Cette recherche repose sur l’étude comparative des trajectoires professionnelles de deux groupes de plasticiens français : Wonderful District, cellule artistique créée en 2000 à Bordeaux, aujourd’hui établie à Ho Chi Minh ville, Vietnam, et l’Espace 29, lieu de création, d’exposition et de résidence d’art contemporain, fondé en 2006 également à Bordeaux. Le cadre scientifique de cette étude est composé d’une approche théorique pluridisciplinaire, assortie d’une méthodologie qualitative d’orientation interactionniste. Les données recueillies sur les terrains français et vietnamien ont engagé une réflexion autour du concept de mouvement et sa pratique dans l’organisation d’un système d’actions à dessein professionnalisant (usage des territoires, sédentarité, mobilité, nomadisme). A échelle de cette étude de cas, le prisme du réseau met en lumière l’importance de la construction d’un tissu d’interactions comme paramètre favorisant la dynamique de développement, d’innovation et de réalisation dans la profession artistique. De même, la notion d’utopie constitue le fil rouge de ces itinéraires, au cœur desquels se confondent parfois l’art et la vie. L’objectif de cette thèse vise l’observation des représentations imaginaires à l’origine des motivations de ces artistes (utopèmes), comparées aux moyens concrets et stratégies mises en œuvre en faveur de l’élaboration et de l’établissement de leur carrière. L’analyse des modes de structuration de leurs activités, individuelles et collectives, a permis d’identifier le rayonnement local, comme l’amplitude plus globale du cheminement de ces artistes dans le monde de l’art. / This research is based on a comparative case study of the career paths of two groups of French artists: Wonderful District, artistic structure built in Bordeaux, in 2000, now based in Ho Chi Minh City, Vietnam, and Espace29, artistic space, founded in 2006, also in Bordeaux. The scientific framework of this study consists in a theoretical approach, multidisciplinary, together with a qualitative methodology referring to Interactionism. The prism of interaction highlights the importance of building a network as a development dynamic: it is a contributing factor that promotes innovation and goal achievement in artistic profession. Besides, field work in France and in Vietnam has launched reflections on concept and practise of movement: influence of movement in the management of the professionalization process (use of territories, mobility, nomadism, sedentary lifestyle). Moreover, the notion of utopia is the common thread of these courses, in which sometimes art and life are mixed. The objective of this dissertation is a comparison between artists’ representations and the practical tools and strategies implemented in the career management process. The way they organize individual and collective professional activities, in the art world, reaches, to some extent, a local and global radiation.

Cette thèse a pour objet un ensemble de réalisations artistiques qui jouent entre fiction et autofiction. Elle se construit à partir d’une enquête sur un « héros » entre remémoration et oubli. Elle développe une série d’expérimentations et de questions qui concernent les notions de héros individuel et de héros collectif, de mémoire, les limites entre l’autobiographie et l’autofiction. « L’Artiste », « l’Auteure », « le héros » forment trois entités singulières qui se croisent, s’imbriquent et ce faisant, interrogent leurs statuts respectifs. Ainsi, « l’Artiste », dans un jeu d’ubiquités et d’ambiguïtés, cède sa place, en tant que personnage, à « l’Auteure ». Le héros individuel ou « Z-héros » construit par « l’Auteure » cède sa place au héros collectif. La mémoire collective permet de construire cette identité partagée du héros collectif, mais sur quels faits, quels oublis ? « L’Artiste » ici fournit des documents, des images, mais vient brouiller les pistes. Il fait resurgir la mémoire individuelle au sein d’une histoire collective. Ces différentes questions, les oeuvres qui en ont fondé l’existence sont développées dans cette thèse en trois grands moments : l’apparition du héros, sa disparition puis réapparition et les artifices de l’auteur. / This thesis presents a collection of artistic works that exist between fiction and autofiction. It is based on a study of the "hero" between recollection and forgetting. It develops a series of experiments and questions concerning notions of the individual hero and the collective hero, of memory, and the borders between autobiography and autofiction. The artist, the author and the hero form three specific entities that intersect and overlap, and in doing so, question their respective statutes. Thus, the artist, in a game of ubiquities and ambiguities, yields his position as a figure to the author. The individual hero or Z-hero created by the author gives way to the collective hero. Collective memory can create this shared identity of the collective hero, but on what grounds, with wich omissions ? The Artist here provides the documents and the images, but confuses the issue. He brings back the individual memory within a collective history. These different questions and the works that have founded their existence are developed in this thesis in three major moments : the emergence of the hero, his disappearance followed by reappearance, and the artifices of the author.

Ces travaux entendent soumettre à l’épreuve des textes fin-de-siècle d’Arthur Machen (1863-1947) deux hypothèses : celle d’une appartenance au décadentisme et au symbolisme, d’une part, et celle d’un principe de consistance régulant les tensions qui sous-tendent son œuvre mineure, d’autre part, celle-ci mêlant les pratiques issues des corpus sapientiaux de la Bible et des récits intertestamentaires aux rites thérianthropiques du totémisme primitif. Le syncrétisme entre christianisme et paganisme ainsi que l’oscillation entre ascétisme apollonien et esthétisme dionysiaque reflètent aussi bien la résilience que les pathologies de l’artiste, qui façonne à la manière d’un homo faber des Künstlerromane et des autoportraits révélant sa nature protéenne. Inspirés des multiples courants artistiques jalonnant l’époque victorienne, les textes de Machen composés au tournant du siècle font de lui un auteur difficile à classer et trop souvent étiqueté parmi les écrivains gothiques et fantastiques – indétermination générique notamment due à l’anthologisation de son œuvre et nécessitant un travail de fouille dans des domaines variés tels que l’archéologie, l’anthropologie et l’ethnologie. La nouvelle, le roman par épisodes, le conte et le poème en prose en particulier deviennent des formes expérimentales où les diaristes établissent les prémices de l’écriture automatique des surréalistes. Perçu tantôt comme l’emblème de la contagion héréditaire, tantôt comme le héraut d’une civilisation décadente, l’artiste porte plusieurs masques que parasitent les fausses pistes laissées par l’auteur. Ayant exploré l’hypothèse d’un Machen poète, théologien, puis essayiste et théoricien du Beau, il sera possible, dès lors, de comprendre le décalage qui oppose la fiction et la vie de ce fervent anglican de la Haute Église, de cet époux fidèle qui cultive néanmoins, dans ses textes, des fantasmes paraphiliques, des rêves de l’Orient et de la Grèce ou, au contraire, des itinéraires pénitentiels douloureux régis par une tradition galloise médiévale supposant autoflagellation et jeûnes anorexiques. Loin de représenter un « calice vide », la liturgie devient chez Machen un pouvoir sacré, comme l’atteste la corrélation entre l’humiliation du corps et l’élévation de l’esprit dans The Hill of Dreams. En revendiquant également la richesse d’une culture galloise minoritaire, Machen participe au « Celtic Revival » et compose des chroniques du Gallois déraciné, exilé à Londres, tentant de survivre à un environnement urbain hostile en le reterritorialisant, spatialement et temporellement. / The present study sustains an analogy between the fin-de-siècle texts of Arthur Machen and the aesthetics of Decadence and Symbolism, first, and a principle of consistency regulating the tensions that underlie his minor works – id est, the customs originating from the sapiential corpus of the Bible and the intertestamental narratives being blended with the therianthropic rites of primitive totemism. The syncretism between Christian and Pagan rites and the oscillation between Apollonian ascesis and Dionysiac aestheticism mirror the resilience as well as the pathologies of the artist in his Protean Künstlerromane and self-portraits. Inspired by the numerous artistic currents of the Victorian age, Machen’s turn-of-the-century texts are quite complex to classify and account for the too frequent association made between his style and that of Gothic or Fantastic authors. This generic indetermination, notably triggered by the anthologization of Machen’s texts, requires a work of investigation in diverse domains such as archaeology, anthropology and ethnology. Episodic novels, short stories, tales, and prose poems, in particular, become experimental diaries foreshadowing the Surrealists’ automatic writing. Deemed to be either the emblem of hereditary contagion or the herald of a decadent civilization, the artist wears several masks which are further distorted by the author’s misleading autobiographical hints. After showing that Machen is not only a poet but also a theologian and an essayist and a theorician on aesthetics, it will be possible to understand the discrepancy between the fiction and the life of a fervent High-Branch Anglican, a faithful husband who nevertheless cultivated, in his texts, paraphilic fantasies, dreams of a new Orient and an Ancient Greece, or quite the contrary, extreme penitential itineraries grounded in a Medieval Welsh tradition requiring self-flagellation and anorexic fasting. Far from representing a “chalice empty of wine”, liturgy becomes a sacred power as the correlation between physical losses and spiritual gains in The Hill of Dreams shows. By championing the beauty of a minor Welsh culture, Machen partook in the “Celtic Revival” and wrote the chronicles of uprooted Welsh subjects exiled in the hostile environment of fin-de-siècle London and striving to reterritorialize its spatial and temporal constitution.

Le travail abordé concerne le domaine de l’histoire artistique et culturelle. La période étudiée est le XXè siècle. Les événements se déroulent à New York et à Paris. - La recherche pose l’hypothèse suivante : la création, puis l’édification du premier musée d’art moderne, le MoMA à New York, ouvre la voie à l’architecture contemporaine, à travers l’édification du musée d'art moderne. Les pensées architecturales américaine et française, n’œuvraient pas dans le même sens. Tandis que l’une s’appuie sur une recherche formelle, qui trouverait des liens avec la réception de l’art moderne, l’autre oriente la projection formelle de l’architecture en relation avec la ville. La démonstration se fait à partir d'exemples, pris dans l’histoire de l’architecture moderne de 1910 jusqu'aux années fin soixante : la construction du Musée national d’art moderne à Paris en 1936, au Palais de Tokyo, la création en 1929 et la construction, en 1939, du MoMA à New York. Deux autres musées s'édifient à New York : le Solomon Guggenheim Museum en 1959, et le Musée Whitney en 1966, et les agrandissements du MoMA réalisés aux mêmes années. Sont pris en compte, concernant et autour des édifications muséales : les débats intellectuels dans l’art, les conflits, les acteurs, les lieux, les usages, les effets d’influence et de voisinages. L'histoire culturelle contemporaine se fait à plusieurs niveaux : - dans la période qui précède la réalisation des édifices muséaux, à travers l'analyse des réalisations architecturales et de leurs esthétiques, auprès des architectes auteurs des édifices.- Dans un autre temps, sont développés la réception et les usages des lieux mis en fonction des réalisations, et les effets d’influence des réalisations et de l'architecture. / The thesis concerns the history of contemporary architecture artistic and cultural. The period is the 20th century and the events take place in New York and Paris. - My research poses the following hypothesis. The creation and erection of the first museum of modern art, the MoMA in New York, opened the way to contemporary architecture though the edification of the museum. American and French views on architecture do not stem from the same school of thought. One direction of architecture leans on a formal view findings links in art and the reception of art, the other architecture opens the formal projection of architecture in relation to the city. - The demonstration is done using examples taken from the history of modern architecture from 1910 until the late sixties : the creation of MoMA in New York in 1929 and its construction in 1939. Then, there are the works of the Solomon Guggenheim Museum in 1959 and the realization of the Whitney Museum in 1966, and the enlargements of MoMA. In parallel, we are developing the construction of the National Museum of Modern Art in Paris in 1936, at the Palais de Tokyo. The following are taken into account the different intellectual considerations in Art, the artists, the conflicts, the actors and the places, the different uses and the influence of the neighbouring areas on the museums themselves, the architects and the aesthetics of the buildings put into function and the effects/influences caused by each building.

Je suis né juste avant les vidéo VHS. Je ne sais toujours pas ce que les gens vivent. Ni ce qu’ils connaissent. Lorsqu’ils ferment une porte. Lorsqu’ils en ouvrent une. Le tourbillon. L’électricité. Le grand oui enfin. Je ne sais comment les gens cultivent leur sens. Je fais état ici de mes enquêtes sur les conditions passagères et favorables à l’état de grâce; celui qui sait me libérer juste assez longtemps de mon existence parfois trop actuelle pour me redonner l’envie d’y rejouer toujours. Projection, transfert; je m’identifie souvent aux contextes que je visite momentanément. Afin d’éviter qu’une langue vivante ne devienne langue morte, la kabbale juive, en interprétant seulement les consonnes, traduit ainsi un cantique de la première bible en hébreu: «Le double véritable de l’homme habite dans une pièce sans porte avec une seule fenêtre de laquelle il ne peut se faire entendre des hommes; celui qui parvient à maîtriser son double, et à le civiliser, celui-là sera en paix avec lui-même.» Moi qui aurai eu la chance d’être parfois entendu. Peut-être dans un même ordre d’idées, un passage de la médecine autochtone d’ici suggère que la corneille a un pied dans chaque monde: celui connu, et l’autre. Les Anciens disent que lorsque la corneille se mire dans une flaque d’eau en forêt, elle s’y penche et griffe son propre reflet. J’essaie d’entendre. Je n’ai pas su encore parler d’amour.

La question de l’influence primordiale de Carlyle sur Proust n’a jamais été abordée de manière profonde. Cette thèse a pour objet de combler cette lacune. Nous analysons en particulier le dialogue continu que tient Proust avec Les Héros et Sartor Resartus. Nous identifions à quel point ses réflexions sur ces lectures carlyliennes - dont le sujet principal est la recherche d’une nouvelle foi ou mythe créateur pour ces temps modernes et incroyants - sont présentes dans le portrait de l’artiste, et du monde, qu’il nous offre dans À la recherche du temps perdu. Le parcours du Narrateur qui se termine avec la redécouverte de « la foi dans les lettres » se construit dans un tissage dialogique où, (souvent s’inspirant de Ruskin), Proust réécrit les événements historiques, biographiques, et éthiques qui préoccupent Carlyle dans sa recherche de la « vérité », en leur donnant une plus grande valeur esthétique. S’inspirant du coté expérimental de Sartor Resartus, ainsi que des essais carlyliens sur l’histoire et la biographie, Proust refait de manière imaginaire le parcours littéraire de Carlyle même dans la construction de son Narrateur, qui ressemble par plusieurs aspects à un Carlyle transplanté dans un pays qu’il considérait, comme l’épitomé de la décadence. Ainsi, Proust peut réhabiliter l’aspect « romancier manqué » de Carlyle, qui s’est refugié dans les vies des « grands hommes » et l’histoire des « grands événements », quand le Narrateur prend conscience de la réconciliation entre la vie et l’art. Toutefois, c’est la justesse et la profondeur des observations carlyliennes sur l’art et sur la nature de l’artiste ainsi que l’incitation donnée par la description du développement d’une conscience artistique dans Sartor Resartus avec son ambigüité, son ironie, son dédoublement de la voix narrative et son affirmation que « l’idéal » se trouve « dans le méprisable actuel » qui inspire Proust le plus dans sa présentation du « portrait de l’artiste » qu’est À la recherche du temps perdu. / In this thesis we attempt to treat for the first time the hitherto largely overlooked question of the primary importance of Carlyle as an influence on Proust. Basing our research on the dialogical relationship which Proust has continually with Heroes and Sartor Resartus, we trace the presence of his reflections on Carlyle’s writings, which are essentially concerned with the search for a new faith or creation myth in modern secular times, in the portrait of the artist in the world which is the subject of À la recherche du temps perdu. The Proustian Narrator becomes reunited with his faith in literature which he has lost over the years and eventually reconciles life and art. His journey to this point has been largely constructed on rewritings (inspired very often by Ruskin) of Carlylean texts dealing with History, Biography, and Ethics, where Proust redresses the importance of the aesthetic element which Carlyle increasingly renounces. Taking his inspiration from the experimental nature of Sartor Resartus, and from Carlyle’s historical and biographical writings, Proust also rewrites Carlyle’s personal trajectory in his portrait of his Narrator who bears a strong resemblance to a virtual Carlyle transplanted into a country which he considered, rather playfully, as the epitome of decadence. Proust can therefore, by purely literary methods, show that a writer’s reservoir of impressions comes not from the constant pursuit of “Truth”, or by writing the lives of others, but from having lived life, familial, intimate, and indeed social life. Even if Carlyle can be considered as a failed novelist, it’s the impact of his profound and heartfelt writings on what art is and on the nature of the artist, along with his innovative Sartor Resartus with its constant ironic undertones, its doubling of the narrative voice, its affirmation of the ideal in the everyday, which most inspires the imitative and spiritual portrait of an artist which is À la recherche du temps perdu. .

Le dessein de cette étude est de formuler une description adéquate de la création artistique. Elle part de l’hypothèse que les descriptions existantes de ce processus sont finalistes et, en conséquence, erronées. Elles sont finalistes, en cela qu’elles postulent la possibilité de prévision du résultat du travail artistique. Ce postulat repose sur l’erreur de construire une théorie de la création en partant de l’expérience de la réception, ce qui revient à se livrer à une « prophétie rétrospective ». Une fois établie la généalogie de cette erreur, il est possible de proposer une description concurrente, qui n’est plus finaliste, mais générative, concentrée non sur les éventuels objets visés par les pratiques, mais sur les modalités selon lesquels l’acte créatif se déploie. / My main concern is to offer a correct description of the way artistic creativity works. My starting point is to acknowledge that most existing descriptions of artistic creativity fail because they are “goal-oriented”: they operate as if it was possible to foresee what an artwork will be, even before this artwork is actually produced. They do so because they are, on a logical level, essays in reverse engineering: they start from the way we receive artworks, and they try to deduce from it they way we produce artworks. After establishing that this retrospective prophecy is an error, I show that a “means-oriented” and generative description of creativity is more convincing, and more fitting to both the organicity of artistic creation and the organic unity of artworks.

Se présentant fréquemment dans l’oeuvre de Stendhal, la notion de l’honneur se caractérise par une complexité dans sa dimension pluridisciplinaire comme par son implication dans l’Histoire. Précédée par un examen préliminaire de la notion d’honneur dans une perspective historique et théorique, la première partie se consacre à l’analyse de l’honneur en tant que principe politique qui apparaît à Stendhal aussi condamnable que louable, impliquant régime monarchique et enthousiasme révolutionnaire. La partie suivante analyse la figure de plusieurs artistes de différentes époques dans les écrits biographiques de Stendhal. La manière idéale de vivre en artiste témoigne de la caducité de l’harmonie entre l’honneur et les arts qui invalide la formule cicéronienne "honos alit artes". La dernière partie retrace l’enquête stendhalienne sur l’honneur comme exigence d’une vengeance atroce marquant les moeurs de l’Italie du XVIe siècle, avant de mettre en clair, à travers quelques exemples tirés des oeuvres romanesques, la poétique propre à l’honneur dans la représentation de l’amour. Dégageant ces enjeux principaux de l’honneur, politiques, éthiques et esthétiques, l’étude se propose de montrer l’ambiguïté idéologique et axiologique de la notion d’honneur dans l’écriture stendhalienne. Elle vise également à éclairer, à travers cette notion qui se réfère nécessairement au passé, la façon dont Stendhal se situe face à son siècle en pleine mutation, soit à la modernité postrévolutionnaire. / Stendhal’s work frequently presents the idea of honor. It is characterised with complexity in its multidisciplinary dimension as well as through historical implications. Preceded by a preliminary examination of the notion of honor from a historical and theoretical perspective, the first part is devoted to the analysis of honor as a political principle, which in Stendhal's opinion is as contemptible as it is praiseworthy, implicating both the monarchy and revolutionary zeal. The next part analyses several key artists from different eras in Stendhal’s biographical writings. The idealistic manner of living as an artist testifies to a lapse of harmony between honor and the arts which invalidates the Ciceronian formula "honos alit artes". The last part looks back at Stendhal's inquiry into honor as a condition of a horrible form of revenge which was evidenced by Italian customs during the 16th century, before clarifying, using several examples from fiction, the poetics peculiar to honor in the representation of love. Drawing on these main issues of honor, politics, ethics and aesthetics, the study proposes to show the ideological and axiological ambiguity of the notion of honor in Stendhal’s writing. Using this notion, which necessarily refers to the past, it also aims at clarifying the way Stendhal saw his century in the midst of upheaval, namely post-revolutionary modernity.

No description available.

La musique était pour Éric Rohmer une passion et un modèle de création artistique. Dans cette perspective, elle participe intimement de sa pratique cinématographique et de sa théorisation sur les arts, ainsi que de sa reconnaissance comme artiste-intellectuel. Cette étude se consacre à l'analyse de l’œuvre du cinéaste dans le but de vérifier comment la musique peut être considérée comme son modèle idéal. Ce travail s'intéresse à la formation de la culture musicale de Rohmer en tant que facteur déterminant pour comprendre sa conception de l'art musical et, par conséquent, de la musique au cinéma. Il s'agit de confronter sa pensée (à travers ses écrits et déclarations) à sa pratique, en rendant compte de la diversité de son œuvre - du court métrage Sonate à Kreutzer (1956), sonorisé au magnétophone de la rédaction des Cahiers du cinéma, à la pièce de théâtre le Trio en mi bémol (1987). / For Éric Rohmer, music was a passion and a model of artistic creation. This perspective played an intimate role in his cinematography and in his theorization of the arts, as well as in his recognition as an intellectual artist. This study is devoted to the analysis of the filmmaker's work with the goal of verifying how music can be considered as his ideal model. The work is focused on the formation of Rohmer’s musical culture as a determining factor in understanding his conception of the art of music and, as a result, of film music. It confronts his thoughts (based on his writings and declarations), his practice, and the diversity of his work - from the 1956 short film Sonate à Kreutzer (with its soundtrack captured using the Cahiers du cinema office tape recorder) to the 1987 play le Trio en mi bémol.