Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T21:25:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zago_RenataCristinadeOliveiraMaia_M.pdf: 48022679 bytes, checksum: 638b1ca5a6beaceab85f0963934c9c4d (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Os Salões de Arte Contemporânea de Campinas aconteceram no Museu de Arte Contemporânea de Campinas de 1965 a 1977, sendo posteriormente retomados, em duas edições, nos anos 1980. Inicialmente realizados nos mesmos moldes de um salão tradicional foram, ao longo de suas edições, modificando seu caráter e sua estrutura. O certame pretendia, além de mostrar a produção de arte emergente naquela época, discutir como deveria ser organizado um Salão de Arte. Tais eventos, que no início obtiveram pequeno destaque, aos poucos se transformaram em acontecimentos de grande relevância, procurados por artistas do Brasil todo. Podemos dividir as exposições em dois momentos: no primeiro, de 1965 a 1969, as obras eram inscritas nas categorias estéticas tradicionais. No segundo, houve uma grande preocupação dos organizadores da mostra em atualizá-la, assim como acontecia em exposições de mesmo caráter em outros locais do Brasil, como em São Paulo e Rio de Janeiro. O estudo faz um levantamento da trajetória destas exposições, realizadas nos anos 1960 e 70, procurando dar ênfase às diretrizes que as nortearam e ao tipo de arte que abrigaram / Abstract: The Campinas Contemporary Art Salons took place in the Campinas Contemporary Art Museum from 1965 to 1977, being afterwards resumed in two editions in the 1980s. Initially realized in the same moulds of a traditional salon, they gradually modified their character and structure in the course of its editions. Besides showing the emergent art production of that time, the initiative aimed at discussing how an Art Salon should be organized. Such events, which initially obtained little prominence, gradually became highly relevant happenings, attracting artists from all parts of Brazil. We can divide the exhibitions into two moments: in the first, from 1965 to 1969, the artworks were inscribed in the traditional aesthetic categories. In the second, there was a great concern from the show¿s organizers in updating it, as it was happening in exhibitions of the same kind in other venues in Brazil, such as São Paulo e Rio de Janeiro. The study surveys these exhibitions¿ trajectories, realized in the 1960s and 70s, highlighting the rules which guided them and the kind of art they sheltered. / Mestrado / Mestre em Artes

O presente estudo analisa as transformações por que o Bólide passa no decurso da obra de Hélio Oiticica, na qual assume diferentes aspectos de 1963 a 1980. Pode-se dizer que, mais do que configurar objetos ou mesmo proposições, o Bólide oferece possibilidades abertas a um comportamento criativo. Ele é parte constitutiva de uma dinâmica própria ao Programa de Oiticica que redimensiona e rearticula seus elementos continuamente; é na particularidade dessa dinâmica que deve ser abordado. No processo experimental do artista, a cada inscrição, o Bólide instaura uma nova significação ele possui tantas significações quantas foram suas inscrições , de modo que estudá-lo implica restabelecer constantemente articulações de significados. Primeiramente, então, o estudo aborda os Bólides cujas estruturas estão vinculadas às experiências do artista com a cor. Entende-se que essas peças ampliam os limites formais do objeto por meio do corpo da cor. Num segundo momento, a análise incide sobre os Bólides configurados a partir de materiais retirados do contexto local, tais como brita, conchas e lata. A especificidade desses elementos, conjugada com uma estrutura formal aberta, reforça o anseio de Oiticica por instaurar uma experiência artística de cunho autônomo. Em seguida, o estudo dedica-se aos Bólides relacionados com os conceitos de suprasensorial e crelazer, que se estruturam como extensões do corpo do participador e podem atingir a escala arquitetônica. Por fim, são abordados o Para-bólide e os Contra-bólides, que trazem uma nova dimensão a essa ordem propositiva. / This study analyzes the transformations that the Bólide (Fireball) undergoes throughout the work of Hélio Oiticica, when from 1963 to 1980, it takes on different aspects. It can be said that more that shaping objects or even proposals, the Bólide discloses new possibilities for a creative behavior. The Bólide is a component of dynamics inherent to Oiticicas program that continuously reshape and rearticulate its elements. It is in the peculiarity of these dynamics that it should be approached. Studying them involves a constant renewal of new mingling of meanings. First then, the study approaches the Bólides whose structures are tied to the artists experiences with color. It is perceived that these pieces expand the formal boundaries of the object by means of the body of color. In a second instance, analysis focuses on the Bólides fashioned from materials taken from the local context such as gravel, shells and tin. The specificity of these elements together with an open formal structure strengthens Oiticicas craving to implant an artistic experience with an autonomous imprint. From then on, the study is centered on the Bólides related with concepts of supersensorial and creleisure, which are structured as extensions of the participants body and may attain an architectural scale. And finally, the Para-bólide and the Contra-bólides that bring forth a new dimension to this proposed order are approached.

[pt] Figura-chave da chamada arte conceitual, o artista norte-americano Dan Graham iniciou sua trajetória artística em meados da década de 1960 muito por acaso. Convidado por amigos, tornou-se sócio da John Daniels, galeria em Nova York bastante ativa, mas de vida breve. Falido, viu-se obrigado a retornar à casa de seus pais em Nova Jersey. Durante a viagem de trem, pôde observar a nova cidade. Dessa experiência surgiu Homes for America, notório ensaio fotográfico sobre as habitações em massa dos subúrbios norte-americanos, que integra um primeiro conjunto de trabalhos do artista destinados a revistas. Algum tempo depois, Graham ingressou na Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, dando início a um período em que seu interesse se volta para o vídeo, a performance e a instalação, interrompido por Public Space/Two Audiences, trabalho realizado para a Bienal de Veneza de 1976 que impõe ao artista uma autocrítica. A despeito de seu êxito, Graham reconhece que a instalação se aproximara em demasia do conceito de cubo branco. Como saída para o impasse, adotou a ideia de plano da cidade, passando a propor projetos de intervenção urbana até iniciar, no começo dos anos 80, seus pavilhões. Levando em conta a obra de Graham, ampla e diversa em seus meios, a tese é monografia que tem por objetivo realizar um estudo analítico sobre a prática do artista, definida, a meu ver, nos termos de um modelo crítico-conceitualista. / [en] Key figure of the so-called conceptual art, the North American artist Dan Graham began his artistic career in the mid-1960s quite by chance. Invited by friends, he became a partner of the John Daniels, a gallery in New York very active, but short-lived. Bankrupt, he was forced to return to his parents home in New Jersey. During the train ride, Graham can saw the new city. From this experience came Homes for America, notorious photographic essay on mass tract housing of North American suburbs, which is part of a first set of works for magazines. A while later, Graham joined the Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, starting a period in which your interest turns to video, performance and installation, interrupted by Public Space/Two Audiences, work done for the Venice Biennale in 1976 that impose the artist self-criticism. Despite its success, Graham recognizes that the installation was near of the concept of the white cube. As out of the impasse, he adopts the idea of city plan, going to propose urban interventions projects, starting in the early 80s their pavilions. Considering Graham s work, broad and diverse in its mediums, the thesis is a monograph that aims to carry out an analytical study of the practice of the artist, defined, in our view, in terms of a critical-conceptualist model.

[pt] A tese tem como tema uma reflexão ampla sobre o incêndio ocorrido em 1978 no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ela parte da premissa de que o incêndio que destruiu quase a totalidade do acervo poderia se configurar como um marco simbólico da ruptura do projeto moderno que teria o MAM como um de seus eixos. Ao longo do texto, discorre-se sobre o modelo de modernidade almejado pelo MAM, para então elaborar e analisar as possibilidades de fratura referentes a esse modelo. Na sua estrutura, a tese constrói uma rede de articulações em torno da situação de ruína que o incêndio materializa, passando por questões culturais e sociais caras ao Brasil e ao mundo na segunda metade da década de 1970. Para tal, optou-se por dividir a tese em três blocos: O que queima, a parte do fogo e as cinzas. O primeiro bloco elenca as questões referentes ao projeto moderno, a ideia de museu moderno enquanto construção de memória de futuro, e as condições de ruptura a esse projeto, situada a partir de autores como Octavio Paz, Artur Danto e Jean-François Lyotard. O segundo bloco discute projetos que refletem a mudança de perspectiva que estava em curso. Dentre eles, as propostas trazidas por Mario Pedrosa para a reconstrução do MAM, o museu pós-moderno de Frederico Morais, e o museu impresso das revistas Malasartes e A Parte do Fogo. Por fim, o terceiro bloco elabora as questões de um arquivo que, por ter se tornado ruína, precisaria ser reinventado. Nessa parte a ficção surge como estratégia conceitual para conduzir a narrativa e preencher algumas lacunas. Documentos reais são trazidos à tona por personagens como um curador-cego, um arquivista-distraído e um artista arquivista, discutindo a mudança no regime de visualidade que configuraria a passagem do moderno ao contemporâneo. Seguindo essa deriva entre ficção e realidade, os artistas Cildo Meireles, Tunga e Artur Barrio têm suas obras analisadas a partir de aspectos que se descolam de um apelo retiniano. O texto, ao mesmo tempo que discute novos regimes de produção de imagem, estabelece um paralelo entre esses artistas e a história do Museu de Arte Moderna do Rio. Ao final, conclui-se que a mudança de perspectiva do moderno ao contemporâneo não poderia ser isolada por um único evento, no entanto, ao reforçar uma ruptura que estava em curso, o incêndio do MAM poderia ser considerado um marco simbólico dessa passagem. / [en] The thesis has as its theme a broad reflection on the fire that occurred in 1978, at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro. It is based on the assumption that the fire, which destroyed almost its entire collection, could be a symbolic milestone of the rupture of the modern project that would have MAM as one of its bases. The modernity model sought by MAM is discussed throughout the text, in order to formulate and analyze the possibilities of fracture regarding this model. In its structure, the thesis builds a network of articulations around the condition of ruin that the fire materializes, addressing cultural and social issues that were dear to Brazil and the world in the second half of the 1970s. For this purpose, the thesis was divided into three blocks: What burns, the work of fire and the ashes. The first block lists the issues related to the modern project, the idea of a modern museum as a construction of memory of the future, and the conditions of this project s rupture, based on authors such as Octavio Paz, Artur Danto and Jean-François Lyotard. The second block discusses projects that reflect the change in perspective that was underway. Among them, the proposals brought by Mario Pedrosa for MAM s reconstruction, the postmodern museum of Frederico Morais, and the printed museum of the Malasartes and A Parte do Fogo magazines. Lastly, the third block raises the issues of an archive that, as it was ruined, would need to be reinvented. In this part, fiction emerges as a conceptual strategy to guide the narrative and fill in certain gaps. Real documents are brought to the fore by characters such as a blind curator, a distracted archivist and an archivist artist, discussing the change in the visuality regime that would shape the transition from modern to contemporary. Following this drift between fiction and reality, artists Cildo Meireles, Tunga and Artur Barrio have their works analyzed based on aspects that are detached from a retinal appeal. The text, while discussing new image production regimes, establishes a parallel between these artists and the history of the Museum of Modern Art of Rio. In the end, it is established that the change in perspective from modern to contemporary could not be isolated by a single event, however, by reinforcing an ongoing rupture, the MAM fire could be considered a symbolic milestone of this event.

[pt] A artista suíça-brasileira Mira Schendel (Zurique 1919 – São Paulo 1988) chegou ao Brasil no pós-guerra, em 1949, e aqui começou a pintar. A um raciocínio visual rigoroso acrescentou potência imaginativa e desenvolveu uma poética da formalização abstrata. Embora mantivesse vínculos inegáveis com os demais movimentos artísticos da segunda metade do século XX, criou uma linguagem plástica própria. O objetivo desta dissertação é investigar as escolhas formais e as preocupações expressivas de Mira Schendel a partir de um número limitado, porém representativo, de trabalhos, buscando apreender a singularidade das questões artísticas e plásticas implícitas nessas obras particulares. / [en] The swiss-brazilian artist Mira Schendel (Zurich 1919 – São Paulo 1988) arrived in Brazil in the postwar period, in 1949, and here she started to paint. To a rigorous visual reasoning she added a fertile imagination and developed an abstract formalization language. Although the undeniable bonds of her work with the diferent artistic movements of the twentieth century, the artist created a plastic language of her own. My intention is to investigate Mira Schendel s formal choices and expressive concerns present in a limited, however representative, number of works, searching to apprehend the singularity of these artistic and plastic questions implicit in these particular works.

[pt] Jan Fabre no Louvre: Um percurso intempestivo pela História da Arte é um estudo sobre a exposição solo do artista belga Jan Fabre realizada no Museu do Louvre no primeiro semestre de 2008. A dissertação pretende analisar não apenas as obras de Jan Fabre que foram expostas na ocasião, mas também a relação destas obras com aquelas do acervo permanente do Louvre com a qual a exposição de Fabre divide o espaço: a pintura setentrional europeia dos séculos XV ao XVII. Além disso, a presente pesquisa faz uma tentativa de analisar a política do Louvre em favor da arte contemporânea, a noção de curadoria implicada neste programa e algumas questões sobre a história da arte que a exposição propõe. / [en] Jan Fabre at the Louvre: An Intempestive Course Through Art History is a study on the Belgian artist s Jan Fabre solo exhibition that took place at the Louvre Museum in the first semester of 2008. This dissertation intends to analyze not only Jan Fabre s works exposed in the occasion, but also the relationship of these works with those of the permanent collection of the Louvre with which the exhibition of Fabre shares the space: Northern European Painting of the 15th to the 17th centuries. Besides, this research attempts to analyze the politics of the Louvre in favor of contemporary art, the notion of curatorship implicated in this agenda and some questions on Art History proposed by the exhibition.

[pt] Da proposição ao gesto: diálogos sobre Primeira Pedra de Matheus Rocha Pitta pretende, a partir de uma análise profunda acerca de Primeira Pedra (2015) de Matheus Rocha Pitta, articular as múltiplas camadas de entendimento solicitadas pela obra, bem como investigar as dinâmicas que envolvem a sua montagem e exibição. Ao se debruçar na pesquisa desta instalação escultórica, um estudo não-cronológico, porém demasiadamente atento à trajetória do artista em evidência, ocorre como um efeito de causa e consequência. No entanto, para além de um estudo sobre o artista, o aprofundamento acerca da obra permite-nos traçar diálogos acerca de assuntos relevantes para a produção artística contemporânea, uma vez que não só Primeira Pedra, como também outros trabalhos do artista, esbarram em conceitos chave para a História da Arte: somos conduzidos de modo espontâneo para uma reflexão crítica sobre autoria, reprodutibilidade, valoração e participação. Esta parece ser, senão, uma das qualidades de Rocha Pitta: a de fornecer conteúdos tão urgentes para o tempo atual de maneira sútil, estimulando o espectador a elaborar formulações críticas para assuntos do cotidiano, disponibilizados pelo artista através de um gesto. Nesse ponto, entende-se que além de uma noção atualizada sobre o estatuto do espectador, a proposta elaborada por Rocha Pitta em Primeira Pedra - que implica uma transação de uma escultura assinada e datada por uma pedra ordinária - desperta também uma suspensão da ideia tradicional de escultura. À vista disso, esta pesquisa aponta e elabora sobre as categorias elucidadas pela obra em questão, considerando suas remontagens em instituições de diversas naturezas, articulando–a não somente com outras obras do artista, mas também com outros artistas que de alguma forma se entrelaçam ao caminhar de Matheus Rocha Pitta. / [en] From proposition to gesture: dialogues about Primeira Pedra by Matheus Rocha Pitta aims, through a deep analysis about Primeira Pedra (2015) by Matheus Rocha Pitta, to articulate the multiple layers of understanding requested by the work, as well as to investigate the dynamics that involve its assembly and exhibition. The current investigation, although non-chronological, takes into consideration the artist s repertoire, which enables a deep analysis on the main object of this study. However, beyond being a study of the artist, this research allows us to outline dialogues on relevant subjects for contemporary artistic production, since not only Primeira Pedra, but also other works by the artist, gather key concepts for the History of Art: we are spontaneously led to a critical reflection on authorship, reproducibility, valuation and participation. This seems to be one of Rocha Pitta s qualities: providing urgent content for nowadays in a subtle manner, stimulating the spectator to elaborate critical interpretations of everyday matters, made available by the artist through a gesture. At this point, it is understood that in addition to an updated notion of the status of the spectator, the proposal for Primeira Pedra - which implies a transaction of a sculpture signed and dated by an ordinary stone - also suspends the traditional idea of sculpture. In light of this, this research points out and elaborates on the categories elucidated by the work in question, considering its reassemblies in institutions of different natures, articulating it not only with Rocha Pitta s productions, but also with other artists works, which somehow intertwined with Matheus Rocha Pitta s trajectory.

[pt] O título parte de um termo de Rodrigo Naves sobre a obra do artista Nelson Felix em sua maneira de articular elementos naturais e procura o relacionar, como parte e continuidade de artistas contemporâneos — e especificamente de elaboração mental em substituição da composição tradicional — com a corrente de pensamento das ciências sociais e naturais que teoriza o chamado Antropoceno. Sua obra é tida aqui como foco por trabalhar de modo mais direto (e indireto ao mesmo tempo) com materiais do mundo dito natural e social/cultural em diversas escalas de tempo e por manter ainda assim dimensões subjetivas, inacessíveis e indeterminadas de significado. Algumas noções recentes relacionadas ao Antropoceno por Dipesh Chakrabarty, Bruno Latour e Donna Haraway, e outras sobre a modernidade e a história da arte por Hannah Arendt e Erwin Panofsky, entre outros, são colocadas antes de olharmos para um conjunto de obras do artista. Nesta ordem, procura-se perceber as relações possíveis na arte contemporânea brasileira com tais conceitos debatidos hoje na urgente discussão sobre essa nova época geológica. / [en] The title comes form a term used by Rodrigo Naves about the art work Nelson Felix and seeks to relate it as a part and continuity of contemporary artists — and specifically of mental elaboration that tries to replace the traditional composition — with the current Line of thought from the social and natural sciences that theorizes the socalled Anthropocene. His work is taken as a subject here because it works more directly (and at the same time indirect) with the materials from the natural and social / cultural world, in addition to maintaining inaccessible and indeterminate dimensions of meaning. In this way, some recents notions about the Anthropoce articulated by Dipesh Chakrabarty, Bruno Latour and Donna Haraway with others about the modernity from Hannah Arendt, Erwin Panofsky, among others are placed together before looking to a group of works by the artist. This way we seek to understand the possible relations in Brazilian contemporary art with such urgent concepts debated today in the discussion about this new geological epoch.

[pt] Deslocar-se no horizonte impossível propõe múltiplas articulações em torno da questão da estrangeiridade. A narrativa Durante a construção da Muralha da China, de Franz Kafka, oferece o modelo estrutural, em que, a partir de blocos erguidos e dispostos num fluxo de viagem, são compostas zonas de vizinhança heterogêneas. Em 2007, Biño Sauitzvy, artista nascido no sul do Brasil, que havia migrado para a França quatro anos antes, retornava para apresentações de seus dois trabalhos mais recentes, H to H e La Divina. São produções intersecionais, entre a dança-teatro e a performance, em que um jovem diretor de teatro regressa como performer, coreógrafo e bailarino. No contato da narradora da tese com esse corpo novo se dá o encontro com o estrangeiro que se revela ali. É ele o meio disparador deste trabalho. O estrangeiro se apresenta nas relações corpo-gênero-sexo, em discussões em torno do eixo linguagem-língua-escrita-silêncio, em desdobramentos sociais, e em diferentes aparições de fronteiras e suas fissuras. Essa situação se impõe na escrita e é discutida no cruzamento entre trabalhos de arte (performance, dança-teatro, artes plásticas e literatura), pensamento teórico e experiência fabuladora. Busca-se assim a elaboração de uma escrita no caminho aberto pela pesquisadora e escritora americana Maggie Nelson, isto é, o de uma autoteoria — gênero que desenvolve a partir de modos de escrita presentes em obras de Roland Barthes, Susan Sontag e de Paul B. Preciado. É a partir desses textos e espaços que se desenvolve uma escrita em movimento, atravessada, por fim, pela estratégia fragmentária do escritor Jean Genet em Diário de um ladrão e Um cativo apaixonado, produzindo uma tese em que vida, memória, viagem e escrita se percorrem mutuamente. / [en] Moving into the impossible horizon proposes multiple articulations around the issue of foreignness. The narrative During the construction of the Wall of China, by Franz Kafka, offers the structural model, in which, heterogeneous zones of similarities are composed from blocks erected and arranged in a flux of journey. In 2007, Biño Sauitzvy, an artist born in southern Brazil, who had migrated to France four years earlier, returned to give presentations of his two most recent works, H to H and La Divina. They are inter-sectional productions, between dance-theater and performance, in which a young theater director returns as a performer, choreographer and dancer. In the contact of the narrator of the thesis with this new body occurs the encounter with the foreigner that reveals itself there. He is the trigger for this work. The foreigner presents himself in the body-gender-sex relations, in discussions around the language-language-writing-silence axis, in social unfoldings, and in different appearances of frontiers and their fissures. This situation imposes itself in the writing and is discussed in the intersection between works of art (performance, dance-theater, plastic arts and literature), theoretical thinking and the fabling experience. It seeks to elaborate a writing on the path opened by the American researcher and writer Maggie Nelson, that is, of self-theory - a genre that develops from the writing modes present in works by Roland Barthes, Susan Sontag and Paul B Precious. It is from these texts and spaces that a writing in movement is developed, crossed, finally, by the fragmentary strategy of the writer Jean Genet in Diary of a thief and A passionate captive, producing a thesis in which life, memory, travel and writing cross (trespass) each other.

[pt] A presente pesquisa objetiva iluminar a participação do livro dentro de um recorte específico da arte contemporânea, na expectativa de talvez ali encontrá-lo como organismo vivo, inacabado, não restrito às habituais representações – neste campo que busca não raro descontruir o lugar das representações e provocá-las com impermanências. Observamos o livro sob a proposição de apresentar-se ali como coisa, elemento material descansado do signo social e literário, produzindo obstáculos conceituais. Partindo da distinção objeto e coisa, a tese sugere haver ainda na contemporaneidade uma relação possível entre materiais, experiência e não-automatismo, ainda que estejamos constantemente envolvidos por um univer-so bastante amplo e onipresente dos signos. Investe, por isso, em atuações não naturalizadas do livro, nas quais os significados se apresentam transitórios e flutuantes - nunca permanentes, nunca antes -, estando em movimento constante a cada interação -, uma relação singular e dialética entre pessoas e coisas, que, segundo autores aqui trabalhados, construiria simultaneamente a ambos. Buscando experimentar as estranhezas no contato com objetos que não se deixam definir - diante da perspectiva de coisa -, a pesquisa reúne proposições de artistas que fizeram uso do livro como material e instrumento da arte. Movimentos artísticos, buscando a libertação dos padrões clássicos funcionam de base para a construção da categoria Livro-Coisa, quando se sugere experimentar o livro antes das palavras e das representações. A categoria torna-se depois materializada em uma instalação artística. A tese encontra fundamentação teórica nos estudos da Cultura Material, a partir de expoentes como Daniel Miller e Tim Ingold, em diálogo com os pressupostos de Heidegger, Didi-Huberman, e outros autores, para, a partir desse todo teórico, refletir acerca da relação contemporânea entre pessoas e coisas, e abordar o objeto com alguma novidade. / [en] This research focuses on the position occupied by the book in a specific segment of contemporary art, with the expectation of perhaps encountering it as a living, unfinished organism, not restricted to its usual representations - in a field that often seeks to deconstruct social representations by challenging them with impermanence. In our proposition, we see the book presenting itself as a thing, a material element resting somewhere beyond social and literary signs, building conceptual barriers. Starting from the distinction between object and thing, this dissertation suggests that even in contemporaneity there is a possible relationship among materials, experience and non-automatism, despite the fact that we are permanently surrounded by a very broad, omnipresent universe of signs. Therefore, this dissertation focuses on non-naturalized performances of the book, where meanings are transient and fluctuating - never permanent, never before - being in constant motion at every interaction - a singular, dialectic relationship between people and things, which, according to the authors analyzed, would construct both simultaneously. Seeking to experience the strangeness of the contact with objects that do not accept definitions - from the perspective of things -, this dissertation brings together propositions of artists who made use of the book as a material and instrument of art. Art movements seeking liberation from classical patterns serve as the basis for the construction of the Book-Thing category, when it is suggested that the book be experienced before words and representations. This category then becomes materialized in an artistic installation. The theoretical foundation of the dissertation lies in Material Culture Studies, based on exponents such as Daniel Miller and Tim Ingold dialoguing with the assumptions of Heidegger, Didi-Huberman and other authors; starting from this theoretical framework, it seeks to reflect on the contemporary relationship between people and things, in an innovative approach to the object.