Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 121228.pdf: 5167659 bytes, checksum: f3170376a0fe5cc99f36e610e07c07b7 (MD5) Previous issue date: 2013-03-05 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation aims to reflect on some artistic practices of urban intervention. The analysed practices are the ones performed within the city by artists or artistic groups, although outside the usual assigned spaces for performances and plays. To accomplish the task, it uses a mapmaking method that far than only mapping a preexistent production, also intends to compose a connection net among elements such as statements collected in interviews, theorical reference and the empirical artistic experience of the author. Groups and artists from cities such as Curitiba, Porto Alegre, Buenos Aires, Montevideo, Sevilla and Granada have been interviewed for this research. It could be confirmed that these urban interventions have been often connected to the 20th century artistic vanguards, when it comes to the desire of blurring the boundaries between art and life. Furthermore, they have been establishing themselves as micropolitical projects that singularize the referred spaces. This happens specially because of the 1960´s cultural changes contamination. In a reaction to the organization process of the post modern cities and it´s subordination to the economic capital holders, as well as their submission to the strenght of the internacional art market, these interventions present a political dimension in their poetical projects, although this content may not be expressed in a thematic manner. / O objetivo desta dissertação é refletir sobre algumas práticas artísticas de intervenção urbana, considerando como tal as ações realizadas na cidade, fora dos espaços destinados a mostras artísticas e espetáculos, por artistas ou coletivos artísticos. Para tanto, vale-se de um método cartográfico que, mais do que mapear uma produção preexistente, propõe-se à composição de uma rede de conexões entre elementos tais como as falas coletadas em entrevistas, referências teóricas associadas ao tema em questão e a prática artística do autor da pesquisa. Foram entrevistados grupos e artistas das cidades Curitiba, Porto Alegre, Buenos Aires, Montevidéo, Sevilha e Granada. Pude verificar que as intervenções urbanas possuem uma tradição ligada às vanguardas artísticas do século XX, no que tange ao desejo de borrar as fronteiras entre arte e vida. Contudo, vem se configurando enquanto projetos micropolíticos de singularização do espaço, devido a sua contaminação por mudanças culturais surgidas, sobretudo, após 1960. Numa reação ao processo de organização das cidades pós-modernas - e sua submissão aos detentores do capital econômico -, bem como à força de um mercado de arte internacional, estas intervenções apresentam uma dimensão política em seus projetos poéticos, ainda que tal conteúdo possa não estar expresso de forma temática.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PaulaRojasAmador2009.pdf: 1974150 bytes, checksum: 2895b01b886732e96569cce9c912a0a6 (MD5) Previous issue date: 2009-02-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research has as its object the analysis of theatrical interpretation in anti-naturalists performances. It also studies the existence of some principles in the mask theater; marionette theater, and nô theater, such as: economy of means, focus, score of gestures and actions, neutrality, immobility and the relation of the actor with his energetic center, also known as gravity center. The study centers its analysis in two contemporaneous spectacles played in Brazil: Agreste directed by Márcio Aurélio and played by Cia. Razões Inversas in the year of 2004 in São Paulo-SP; and O Pupilo quer ser tutor´, written by the Austrian playwright Peter Handke and played by the Cia. Teatro sim... Por que não?! in the year of 2007 in Florianópolis-SC, under the direction of Francisco Medeiros. The research includes the concept of theatricality and its relations with the mimesis as concrete elements to discuss the interpretative work which distances itself from the naturalistic way of playing / A presente pesquisa tem como objeto a análise da interpretação teatral em encenações antinaturalistas. Também estuda a existência de alguns dos princípios presentes no teatro de máscara, no teatro de marionetes e no teatro nô, tais como: a economia de meios, o foco, a partitura de gestos e ações, a neutralidade, a imobilidade e a relação do ator com seu centro energético, também conhecido como centro de gravidade. O estudo centra suas análises em dois espetáculos contemporâneos encenados no Brasil: Agreste dirigido por Márcio Aurélio e encenado pela Cia. Razões Inversas, no ano de 2004 em São Paulo-SP; e O Pupilo quer ser tutor, peça do dramaturgo austríaco Peter Handke encenado pela Cia. Teatro sim... Por que não?! no ano de 2007, em Florianópolis-SC, sob a direção de Francisco Medeiros. A pesquisa incorpora o conceito de teatralidade e suas relações com a mimese como elementos concretos para discutir o trabalho interpretativo que se distancia do modo naturalista de atuar

Orientador: Cassia Navas Alves de Castro / Acompanha 2 DVD-R: Celia Gouvea e Sonia Mota. / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T16:38:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Geraldi_SilviaMaria_D.pdf: 2308557 bytes, checksum: dcdf2a268a48eafa5e180b2f1934b55c (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Essa pesquisa teve como finalidades principais: a reconstituição e registro documental da produção realizada pelas coreógrafas paulistanas Célia Gouvêa e Sônia Mota durante as décadas de 70 e 80; a apreciação dessa produção de modo a refletir sobre as raízes da teatralidade na dança cênica do período. A fim de alcançar-se uma compreensão das vias de teatralização utilizadas por cada artista, buscou-se reconhecer em seus espetáculos quais foram os modos de gestão da corporeidade dançante, as principais estratégias coreográficas empregadas e como foram manipulados os diferentes materiais cênicos. O recorte contextual escolhido para esse estudo vai de 1974 a 1993, demarcando dois momentos emblemáticos para a dança paulistana: a fundação do Teatro Galpão de São Paulo em dezembro de 1974; e a criação do MTD - Movimento Teatro-Dança 90 em 1993. A abordagem metodológica adotada foi de cunho qualitativo, valendo-se de depoimentos pessoais das coreógrafas e da reunião de documentos históricos de diversas espécies para realização das análises. Durante o processo de trabalho, buscou-se forjar instrumentos adequados à sistematização dos dados da pesquisa, resultando na elaboração de três categorias de análise: corpo cênico, princípios estruturais, estruturação da linguagem. A partir da definição de tais categorias, pôde-se realizar a apreciação da produção individual de cada criadora, bem como um estudo final comparativo de seus modos de produção cênicos, buscando-se capturar elementos elucidativos das tendências teatralizantes presentes nas danças de Célia Gouvêa e Sônia Mota. / Abstract: The main objectives of this study were: the reconstitution and documented registry of the production by São Paulo choreographers Célia Gouvêa and Sônia Mota in the 1970s and 1980s; an appreciation of this production to reflect on the roots of theatricality in scenic dance during that period. In order to understand the theatricality pathways used by each artist, an attempt was made to recognize the forms of dance corporeity management, the main choreographic strategies employed and how the different scenic materials were manipulated in their work. The contextual period chosen for this study goes from 1974 to 1993, delimiting two emblematic moments for São Paulo dance: the foundation of São Paulo's Teatro Galpão in December 1974; and the creation of the MTD - Theater-Dance Movement 90 in 1993. A qualitative methodological approach was adopted, making use of personal testimony from the choreographers and the gathering of several kinds of historical documents for analysis. Throughout the entire process, an attempt was made to forge appropriate instruments for the systematization of research data, resulting in the elaboration of three categories of analysis: scenic body, structural principles and language structuring. From the definition of these categories, it was possible to analyze the individual production of each creator, as well as make a final comparative study of their scenic productions, seeking to capture elucidative elements of theatrical trends present in the dances of Célia Gouvêa and Sônia Mota. / Doutorado / Doutor em Artes

Esta tese se propõe a investigar as potencialidades estéticas e críticas vinculadas à presença dos atores do cotidiano no âmbito das artes cênicas contemporâneas, com recorte em criações produzidas no Brasil e na Europa neste início de século XXI. O termo compreende pessoas que não necessariamente possuem formação artística e são convidadas a participar de uma criação a partir de uma perspectiva autorreferencial. Parte-se da hipótese de que a incorporação dos atores do cotidiano colabora para alterar o próprio \"regime de visibilidade\" (RANCIÈRE, 2009) dos corpos e subjetividades no âmbito das artes cênicas, ao ampliar as possibilidades sobre quem pode atuar no teatro e na dança. A partir do diálogo com os conceitos de teatros do real (SAISON, 1998; FERNANDES, 2010; MARTIN, 2013), teatralidade expandida (DIÉGUEZ, 2014; SÁNCHEZ, 2015) e teatralidade do público (CORNAGO, 2015), a pesquisa centra-se na análise da trajetória e de obras específicas de artistas da cena contemporânea que se destacam pelo trabalho com os atores do cotidiano, como o diretor francês Jérôme Bel, a brasileira Cia. Hiato, o coletivo suíço-alemão Rimini Protokoll e o diretor catalão Roger Bernat. A partir dessa análise, são traçadas algumas potencialidades vinculadas aos trabalhos, com destaque para a subversão de tradicionais códigos cênicos da representação, a intensificação da partilha de experiências com o espectador, a aproximação das artes cênicas com os campos da realidade e do cotidiano, a problematização de questões relativas à alteridade, a irrupção de uma teatralidade do coletivo, a projeção de espelhamentos com o público e sua participação na obra e, finalmente, o diálogo com o contexto onde o espetáculo acontece. Esse tipo de participação reflete um modo específico de expansão de linguagem do teatro e da dança. E mostra como a presença dos atores do cotidiano colabora para transformar as \"maneiras de fazer\" e os \"modos de pensabilidade\" (RANCIÈRE, 2009) das artes cênicas contemporâneas. / This thesis aims to investigate the aesthetic and critic potentialities related to the presence of the actors of everyday life in the context of contemporary performing arts, addressing creations produced in Brazil and Europe at the beginning of 21st century. The term includes people who do not necessarily have artistic training and are invited to take part in current creations from a self-referential perspective. We start from the hypothesis that the incorporation of actors of everyday life collaborate to change the \"regime of visibility\" (RANCIÈRE, 2009) of bodies and subjectivities in the context of performing arts, by broadening the possibilities about who acts in theatre and dance. From the dialogue with the concepts of theatres of the real (SAISON, 1998; FERNANDES, 2010; MARTIN, 2013), expanded theatricality (DIÉGUEZ, 2014; SÁNCHEZ, 2015), and audience theatricality (CORNAGO, 2015), this research focuses on the analysis of the trajectory and of specific works of artists from the contemporary scene who stand out by their work with actors of everyday life, such as French director Jérôme Bel, the Brazilian Cia. Hiato, the Swiss-German collective Rimini Protokoll, and Catalan director Roger Bernat. From this analysis, we outline some some potentialities linked to their works, focusing on the subversion of traditional theatrical codes of representation, the intensification of experience sharing with the spectator, the approach of the performing arts with the fields of reality and everyday life, the questioning of issues relating to otherness, the irruption of a theatricality of the collective, the projection of mirrors with the audience and its participation in the work, and, finally, the dialogue with the context in which the spectacle takes place. That kind of participation reflects a specific way with which theatre and dance have been working their language expansion. And it shows how the presence of everyday actors collaborates to transform the \"ways of doing\" and the \"ways of thinking\" (RANCIÈRE, 2009) of the contemporary performing arts.

O escritor Eugène Ionesco é um dos expoentes do teatro francês do século XX. Bastante conhecido por sua produção dramática de maneira especial, pelas peças La Cantatrice chauve e Rhinocéros , sua obra não se restringe, no entanto, à dramaturgia. Polemista, o autor escrevia textos de caráter ensaístico, muitas vezes em defesa da própria obra, e os publicava em jornais e revistas franceses, como Arts ou la Nouvelle Revue Française. Alguns desses textos, além de fragmentos de diário e notas acerca de suas peças, estão recolhidos sob o título Notes et contre-notes, publicado originalmente em 1962, obra que permite entrever o perfil crítico de Ionesco e as reflexões em relação ao fazer literário. O trabalho de pesquisa proposto consiste, pois, na análise dos textos que compõem Notes et contre-notes, buscando pensar uma teoria do teatro da derrisão, que se constrói dia a dia, por meio dos debates com a crítica em jornais e revistas. Da mesma maneira que existe na base das reflexões do dramaturgo uma ideia do teatro que as determina, também vemos no ataque/defesa em relação aos críticos uma ideia da crítica, anterior mesmo à sua produção dramática e que a extrapola amplamente. Para a investigação que ora proponho, acredito inverter o que seria o caminho mais habitual, da teoria ao texto teatral: aqui, penso de que maneira a teatralidade está implicada no perfil crítico de Ionesco. A pesquisa dos manuscritos do autor no Fundo Ionesco constituiu, nesse sentido, importante fonte para refletir sobre movimentos de escritura. A derrisão, expressa pela paródia dos modelos tradicionais, parece participar tanto da obra dramática quanto da obra crítica do escritor. / Eugène Ionesco is one of the most important writers of the French Theatre in the XXth century. Known by his dramatic production especially the plays The Bald Soprano and Rhinoceros his work is not restricted to drama. The polemic author used to write essays to defend his own work and published them in French newspapers and magazines, like Arts or la Nouvelle Revue Française. Some of these texts, besides journal fragments and notes about his plays, were collected in Notes et contre-notes, published in 1962. In this book, Ionescos critic profile and his reflections on literary writing are in evidence. This thesis analyses the texts that compose Notes et contre-notes, trying to think about a theory of the theater of derision which is constructed day by day, through discussions with the critics in journals. In the same way there is underlying the discussions of the playwright an idea of the theater, we can also notice in the attack/defense in relation to critics an idea of criticism. Following the investigation, I reverse the traditional way, from the theory to the theatrical text: I try to identify how theatricality is implicated in Ionescos critic profile. The manuscripts research of the author in the Fonds Ionesco is an important source to discuss writing procedures. Expressed by parody of the traditional examples, derision seems to take part in both dramatic and critic work of the writer

[pt] Em seu romance O casamento, Nelson Rodrigues desloca sua experiência na dramaturgia para os limites da literatura, levando as palavras, a partir de sua materialidade, a operar encenações na narrativa ficcional. Daí surge a noção de teatralidade caracterizadora de uma escrita de sensações com inegável vigor e impacto. Tal prática artística explora a linguagem verbal para que esta presentifique o corpo ausente dos protagonistas e arme um jogo sintático planejado para produzir movimento, ritmo, imagens visuais, táteis e sonoras. Assim, o leitor vivencia a trama durante a experiência marcante de leitura do texto. Diante disso, investiga-se a influência da teatralidade tanto na estrutura do romance como no experimento da sintaxe frasal de um tipo de texto lítero-dramático que Nelson inventa, onde o sentido ultrapassa as fronteiras da linguagem e educa a sensibilidade do corpo-leitor para experimentar a força viva dessa escrita. / [en] In his novel The Wedding, Nelson Rodrigues moves his experience in playwriting to the boundaries of literature making the words to perform dramatizations in the fictional narrative. Hence the notion of theatricality that characterizes a kind of writing of sensations with undeniable force and impact rises. Such artistic practice explores verbal language so that it is able to recover the absent body of the protagonists and set a syntactic game planned to produce movement, rhythm, visual, sound and tactile images. Thus, the reader experiences the plot during the remarkable experience of reading. Therefore, this dissertation investigates the influence of theatricality on the structure of the novel as well as the experiment of phrasal syntax of a type of literary-dramatic text that Nelson invents, in which the meaning transcends the boundaries of language and educates the sensitivity of the body-reader to experience the power of this alive writing.

Orientador: Mario Alberto de Santana / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T08:48:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_EduardoCarlosBrasil_M.pdf: 84105400 bytes, checksum: 7005b66b54e0dce30ecaf72954a27719 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Sob o contexto de um curso livre de teatro, esta dissertação trata do ensino de teatro para não atores. Um estudo sobre a prática teatral vivenciada por pessoas que não tem no teatro seu foco profissional. Investigamos se a relação das práticas adotadas no curso definem uma metodologia e, neste caso, como este sistema de práticas favorece a compreensão e a percepção da idéia de grupo entre os participantes do curso. Ao utilizar jogos teatrais, treinamentos e improvisações encadeados ao processo criativo de um espetáculo, discutimos como a noção de teatralidade se faz presente nas relações entre prática teatral, aprendizagem e criação. / Abstract: In the context of a free theater course, this dissertation discuss the teaching of theater for non-actors. A study of theater practice experienced by people who does not have theater as their professional focus. We investigate if the relationship between the practices adopted in the course define a methodology and, in this case, how this system of practice leads to comprehension and perception of the idea of a group amongst the course participants. Using theater games, improvisations and training linked to the creative process of a spectacle, we discuss how the notion of theatricality is present in relations between theater practice, learning and creation / Mestrado / Multimeios / Mestre em Artes da Cena

[pt] Partindo da concepção hoje bastante disseminada de que a tradução é uma atividade especialmente favorável à criação e à crítica, esta tese propõe a tradução de três dos dramatículos de Samuel Beckett, peças escritas originalmente em inglês e traduzidas em seguida para o francês pelo próprio autor: Not I / Pas Moi (1973/1975), Footfalls / Pas (1976/1977) e Rockaby/Berceuse (1981/1982). O projeto tradutório mobiliza as duas versões de cada texto, de uma forma que se quer sensível à riqueza das interferências mútuas entre as soluções de cada língua. Busca, nesse sentido, alguma sintonia com a práxis de criação bilíngue do autor irlandês, método que é, como se sabe, vital para a realização de seu celebrado imperativo poético – cavar um buraco atrás do outro (na linguagem), manifesto na Carta Alemã (1937). Nas traduções para o português brasileiro, a poética da tradução do próprio Beckett é pensada em interseção privilegiada com as reflexões que o crítico e tradutor Haroldo de Campos fez gravitar em torno do conceito de transcriação. A tese reúne uma trilogia que, surgindo depois de Happy Days (1960), traz a voz feminina para o protagonismo: as três peças traduzidas apresentam a questão da instabilidade identitária dessas vozes em monólogos complexos. No âmbito das traduções propostas e dos ensaios críticos e notas que a elas acrescento, busco discutir essa e outras questões conexas na escrita beckettiana: a indeterminação do Eu, sempre oscilante, móvel; a produção de fantasmas, espelhamentos e ecos; e a hibridização de gênero, que agrega a tensão entre a teatralização da narrativa e as soluções líricas. A trilogia de vozes femininas marca a fase final da obra do autor e nunca foi traduzida em conjunto, em especial enfrentando-se o aspecto bilingue dos textos. / [en] Starting from the widely disseminated conception that translation is an activity especially favorable to creation and criticism, this thesis proposes the translation of three of Samuel Beckett s dramatículos, plays written originally in English and then translated into French by the author himself: Not I / Pas Moi (1973/1975), Footfalls / Pas (1976/1977) and Rockaby / Berceuse (1981/1982). The translation project works upon the two versions of each text, in a way that is sensitive to the richness of the mutual interference between the solutions of each language. The project demands, in this sense, some harmony with the Irish author s bilingual creation praxis, a method which is, as we know, vital for the realization of his celebrated poetic imperative - to dig one hole after another (in language), German Letter (1937). In these translations into Brazilian Portuguese, the poetics of Beckett s own translation is thought of in privileged intersection with the reflections that the critic and translator Haroldo de Campos made to gravitate around the concept of transcreation. The thesis assembles together a trilogy that, after Happy Days (1960), brings the question of female voice to protagonism: the three translated pieces present the question of identity instability of these voices in complex monologues. In the scope of the proposed translations and of the critical essays and notes that I add to them, I try to discuss this and other related questions in the Beckettian writing; the indeterminacy of the Self, always oscillating, mobile; the production of ghosts, mirrors and echoes; and the hybridization of genre, which agregates the tension between narrative theatricalization and lyrical solutions. The trilogy of female voices marks the final phase of the author s work and has never been translated together, especially in light of the bilingual aspect.

A Tese examina o processo de criação e a forma final de filmes realizados por Jacques Rivette e John Cassavetes, entre 1968 e 1978, cuja invenção repousa numa poética da instabilidade. A partir de uma discussão mais abrangente das relações entre o método inaugurado pelos cineastas e a fronteira que ele instaura do cinema com outros campos, sobretudo o teatro, procedemos então às análises que confrontam dois pares de filmes: L\'Amour fou (Rivette, 1968) e A Woman Under The Influence (Cassavetes, 1974) e, em seguida, Out 1: noli me tangere (Rivette, 1970) e Opening Night (Cassavetes, 1978). Nesta abordagem comparativa, atentaremos para o modo pelo qual o estilo instável dos filmes prolonga, duplica e desdobra realidades dramatúrgicas igualmente instáveis, que eles tenderam a privilegiar. Para tanto, o estilo se deixa contaminar pelo happening, pela improvisação e pela teatralidade, radicalizando assim um impulso de experimentação permanente na obra de Rivette e Cassavetes, que lhe confere um lugar de destaque no cinema moderno. / This thesis examines both Jacques Rivette\'s and John Cassavetes\' creative processes, as well as the final cinematic forms of films they made between 1968 and 1978. The invention on their films rests on the poetics of instability. Starting from a more general discussion which examines the relationship between their original methods and the correlated connections they establish with other artistic fields, mainly the theater, we proceed to analyze the similarities and differences presented by two pairs of films: L\'Amour fou (Rivette, 1968) and A Woman Under The Influence (Cassavetes, 1974); Out 1: noli me tangere (Rivette, 1970) and Opening Night (Cassavetes, 1978). Through a comparative approach, we will observe the way the unstable style of films prolongs, duplicates, and equally unfolds unstable dramaturgical realities that they tended to privilege. In order to accomplish our task we will focus on the forms by which these films allow themselves to be contaminated by the \"happening\", by improvisation and by theatricality. Radicalizing their impulse of permanent experimentation, Rivette and Cassavetes managed to acquire a prominent position in modern cinema.

O presente trabalho tem como objetivo contextualizar a novela exemplar \"Rinconete y Cortadillo\" no conjunto da obra de Miguel de Cervantes, bem como analisá-la estabelecendo o diálogo com alguns gêneros literários de sua época, como a picaresca e o teatro. Será examinada a trajetória do texto desde sua menção no Dom Quixote de 1605 até a sua publicação entre as Novelas Exemplares em 1613. Serão estudados os diversos discursos presentes na composição da obra, considerada a grande aproximação de Cervantes à literatura picaresca. Ao incorporar elementos do gênero dramático à narrativa, o autor realiza, com comicidade, uma interessante aproximação aos temas cotidianos, assim como a comédia o fazia. Será possível observar como \"Rinconete y Cortadillo\" expõe, de maneira cômica e satírica, algumas máculas e vícios da sociedade sevilhana dos séculos XVI e XVII. / The objective of this work is to contextualize Rinconete y Cortadillo exemplary novel within the works of Miguel de Cervantes and analyze it by establishing a dialogue with some of the literary genres of its time, namely the picaresque novel and drama. This current dissertation examines how the text evolves since it was first mentioned in Don Quixote (1605) until its publication among the Exemplary Novels in 1613. I will analyze the several forms of speech pervading the novel in light of Cervantes propinquity to the picaresque literature .By incorporating into the narrative drama-related elements, the author brings his work to deal more closely with everyday topics, as comedy has been used to. Thereby one can notice how Rinconete y Cortadillo displays, both comically and satirically, certain vices and blemishes present in the 16th- and 17thcentury Sevillan society.