Attirés par l'émulation artistique et par les possibilités qu'offrait le marché de l'art français, les artistes catalans de la fin du XIXe siècle et du début du XXe se rendirent en masse à Paris, dans un mouvement largement international. L'histoire que propose de traverser cette étude est celle des mobilités d'artistes, des transferts artistiques et culturels, des circulations, de la diffusion et de la réception d'œuvres. Quelle incidence eut l'origine de ces artistes dans leur parcours parisien? Quel fut leur degré d'acculturation? Quels réseaux parvinrent-ils à tisser? Quel fut l'accueil de leur œuvre : quelle lecture et quel usage? Comment construisirent-ils une identité à travers leur art? Ce travail entend combler une lacune de l'historiographie de l'art catalan contemporain et des rapports artistiques entre la Catalogne et la France, rejoignant les préoccupations actuelles sur les relations artistiques transnationales au travers de l'étude d'une communauté homogène d'artistes à une période déterminée. Accordant une place fondamentale à la réception, nous étudions la manière dont la capitale internationale de l'art - qu'était Paris - a réagi à l'intégration de ces étrangers et a accueilli leur œuvre. / Attracted by the artistic emulation and the possibilities offered by the French art market, nearly all Catalan artists of the late nineteenth and early twentieth went to Paris, in a broadly international movement. This essay mainly focuses on the mobility of artists, on artistic and cultural transfers, and on the reception of artworks. How did these artists integrate into the Parisian artistic milieu at the turn of the century? How did living in Paris affect their artistic production? And, alternatively , how did their presence affect the Parisian artistic landscape? Thus, joining the current concerns about transnational artistic relations, this work aims to fill a gap in the historiography of contemporary Catalan art and of the artistic relations between Catalonia and France. By providing a fundamental role to the critical reception, this work throws light on how the international capital of art - that was Paris - reacted to the integration of these foreign artists and to their work.

Depuis l'apparition des expositions universelles jusqu'à la création des sécessions européennes, le Salon parisien a joué un rôle plus ou moins déterminant dans la carrière de centaines de peintres étrangers. Sans partis-pris esthétique, le corpus d'œuvres, d'artistes et de textes étudiés retrace la présence et la réception de la peinture étrangère au Salon de 1852 à 1900. L'histoire politique et administrative de l'institution révèle un statut de l'exposant étranger presque inexistant au début du Second Empire, qui devint une question majeure à la fin du siècle, liée à la création de la Société nationale des beaux-arts. Hasardeuse et compétitive, l'expérience du Salon constituait pour l'ensemble des artistes un enjeu considérable, tant symbolique que commercial. Les carrières parisiennes des peintres étrangers, depuis le séjour de formation jusqu'à l'impact de l'exposition au Salon, se prêtent moins que celles de leurs homologues français à une opposition entre sphère officielle et sphère indépendante; elles décrivent un système des beaux-arts largement ouvert sur le monde et sur l'ensemble du champ artistique. La réalité internationale des expositions parisiennes eut un profond impact sur l'évolution et la définition d'un art français qui en fit rapidement un motif d'hégémonie. Contrairement au cloisonnement nationaliste des expositions universelles, le brassage du Salon décrit l'unité et la diversité des forces créatrices européennes. L'expression nationale participe d'une communauté de démarches et de formes, et l'Europe des arts ne peut se réduire ni aux catégories d'écoles nationales, ni aux catégories de style de la tradition moderniste. / From the origin of World Fairs until the creation of the European secessions, the Paris Salon played a fairly significant role in the careers of hundreds of foreign painters. Avoiding aesthetic biases, the corpus of works, artists and texts studied traces the presence and the reception of foreign painting in the Paris Salon, from 1852 to 1900. The political and administrative history of the institution reveals the evolution of foreign painter status: from almost nonexistent at the beginning of the Second Empire, to a major issue at the end of the century, linked to the creation of the Société Nationale des beaux-arts. Risky and competitive, the Salon experience was a considerable challenge for all artists, both symbolic and commercial. Parisian careers of foreign painters, from their training studio to their exposition in the Salon, are less interpretable than for their French counterparts as an opposition between official and independent sphere; Fine Art system appears as wide open to the world and to the whole artistic field. The international dimension of Paris exhibitions had a profound impact on the evolution and the definition of French art who quickly built a hegemonic pattern on it. Unlike the nationalist partitioning of world fairs, the melting of the Salon is an image of the unity and diversity of European creative forces. The national expression is part of a community of approaches and expressions, and Arts of Europe cannot be categorized into national schools nor the style categories of the modernist tradition.

Cette thèse se penche sur les parcours et les pratiques d’artistes numériques naviguant au sein des secteurs multimédias de Montréal. L’étude des parcours de onze artistes numériques montréalais nous a permis de constater que leurs pratiques de production en arts numériques ne sont pas réductibles aux logiques de production propres à un seul lieu, que ce soit une entreprise privée, un centre d’art numérique ou encore l’université. La question du maintien de ces pratiques amène à prêter attention aux pluralités des éléments qui informent leurs [re]constitutions perpétuelles, ce qui appelle de nouveaux modes de théorisation des parcours d’artistes numériques et de leurs pratiques. Nous proposons une nouvelle manière de penser ces parcours - en tant que trajectoires - pour mettre en valeur la pluralité des modes d’articulation de ces pratiques. Elles sont ainsi considérées du point de vue de leurs médiations coconstitutives avec différents éléments. Nous avons isolé trois ensembles d’éléments pour rendre compte du maintien des pratiques en arts numériques et au travers desquels ces dernières déploient leurs multiples effectivités. Le premier ensemble recouvre les technologies intervenant dans la pratique en arts numériques. Le deuxième ensemble a trait au milieu des arts numériques et aux modes de l’organisé afférents. Enfin, le troisième ensemble traite du rapport entre les mondes de l’entreprise et la pratique en arts numériques. Ces trois ensembles d’éléments participent de diverses manières à la constitution, au maintien et à la singularisation de pratiques en arts numériques qui déploient leurs effectivités largement au-delà d’un espace social circonscrit ou spécialisé. / This thesis examines the paths and practice of digital artists navigating within the multimedia sector of Montreal. Through the study of the paths of eleven digital artists based in Montreal we found that their production practices in digital arts can not be reduced to the logic of production specific to a single place, whether a private company, a digital arts center or university. The issue of maintaining these practices leads one to pay attention to the plurality of elements that inform their perpetual [re]constitutions. This requires new ways of theorizing digital artists’ paths and practices. We propose a new way of thinking these paths - as trajectories - to highlight the plurality of ways the digital art practices are articulated. They are thus considered in terms of their co-constitutive mediations with different elements. We have identified three sets of elements to account for the maintenance of the practices in digital arts and through which these unfold their multiple effectivities. The first set covers the technologies intervening in digital art practices. The second set relates to the digital arts community and the organizational modes proper to those locales. Finally, the third set deals with the relationship between the worlds of business and practice in digital arts. These three sets of elements are involved in various ways to the establishment, maintenance and singularity of digital arts practices that deploy their effectivities far beyond a circumscribed or specialized social space.

A travers le parcours de dix rappeurs en France dans les années 2000, cette thèse se propose de renseigner des pratiques artistiques « critiques » ainsi que des pratiques d'engagement politique des artistes. Ce travail de recherche a été effectué à partir d'une enquête de terrain de six années mêlant des entretiens semi- directifs, des observations de type ethnographique, des recueils de données journalistiques et des analyses sociologiques d’œuvres. Il s'intéresse aux manières dont les processus de socialisation influencent les œuvres, les discours et les pratiques. Dans le cadre d'une sociologie de la critique, il cherche à identifier des discours et des manières de faire de la musique rap particulièrement contestataires. Il observe également les modes de valorisation et de mises en scène de ces postures singulières. Les pratiques d'engagement politique, qui voient les rappeurs impliquer leurs ressources artistiques, leurs ressources liées à leur notoriété ou leur individualité « anonyme » dans un travail conjoint avec certaines structures des mouvements sociaux et politiques, sont interrogées. En saisissant les nombreux enjeux qui résident dans l’émergence de ces activités artistiques, la thèse dresse un panorama des constructions sociales des pratiques des rappeurs tout en examinant les façons dont ils souhaitent, à leur tour, construire le social. L’ensemble de ces problématiques permet de proposer un regard sur les apports et les transformations d'une parole artistique et politique, historiquement et socialement située du côté des luttes de l'immigration et du postcolonialisme. / Through an examination of the trajectory of ten French rappers during the 2000s, the present PhD thesis aims to shed light on artists' « critical » artistic practices as well as on their practices of political commitment. The research for this thesis was carried out on the basis of a six-year field investigation, involving semi-structured interviews, ethnographic observation, assembling of data from the press and sociological analysis of works of art. It develops a particular interest for the ways in which socialisation processes influence works of art, discourses and practices. Within the framework of a sociology of critique, it aims to identify discourses and ways of producing rap music in which the protest element is particularly strong. It also observes the modes of valorisation and presenting of these singular attitudes. Practices of political commitment, where the rappers implicate their artistic ressources, their fame or their « anonymous » individuality in common work with certain structures of social and political movements, are examined. By grasping the manifold stakes involved in the emergence of these artistic activities, the thesis attempts to produce an overview of the social construction of the rappers' practices while at the same time it examines the ways in which they aim to construct the social. This set of questions enables us to develop an analysis of the contribution and the transformations of an artistic and political discourse, historically and socially anchored in the struggle postcolonial migrants and its political legacy.

Properzia De’Rossi (1490-1530) première sculptrice de la Renaissance italienne naquit vers 1490 à Bologne et mourut en 1530. Elle suscita un grand intérêt non seulement pour ses qualités d’artiste mais aussi pour avoir transgressé les rôles traditionnels de la femme. Nous la connaissons grâce à Giorgio Vasari qui dans la première édition des Vite de 1550, lui consacre une biographie, seule femme à figurer parmi les cent trente-trois biographies d’artistes rassemblées par l’historiographe. Dans la seconde édition de 1568 Vasari accompagnera Properzia De’Rossi de trois autres femmes artistes peintres encore en vie et productives en 1568 : Plautilla Nelli, religieuse, Lucrezia Quistelli et Sofonisba Anguissola aristocrates. Properzia De’Rossi est « hors norme » : ni religieuse ni aristocrate ; elle exerce la sculpture en professionnelle. L’unique œuvre connue avec certitude est son célèbre bas-relief de Joseph et la femme de Putiphar. Œuvre autobiographique d’après Vasari qui suggère le scandale d’une femme mariée ayant un jeune amant. Sa mort précoce en 1530, alors qu’elle est demandée par le pape Clément VII venu à Bologne pour le couronnement de Charles Quint, dramatise sa mort au sommet de sa gloire. Elle travailla sur le chantier prestigieux de San Petronio avec des sculpteurs renommés. Le XIXe siècle l’a perçue comme une héroïne romantique, elle perdit peu à peu son identité de sculptrice. Le XXe siècle la considère comme pionnière dans un monde professionnel masculin. Notre approche, à la croisée des chemins historiques, artistiques et littéraires tente de donner une vision complète de cette artiste talentueuse, dotée d’une forte personnalité, célèbre pour avoir su braver les interdits et exercer son métier de sculptrice. / Properzia De’Rossi (1490-1530) first great sculptress of the italian Renaissance, was born in Bologna around 1490 and died in 1530. She arouses a great interest not only for her artistic qualities but also for having infringed the traditional roles of the woman. She owes her fame to Giorgio Vasari, who in the first edition of Le Vite, 1550, devoted a single biography to her, the only woman to appear among the one hundred thirty three biographies of artists gathered by the historiographer. In the second edition of 1568, Vasari will add three other women painters alive and professionally active in 1568 : the nun Plautilla Nelli, the aristocrats Lucrezia Quistelli and Sofonisba Anguissola. Properzia De’Rossi is outstanding : neither nun nor aristocrat, she practices the sculpture as a professional sculptor. The only single work known with certainty is her famous bas-relief Joseph and Potiphar’s wife. An autobiographical work according to Vasari, who suggests the scandal of a married woman having a young lover. Her premature death in 1530, as she was called by pope Clement VII in Bologna for Charles V’s coronation, dramatizes her death at the height of her glory. Famous in Bologna, she worked with renowned sculptors in San Petronio. The nineteenth century perceived her like a romantic heroin : in love and unhappy. She lost little by little her identity of sculptress. The twenteenth century might see her as pioneer of female work in a male professional environment. Our study at the crossroads of historical, artistic and literary approaches attempts to give a comprehensive vision of this talented artist with a strong personality, famous for having broken the taboos in order to work as a sculptress.

Le présent travail s’intéresse à la nature et aux effets de l’intégration d’une logique de marketing dans les organisations du secteur des arts et de la culture. La recherche conduite ambitionne d’actualiser et de prolonger les connaissances acquises concernant le « conflit » artistes versus managers exposé par Chiapello (1998) tout en l’orientant vers le conflit artistes versus marketers. Inscrit dans une démarche compréhensive, ce travail s’appuie sur la méthode des cas. Une étude qualitative exploratoire constituée de 17 entretiens précède la réalisation de 5 études de cas, menées auprès de la Bibliothèque nationale de France (BnF), la Bibliothèque publique d’information (Bpi), le Musée national d’art moderne du Centre Pompidou (MNAM), le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et la Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ). La mise en œuvre des études de cas se fonde sur des périodes d’immersion significatives au sein des institutions mentionnées ; durant ces périodes des entretiens semi-directifs et observations ont été collectés et analysés. Par ailleurs, cette recherche a permis de réaliser une analyse comparative France-Canada. Outre le constat sur l’actualité du conflit établi, la thèse propose des pistes à l’écriture d’une intégration efficace du marketing dans les organisations culturelles. / This work examines the nature and effects of integrating marketing logic into arts and culture organizations. The research aims to update and extend the knowledge acquired about the “conflict” between artists and managers exposed by Chiapello (1998) while orienting it towards the conflict between artists and marketers. As part of a comprehensive approach, this work is based on the case method. A qualitative exploratory study consisting of 17 interviews precedes the realization of 5 case studies, conducted at the Bibliothèque nationale de France (BnF), the Bibliothèque publique d’information (Bpi), the Musée national d’art moderne Centre Pompidou (MNAM), the Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) and the Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ). The implementation of the case studies is based on significant immersion periods in the institutions mentioned; during these periods semi-structured interviews and observations were collected and analyzed. In addition, this research led to a comparative France-Canada analysis. In addition to the report on the actuality of the conflict established, the thesis proposes ways to write an effective integration of marketing in cultural organizations.

La Politique d'intégration des arts à l’architecture et à l'environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics, ou « Politique du 1% », s'attache à favoriser, au Québec, la création d’œuvres d'art contemporain intégrées à leur environnement. Elle comporte trois objectifs principaux : susciter une création artistique intégrée à son environnement spatial, « visibiliser » les artistes québécois et leurs œuvres tout en enrichissant le cadre de vie des citoyens, et démocratiser l’art actuel à toute la population du Québec. La bonne application du processus entrepris pour la réalisation de l’intégration d’une œuvre d’art est gérée par un comité constitué pour chaque projet, et elle se fait en fonction de critères spécifiques qui répondent à la pluralité des intérêts des acteurs en présence, notamment le public et les experts du monde artistique. L’enjeu pour l’artiste, à travers la réalisation d’une œuvre d’intégration, est alors de répondre aux attentes propres à chacun des groupes d’acteurs. La présente recherche a donc pour but de mettre au jour la façon dont les artistes font face à ces attentes, et notre interrogation porte ainsi sur le pouvoir d’action des artistes « intégrateurs » dans le cadre du processus de création et d’intégration de leur œuvre : quelle est la possibilité de faire incarner à celle-ci leurs valeurs, leur démarche intime mais aussi leur propre conception de ce qu’est une bonne intégration de l’art, tout en créant une œuvre significative. La recherche révèle ainsi qu’une adaptation de leur démarche et de leur pratique est nécessaire dans ce nouveau contexte. L’analyse du discours des artistes met aussi en évidence un spectre d’adaptabilité, qui permet de comprendre comment est possible cette adaptation compte tenu de la confrontation de valeurs telles que la liberté et l’autonomie face aux contraintes inhérentes à la Politique. / The Politique d'intégration des arts à l’architecture et à l'environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics, or “ Politique du 1%”, endeavours to promote the creation in the province of Québec of contemporary artworks integrated into their environment. It has three main objectives: to provoke the creation of artistic works integrated into their spatial environment, to make Québec based artists and their works more visible while enriching the living environment of citizens, and finally to make contemporary art more accessible to the entire population of the Québec province. The application of the process undertaken for the realization of the integration of an artwork is managed by a committee set up for each project, and is done according to specific criteria which meet the diverse interests of the actors concerned, especially the general public and the experts of the artistic world. The challenge for the artist, through the creation of an integrative work, is then to meet the expectations generated by each group of actors. This research therefore aims to reveal the means by which artists cope with such expectations and our question thus relates to the power of action of the “integrating” artists within the framework of the process of creation and of integration of their work: what is the possibility of incorporating their values, their intimate approach but also their own interpretation of what a successful integration is, while creating a meaningful piece of art. The research thus reveals that an adaptation of their approach and practice is necessary in this new context. The analysis of the artists' discourse also highlights a spectrum of adaptability, which enables to understand how this adaptation is possible given the confrontation of values such as freedom and autonomy to the constraints inherent in the policy.

Cette thèse s’intéresse à l’action stratégique des artistes en arts visuels qui est dédiée à l’amélioration de leurs conditions de travail. Elle cherche à comprendre comment les centres d’artistes autogérés (CAA) situés à Montréal participent au développement, par les artistes, de stratégies visant à leur permettre de se maintenir dans des carrières marquées par la précarité. Cette recherche s’inscrit dans la problématique entourant l’émergence de nouvelles formes d’action collective qui visent à contrer la précarisation croissante des marchés du travail et de l’emploi. Sur le plan théorique, elle s’appuie sur trois grandes approches sociologiques : la sociologie interactionniste des mondes de l’art de H. S. Becker (1982), la sociologie structuraliste du champ de la production culturelle de P. Bourdieu (1993) et la socio-économie interactionniste des champs d’action stratégique de N. Fligstein et D. McAdam (2011). La posture épistémologique de cette recherche consiste à restituer la parole aux acteurs afin de cerner le sens qu’ils accordent à la précarité de leur travail et d’identifier les stratégies d’amélioration du travail dans lesquelles ils sont engagés. En nous appuyant sur des sources qualitatives, nous avons réalisé une étude de cas multiples correspondant à quatorze CAA situés à Montréal. Au total, cinquante-cinq personnes ont participé à cette recherche. Cette recherche souligne les effets structurants de l’encastrement du champ culturel dans le champ étatique sur les systèmes de distribution des ressources et des inégalités qui affectent les artistes intégré·e·s et les CAA. Elle montre aussi comment le passage du temps influence (1) le rapport que les artistes entretiennent face à la précarité de leur travail et (2) leurs stratégies d’amélioration du travail. Celles-ci revêtent généralement une nature spontanée et éphémère et elles mobilisent peu les outils formels de régulation prévus à cet effet, incluant la Loi sur le statut professionnel des artistes des arts visuels, des métiers d’art et de la littérature, ainsi que sur leurs contrats avec les diffuseurs (RLRQ, S-32.01). Leur impact sur l’amélioration durable et significative des conditions de travail des artistes apparaît limité. Cette recherche montre aussi que les CAA participent plus ou moins aux stratégies d’amélioration du travail des artistes. La nature et le degré de leur soutien varie notamment en fonction de leurs structures et de leurs politiques organisationnelles, ainsi que de la volonté des artistes de les impliquer dans ces processus. Plusieurs centres expérimentent cependant de nouvelles formes de soutien économiques et relationnelles aux artistes dans les limites de leurs contraintes organisationnelles. Au sein de ces CAA, on observe un recours croissant à des pratiques plus ou moins institutionnalisées qui relèvent de l’éthique féministe du soin. Les acteurs communautaires tels que les CAA, les associations professionnelles, les mouvements sociaux, etc., sont appelés à réfléchir à de nouvelles manières de générer des formes de solidarité et d’appartenance entre les artistes à partir des facteurs de précarité qui ont été identifiés dans cette recherche. Ce travail doit aussi prendre acte du fait que les artistes qui s’identifient à des groupes historiquement marginalisés rencontrent des enjeux de précarité spécifiques. Notre recherche révèle en effet la pertinence de procéder à la déconstruction des grandes catégories analytiques sur lesquelles se fonde l’analyse des mondes de l’art comme les « artistes intégré·e·s » (Becker, 1982), de manière à tenir compte de la manière dont les facteurs sociaux comme le genre, l’âge, la race, une situation de handicap, l’orientation sexuelle, etc., ont un impact sur les trajectoires de carrière des artistes en arts visuels. / This thesis investigates artists and art collectives’ strategic action aiming at the improvement of their working conditions. It studies how Montreal’s artist-run centres (ARCs) participate (or do not participate) in the development of « better work » strategies put in place by artists in order to persevere in their precarious careers. This research engages with the larger problem of increasingly precarious labour markets and employment, and with the new forms of collective action that are emerging in reaction to it. It draws on three theoretical approaches: the interactionist sociology of the art worlds (H. S. Becker, 1982), the structuralist sociology of the field of cultural production (P. Bourdieu, 1993) and the interactionist socio-economy of strategic action fields (N. Fligstein and D. McAdam, 2011). From an epistemological standpoint, our approach draws on pragmatism. It gives a voice to the actors to elevate their own perceptions of their precarity. This allows us to grasp its meaning and to identify the « better work » strategies in which they engage. This research draws on qualitative sources and corresponds to a multiple case study constituted of fourteen ARCs located in Montreal. A total of fifty-five persons participated in this research. This research highlights the structuring effects of the cultural field’s embeddedness in the state field on the distribution systems of resources and inequalities impacting artists and ARCs. It also reveals the importance of mobilizing a micro lens to study strategic action repertoires to consider the actors’ desires, values, and perceptions. Finally, it shows how the passage of time contributes to transforming how artists perceive their labour precarity. The prolonged experience of precarity shapes the « better work » strategies that are developed by artists. In general, these appear to be more of a spontaneous and ephemeral nature. Most of them do not draw on formal regulations such as the Act respecting the professional status of artists in the visual arts, arts and crafts and literature, and their contracts with promoters (RLRQ, S-32.01). Overall, their impact on a significative and sustainable improvement of artists’ working conditions appear to be limited. Our analysis also shows that ARCs participate in these strategies to various degrees. Their support depends on several factors, including ARCs’ organizational structure and politics, and the artists’ propensity to involve them in these processes. Several ARCs are experimenting with new forms of economic and relational support within the limits of their organizational constraints. Within those ARCs, we observe a increasing tendency to put in action more or less institutionalized practices associated with the feminist ethics of care. Community actors such as ARCs, professional associations, social movements, etc., are invited to (re)think about innovative ways to generate solidarity and belonging within artists by building on the precarity factors that have been in this research. This work should take into consideration that artists identifying to historically marginalized groups encounter specific forms of precarity to this day. This research also highlights the necessity to deconstruct the large analytical categories traditionally used to study the art worlds such as « integrated professionals » (Becker, 1982), to account for the influence of social factors such as gender, age, race, disability status, sexual orientation, etc., on visual artists’ career trajectories.

Mémoire en recherche-création / Depuis les années 1920, les discours des publicités de produits menstruels sont rythmés par des normes stigmatisantes. Ces normes s’inscrivent dans un système paradoxal et contradictoire. Ainsi, Josefin Persdotter propose l’emploi du néologisme menstrunormativité, afin de dépeindre ce système qui différencie les bonnes menstruations des mauvaises. Dans les années 1960, divers.e.s artistes et activistes féministes s’approprient les discours menstruels afin de remettre en question les normes s’y trouvant. Au cours des années 2010, une révolution menstruelle et artistique émerge sur la plateforme Instagram et tend à transgresser la menstrunormativité, notamment par l’illustration. Sur Instagram, les marques de produits menstruels se réapproprient les discours féministes et partagent le travail d’illustrateur.rice.s tout en réitérant la menstrunormativité par la diffusion de normes contradictoires. Cette recherche met en lumière la rencontre complexe entre artistes féministes et marques de produits menstruels sur le média social. Ces artistes participent à la déconstruction des normes, tout en prenant part au paradoxe composant les comptes Instagram de ces marques. Au long de cette recherche, j’ai imaginé puis organisé un atelier de création avec une illustratrice féministe, créant principalement autour des menstruations. Cet atelier offrait à l’artiste un espace de réflexion autour des sujets traités par cette recherche, tout en illustrant la manière dont elle percevait l’art/illustration menstruel dans le contexte publicitaire. Ce mémoire tend à participer aux critical menstruation studies, en explorant les stratégies mobilisées par les artistes menstruel.le.s afin de subvertir la menstrunormativité. / Since the 1920s, the discourses of menstrual product advertisements have been punctuated by stigmatizing norms. These norms are part of a paradoxical and contradictory system. Thus, Josefin Persdotter proposes the use of the neologism menstrunormativity, in order to depict this system that differentiates good menstruation from bad. In the 1960s, various artists and feminist activists appropriated menstrual discourses in order to question the norms found therein. During the 2010s, a menstrual and artistic revolution emerged on the Instagram platform and tended to transgress menstrunormativity, particularly through illustration. On Instagram, menstrual brands reappropriate feminist discourses and share the work of illustrators while reiterating menstrunormativity through the diffusion of contradictory norms. This research highlights the complex encounter between feminist artists and menstrual brands on social media. These artists participate in the deconstruction of norms, while taking part in the paradox composing the Instagram accounts of these brands. Throughout this research, I imagined and then organized a creative workshop with a feminist illustrator, creating primarily around menstruation. This workshop offered the artist a space to reflect around the topics addressed by this research, while illustrating how she perceived menstrual art/illustration in the advertising context. This dissertation aims to participate in critical menstruation studies by exploring the strategies mobilized by menstrual artists to subvert menstrunormativity.

Dans le cadre d'une recherche anthropologique, à partir du témoignage d'un artiste réfugié d'origine iranienne, l'identité est conçue comme un processus créatif toujours en mouvement. L'objectif de cette étude est de rendre compte d'une expérience de reconstruction identitaire. Ce parcours est raconté par l'artiste dans un acte performatif à travers une narration de soi en mots et en images. Cette identité narrative prend forme à travers une négociation avec les identités collectives (entre la culture d'origine et celle d'accueil) et devient l'attestation d'une histoire singulière. Au terme de ce projet, il est possible d'identifier sept grandes composantes qui ont participé à la reconstruction identitaire, soit : 1-période de destruction et de mort; 2-relecture (ré-interprétation) du passé, 3-découverte et invention d'un nouveau soi, 4- établissement et solidification du lien social, 5-appropriation de son pouvoir d'action, de choix et de liberté, 6- instauration d'un sens à la vie et d'une vision du monde, 7-élaboration d'une spiritualité. À partir de ces sept composantes, je propose d'identifier trois modalités différentes à l'acte de «Se raconter», c'est-à-dire 3 types de performances narratives. Il y a : A-le dire d'urgence, B-le dire d'apprentissage et C-le dire relationnel.