A presente pesquisa analisa e compara o processo criativo de dois filmes de Andrea Tonacci: Interprete Mais, Pague Mais (1974-1995) e Serras da Desordem (2006), com foco na relação do cineasta com os atores documentados, investigando a questão da encenação, performatividade e teatralidade. No primeiro filme, ao documentar a crise de um grupo de teatro, Tonacci explora a teatralidade inerente à realidade que documenta, resultando em uma presentificação que só existe através de seu registro cinematográfico. No segundo filme, ele encena a vida de um índio com o próprio índio, encontrando na reconstituição da vida do outro uma narrativa essencialmente autobiográfica. A comparação dos dois procedimentos visa ao confronto e a uma possível aproximação entre as diferentes formas de mise en scène/mise en présence no ato de filmar do cineasta, bem como a um entendimento das diferentes formas de encenar/presentificar o real no cinema de ficção e documentário. / This work analizes and compares the creative process of two films by Andrea Tonacci: Play More, Pay More (1974-1995) and Hills of Disorder (2006), focusing on the relationship between the filmmaker and the actors, by exploring the notions of staging, theatricality and performativity. On the first film, while showing the crisis faced by a theater group, Tonacci exposes the teatricality inherent to the reality portrayed, resulting in a presentification that only exists through his cinematic device. On the second film, by enacting the story of a native Brazilian, played by the native himself, he finds on the reconstruction of the life of the other a narrative that is essencially autobiographic. A comparison of the two procedures aims at the confrontation and possible approach of these two forms of mise en scène/mise en présence on the very act of filming, through an understanding of the diferent forms of staging/presenting the real on documentary and fiction films.

Orientador: Verônica Fabrini Machado de Almeida / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T05:27:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Harada_RicardoGodoy_D.pdf: 40900997 bytes, checksum: e17b647942063460b51fccf6fffc7a65 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: A presente pesquisa objetivou estudar, fundamentar e desenvolver uma poética cênica singular, resultante da articulação de duas formas espetaculares distintas: a arte mágica e a arte teatral. Para isto, foi necessário realizar um estudo introdutório da arte mágica, com o fim de identificar seus traços específicos, recorrentes em sua gênese ao longo da história, bem como estabelecer sua especificidade enquanto uma forma espetacular autônoma. Esta tese analisa a problemática decorrente do encontro e da articulação entre ambas as artes, centrada na incompatibilidade entre os aspectos específicos de cada uma. Partindo dos conceitos discutidos, são apresentados exemplos concretos, visando superar a dicotomia entre a performatividade da arte mágica e a teatralidade do teatro, levando em consideração a complexidade e heterogeneidade de ambas as artes. O percurso artístico do autor é utilizado como estudo de caso, expondo os procedimentos e as soluções de ordem poética encontradas no decorrer de dez anos de experimentações. Esta poética singular é resultante do deslocamento da finalidade da arte mágica tradicional - centrada no entreter por meio da simulação do impossível - para a produção da suspensão estética no espectador. O acontecimento teatral deixa de ser um espaço de representação, tornando-se símbolo, ou seja, uma matriz de intelecções / Abstract: The purpose of this thesis is to study and develop a singular theatrical poetic, based on the articulation between the art of conjuring and theatre. Both are independent and complexes forms of arts, with inner characteristics that are incompatible when brought together. The first part of this research presents the genesis and the specificity of the art of conjuring by identifying its recurrent specific traces. After establish the specificity of both arts, we analyse the status queastionis of the proposition, regarding the mixture of procedures from the art of conjuring and theatrical art. Its not possible to establish a general theoretical answer to the problem presented by this research. Only by the analysis of singular cases, based on the concepts established on the first part of the thesis, is possible to contemplate the multiple dynamics and potentialities of the proposition. The singular poetical approach of the author is taken as case of study, being analysed by a descriptive method. This new form of performance, product of the mixture of conjuring and theatre is possible only because of the approach of its author, regarding the finality of his art: its not entertaining by creating effects of impossibilities, but provoke the aesthetical arrest in the spectator. In this new proposition, the theatrical scene is not a space of representation anymore, but is presented as symbol it self / Doutorado / Artes Cenicas / Doutor em Artes

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:49:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 augustoamaral.pdf: 11468891 bytes, checksum: 657fbf7fccf79b4331f6abef65a9b8e1 (MD5) Previous issue date: 2009-03-30 / This piece of writing intends to contribute to the concept of human theatricality, corporifying itself while memories and experimentations are stated. It is a process of development inspired on the philosophy of difference, the device of which is the theater. It tries to make bodies that Interact, transformations, markings, dispersions evident, providing elements that compose a group of practice-theory.Actions and ideas generated during incursions in alien territory, at the frontier among art, philosophy, and education in a changing zone. The empirical field of research is constituted fundamentally from the experience of teaching Educational Philosophy and The Philosophy of Physical Education in the undergraduate course of Physical Education, at the Atlântico Sul College, understood here as the practice of Oneself. Work developed around the recognition of the processes of development of its agents, questioning the formal field of education, the ditional relation between the subject and the object of research, the hegemonic models, and the finished product.The field of problem making appears from the resistance to living and defines the methodological pathway of research. / Esta escrita pretende contribuir com a construção do conceito de teatralidade humana, corporificando-se enquanto são enunciadas memórias e experimentações. Trata-se de um processo de formação inspirado na filosofia da diferença, cujo dispositivo é o teatro. Procura evidenciar corpos que interagem, devires, marcas, dispersões; fornecendo elementos que compõem um conjunto prático-teórico. Ações e ideias geradas durante incursões no território alheio, na fronteira entre arte, filosofia e educação em uma zona de mutação. O campo empírico da pesquisa constitui-se fundamentalmente a partir das práticas como professor da disciplina Filosofia da Educação e Filosofia da Educação Física no curso de licenciatura em Educação Física, da Faculdade Atlântico Sul em Pelotas, aqui entendidas como práticas de Si. Um trabalho desenvolvido em torno da valorização dos processos de formação de seus agentes, colocando em questão o campo formal da educação, a relação tradicional entre sujeito e objeto de pesquisa, os modelos hegemônicos e os produtos acabados. O campo de problematização surge a partir do embate com o vivido e define os rumos metodológicos da pequisa.

A iluminação cênica é uma das mais fecundas áreas da prática teatral contemporânea, sendo responsável por muitos aspectos da construção dos sentidos na cena, e da fruição da obra pelos espectadores. Essa pesquisa visa jogar luzes sobre as estratégias utilizadas por alguns iluminadores na articulação de seu trabalho com as necessidades da fabulação de diferentes tipos de espetáculos e seus respectivos espaços. Numa encenação a demanda de responsabilidade que recai sobre o trabalho do iluminador é imensa. No geral ele precisa, além de iluminar o ator e a cena, de alguma maneira também iluminar o texto e a obra da encenação, ressaltando suas intencionalidades expressivas e de comunicação. Muitas vezes seu trabalho é o ponto de convergência ou confrontação entre os diversos profissionais envolvidos numa montagem teatral, além de contribuir de forma absoluta na maneira como o espectador recebe e experimenta um espetáculo. Acreditamos que tais e tamanhas tarefas poderão receber algumas luzes com o estudo que esta pesquisa pretende contemplar, com objetivo de contribuir para uma elaboração didática para interessados no tema. / The stage lighting is one of the most fruitful areas of the practice of contemporary theater, being responsible for many aspects of the construction of meanings in the scene, and to the enjoyment of the play by the spectators. This research aims to light up the strategies used for some light designers in the articulation betwen its work and the necessities of the report in differents types of spectacles and its respective spaces. On stage, the responsibility demands that falls in the work of the light designer is immense. In general terms, it needs, beyond lighting the actor and the scene, in some way also to light up the text and the mise-en-scène, to show its expressives purposes and comunication intents. Many times its work is the convergence point or confrontation among the involved professionals in a stage setting, beyond contribute in all the ways that the spectator receives and tries the spectacle. We believe that such and so great tasks will be able to receive some light with the study that this research intends to contemplate, with objective to contribute for a didactic elaboration for interested in the subject.

Esta dissertação aborda a teatralidade da palavra poética em Paranoia, primeiro livro de poemas de Roberto Piva, publicado no início dos anos 1960. Não se trata de poesia dramática, mas de poemas endereçados a uma assistência, operando nos limites entre Lírica e Épica, poesia e prosa oratória. A teatralidade do orador-declamador frente a um auditório está inscrita no texto, através de recursos como apóstrofes, anáforas, enumerações, o uso de paralelismos linguísticos, narrativas de forte teor imagético, efeitos de amplificação, paradoxos. Os poemas configuram-se, em grande parte, como caminhadas e reflexões de um sujeito lírico pela metrópole paulistana em meados do século XX, reconstituídas em chave onírica, sob o pathos da paranoia. Este sujeito é acometido por visões, que compõe um painel de acento épico de seu lugar e seu tempo, através da reelaboração de tópicos barrocos como o mundo como teatro, o mundo como labirinto, o mundo como sonho e a loucura do mundo. / This dissertation approaches the theatricality of the poetic word in Paranoia, the first poetry book by Roberto Piva, published in the beginnings of the sixties on the XX century. It´s not about dramatic poetry, but poems adressed to an audience, dealing with the borders of Lyric and Epic, poetry and oratory prose. The theatricality of the public orator-declaimer in front of an audience is inscribed in the text, using resources like apostrophe, anaphora, enumeration, linguistic parallelism, narrative of strong imagetic content, amplification effect, paradox. The poems are shaped, mostly, as walks and meditations of a lyric subject on the metropolis of São Paulo city in the middle of the XX century, reconstructed on a onirical key, under the pathos of paranoia. This subject is assaulted by visions, which compose a pannel of epic content about his place and his time, through the reworking of baroque style topics, such as world as theatre, world as labyrinth, world as dream, and world\'s madness.

Esta tese se propõe a investigar as potencialidades estéticas e críticas vinculadas à presença dos atores do cotidiano no âmbito das artes cênicas contemporâneas, com recorte em criações produzidas no Brasil e na Europa neste início de século XXI. O termo compreende pessoas que não necessariamente possuem formação artística e são convidadas a participar de uma criação a partir de uma perspectiva autorreferencial. Parte-se da hipótese de que a incorporação dos atores do cotidiano colabora para alterar o próprio \"regime de visibilidade\" (RANCIÈRE, 2009) dos corpos e subjetividades no âmbito das artes cênicas, ao ampliar as possibilidades sobre quem pode atuar no teatro e na dança. A partir do diálogo com os conceitos de teatros do real (SAISON, 1998; FERNANDES, 2010; MARTIN, 2013), teatralidade expandida (DIÉGUEZ, 2014; SÁNCHEZ, 2015) e teatralidade do público (CORNAGO, 2015), a pesquisa centra-se na análise da trajetória e de obras específicas de artistas da cena contemporânea que se destacam pelo trabalho com os atores do cotidiano, como o diretor francês Jérôme Bel, a brasileira Cia. Hiato, o coletivo suíço-alemão Rimini Protokoll e o diretor catalão Roger Bernat. A partir dessa análise, são traçadas algumas potencialidades vinculadas aos trabalhos, com destaque para a subversão de tradicionais códigos cênicos da representação, a intensificação da partilha de experiências com o espectador, a aproximação das artes cênicas com os campos da realidade e do cotidiano, a problematização de questões relativas à alteridade, a irrupção de uma teatralidade do coletivo, a projeção de espelhamentos com o público e sua participação na obra e, finalmente, o diálogo com o contexto onde o espetáculo acontece. Esse tipo de participação reflete um modo específico de expansão de linguagem do teatro e da dança. E mostra como a presença dos atores do cotidiano colabora para transformar as \"maneiras de fazer\" e os \"modos de pensabilidade\" (RANCIÈRE, 2009) das artes cênicas contemporâneas. / This thesis aims to investigate the aesthetic and critic potentialities related to the presence of the actors of everyday life in the context of contemporary performing arts, addressing creations produced in Brazil and Europe at the beginning of 21st century. The term includes people who do not necessarily have artistic training and are invited to take part in current creations from a self-referential perspective. We start from the hypothesis that the incorporation of actors of everyday life collaborate to change the \"regime of visibility\" (RANCIÈRE, 2009) of bodies and subjectivities in the context of performing arts, by broadening the possibilities about who acts in theatre and dance. From the dialogue with the concepts of theatres of the real (SAISON, 1998; FERNANDES, 2010; MARTIN, 2013), expanded theatricality (DIÉGUEZ, 2014; SÁNCHEZ, 2015), and audience theatricality (CORNAGO, 2015), this research focuses on the analysis of the trajectory and of specific works of artists from the contemporary scene who stand out by their work with actors of everyday life, such as French director Jérôme Bel, the Brazilian Cia. Hiato, the Swiss-German collective Rimini Protokoll, and Catalan director Roger Bernat. From this analysis, we outline some some potentialities linked to their works, focusing on the subversion of traditional theatrical codes of representation, the intensification of experience sharing with the spectator, the approach of the performing arts with the fields of reality and everyday life, the questioning of issues relating to otherness, the irruption of a theatricality of the collective, the projection of mirrors with the audience and its participation in the work, and, finally, the dialogue with the context in which the spectacle takes place. That kind of participation reflects a specific way with which theatre and dance have been working their language expansion. And it shows how the presence of everyday actors collaborates to transform the \"ways of doing\" and the \"ways of thinking\" (RANCIÈRE, 2009) of the contemporary performing arts.

O escritor Eugène Ionesco é um dos expoentes do teatro francês do século XX. Bastante conhecido por sua produção dramática de maneira especial, pelas peças La Cantatrice chauve e Rhinocéros , sua obra não se restringe, no entanto, à dramaturgia. Polemista, o autor escrevia textos de caráter ensaístico, muitas vezes em defesa da própria obra, e os publicava em jornais e revistas franceses, como Arts ou la Nouvelle Revue Française. Alguns desses textos, além de fragmentos de diário e notas acerca de suas peças, estão recolhidos sob o título Notes et contre-notes, publicado originalmente em 1962, obra que permite entrever o perfil crítico de Ionesco e as reflexões em relação ao fazer literário. O trabalho de pesquisa proposto consiste, pois, na análise dos textos que compõem Notes et contre-notes, buscando pensar uma teoria do teatro da derrisão, que se constrói dia a dia, por meio dos debates com a crítica em jornais e revistas. Da mesma maneira que existe na base das reflexões do dramaturgo uma ideia do teatro que as determina, também vemos no ataque/defesa em relação aos críticos uma ideia da crítica, anterior mesmo à sua produção dramática e que a extrapola amplamente. Para a investigação que ora proponho, acredito inverter o que seria o caminho mais habitual, da teoria ao texto teatral: aqui, penso de que maneira a teatralidade está implicada no perfil crítico de Ionesco. A pesquisa dos manuscritos do autor no Fundo Ionesco constituiu, nesse sentido, importante fonte para refletir sobre movimentos de escritura. A derrisão, expressa pela paródia dos modelos tradicionais, parece participar tanto da obra dramática quanto da obra crítica do escritor. / Eugène Ionesco is one of the most important writers of the French Theatre in the XXth century. Known by his dramatic production especially the plays The Bald Soprano and Rhinoceros his work is not restricted to drama. The polemic author used to write essays to defend his own work and published them in French newspapers and magazines, like Arts or la Nouvelle Revue Française. Some of these texts, besides journal fragments and notes about his plays, were collected in Notes et contre-notes, published in 1962. In this book, Ionescos critic profile and his reflections on literary writing are in evidence. This thesis analyses the texts that compose Notes et contre-notes, trying to think about a theory of the theater of derision which is constructed day by day, through discussions with the critics in journals. In the same way there is underlying the discussions of the playwright an idea of the theater, we can also notice in the attack/defense in relation to critics an idea of criticism. Following the investigation, I reverse the traditional way, from the theory to the theatrical text: I try to identify how theatricality is implicated in Ionescos critic profile. The manuscripts research of the author in the Fonds Ionesco is an important source to discuss writing procedures. Expressed by parody of the traditional examples, derision seems to take part in both dramatic and critic work of the writer

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:58:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leila Bianca Melega Gallo.pdf: 1837293 bytes, checksum: 66a406a6cff7e8c2c38cdcfea9d7861e (MD5) Previous issue date: 2016-03-14 / This work investigates fissures between literature and theater, from the dramatization of the story "Missa do Galo", by Machado de Assis. The play, entitled "Missa do Galo", directed by Luiz Eduardo Frin, is part of the Machadianas Project, of Ágora Theatre. The research aims is to: reflect on the dramatization of this machadiano tale; seize, at the play, poetic procedures of modern and contemporary theater scene, as well as analyze the insertion of the epic element on stage. The need of the staging of the modern times in working with devices that do not connect representation to the verisimilitude, led this research to focus on the introduction of narrative expedient in contemporary theater scene, guiding through the following problematization: How far, the staging of play "A Missa do Galo," by Luiz Eduardo Frin, discusses the "theatricality", involving literature and theater? How does the epic and poetic staging live in the staging? The theoretical background concerning the conceptions of contemporary theater scene is mainly supported in the studies of Bertolt Brecht, Anatol Rosenfeld, Peter Szondi, Pierre Sarrazac and Hans-Thies Lehmann. The reasearch is also guided in authors such as Yves Stalloni, Emil Staiger, Roland Barthes and Silvia Fernandes to seize the intrinsic theatricality both in literature and in the staging. Among the final considerations, we emphasize: the play "A Missa do Galo" is not classified as a simple adaptation of Machado de Assis' tale, and it is up to the stage the responsibility to unveil Machado's tale through its dramatization / Este trabalho investiga fissuras entre literatura e teatro, a partir da teatralização do conto Missa do Galo , de Machado de Assis. A peça, intitulada A Missa do Galo , dirigida por Luiz Eduardo Frin, está inserida no Projeto Machadianas, do Ágora Teatro. A pesquisa tem como objetivos: refletir sobre a teatralização desse conto machadiano; apreender, na peça, procedimentos poéticos da cena teatral moderna e contemporânea, assim como analisar a inserção do elemento épico no palco. A necessidade da encenação dos tempos atuais em trabalhar com artifícios que não conectem a representação à verossimilhança, conduziu este trabalho a centrar-se na introdução de expedientes narrativos na cena teatral contemporânea, guiando-se pela seguinte problematização: Até que ponto, a encenação da peça A Missa do Galo , de Luiz Eduardo Frin, põe em discussão a teatralidade , envolvendo literatura e teatro? Como o épico e o poético convivem na encenação? A fundamentação teórica acerca das concepções da cena teatral contemporânea se apoia principalmente nos estudos Bertolt Brecht, Anatol Rosenfeld, Peter Szondi, Pierre Sarrazac e Hans-Thies Lehmann. Pauta-se, também, em autores como Yves Stalloni, Emil Staiger, Roland Barthes e Silvia Fernandes para apreender a teatralidade intrínseca tanto na literatura como na encenação. Entre as considerações finais, ressaltam-se: a peça A Missa do Galo não se classifica como uma simples adaptação do conto de Machado de Assis, e cabe ao palco a responsabilidade de desvendar o conto machadiano por meio de sua teatralização

A expressão compor música-como-teatro sintetiza e agrupa minhas contribuições no campo das relações entre composição musical e teatralidade, organizadas em três eixos de prática e autoanálise: 1- a situação de performance musical como espaço cênico; 2- a seleção e organização de materiais como jogo cênico e 3- estrutura e forma como encenação. A noção de compor música-como-teatro é delimitada em diálogo com: afirmativas e obras de compositores como Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel e Georges Aperghis; as categorias teatro musical, teatro instrumental e Teatro Composto, abordadas na bibliografia sobre música de concerto pós-1960; as categorias teatralidade e dramaturgia, como discutidas em escritos de teóricos que abordam as artes cênicas. Em síntese, compositores se movem em direção ao teatro, eles compõem com materiais gestuais e visuais, gerando partituras/roteiros para performances cênico-musicais. A prática de compor música-como-teatro pressupõe a intenção expressiva de incorporar a dimensão estética de teatralidade da performance musical ao âmbito das escolhas composicionais. Avança ao adotar uma aproximação entre composição e dramaturgia: compor consiste em organizar um roteiro de ações com e sem implicação sonora concatenadas musicalmente ‒ ‒ e enquadradas em dispositivos de construção e deslizamento de sentidos narrativos. O portfólio apresenta partituras e registros audiovisuais de três peças: O Espelho (2015-2017), As Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I heard them together (2017). / The expression composing music-as-theater synthesizes and groups my contributions in the field of relations between musical composition and theatricality, organized into three axes of practice and self-analysis: 1- the situation of musical performance as scenic space; 2- the selection and organization of materials as scenic play; and 3- structure and form as staging. The notion of composing music-as-theater is delimited in dialogue with: stances and works of composers like Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel and Georges Aperghis; the categories musical theater, instrumental theater and Composite Theater, addressed in the bibliography on post-1960 concert music; the categories theatricality and dramaturgy, as discussed in the writings of theorists dealing with performing arts. In synthesis, composers move towards theater, they compose with gestual and visual materials, generating scores / scripts for scenic-musical performances. The practice of composing music-as-theater presupposes the expressive intention of incorporating the aesthetic dimension of theatricality of musical performance into the scope of compositional choices. It advances by adopting an approximation between composition and dramaturgy: composing consists in organizing a script of actions with and ‒ without sound implication ‒ musically concatenated and framed in devices of construction and sliding of narrative meanings. The portfolio features scores and audiovisual recordings of three pieces: O Espelho (2015-2017), As Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I heard them together (2017).

Esta dissertação aborda a teatralidade da palavra poética em Paranoia, primeiro livro de poemas de Roberto Piva, publicado no início dos anos 1960. Não se trata de poesia dramática, mas de poemas endereçados a uma assistência, operando nos limites entre Lírica e Épica, poesia e prosa oratória. A teatralidade do orador-declamador frente a um auditório está inscrita no texto, através de recursos como apóstrofes, anáforas, enumerações, o uso de paralelismos linguísticos, narrativas de forte teor imagético, efeitos de amplificação, paradoxos. Os poemas configuram-se, em grande parte, como caminhadas e reflexões de um sujeito lírico pela metrópole paulistana em meados do século XX, reconstituídas em chave onírica, sob o pathos da paranoia. Este sujeito é acometido por visões, que compõe um painel de acento épico de seu lugar e seu tempo, através da reelaboração de tópicos barrocos como o mundo como teatro, o mundo como labirinto, o mundo como sonho e a loucura do mundo. / This dissertation approaches the theatricality of the poetic word in Paranoia, the first poetry book by Roberto Piva, published in the beginnings of the sixties on the XX century. It´s not about dramatic poetry, but poems adressed to an audience, dealing with the borders of Lyric and Epic, poetry and oratory prose. The theatricality of the public orator-declaimer in front of an audience is inscribed in the text, using resources like apostrophe, anaphora, enumeration, linguistic parallelism, narrative of strong imagetic content, amplification effect, paradox. The poems are shaped, mostly, as walks and meditations of a lyric subject on the metropolis of São Paulo city in the middle of the XX century, reconstructed on a onirical key, under the pathos of paranoia. This subject is assaulted by visions, which compose a pannel of epic content about his place and his time, through the reworking of baroque style topics, such as world as theatre, world as labyrinth, world as dream, and world\'s madness.