A pesquisa definiu o processo de transição da curadoria ‘tradicional’, voltada para as atividades de conservação, organização, pesquisa e exposição das obras de arte, para a curadoria ‘contemporânea’, caracterizada pela organização da exposição através da elaboração de conceitos críticos formulados pelo curador, que desenvolve de forma autoral o tema da exposição e seleciona quais artistas irão participar da mostra. O período em que ocorreu esta transição foi na segunda metade do século XX, em sincronia com a arte contemporânea e o aumento do número de exposições, fato, este, decorrente da ampliação de espaços expositivos, visível em diversos países. A pesquisa buscou as origens da curadoria para perceber como a atividade foi se constituindo ao longo do tempo até chegar às características concernentes da curadoria ‘contemporânea’. Feito o levantamento sobre quais exposições se tornaram referenciais na arte contemporânea, foi elaborada uma análise para precisar as mudanças ocorridas no âmbito da curadoria, através da atuação de diferentes curadores. Entre eles, Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean-Hubert Martin e Paulo Herkenhoff. Concluídas as análises, foram apresentadas conside-rações sobre o curador enquanto autor de exposições, as relações entre a curadoria e os outros agentes do campo artístico e a curadoria como parte do processo de construção da história da arte. / The research has defined the transition process from the ‘traditional’ curatorship involved in conservation and organization activities, research and display of the art pieces to a ‘contemporary’ curatorship, characterized by the organization of the exhibition through the elaboration of critical concepts formulated by curator who develops in authorial way the theme of the exhibition and selects which artists will take part in it. This transition happened in the second half of the twentieth century, in synchronicity with the contemporary art and the increasing number of exhibitions, which derived from the increase of exhibition spaces, noticeable in many countries. The research searched the origins of the curatorship to perceive how the activity built up throughout the time until the concerning characteristics of contemporary curatorship were settled. After the assessment about which exhibitions became a reference was made, an analysis was elaborated to precise the changes in the scope of curatorship through the work of various curators. We can highlight among them: Harald Szeemann, Walter Zanini, Achille Bonito Oliva, Sheila Leirner, Jean- Hubert Martin and Paulo Herkenhoff. After the conclusion of the analysis, considerations about the curator as an author of the exhibitions were presented; the relationship between the curatorship and other agents of the artistic field and the curatorship as a part of the construction of Art history.

O presente texto - Inventários do Impalpável: uma coleção de sombras, temporalidades e projeções -, resultado de pesquisa em poéticas visuais, tem como foco principal a análise de meu percurso artístico no qual a sombra foi o principal elemento constituinte. Interessa-me pensar na qualidade da imagem que, se por um lado fixa um momento, por outro lado remete ao movimento, à passagem do tempo e à sua fluidez: o tempo suspenso ou o tempo acumulado, mas sempre a passagem, o devir e o tempo. Por meio de desenhos e de fotografias realizo escrituras temporais. Durante a pesquisa, interessou-me ainda observar como se dá a percepção do tempo-espaço a partir de projeções e investigar, por meios plásticos, a operacionalidade de sua visualidade. O texto está ancorado em três conceitos implicados no processo artístico: temporalidade, materialidade e colecionismo. / This text, – Impalpable Inventories: a collection of shadows, temporalities and projections - the result of research into visual poetry is focused on an analysis of my artistic career in which shadow was the main constituent element. Interests me to think about the image quality which, if on one hand fixes a moment, on the other hand refers to movement, the passage of time and its fluidity: the suspended time or cumulative time, but always in transition, the becoming and the time. Through drawings and photographs I perform temporal scriptures. During the research, I was also interested in observing how the perception of space-time takes place from projections and investigate, by plastic means, the operation of its visuality. The text is anchored on three concepts involved in the artistic process: temporality, materiality and hoarding.

A presente pesquisa, intitulada A Captura da Paisagem: entre apreensões fotográficas por câmera obscura e registros sonoros, analisa os procedimentos de instauração do trabalho A Captura da Paisagem, abarcando as questões que emergem das práticas com câmeras obscuras fotográficas. Neste contexto, são investigadas as relações conceituais e teóricas envolvidas nas ações de apreensão e registro espaço-temporal que ocorrem nesta produção, que envolvem longas durações nas obtenções fotográficas, bem como a simultânea gravação de registros sonoros. Além disto, a pesquisa trata das questões imbricadas nas possibilidades de junção de tais elementos dentro das proposições de apresentação do trabalho. / The present research, entitled Capture of the landscape: between photographic apprehensions through camera obscura and sonorous records, analyzes the procedures for the instauration of the work Capture of the Landscape, including questions emerging from the practice with camera obscura photography. In this context, the conceptual and theoretical relationships involved in the actions of time-space apprehension and recording that occur in this production are investigated. They involve photographic attainments of long duration as well as the simultaneous recording of sonorous registries. In addition, this research deals with the questions involved in the possibilities of junction of such elements within the presentation propositions of this work.

O artista Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) desenvolve uma poética em que caminhadas representam importantes práticas, nas quais são estabelecidos diálogos vinculados às suas raízes étnicas, negra e indígena. Transita entre espaços periféricos e centrais, provocando fluxos diferenciados. Essas ações tornam-se significativas no atual contexto geopolítico de globalização, o que provoca, na esfera da arte, tensões entre espaços hegemônicos e periféricos. A partir deste cenário, a pesquisa busca compreender de que forma as ações do artista, em circulações internacionais, discutem sua posição no campo globalizado da arte. Para tanto, optou-se por um estudo de caso a respeito das ações do artista nas Bienais de Veneza de 2013 e 2015 e nas Bienais de Veneza / Neves, eventos concomitantes à mostra italiana, ocorridos na periferia da cidade de Ribeirão das Neves / MG. ( Continuação ) Através de pesquisa de campo, pode-se estudar a constituição destes eventos, bem como ao coletar dados junto ao artista e à galeria representante. Como marcos teóricos da pesquisa, são destacadas as teorias sobre a deriva, elaboradas pelo Internacional Situacionismo, bem como autores que analisam estas práticas na arte. Também são importantes marcos os estudos pós-coloniais e decoloniais, através das suas relações com a arte contemporânea. Compreende-se, por fim, que as ações de Paulo Nazareth nas exposições analisadas provocam uma importante alteração nos fluxos entre centros e periferias, ao superarem muitas das intervenções institucionais. / The artist Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) develops a poetic in which walkings represent important actions that set dialogs linked to his ethnical origins, black and indigenous. He transits between peripheral and central spaces, resulting in differentiated flows. These actions become meaningful in the present geopolitical context of globalization, what sets, in art domain, tensions between hegemonic and peripheral spaces. From this scene, the research seeks to understand in which way the artist’s actions, in international circulations, discuss his position in global art field. For this purpose, had choose a case analysis about the artist’s actions in the 2013 and 2015 Venice Biennales and in the Venice Biennales / Neves, simultaneous shows to the italian event, occurred in Ribeirão das Neves / MG city’s periphery. Through the field research, it’s possible to study this event’s constitutions, as well as in collecting data with the artist and his representing gallery.As theorical marks of this research, the theory of the dérive (drift) created by Situationist International, are emphasized, as well as authors who analyze this practices in art. The post-colonial and decolonial studies are also important marks, through its relations with contemporary art. Finally it is understood that Paulo Nazareth’s actions at analyzed expositions set important changes at flows between centers and peripheries, overcoming much of institutional interventions.

A presente pesquisa investiga coletivos de arte contemporânea que trabalham com fotografia, considerando seus modos de produção e o tipo de atuação que desenvolvem nos cruzamentos entre os campos da arte, da fotografia documental e do fotojornalismo. Para isso, procura compreender os motivos que levam, em um contexto marcado pela afirmação da fotografia digital e da comunicação em rede, um número crescente de fotógrafos a investir em formas compartilhadas de autoria. A partir da opção por estudar a produção de três grupos formados entre 2003 e 2013 na cidade de São Paulo − Cia de Foto, Garapa e Trëma −, a pesquisa investiga como a atuação desses coletivos contribui para as discussões sobre fotografia, arte e autoria e para um tensionamento das fronteiras entre documento e ficção. Propõe-se, também, estabelecer relações entre os grupos que atualmente se dedicam à fotografia e outras práticas coletivas observadas no campo da arte ao longo do século XX. Se, devido à sua gênese automática, a fotografia foi por muito tempo vista como uma simples reprodução do real, a atuação desses coletivos evidencia que a imagem fotográfica é resultado de um processo de construção, que pode ser pensado, discutido e compartilhado por diferentes autores. / This research investigates contemporary art collectives dedicated to photography, considering their work processes and activities developed in the intersections of art, documentary photography and photojournalism. In a context characterized by the expansion of digital photography and online communication, it analyzes the reasons why an increasing number of photographers is investing on shared forms of authorship. By focusing on three collectives formed between 2003 and 2013 in the city of São Paulo, the present thesis investigates how the activities of these groups contribute to the discussions about photography, visual arts and authorship, as well as to revise the boundaries between document and fiction. It also proposes to establish connections between groups that currently work with photography and other collective practices observed in the fields of art and photography over the 20th century. If, due to its automatic genesis, photography was considered for a long time as a mere reproduction of the real, the production of these collectives indicates that the photographic image is the result of a construction process, which can be conceived, discussed and shared by different authors.

Investigamos os caminhos percorridos por Cy Twombly até a constituição de uma escritura que se tornou marca autoral. No desenvolvimento de sua poética, destacamos, como referências relevantes, seus professores do Black Mountain College Charles Olson, Robert Motherwell e John Cage e seu amigo Robert Rauschenberg. A escritura em Twombly é abordada a partir de várias referências teóricas, com ênfase nas noções de Roland Barthes, embora não deixemos de considerar as implicações semânticas dessa escritura. Procuramos justamente evidenciar as relações ambíguas entre acaso e controle, e entre sentido e não sentido, presentes em sua obra enigmática. Mary Jacobus, que nos mostra um Twombly erudito e engajado politicamente, é a principal referência no que se refere às relações do artista com a literatura. Procuramos ainda inscrever a obra de Twombly nas variações do imaginário artístico, explicitando suas afinidades com diversos artistas contemporâneos. Destacamos também a sua relação conflituosa com a crítica norte-americana, investigando as razões de seu inexpressivo reconhecimento na América, se comparado à sua acolhida pela crítica de arte europeia, em particular francesa. / We investigate Cy Twombly\'s paths up to the constitution of a writing that became a signature. In the development of his poetics, we highlight, as relevant references, his Black Mountain College professors Charles Olson, Robert Motherwell and John Cage and his friend Robert Rauschenberg. The scripture in Twombly is approached from several theoretical references, with emphasis on Roland Barthes notions, although we do not neglect to consider the semantic implications of this writing. We seek precisely to show the ambiguous relations between chance and control, and between sense and non sense present in Twomblys enigmatic work. Mary Jacobus, who shows us a scholarly and politically engaged Twombly, is the main reference in the relation of the artist to literature. We also try to inscribe Twombly\'s work according to the changes in the artistic imaginary, explaining its affinities with several contemporary artists. We also highlight his conflicting relationship with American criticism, investigating the reasons for his unimpressive recognition in America, compared to his acceptance by the critics of European art, in particular French.

A partir de uma análise das práticas desenvolvidas nas aulas de artes, este trabalho apresenta uma proposta de fundamentação para o ensino de artes articulada à arte contemporânea. Objetiva-se configurar uma prática escolar em artes mais reflexiva e investigativa, que valorize a experiência, a abertura, a complexidade e o aprofundamento no processo produtivo e cognitivo dos alunos. É com origem no reconhecimento e na análise das mudanças, das características e das questões da arte contemporânea, da cultura contemporânea e do ensino de artes que se formula a proposta na qual a pluralidade de processos, de poéticas e de experimentações são concepções que permeiam tanto a discussão sobre arte quanto a produção dos alunos e para a qual são necessárias novas posturas, objetivos e metodologias mais atentos ao momento contemporâneo. / Starting from an analysis of practices developed in art school classes, this work presents a proposal of a foundation for art teaching articulated with contemporary art. It objects to create an artistic scholar practice more reflexive and investigative, which valorizes experience, openness, complexity and deepness in the students cognitive and productive process. Its from the recognition and analysis of the changes, characteristics and questions of contemporary art that its formulated the proposal where plurality of processes, poetics and experimentations are conceptions that permeate both the discussion about art and the students production, for which are necessary new postures, objectives and methodologies more aware with the contemporarys time

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2017-01-09T16:26:13Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Sandro Tôrres Batista - 2016.pdf: 5288415 bytes, checksum: f07473ce7296e2bb67c9808b0efce350 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-01-10T10:49:41Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Sandro Tôrres Batista - 2016.pdf: 5288415 bytes, checksum: f07473ce7296e2bb67c9808b0efce350 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-10T10:49:41Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Sandro Tôrres Batista - 2016.pdf: 5288415 bytes, checksum: f07473ce7296e2bb67c9808b0efce350 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-12-13 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research had as object the National Art Salon Goiás - Flamboyant Award held in Goiânia between 2001 and 2006; analyze the relevant facts gathered from documentary sources and depositions. The Salon was designed, built and managed throughout its realization by a group of professionals who combined the project scope in the commercial sphere and professionals in the arts, in the defense of cultural character, and coined a form and regimentation never before seen in this State and aimed to select and reward through public tender (via notice) Brazilian artists with recent production in contemporary art. In the period of the Salon, the city was featured in the Brazilian scene of the visual arts and, therefore, attracted the attention of renowned artists, curators and art critics. It was left to the researcher in his text to highlight some aspects from the data collected in the survey, particularly with regard to the analysis of competition-salon format, the impact on the local landscape and the historical and cultural legacy for the city and the state. Interviews were conducted with some of the main characters involved in the project and analyzed documents and printed primary sources of research. During the master of the period, some versions of the text results of the survey were presented in the form of communications, lectures and discussions on the topic in the history of events, arts and within the Research Group Interartes- Interartistics Processes and Systems and Performance Studies (CNPq), which the researcher was part of effective and active form since joining the PPGH UFG. / Esta pesquisa teve como objeto o Salão Nacional de Arte de Goiás – Prêmio Flamboyant que aconteceu em Goiânia entre 2001 e 2006; com o objetivo de analisar os fatos relevantes levantados a partir de fontes documentais e depoimentais. O Salão foi concebido, erigido e gerido, ao longo de sua realização, por um grupo de profissionais que mesclavam o escopo do projeto na esfera mercantil e profissionais do campo das artes, na defesa do caráter cultural, e cunhou uma forma e arregimentação nunca dantes vista neste estado e tinha como finalidade selecionar e premiar, por meio de concurso público (via edital), artistas brasileiros com produção recente em arte contemporânea. No período de realização do Salão, a cidade recebeu destaque no cenário brasileiro das artes visuais e, com isso, atraiu a atenção de reputados artistas, curadores e críticos de arte. Coube ao pesquisador em seu texto destacar alguns aspectos dentre os dados levantados em pesquisa, principalmente no tocante à análise do formato de concurso-salão, o impacto no cenário local e o legado histórico e cultural para a cidade e o estado. Foram realizadas entrevistas com alguns dos principais personagens envolvidos no projeto e analisados documentos e materiais impressos, fontes primárias de pesquisa. Durante o período do mestrado, algumas versões do texto resultado da pesquisa foram apresentadas na forma de comunicações, palestras e discussões sobre o tema em eventos de história, de artes e dentro do Grupo de Pesquisa Interartes- Processos e Sistemas Interartísticos e Estudos de Performance (CNPq), do qual o pesquisador fez parte de forma efetiva e atuante desde seu ingresso no PPGH-UFG.

A construção da aparência pessoal individualizada vem ganhando destaque como potencial expressivo, pois sua finalização tem migrado da sugestão tutelar, seja da indústria ou de estilistas renomados, para as mãos do consumidor final. Com a multiplicação das possibilidades plásticas proporcionadas pelo sistema da moda, os usuários obtêm amplitude para selecionar os elementos estéticos que traduzam simbolicamente seu modo de ser, crenças e valores, personalidade, estilo de vida, entre outras configurações subjetivas e singulares. Em contrapartida, esse vestir aparece ainda limitado por adequações de pertencimento ao coletivo social e imposições industriais que são responsáveis por oferecer produtos que estarão acessíveis no mercado, seguindo a lógica capitalista da massificação. Assim, os indivíduos ficam acuados entre as tecnicidades do vestuário1 e sua potência expressiva, esmaecida frente ao sistema de produção em massa da moda. Esse sistema desde o início tem seu mecanismo e sua visualidade investigados pelas vanguardas do início do século XX. Sem amarras com as implicações de consumo, os artistas promovem o vestir-se ao patamar da experiência e questionam paradigmas da aparência, fazendo emergir novas visualidades e apontando para tendências de comportamento de moda. Este trabalho aborda a trajetória do artista Hans Eijkelboom que desponta no final do século XX e início do século XXI, sendo visionário na exploração da vestimenta na sua potencialidade plástica expressiva como ferramenta indissociável da experiência. A partir desse intuito serão analisados trechos da história da moda e a questão da individualidade relacionada ao vestir. Além disso, serão realizadas leituras de imagens de alguns trabalhos de Hans Eijkelboom. / The construction of individualized personal appearance has been gaining prominence as expressive potential, its finalization has increasingly migrated from the tutelary suggestion, both industry and renowned stylists to the hands of the final consumer. With the multiplication of the aesthetic possibilities offered by the fashion system, users have more breadth to select the aesthetic elements that symbolically translate their way of being, beliefs and values, personality, lifestyle, among other subjective and unique configurations. On the other hand, this clothes is still limited by adaptations of belonging to the social collective and industrial impositions that are responsible for offering products that will be accessible in the market following the capitalist logic of massification. Individuals are thus trapped between the technicities of clothing and their inherent expressive power, which is dimmed by the mass production system of fashion, which from the outset has its mechanism and visuality investigated by avant-garde artists of the early twentieth century. Without strings to the implications of consumption, artists will, during the entire twentieth century, promote clothing to the level of experience, and question paradigms of appearance by dressing, making visuals emerge, pointing to trends in fashion behavior. This work studies the artist Hans Eijkelboom that emerges in the late twentieth and early twentieth centuries, embodying the exploring visionary of clothing in its expressive aesthetic potential, as an inseparable tool of experience. With this intent will be analyzed excerpts from the History of Fashion, the issue of individuality related to dress, and readings of images of some works of Hans Eijkelboom.

Esta pesquisa, desenvolvida sob a metodologia do estudo exploratório, reflete sobre o museu de arte virtual e a mediação cultural. Dos diferentes processos que definem a Ciência da Informação, este trabalho tem seu foco maior na Recuperação da Informação. Este é o processo que pretende reduzir o tempo de pesquisa do usuário e trazer-lhe resultados mais satisfatórios. Para tanto, é importante definir o que é informação e o que é informação relevante para o mesmo. Por meio da literatura da área encontramos as principais discussões empreendidas que pretendem definir o termo. Nela percebemos haver certa dificuldade em se estabelecer o que seja informação. No entanto, o consenso maior concentra-se em defini-la como tangível e intangível, o que confunde muitas vezes documento e informação. Dentre as definições de informação apresentadas, adotamos \"information-as-thing\", \"information-as-process\" e \"information-as-knowledge\". Associamos a estas a noção de informação que se constitui por meio das interações sociais: o paradigma social da informação. A partir dessas definições, adentramos o campo dos museus de arte e aceitamos a obra de arte como objeto informativo, como documento plástico. Observamos as problemáticas com relação a definir o que é obra de arte e documento no contexto das artes contemporâneas. Elencamos o importante papel que a fotografia tem adquirido no campo artístico ao longo dos anos, seja como documento, seja como obra de arte. A fotografia enquanto documento da obra de arte levanta discussões quanto à desmaterialização das obras de arte. Por sua vez, a desmaterialização apresenta questões que se relacionam ao virtual. Definido o termo virtual como aquilo que existe em potência, buscamos refletir o que vem a ser museu virtual. A nosso ver, museu virtual pode ser definido a partir da não presença da obra de arte, comumente ocorrido com as artes contemporâneas. Outro fator que observamos é quanto à mediação nos museus de arte, seja físico, seja virtual. Abordamos o importante papel das tecnologias da informação e do próprio museu como mediadores das artes visuais, pois definimos mediação como aquela que tem o papel de intermediária. Concluímos que as artes contemporâneas são virtuais na medida em que existem mesmo não presente e o museu é virtual enquanto aquele que reúne as imagens e os documentos das obras, sendo ele um importante mediador entre a arte e o público. / This research, developed under the methodology of exploratory study, reflects on the virtual museum of art and the cultural mediation. Of the various processes that define Information Science, we focus on the Information Retrieval. This is the process that aims to reduce the research time of the user and bring him better results. However, we need to define what relevant information is. On the other hand, it is necessary to determine what information is before defining what is relevant. Through literature we find the main discussions undertaken seeking to define the term. Considering that, we see that there is some difficulty in establishing what information is. Nevertheless, the greater consensus focuses on defining it as tangible and intangible, which often confuses the concepts of document and information. Among the definitions of information presented, we adopted \"information-as-thing\", \"information-as-process\" and \"information-as-knowledge.\" In addition to these notions, we included the information notion that is constituted through social interactions: the paradigm of social information. From these definitions, we enter the field of art museums and accept the work of art as object information, such as plastic document. We observed the problems regarding defining what is work of art and document in the context of contemporary art. We list the important function that photography has acquired in the arts over the years, either as a document, whether as a work of art. The photography as an artwork document raises discussions on the dematerialization of the art. In turn, the dematerialization presents issues that relate to the virtual. Defined the term virtual as that which exists in power, we reflect what virtual museum could be. In our view, virtual museum can be defined from the non-presence of the artwork, often occurred with the contemporary arts. Another thing we observed is the mediation in art museums, either physically or virtually. We discuss the important function of information technologies and the museums itself as mediators of the visual arts, defining mediation as what has the function of intermediary. We concluded that contemporary arts are virtual even not present and the museum is virtual as one that gathers the images and documents of the works, being an important mediator between art and the public.