L’analyse sociologique de la précarité oscille entre risque de désaffiliation et alternative à la norme d’emploi dominante. Pour contribuer au débat, cette thèse saisit cette ambivalence en développant une problématique originale : celle de la « soutenabilité » de l’emploi discontinu, au double-sens de ce qui est supportable et de ce qui est défendable. Les cas contrastés des saisonniers agricoles et des artistes du spectacle sont comparés au moyen d’une enquête biographique et longitudinale retraçant leurs trajectoires sociales. La première partie reconstitue l’espace des possibles structurant les trajectoires objectives des enquêtés. D’un côté, un salariat agricole flexible et relativement invisible maintient les saisonniers agricoles, majoritairement issus des classes populaires, dans une condition de précarité-pauvreté. De l’autre,les artistes, originaires principalement des classes moyennes et supérieures, se mobilisent politiquement pour la défense d’une intermittence du spectacle recouvrant un potentiel d’autonomie salariale. Ce contraste se redouble ensuite au niveau des trajectoires subjectives. La deuxième partie montre comment l’emploi agricole devient soutenable par adaptation à la nécessité. La discontinuité permet de mettre à distance le travail et de recentrer les attentes sur l’espace domestique et le territoire local. À l’inverse, l’insoutenabilité l’emporte lorsque le CDI réduit les possibilités de s’extraire d’un travail portant atteinte à la santé (insoutenabilité de condition) ou lorsque l’emploi agricole est consécutif à un déclassement (insoutenabilité de position). Enfin, la troisième partie illustre comment les artistes du spectacle se caractérisent au contraire par un refus de la finitude sociale. La vie d’artiste et d’intermittent demeure soutenable tant que la recherche d’autonomie dans un travail synonyme de singularité et de vocation n’est pas compromise par un engagement prenant le sens du surinvestissement (insoutenabilité de condition) ou par un défaut de capital spécifique(insoutenabilité de position). Les trajectoires contrastées des saisonniers agricoles et des artistes du spectacle interrogent finalement la thèse d’un « précariat » à la condition ou au projet politique communs. / The sociological analysis of the precariousness fluctuates between disaffiliation risk and alternative to the dominant employment norm. In order to contribute to the debate, this thesis captures this ambivalence by developing an original issue: the “sustainability” of discontinuous employment, in both meaning of what is bearable and what is defensible. The contrasting cases of agricultural seasonal workers and performing artists are compared by means of a biographical and longitudinal survey tracking down their social trajectories. The first part rebuilds the space of possibilities structuring the objective paths of the respondents. On one side, a flexible and relatively invisible agricultural wage-earners keeps theseasonal workers, mainly from the working class, in a precariousness-poverty condition. On the other side, the artists,mainly from the middle and superior classes, politically gather for the defense of the intermittence of the performing arts, implying the possibility of autonomous wages. Then, this disparity is increased when considering the subjective paths. The second part shows how the agricultural employment becomes sustainable as adaptation to the necessity. The discontinuity allows to distance work and to refocus expectations on domestic space and local territory. Conversely, the unsustainability wins when permanent contract reduces the possibility to get away of a job jeopardizing health (condition unsustainability) or when agricultural employment is a consequence of a downgrade (position unsustainability). Finally, the third part illustrate, on the contrary, how performing artists are characterized by a rejection of the social finitude. The artist and intermittent life remains sustainable as long as the pursuit of autonomy in a job, synonym for singularity andvocation, is not jeopardized by a commitment as a surinvestment (condition unsustainability) or a default of specific capital (position unsustainability). The contrasted paths of agricultural seasonal workers and performing artists finallyquestion the thesis of a “precariat” with common conditions and political vision.

Cette recherche en Études théâtrales se situe dans le domaine des arts populaires et communautaires et dans une perspective pédagogique des arts du cirque. Elle porte davantage sur les aspects relationnels et artistiques que sur les aspects techniques des arts du cirque. Ces derniers sont abordés dans la perspective plus large du développement de la personne. La présente étude fait appel aux sous-champs disciplinaires de la résilience et de la créativité, dans un contexte pédagogique d'éducation populaire. Il s'agit d'une étude descriptive qui se fonde principalement à une expérience personnelle de terrain tout en se référant à des documents portant sur Cirque du Monde, un programme d'action sociale fondé par le Cirque du Soleil et Jeunesse du Monde. L'0bjet de la recherche est de faire la lumière sur la pédagogie alternative - dite circulaire - préconisée par ce programme et plus particulièrement d'exposer les moyens dont dispose l'artiste social afin de favoriser le développement de la résilience chez les jeunes participants des ateliers de cirque social. Pour ce faire, cette étude s'appuie notamment sur les écrits de Paulo Freire sur la pédagogie des opprimés, sur ceux de Boris Cyrulnik pour aborder la résilience et sur ceux de Yves Saint-Arnaud pour cerner l'expérience créatrice et la relation coopératrice. L'intention qui sous-tend cette recherche vise une meilleure compréhension du rôle de l'artiste social dans son interrelation avec des jeunes qui vivent des difficultés et l'exclusion de leur communauté.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Dans le cadre de ce mémoire, nous étudions les artistes en tant que public des arts et de la culture au Québec. Nous allons donc principalement nous intéresser à leur consommation culturelle et non à leur création. C'est en posant l'hypothèse que les artistes constituent un public spécifique face aux arts que nous abordons cette recherche. Leur spécificité, à la différence de certaines autres catégories socioprofessionnelles, tiendrait à leur compétence due à une plus grande familiarité avec le monde de la culture, puisqu'ils en sont aussi des producteurs. Pour cerner les différentes approches qui étudient les pratiques culturelles d'une population, nous avons choisi de présenter dans une première partie, les enquêtes qui nous semblaient les plus pertinentes pour notre étude comme celle dirigée par Rosaire Garon au Québec et celle dirigée par Olivier Donnât2 en France. Dans ces enquêtes, on nous expose quelles sont les pratiques culturelles les plus répandues au sein de la population. En les comparant avec celles des artistes interrogés dans le cadre de notre recherche, nous voulons montrer que les différences notées dans leur consommation culturelle, tiennent en partie à une conception spécifique qu'ils se font de la culture. Cette conception à laquelle s'ajoute une formation scolaire élevée engendreraient un comportement culturel typique à la profession d'artiste, qui se caractériserait par la volonté d'établir une certaine qualité dans la relation à l'objet culturel ou encore par la recherche d'une certaine authenticité dans ce rapport. La contribution de ce mémoire dans le champ de la sociologie de l'art a pour objectif de mettre en lumière sous un angle nouveau, la façon de considérer le rapport à l'art et à la culture afin de mieux comprendre les disparités qui existent entre les goûts chez certains groupes sociaux.

Ce mémoire porte sur les facteurs institutionnels qui ont contribué à l’entrée des femmes artistes dans la collection du Musée d’art contemporain de Montréal, dont le pourcentage d’œuvres d’artistes-femmes, vis-à-vis des œuvres d’artistes-hommes, apparaît élevé en comparaison de ceux des collections d’arts modernes ou contemporains des musées nord-américains et d’Europe de l’Ouest. Selon le calcul effectué en 2016 par la conservatrice responsable de la collection, Marie-Ève Beaupré, la part d’œuvres de femmes artistes conservées au MAC à cette date serait de 33 %. La production de graphiques donnant à voir l’évolution de la quantité d’acquisitions par catégorie de genre s’est fondée sur une reprise des stratégies visuelles et militantes déployées par les Guerrilla Girls dès le milieu des années 1980. Ces visualisations ont été produites en collaboration avec Lena Krause, responsable du laboratoire l’Ouvroir d’histoire de l’art et de muséologie numériques de l’Université de Montréal. Le premier chapitre vise alors à expliciter l’intégration de ce mémoire au champ d’études d’histoire de l’art féministes d’après lesquelles les données statistiques représentent les points de départ d’analyses des modalités et des processus de reconnaissance institutionnelle des artistes (White 1965, Nochlin 1971, Arbour 2000, Dumont 2008, Zemans et Wallace 2013, Christensen 2016, Dymond 2019, Greenwald 2021). La majorité des pics d’acquisition d’œuvres d’artistes-femmes au MAC, repérés au deuxième chapitre, correspond à des stratégies d’attraction de donations, de même qu’à des acquisitions multiples et massives d’œuvres provenant de collections de marchand.e.s d’art et d’entreprises. Au troisième chapitre, nos repérages sont intégrés à des analyses transversales dans lesquelles plusieurs secteurs de l’institution sont mis en relation. Nous analysons en particulier l’impact de directeur.rice.s et de conservateur.rice.s sur la mise en place d’orientations favorables à l’amélioration de la représentation des femmes artistes dans la programmation ainsi que dans la collection. Finalement, la prévalence de médiums au sein du corpus d’œuvres d’artistes-femmes conservées s’avère refléter la valorisation, au musée, de mouvements qui ont émergé sur le devant de la scène artistique québécoise et auxquels a participé un certain nombre de femmes. / This thesis examines the institutional factors that have contributed to the Musée d’art contemporain de Montréal’s acquisition of works of art by women artists. In this collection, the percentage of works of arts by women artists, related to works of arts by men artists, appears high in comparison with those of modern or contemporary art collections in North American and Western European museums. According to a calculation made in 2016 by Marie-Ève Beaupré, the curator in charge of the collection, the proportion of works by women artists held by the Musée d'art contemporain de Montréal at that time would be 33%. The production of graphs showing the evolution of the number of acquisitions by gender category was founded on the visual and activist strategies deployed by the Guerrilla Girls since the mid-1980s. These data visualizations were produced in collaboration with Lena Krause, head of laboratory l’Ouvroir d'histoire de l'art et de muséologie numériques at Université de Montréal. The first chapter then aims to situate this thesis into the field of feminist art history studies, according to which statistical data represent the starting point for analyses on the modalities and processes of artists' institutional recognition (White 1965, Nochlin 1971, Arbour 2000, Dumont 2008, Zemans and Wallace 2013, Christensen 2016, Dymond 2019, Greenwald 2021). In the second chapter, most of the identified peaks in the acquisition of works by women artists correspond to strategies for attracting donations, as well as to multiple and massive acquisitions of works from corporate and art dealers’ collections. In the third chapter, our findings are integrated into cross-cutting analyses that link several sectors of the institution. In particular, the impact of female directors and curators on the implementation of strategies conducive to improving the representation of women artists in programming and within the collection. Finally, the prevalence of some mediums within the corpus of works by women artists in the museum's collection reflects the museum's emphasis on movements that emerged at the forefront of Québec’s art scene in which a large number of women took part.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2012-2013. / Ce mémoire présente les résultats d’une recherche de terrain portant sur les conditions de la rencontre avec l’altérité dans le partage d’activités artistiques. Cette recherche s’intéresse plus particulièrement, par l’observation participante, à la posture de l’intervenant dans le cadre de ces activités et au type d’activités artistiques à mettre en place afin de permettre une rencontre avec l’Autre, fondée sur l’échange et la réciprocité.

Doctorat en sciences sociales, politiques et économiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished

L’essence de la théorie du capital humain (Becker, 1964) prédit que l’investissement dans les activités visant à renforcer le potentiel productif des individus se traduit par une augmentation de leurs revenus tout au long de leur carrière (Benjamin, Gunderson et Riddell, 2002 : 245). Pour le groupe occupationnel constitué par les artistes, la littérature s’accorde pourtant pour dire que l’investissement en capital humain demeure rentable financièrement, mais à un niveau sensiblement moindre que pour les autres professions (Snooks, 1983; Filer, 1990; Rengers, 2002; Alper et Wassall, 2006). Nous exposons les théories du capital humain, des différences de salaire compensatoires (Smith, 1776) ainsi que la théorie hédonique des salaires (Rosen, 1974; Rosen et Thaler, 1975) afin d’atteindre deux objectifs. Premièrement, nous cherchons à vérifier empiriquement l’impact de l’acquisition de capital humain sur le revenu d’emploi autonome des artistes canadiens . Dans une autre perspective, nous souhaitons également évaluer la nature et la taille du différentiel de revenu d’emploi par rapport aux autres professions et investiguer les facteurs sur lesquels il repose. Le projet comble un vide dans la littérature portant sur les déterminants du revenu d’emploi des artistes canadiens et permet de réfléchir à l’orientation des politiques publiques culturelles entourant la formation académique de ceux-ci. Nous employons une analyse de régression multivariée sur des variables de capital humain en ayant recours aux données du recensement canadien de 2006 . Plus précisément, nous tentons de mesurer la relation associative entre le revenu de travail autonome exprimé sous forme de logarithme du salaire hebdomaire des artistes canadiens et la scolarité, l’expérience de travail, le sexe, le statut marital légal, la profession/spécialité artistique (classification selon la CNP-S, en vigueur en 2006), le statut d’immigrant, le statut de minorité visible, le fait d’être le principal soutien de la famille ainsi que la zone de résidence. Les résultats nous apprennent que la scolarité demeure rentable financièrement pour la majorité des spécialités artistiques, mais que des profils de scolarité précis ont avantage à être privilégiés selon la spécialité artistique. L’expérience de travail s’avère quant à elle moins rentable au niveau de la rémunération que chez les autres professions, tout comme elle est moins avantageuse financière pour les artistes issus des arts performatifs chez qui la carrière se termine habituellement assez tôt. En ce qui concerne l’effet des variables sociodémographiques, soulignons seulement que le fait d’être de sexe masculin est associé à de plus hauts revenus chez les artistes, mais dans une proportion moindre que chez les autres professions. Quant aux effets des statuts d’immigrant et de minorité visible sur le revenu d’emploi, ceux-ci varient mais demeurent moins pénalisants chez les artistes, ce qui suggère que le marché du travail culturel serait moins discriminant que le marché du travail traditionnel. / The essence of human capital theory (Becker, 1964) predicts that investing in activities that aim at strenghtening the productive potential of individuals will result by an increase of their labor income all along their careers (Benjamin, Gunderson and Riddell, 2002 : 245). For the occupational group constituted by artists, the literature agrees nevertheless that investing in human capital stays lucrative but at a lower level than for other occupations (Snooks, 1983; Filer, 1990; Rengers, 2002; Alper and Wassall, 2006). We expose human capital theory along with compensating wage differentials theory (Smith, 1776) and hedonic theory of wage (Rosen, 1974; Rosen and Thaler, 1975) with two objectives. In an empirical matter, we wish to verify the effect of human capital on the self-employment income of canadiens artists. On the other hand, we are looking to evaluate the nature and size of the wage differential between artists and the other occupations, along with investigate on what grounds this one lies. This project fills an important void in canadian literature dedicated to culture, as no studies have been interested in identifying the actual determinants of artists’ labor income, even though it gives an important input about what factors are the most in demand on the cultural labor market. We use a multivariated regression analysis on human capital variables by using canadian census data of 2006. More precisely, we tend to measure the associative effect between self-employment income expressed by the logarithm of artists’ weekly income and the following variables : the highest diploma, certificate or degree obtained, the sex, the experience on the labor market, the marital status, the occupation/artistic specialty (using the CNPS-2006) the status of immigrant, the status of visible minority, the zone of residence and the primary household provider. The results show that education is generally associated with a higher labor income for artists, but that particular education profiles depending on the artistic specialty will generate even higher income. The yield of experience on labor income is less important for artists than for the other occupations, along with the fact that it is less profitable for performative artists for whom careers end earlier. Concerning the effect of sociodemographics on self-employment income, we find that being a male is associated with higher income but to a lower level than for other occupations. On a similar note, the effects of immigrant and visible minority statutes are less penalizing on artists’ labor income than for other occupations’ labor income. This suggests that cultural labor market is less discriminating than the traditional labor market.

Notre étude porte sur la présence des artistes grecs(peintres, sculpteurs, graveurs) aux manifestations universelles et internationales qui se sont déroulées dans de différentes villes européennes, durant les quarante premières années du XXe siècle.Effectuée principalement aux catalogues officiels des expositions traitées, notre recherche a essayé d’appréhender l’activité artistique des hellènes, en la situant dans un contexte culturel international(expositions universelles et/ou internationales) et dans un cadre chronologique précis (1901-1939) ; pour ce faire, nous avons tenu compte des divers paramètres sociaux, politiques et intellectuels, qui ont régi deux réalités historiques et géographiques : d’un côté la Grèce, un état jeune dans toutes ses manifestations, et de l’autre côté l’Europe de la Grande Guerre, du progrès industriel et des avant-gardes. / Our study focuses on the presence of Greek artists(painters, sculptors, engravers) in the universal and international exhibitions, that took place in various European cities during the first forty years of the 20th century.Our research, which was principally carried out in the official catalogues of the presentations in question, attempted the approach and in-depth comprehension of the artistic activity of the Greeks, placed in an international cultural context(universal and international exhibitions in Europe) and in a specific chronological frame(1901-1939). For this to be achieved, we took into consideration the diverse social, political and cultural parameters that ruled two different realities; on the one hand, Greece, a “young” country in all it’s manifestations and on the other hand, Europe of the Great War, industrial progress and the “avant-garde”.

Ce mémoire explore la formation des artistes comme entrepreneurs d’eux-mêmes à travers les pratiques de leurs associations professionnelles. Le premier chapitre brosse un portrait du champ culturel québécois et y situe plus spécifiquement les associations qui font l’objet de ce mémoire. L’approche adoptée en est une de gouvernementalité et ce chapitre s’attarde aussi aux sujets constitués dans le dispositif du champ culturel. Le deuxième chapitre aborde les questions méthodologiques soulevées par l’étude : la construction d’une archive et les détails des entretiens conduits. L’archive foucaldienne a été adaptée afin d’y inclure des entretiens. L’objectif était de pouvoir analyser à la fois la subjectivation impliquée par les pratiques des associations et l’exercice du pouvoir sur soi par les artistes. Les troisième, quatrième et cinquième chapitres rendent compte des analyses effectuées. Le troisième chapitre vise à définir l’inclusion dans les associations, c’est-à-dire quels artistes ont accès à leurs services. Avant même que les artistes puissent investir sur eux-mêmes à travers les services des associations, le processus d’adhésion implique déjà une certaine entreprise de soi. Ce chapitre jette les bases du suivant en introduisant la notion de sécurité sur le marché du travail. Le quatrième chapitre aborde plus précisément le sujet entrepreneur de soi qui investit dans sa sécurité à travers des services offerts par les associations : la formation et les caisses de sécurité. Il présente aussi le membership comme investissement en soi, qui donne accès à d’autres investissements, et explore l’inflexibilité des associations comme frein à l’entreprise de soi à travers l’idée d’expérience. Le cinquième chapitre, prenant en compte que les parcours des artistes ne sont isolés, les situe dans un contexte plus large que celui des associations. Il aborde ainsi les notions de marché, de passion et de responsabilisation. La conclusion de ce mémoire en résume le propos général et offre une réflexion épistémologique ainsi qu’une réflexion sur la position schizophrénique du sujet dans le contexte néolibéral. / This thesis explores the subjectification of artists as entrepreneurs of self through their professional unions’ practices. From a governmentality perspective, the first chapter of this thesis describes the cultural field in Quebec, the role played by the unions under study in this ‘dispositif’ and the formation of subjects. The second chapter addresses methodological questions : the construction of the archive and details about the interviews conducted. The foucaldian archive was adapted to incoporate interviews in order to analyse once at a time the subjectification implied through unions’ practices and the self-exercise of power by artists. The next three chapters present the analysis. The first chapter of analysis addresses the inclusion in unions (who has access to unions’ services). Even before artists can invest in themselves through unions’ services, the membership process already implies some enterprise of self. This chapter also introduces the notion of security on the labour market. The next chapter concentrates on the subject entrepreneur of self who invests in his security through unions’ services : professional training and savings banks. It presents membership as an investment in itself, which gives access to other investments, and explores, through the idea of experience, unions’ inflexibility as curbing the enterprise of self. Since artists’ careers are not isolated, the last chapter of analysis locates them in a broader context through the notions of market, passion and responsibilization. The conclusion summarizes the thesis and offers an epistemological questioning as well as a brief discussion on the schizophrenic subject in the neoliberal context.

La culture en général et l’art, en particulier, occupent une position unique dans la structuration d’une société. En dépit des conflits, des convulsions politiques et idéologiques qu’a connu depuis un siècle, l’Iran d’aujourd’hui n’est plus un pays sous le joug politique d’une théocratie obscurantiste. Contrairement aux discours bruyants et actions hostiles de dirigeants islamiques qui provoquent si facilement l’attention du grand public en Occident, l’expression artistique iranienne reste très peu connue du public du monde entier. C’est à partir d’une réalisation plastique personnelle qu’ont été évalués que les véritables représentants et porte-parole d’une société iranienne progressiste ne sont plus ses politiques, mais bien ses artistes. Les artistes iraniens essaient de montrer la voix d’un autre Iran, celle d’un pays à l’histoire plurimillénaire, mais toujours aussi épris de culture et avide de liberté.Très attachées à leur histoire et leur culture, les oeuvres des artistes iraniens s’élaborent entre héritage et innovation. Lesquelles font état d’univers où un langage symbolique, ostensiblement hybride, se construit entre traditions ancestrales et modernité postrévolutionnaire. Par le biais de différents types médiums contemporains, comme la photographie, la performance, l’installation, la vidéo, ces oeuvres témoignent de la recherche d'un geste et d'un langage susceptibles de reconstruire la mosaïque du réel. Le regard des artistes, construit par leurs codes culturels, ne les empêche cependant pas de prendre en considération les actuels problèmes sociaux et politiques. Par contre, les artistes iraniens détournent intelligemment la réalité de façon métaphorique et symbolique pour transmettre le contenu de leur message au monde entier. De cette manière, l’art contemporain iranien, a pu s’épanouir sur la scène internationale et a pu attirer l’attention de quelques collectionneurs du marché de l’art et de commissaires d’exposition internationaux, durant ces dernières décennies. / Culture in general and art in particular, occupy a unique position in the structure of society. Despite the conflicts, political and ideological convulsions has been known for a century, Iran today is no longer a country under the political yoke of theocracy obscurantist. Unlike the noisy speech and actions hostile Islamic leaders who so easily cause the attention of the general public in the West, Iranian artistic expression is very little known to the public worldwide. This is from a personal realization plastic what evaluated as true representatives and spokespersons of Iranian society progressive are no longer policies, but its artists. Iranian artists trying to show the voice of another Iran, a country with a history thousands of years, but still as loving culture and eager for freedom. Very attached to their history and culture, the works of Iranian artists to develop between heritage and innovation which indicate universe where a symbolic language, ostensibly hybrid builds between traditions and modernity post-revolutionary. Through different mediums contemporaries, such as photography, performance, installation, video, these works reflect the research gesture and language may reconstruct the mosaic of reality. The regard of artists, built by their cultural codes, however, does not prevent to consider the current social and political problems. By against, Iranian artists intelligently divert the reality of metaphorical and symbolic way to transmit the content of their message to the world. In this way, Iranian contemporary art, has been able to flourish on the international scene and has attracted the attention of some collector’s art market and international exhibition curators, in recent decades.