractéristiques graphiques (ponctuation, typographie, mise en page). Dans une seconde partie, c’est la fabrique même de l’écriture didascalique qui est étudiée, c’est-à-dire sa tension constitutive entre le pacte qui la régit (clarté, économie) et sa fondamentale aspiration à devenir (devenir-spectacle, devenir-poème, devenir-roman…). / Because they seemingly have to make the dialog work as well as to construct theperformance, because they seem to encroach upon the director’s grounds and yet cannot level with the magic of the actual staging, because they are not a real piece of literature nor do they belong to the show, the stage directions have long been overlooked by theater studies. In the past few years, a mild interest has arisen. On the one hand, linguists describe in a synchronic fashion the generic features of this particular type of discourse. On the other hand, critics wish to seize the specificity of each author’s stage directions, with an emphasis on the breaches of their theoretical functional purity.In this thesis, we intend to go beyond this fragmented approach by offering an overall poetics of stage directions and, in order for it to carry meaning, weight and nuance, we choose to base it on history and, specifically, on XXth century theater, from Villiers to Koltès, an enlarged century, deeply rooted in the XIXth and already glancing at the XXIst. It is then that stage directions redefine themselves as a result of the advent of the director and his coming to power ;it is then that they spectacularly travel out of joint but appear, nonetheless, incapable or unwilling to get rid altogether of their fundamental usefulness. Unequivocally, they prove to be a form of speech limping “one foot in duty, on foot in desire”, an icarian discourse reconciling what is theoretically opposed.This study starts with the format of the stage directions, their territory, their enunciation (i.e. the exact role they play in the dramatic communication), their graphic characteristics (punctuation, typography, lay-out). Then, we investigate the very fabric of stage directions writing, the perpetual tension between the pact that rules them (clarity, economy) and a fundamental drive to become something else (to become stage, to become poem, to become novel…).

L’expression du "rythme plastique au cinéma" est généralement considérée comme métaphorique, en sorte qu’il est difficile de l’appliquer au cinéma. Cette thèse cherche à éclaircir le fait que la question du rythme plastique n’est pas indifférente à l’organisation visuelle propre à l’art cinématographique. C’est le cinéma d’Andreï Tarkovski qui nous conduit à aborder la rhétorique du "temporelle dans un plan et à travers les plans : l’importance qu’il accorde au plan nous invite à penser le rythme comme inscrit dans la dimension plastique de l’espace encadré. Le premier chapitre est consacré à l’approfondissement de la conception du rythme propre au cinéaste, au cours duquel on remarque ses positions contradictoires à l’égard du montage et de la réalisation du thème du temps. Les chapitres suivants s’appliquent à explorer l’organisation du temps, de l’espace et de la figure, en analysant les images de ses films : il s’agit d’éclairer la dimension rythmique inhérente à la réalisation du temps, de l’espace, et de la figure de manière plastique. Ces cheminements d’analyse nous conduisent à conclure que la dimension plastique de l’image chez Tarkovski est issue de son penchant pour le monde virtuel, le monde du rêve. Le parti pris essentiel de cette thèse suppose dans cette organisation du monde virtuel du rêve une convergence entre l’acte organisateur de l’image et son produit, entre la poïétique et la poétique, entre la plastique et la rythmique. C’est en cela que la plastique est étroitement en rapport avec la rythmique dans le cinéma de Tarkovski. / The expression of "plastic rhythm in cinema" is generally considered as metaphorical, so that it is difficult to apply it to the cinema. This thesis aims to clarify that the question of plastic rhythm is not indifferent to the visual organization in the art of film. It is the cinema of Andrei Tarkovsky that leads us to approach the rhetoric of "plastic rhythm in cinema". The rhythm is for Andrei Tarkovsky defined as the temporal intensity within a shot and through the shots: his importance on the shot allows us to think of rhythm as sculpted in the plastic dimension of the framed space. The first chapter is dedicated to the deepening of his comprehension of rhythm, where we notice his contradictory positions towards the montage and the realization of the theme of time. In the following chapters we investigate the organization of time, space, and figure, by analyzing images of his film: our analysis aims to illuminate the rhythmic dimension inherent to the realization of time, space, and figure in plastic form. These progressions of analysis lead us to conclude that the plastic dimension of the images of Tarkovsky is established by his inclination for the virtual world, the realm of dreams. The essential bias of this thesis assumes in this organization of the virtual world of dreams a convergence between the act of organizing the image and its product, between the poïetic and the poetic, between the plastic and the rhythmic. That is where the plastic is closely related to the rhythmic in the cinema of Tarkovsky.

Judéité et personnages juifs ont hanté l’œuvre et les diverses réflexions de Marguerite Duras (1914-1996). En 1980, dans Les Yeux verts, elle se demande : « Qu’est-ce que la judaïté représente dans une problématique personnelle d’un non-juif ? Contre quoi est-elle ce recours absolu à nul autre pareil ? ». L’un des principaux objectifs de cette recherche est d’essayer de répondre à ces interrogations. Il s’agit de comprendre pourquoi ce qu’elle appelle la « chose juive » est aussi omniprésente, et comment à partir de « cette rencontre d’autrui », a évolué, au fil du temps, l’image récurrente du « juif ».Nous essaierons, tout d’abord, de retracer cette approche en répondant à deux questions primordiales : d’une part, qu’est-ce « juif », ce « nombre pur », ou ce possible « mot trou » ; et d’autre part, qu’est-ce qu’être juif, comment a pu autour de cette « appréhension » se mettre en place l’idée que le « juif » pouvait représenter « un état à venir de l’homme informé », donnant ainsi naissance à une sorte de modus vivendi ou à une éthique ? Nous verrons, ensuite, comment cette circonscription toute personnelle s’est immiscée dans l’écriture de Duras, et en privilégiant une approche génétique, comment elle a tenté de prendre forme, par exemple, au niveau des ses étranges personnages. Nous terminerons notre réflexion en nous demandant si son rapport au livre et si « les lectures illimitées » qui s’offrent au lecteur ne s’inscrivent pas finalement dans une certaine attitude hébraïque, talmudique, et, au-delà, comment cette judéité a pu éventuellement faire naître une mélodie, un phrasé, voire même une poétique proche d’une conception « juive » de l’écrivain et de l’écrit. / Jewishness and Jewish characters have permeated the entirety of Duras's work as well as her various thoughts. In 1980, she wondered in Les Yeux verts: “What does Jewishness represent in the personal questioning of non-Jewish ones? What does that unrivalled and absolute recourse stand up against?” One of the main goals of this research is to try and answer those questions. The point is to understand why, what she called “the Jewish entity”, is so pervasive and how the recurring image of the Jew(s) has evolved through time from that very first encounter with the other(s).We will first try to go through the different steps of that approach by answering two essential questions. On the one hand, what “Jewish”, that “genuine number” or that possible “hole word” is and on the other hand, what it means to be Jewish and how the idea that the Jew could symbolize “an upcoming condition of man informed” giving birth, in the process, to a kind of modus vivendi or to some ethics, could be formed. We will continue with reflecting on how that very personal delineation of the topic has gradually pervaded the way Duras wrote and how, by singling out a genetic approach, that writing took shape in the characterization of her odd protagonists. We will end our study by wondering whether both her relation to books and the unlimited interpretations the reader is faced with are typical of some sort of Hebraic, Talmudic attitude and, beyond that, how that Jewishness eventually gave rise to a melody, a chain of words or even some poetics that would resemble a Jewish conception of the writer and of the written work.

Cette thèse propose une réflexion sur les concepts de groupe, génération et métalangage, appliquée au métalangage interne du groupe poétique espagnol du XXème siècle appelé « génération de 27 ». Le corpus sur lequel se fonde cette recherche est constitué des œuvres poétiques antérieures à 1939 des dix poètes majeurs de ladite génération : Federico García Lorca, Rafael Alberti, Jorge Guillén, Luis Cernuda, Pedro Salinas, Emilio Prados, Vicente Aleixandre, Gerardo Diego, Manuel Altolaguirre et Damaso Alonso. La méthode de travail adoptée consiste à élaborer un glossaire exhaustif du métalexique présent dans les œuvres poétiques choisies (termes se référant à la poésie en général, à la poésie de l’auteur et à celle d’autrui). Les trois axes d’analyse que l’on a choisi de développer sont le métalangage du poète, du poème et de la poésie. Dans un premier temps on a dépouillé les œuvres poétiques. Dans une seconde étape, on propose une analyse des glossaires établis pour chaque poète. Enfin, la troisième étape consiste à les confronter, l’hypothèse de recherche étant que cette confrontation devrait permettre de déterminer le degré de cohésion de la génération de 27 quant à l’emploi d’un métalangage poétique. / This thesis offers a reflection on group concepts, generation and metalanguage. The analysis focusses specifically on the internal metalanguage of the 20Th Century Spanish group of poets known as the Generation of ’27. The body of study on which this work is founded is constituted from the poetical works prior to 1939 of the ten major poets of the aforementioned generation: Federico Garcia Lorca, Rafael Alberti, Jorge Guillen, Luis Cernuda, Pedro Salinas, Emilio Prados, Vicente Aleixandre, Gerardo Diego, Manuel Altolaguirre, Damaso Alonso. The working method adopted consists of compiling a comprehensive glossary of the metalexicon present in the poetical works selected (terms referring to poetry in general, to the author’s poetry in particular, and to the poetry of others). The metalanguage of the poet, the poem and the poetry are the three main lines of analysis chosen for development. In the first instance, the poetical works are studied in detail, next, an analysis of the glossary constituted for each poet is provided, and during the final phase these are compared, the research hypothesis being that comparison should enable us to determine the degree of cohesion of the Generation of ’27 regarding their poetical metalanguage.

C'est dans son "Orphée Studio", sous-titré "Poésie d'aujourd'hui à voix haute", qu'André Velter parle vraiment d'oralité nouvelle. Déclaration fondée sur l'expérience, ce manifeste de quelques feuillets, rédigés en guise de présentation, est remarquable : simple, enthousiaste et parlant. Tellement prodigue qu'il fut le détonateur de cette thèse. Quatre mille deux cents signes en effet ont suffi à me décider : la nouvelle oralité poétique serait mon sujet. Le terme même d'oralité, trop souvent uniquement appliqué aux griots africains ou aux traditions orales, offre un vaste champ de réalités dès lors qu'il est entendu, non dans son acception moderne, mais bien dans son rapport à la modernité. / It is in his "Orphée Studio", subtitled "Poésie d'aujourd'hui à voix haute", that André Velter really speaks about new poetic orality. Declaration based on the experiment, this proclamation of some layers, written as a presentation, is rare : simple, enthusiastic and speaking. So much prodigal to be it the detonator of this thesis. Four thousand two hundred signs indeed were enough to induce me : new poetic orality would be my subject. The term even of orality, too often only applied to the African griots or the oral traditions, offers a vast field of realities since it is heard, not in its modern meaning, but well in his report with modernity.