En regard de la convention d’originalité propre à l’art contemporain, l’extraordinaire imprécision des critères visant à déterminer la qualité et la légitimité des œuvres d’art et du statut de l’artiste qui les crée nécessite l’intervention d’intermédiaires dont le mandat est de découvrir et de promouvoir de nouveaux talents. Dans ce contexte, les artistes en quête de reconnaissance doivent se plier aux règles et aux conventions établies au préalable par ces intermédiaires puisque leur légitimité dépend de leur validation commune. Cependant, avec l’arrivée d’Instagram et l’investissement massif des artistes visuels qui utilisent la plateforme pour promouvoir leurs œuvres et leurs expositions, un certain discours émerge des mondes de l’art et prétend que, de plus en plus, les artistes s’autonomisent des déterminants de la légitimité et parviennent à contourner les réseaux traditionnels de légitimation des œuvres d’art, et ce, en vendant directement aux publics. La présente recherche a toutefois montré que la réalité est en fait beaucoup plus complexe que cela. L’objectif de ce mémoire consiste donc à mettre à l’épreuve cette hypothèse largement promue dans les mondes de l’art et de mesurer l’impact réel de l’utilisation d’Instagram sur les dynamiques de pouvoir et les rapports à la légitimité. Pour ce faire, 12 artistes visuels qui utilisent Instagram régulièrement dans le cadre de leur pratique artistique ont été interrogés. Dans un premier temps, l’utilisation de l’application par les artistes visuels a été décrite et documentée dans le but d’offrir un premier aperçu de cette nouvelle pratique. Ensuite, l’analyse et la mise en tension de certains processus a permis de dévoiler la complexité des dynamiques qui y sont véritablement à l’œuvre. Les résultats de la recherche montrent que l’utilisation d’Instagram contribue à inscrire les artistes dans des logiques capitalistes néolibérales et dans un esprit de marchandisation du soi du fait d’une nouvelle injonction à la vente de soi et de l’accentuation des concurrences interindividuelles. Cependant, les résultats attestent aussi d’un fort attachement envers des idéaux anticonformistes et anticapitalistes qui restreignent en retour l’investissement des artistes sur la plateforme. La recherche permet donc de documenter et d’analyser les nuances qu’entraînent la rencontre de ces idéologies opposées sur la plateforme. Ce mémoire constitue une première analyse critique de l’utilisation d’Instagram par les artistes visuels contemporains. / Within the convention of originality specific to contemporary art, the criteria used to determine the quality and legitimacy of works of art and the status of the artist are extremely vague. This is why it requires the intervention of intermediaries whose purpose is to discover and promote new talents. In this context, artists who seek recognition must comply with the rules and conventions established beforehand by these intermediaries as their legitimacy depends on their common validation. However, with the arrival of Instagram and the massive increase of visual artists using the platform to promote their works and exhibitions, a discourse is emerging from the art worlds which claims that, more and more, artists are becoming less dependant on the determinants of legitimacy as they are able to bypass the traditional networks of art intermediaries. However, this research has rather shown that the reality is much more complex. Therefore, the purpose of this thesis is to challenge this hypothesis largely circulating in the art worlds and to observe whether the dynamics of power and legitimacy are actually changing. To do so, 12 visual artists who frequently use Instagram as part of their artistic practice were interviewed. First, the thesis describes the use of the application by visual artists in order to offer a first glimpse at this new practice. Then, the analysis and questioning of some processes reveal the complexity of the dynamics that are really at work. The results of this research show that the use of Instagram constraint artists to deal with neoliberal capitalist ideologies. It also contributes to subscribe them into a state of commodification of the self due to the new injunction of self promotion and increased competition between visual artists on the platform. However, the results also attest of a strong attachment to anti-conformist and anti-capitalist ideals which curbs the way artists use the platform. Therefore, the thesis paints a more nuanced portrait resulting from the meeting of the two opposite ideologies on the platform. This thesis constitutes a first critical analysis of the use of Instagram by contemporary visual artists.

Dès le début du IIIe siècle a.C, se formèrent dans le monde grec des associations professionnelles qui rassemblaient en leur sein, sous l'égide de Dionysos, des artistes de scène dotés d'un savoir-faire (techne). Placés sous la protection du dieu du théâtre, les membres de ses confréries se désignèrent "oi peri ton dionyson technite", c'est-à-dire "les artistes - les détenteurs de la "techne" - regroupés autour de Dionysos". Quatre grandes associations, dont les espaces d'activités correspondent aux quatre principales zones de diffusion de l'hellénisme, sont attestées dans les sources entre les IIIe et Ier siècles a.C. : celle d'Athènes, celle de l'Isthme et de Némée, celle d'Ionie et de l'Hellespont, et finalement, celle d'Egypte et de Chypre. L'essor de ces confréries est intimement lié à l'extraordinaire vitalité de l'activité dramatique entre les IIIe et Ier siècles a.C. Loin d'être un art décadent, comme l'ont prétendu divers spécialistes par le passé, le théâtre, en effet, connut une popularité sans précédent après la mort d'Alexandre le Grand. Ce phénomène s'explique en grande partie par le foisonnement des concours, qui fournissaient autant d'occasions aux artistes de se produire sur scène. Les inscriptions montrent que les associations de technites dionysiaques prenaient part à plusieurs concours, et ce, souvent à la demande des cités qui souhaitaient que les fêtes organisées en l'honneur des dieux soient des plus réussies. Si la raison d'être essentielle des confréries était de fournir aux cités des artistes professionnels permettant d'assurer la tenue des festivités et la qualité des prestations, certains documents montrent que les associations agissaient parfois à titre d'organisatrices de concours, et ce, en collaboration avec les cités ou de manière complètement indépendante. Afin de mettre en lumière le rôle joué par les associations dans la vie agonistique des cités grecques à l'époque hellénistique, le présent mémoire propose une analyse des sources épigraphiques relatives aux différents concours auxquels elles prenaient part.

S’inscrivant dans le domaine de la sociologie de la culture, dans une perspective d’étude des politiques publiques destinées à la culture, le présent mémoire vise à étudier l’impact du programme Première Ovation sur les parcours professionnels des artistes de la ville de Québec qui en ont bénéficié. Ce programme relève de l’Entente de développement culturel établie dans le cadre d’un partenariat entre le Ministère de la Culture, des Communications et de la Condition féminine du Québec (MCCCF) et la Ville de Québec. Dans ce mémoire, il sera question d’apprécier l’incidence d’une telle politique culturelle d’aide à la création sur la carrière des bénéficiaires par une approche comparative des situations socioéconomiques et socioprofessionnelles avant, pendant, et après l’obtention d’une bourse Première Ovation. C’est au moyen d’une analyse d’entretiens individuels réalisés avec six répondants en arts littéraires, sept en théâtre et neuf en arts visuels, ayant tous reçu cette bourse entre 2009 et 2012, que ce mémoire propose une certaine évaluation de l’efficacité de la politique culturelle en question, mais suggère également des pistes d’interprétation plus générale sur les implications autant culturelles que sociologiques, sur l’intégration de la création artistique dans la vie sociale. Au terme de notre investigation, il est clairement ressorti, d’une part, que la ville de Québec dispose d’un bassin de jeunes talents dynamiques et bien formés. D’autre part, il apparaît que la mesure Première Ovation, destinée depuis 2008 à la promotion de cette relève, a un réel impact dans chacun des trois secteurs artistiques étudiés. Entre le soutien financier et le mentorat, deux dimensions importantes du soutien offert par ce programme, on peut dire que cet impact agit à la fois dans l’immédiat et dans le moyen terme, voire le long terme du parcours professionnel des artistes soutenus. Toutefois, à travers l’analyse des trajectoires d’artistes de la relève, le mémoire démontre que, s’il existe à Québec un fort potentiel de production artistique et plus largement culturelle, cela n’exclut pas l’incertitude permanente dans laquelle évoluent les producteurs eux-mêmes, malgré la disponibilité d’aides publiques à la création. Cette situation ambivalente peut être interprétée à la lumière des disparités entre certaines visées institutionnelles et leur inscription dans la réalité sociologique du milieu culturel de Québec. / Québec City’s Première Ovation Program: Study on the Impacts of a Cultural Policy on Artists Grant Recipients As part of the sociology of culture field, this thesis aims to study the impact of the Première Ovation program on the professional career of Québec City’s artists who have benefited from it. This program stems from the Entente de développement culturel as part of a partnership established between Québec City and the Ministère de la Culture, des Communications et de la Condition féminine du Québec (MCCCF). In this thesis, the effects of such a cultural policy, aiming to support creation on the recipients’ career, are assessed based on a comparative approach of socioeconomical and socioprofessional situations before, during and after receiving a Première Ovation grant. Individual interviews have been conducted with six literary artists, seven theatrical artists and nine visual arts artists all of whom received this grant between 2009 and 2012. Through the analysis of these interviews, this thesis evaluates the effectiveness of this cultural policy, and also introduces larger interpretation methods on both cultural and sociological involvements, on the integration of artistic creation in social life. At the end of our research, it clearly appears that, from one standpoint, Québec City has a pool of dynamic and well-trained young talents. From another standpoint, it appears that the Première Ovation program, dedicated since 2008 to the promotion of emerging talents, has a real impact on all three artistic fields studied. Between financial support and mentoring, both important features of support offered by this program, we can observe positive impacts in the short-, medium- and even long-term of the supported artists’ professional career. However, through the analysis of the paths of emerging artists, the thesis shows that, while a strong artistic and more broadly cultural production potential exists in Québec City, the omnipresent uncertainty surrounding producers persists, despite government funding to help creation. This ambivalent situation can be interpreted in light of the existing disparities between certain institutional aims and their inscription in the sociological realities of the City’s cultural community.

Notre étude veut apporter des précisions historiques sur la scène artistique des années 1990 à partir d’un travail de critique d’art. Nous interrogeant sur la place de ce type d’écriture dans un contexte qui médiatise largement une crise de l’art contemporain dans l’espace public, nous examinons comment la remise en question de la modernité est propice à la création de trois nouvelles revues Documents sur l’art contemporain, Blocnotes et Purple Prose. La recherche nous porte à examiner les structures existantes dans lesquelles évoluent les différents acteurs du monde de l’art qui vont accueillir une nouvelle génération de critiques et d’artistes, - des centres d’art mais aussi de nouvelles galeries d’art symptomatiques d’un héritage culturel de décentralisation. Nous dégageons la spécificité de Blocnotes : le rejet des années 1980 et les repères historiques conceptuels des années 1960-1970, les rapports de l’art et du féminisme, la collaboration centrale des artistes, la réflexion sur l’exposition, l’objet fini, l’in situ et l’installation, le cinéma comme modèle. Loin d’une vision univoque de la décennie, nous redéployons des pratiques artistiques et leurs enjeux en nous plongeant dans les textes des nombreux contributeurs de Blocnotes tout en prolongeant par des entretiens des échanges entre critiques et artistes. / The study we are developing here wants to provide historical precisions about 90's artistic scene from an art critic's point of view. By questioning ourselves about the place of this type of writing in a context which widely mediates a contemporary art crisis in the public space, we would like to analyze how the questioning of modernity will be propitious for the creation of three new periodicals : Documents sur l'art contemporain, Blocnotes and Purple Prose. Our research leads us to study the existing structures that will welcome a new generation of critics and artists in which evolve various protagonists working in the field of art – art centers but also new art galleries symptomatic of a decentralized cultural heritage. We particularly enhance the specificities of Blocnotes : the rejection of the 80's and historico-conceptual markers of 60's and 70's, the relationships between art and feminism, the central collaboration of artists, the reflection about exhibition, finished object, the in situ and the installation, the cinema as a model.Remaining far off an unequivocal vision of the decade, we redeploy artistic practices and their issues by plunging ourselves in the texts of Blocnotes' numerous contributors while extending by interviews and exchanges between critics and artists.

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La marchandisation de l’art se traduit par une dérive progressive de l'esprit de collection. Elle est notamment perceptible dans le désir de plus-value des collectionneurs, qui va de pair avec le fait que l'aura de la valeur artistique et esthétique d'une œuvre est fonction du prix qu'elle atteint en tant que marchandise de luxe dans les salles de vente. La valeur de l’art s’en est trouvée assujettie à un marché capitaliste dont les guerres ont paradoxalement favorisé la mondialisation. Ce marché de l’art, qui est en cours de restructuration permanente, favorise chez les artistes une course à la « starification » et à des cotations tout particulièrement ambivalentes. Faut-il en conclure que la marchandisation a pris le pas sur l'artistique, le prix sur la valeur de l’œuvre, le lucre sur l'esthétique ? Cette thèse défend l'idée que la force, et la ruse des œuvres d'art, se manifestent dans leur capacité, à se jouer du milieu religieux, idéologique ou imagologique dans lequel elles voient le jour. Cette force se révèle aujourd'hui dans l’aptitude du geste créateur, qui relève — Marcel Mauss l'a bien vu — fondamentalement du don et du contre-don, à faire voler en éclat les illusions engendrées par la marchandisation. En permettant à l’imaginaire de s’incarner à l’égal du réel, l’artiste ouvre le champ infini des possibles. C'est pourquoi la vie des œuvres d'art n'en finit pas de rendre le cosmos cosmétique, quitte à se servir du « lucre » comme d'un appât habile à stimuler le marché, dont se sert in fine, sa « main invisible ». / The commodification of art results in a gradual drift of the collection spirit. This is particularly noticeable in the desire of collectors for added value, which goes hand in hand with the fact that the aura of the artistic and aesthetic value of work depends on the price it has achieved as a luxury commodity in the sales rooms. The result was a subjugation of the value of art to a capitalist market whose wars paradoxally favored globalization. This art market, which is undergoing permanent restructuring, favors artists’ quest for « starification » and particularly ambivalent ratings. Must we conclude that commodification has overtaken the artistics, that the price is now beyond the value, the profit beyond the aesthetic ? This thesis defends the idea that force and cunning of works of art are manifested in their opportune ability to trifle with the religions, ideological or imaginary environment in which they emerge. This force is today identified in the aptitude of the creative gesture, which – Marcel Mauss saw clearly – is fundamentally a gift and a counter-gift, to smash to pieces the illusions engendered by the commodification. And strong work links the imaginary to the symbolics to become « real ». By making the imaginary equal to the real, the artist opens the infinite field of possibilities. This is why the life of works of art never ceases to make the cosmos cosmetic, even if it uses the « lucre » as a bait skilful enough to stimulate the market, which is, in fine, manipulated by its « invisible hand ».

Mon travail de recherche se propose de combler des lacunes concernant l’iconogaphie des femmes sud-américaines. Etant donné l’absence d’écoles d’art ainsi que d’ateliers d’impression en Grande Colombie jusqu’à la première moitié du XIXe siècle, les images en général sont rares. Quand on en trouve, il s’agit des portraits de quelques femmes extraordinaires comme des saintes ou des épouses des hauts fonctionnaires, donc des représentantes d’une minorité aisée et créole. Les artistes locaux ont surtout peint les grands hommes et notamment les héros des jeunes Républiques. En revanche, sur la vie quotidienne de la plupart des femmes, qu’elles soient Indiennes, Métisses, Noires ou même Créoles, nous n’avons que très peu de témoignages. La Grande Colombie comme la Nouvelle Grenade, par ailleurs, souffrait d’un manque d’attrait. Cette région n’a jamais représentée dans l’imaginaire des voyageurs européens, les richesses légendaires des vice-royautés du Pérou ou de la Nouvelle Espagne (Mexique). C’est seulement à l’orée du XIXe siècle que cette zone équatoriale commence à faire parler d’elle et ce changement significatif est dû au grand voyage scientifique de Humboldt et Bonpland. Grâce à la médiatisation de ces explorateurs, un nombre important de voyageurs français décide de suivre leurs pas. Parmi eux, un petit nombre écrit et publie des récits illustrés. Leurs gravures et lithographies apportent donc les documents nécessaires pour combler en partie le vide pictural féminin. Ces images n’ont jusque là pas suscitées d’études historiques approfondies d’autant qu’elles ont longtemps été considérées comme des simples ornements accompagnant le texte. Cette thèse propose de démontrer, au contraire, le rôle primordial de cette iconographie, sa puissance symbolique et sa contribution au discours qui caractérise alors la littérature de voyage. Qu’elles soient guidées par des observations concrètes ou par la pure imagination, ces descriptions picturales et littéraires permettent de dégager les principaux stéréotypes élaborés sur les femmes grande-colombiennes et ce malgré leur riche multiplicité. / The aim of this thesis is to fill in certain gaps in the iconographic treatment of South American women. Due to the lack of art schools and printing workshops in Gran Colombia through the first half of the nineteenth century, images in general are rare. The existing works are portraits of such extraordinary women as saints or wives of important officials, thus representatives of a wealthy Creole minority. Local artists tended to choose as subjects prominent men, notably the heroes of the young Republics. By contrast, the daily lives of most women, whether Indian, Métis, Black or even Creole, were rarely featured. In addition, like New Granada, Gran Colombia suffered from a relative lack of attractiveness. In the imagination of European travelers this region never represented the legendary wealth of Viceroyalties like Peru or New Spain (Mexico). It was only at the dawn of the nineteenth century that this equatorial zone attracted significant interest due in large part to the great scientific exploration of Humboldt and Bonpland. Thanks to their many publications, a large number of French travelers decided to follow their footsteps. Among them, a small group wrote and published illustrated volumes. Their engravings and lithographs provide the material needed to restore at least partially the lack of female images. To this point such iconography has not generated in-depth historical study, since it has long been considered merely ornamental and secondary to the text. This thesis proposes to demonstrate the contrary by focusing upon the sizeable role of this iconography, its symbolic power and its contribution to the discourse then characteristic of travel literature. Based upon specific observations or drawn purely from imagination, these pictorial and literary descriptions enable the identification of the principal stereotypes developed to characterize Gran Colombian women, despite the fact of their rich cultural multiplicity. / La presente tesis busca llenar algunos vacíos existentes en los estudios sobre la representación iconográfica de las mujeres suramericanas. Debido a la ausencia de escuelas de Bellas Artes y talleres de impresión en la Gran Colombia hasta mediados del siglo XIX, la producción general de imágenes era escasa. Los artistas locales apostaban por retratar a hombres influyentes, particularmente los héroes de la naciente República, y las pocas obras sobre mujeres que se realizaban correspondían a santas o esposas de los altos funcionarios, representantes de la opulenta minoría criolla. Son entonces pocos los testimonios iconográficos que se conservan de la vida cotidiana de la mayoría de las mujeres de origen amerindio, mestizo, negro e incluso criollo. La Gran Colombia sufría además de la misma falta de atracción que aisló durante siglos a la Nueva Granada: en el imaginario de los viajeros europeos, la región no se comparaba con la legendaria riqueza de los virreinatos de Perú y Nueva España. Sólo hasta principios del siglo XIX, la América equinoccial se convirtió en un centro de interés tras las expediciones científicas de Humboldt y Bonpland. Gracias a sus múltiples publicaciones, varios viajeros franceses decidieron seguir sus pasos, publicando, además, sus relatos de viaje ilustrados con grabados y litografías. Unos trabajos que proveen el material necesario para suplir, al menos parcialmente, la ausencia de imágenes femeninas en la Gran Colombia. Hasta la fecha, esta iconografía no ha generado estudios históricos específicos pues ha sido considerada siempre ornamental y secundaria frente al texto de los relatos. El objetivo de este estudio es entonces demostrar lo contrario, revelando su papel protagónico, su poder simbólico y su influencia en el discurso literario característico de los relatos de viajeros. Por tanto, ya sean inspiradas por la imaginación o guiadas por la observación empírica, las descripciones pictóricas y literarias de estos relatos permiten la identificación de los principales estereotipos elaborados sobre las mujeres grancolombianas a pesar de su heterogeneidad cultural.

Ce mémoire trouve son origine dans le questionnement que nous avons posé par rapport à nos propres représentations concernant la pratique de l'art lorsque nous avons pris connaissance du plan d'action Québec horizon culture et en particulier du programme de mentorat qu'il offre aux artistes et qui consistent [sic] à les jumeler avec des gens d'affaires. Dans ce mémoire, nous avons cherché à comprendre comment les individus qui aspirent à faire de l'art subissent les injonctions du milieu artistique et les valeurs qu'il véhicule, de même que les exigences à propos de l'art véhiculées plus généralement dans la société. Notre intérêt s'est porté sur les représentations endossées par les artistes en lien avec la façon de subvenir à leurs besoins matériels. Plus particulièrement, nous avons cherché à savoir comment les programmes de mentorat auxquels prennent part des artistes participent de cet agencement et si les artistes qui manifestent de l'intérêt pour ces programmes ont une façon différente des autres d'envisager cet agencement. Pour répondre à ce questionnement, nous avons interrogé par des entretiens semi-dirigés des praticiens de l'art mentorés et non mentorés provenant de différents milieux artistiques. Il résulte de notre enquête qu'ils n'accordent pas tous la même place à l'activité artistique dans leur vie et que seulement certains cherchent à subvenir à leurs besoins matériels par l'activité artistique. De ces deux dimensions de la pratique artistique, nous avons conclu que le sens de la pratique artistique varie d'un répondant à l'autre. Nous avons finalement dégagé quatre types de finalité de la pratique artistique : intégrée, récréative, désintéressée et instrumentale.

Ce travail de recherches dans divers centres d‟archives (Paris, Nantes, Bucarest, Genève) réalise une synthèse des relations culturelles franco-roumaines de 1878 à 1965. Il s‟agit de comprendre, comment la France affaiblie après 1870 est plus que jamais considérée par l‟élite roumaine comme sa « grande soeur latine ». Puis, forte de cette reconnaissance, comment elle institutionnalise sa propagande culturelle dans la Grande Roumanie (1919-1939) pour oeuvrer aux côtés des Roumains à la latinisation des territoires annexés, et parvient à la signature de l‟accord culturel de mars 1939 dans l‟environnement hostile des régimes fasciste et nazi. La dernière période de 1940 à 1965 traite des aléas de ces relations : maintien difficile des OEuvres françaises durant la guerre, renouveau espéré des échanges de 1944 à 1947, jusqu‟à la dénonciation de l‟accord en 1948 par la Roumanie sous tutelle soviétique. Suit une traversée du désert qui aboutit avec peine au nouvel accord de 1965. Tout au long de cette période, la culture française s‟enrichie au contact des intellectuels et artistes roumains dont les oeuvres entrent dans le patrimoine français. L‟auteure de la thèse fait découvrir son trisaïeul roumain, le peintre Mihai Simonidi (1872-1933), à partir des archives familiales. Arrivé en France en 1892, il acquiert une certaine renommée auprès du Tout-Paris à l‟occasion de l‟Exposition Universelle de 1900 ainsi qu‟auprès de l‟élite bucarestoise. Peintre de nus, de marines et de fresques magistrales dont certaines décorent encore l‟intérieur de bâtiments bucarestois, il réalise également des portraits de célébrités françaises du monde artistique et littéraire et de politiques roumains. / This study of Franco-Rumanian cultural relations between 1878 and 1965 is the fruit of research carried out in a number of archive centres (Paris, Nantes, Bucharest and Geneva). Its objective is to understand why France, in its weakened state after the 1870 war, was nevertheless considered by the Romanian elite as its „older sister‟. The author then examines how France used its position to institutionalise its cultural propaganda in „Grand Romania‟ (1919-1939), working alongside Romanians to spread its influence to the annexed territories, and how a cultural agreement was signed in March 1939 despite the hostile environment created by the fascist and Nazi regimes. Relations were unsettled during the final period (1940 to 1965), with the struggle to retain French works of art during the war, the promising exchanges in the immediate after-war years, and the termination of the agreement in 1948 by Soviet-controlled Romania. After a barren period a new agreement was signed in 1965. Throughout the period French culture was enriched by its contact with Romanian intellectuals and artists whose works were integrated into France‟s cultural heritage. The author uses family records to tell the story of her Romanian ancestor, the artist Mihai Simonidi (1872-1933). After arriving in France in 1892, he exhibited at the Universal Exhibition of 1900 and gained a certain reputation amongst the Paris and Bucharest elite. Well-known for his nudes, marine scenes and murals, some of which can still be seen in buildings in Bucharest, he also painted the portraits of famous French artists and writers and Romanian politicians of the time.

Né en 1727 à Briançon, Jean-Antoine Morand a 14 ans lorsqu’il se lance, suite à la mort de son père, dans une carrière artistique. C’est à Lyon qu’il s’installe et fonde, en 1748, un atelier de peinture. Il reçoit des commandes officielles et privées, travaille régulièrement pour la Comédie, se spécialise dans la peinture en trompe-l’œil et la scénographie, y compris les machines de théâtre. À la fin des années 1750, encouragé par Soufflot, il se tourne vers l’architecture et l’embellissement, ainsi que l’y disposent différents aspects de sa première carrière.Architecte autodidacte, Morand souffre d’un déficit de légitimité et tente d’y remédier en recherchant la reconnaissance publique. Mais ses succès, en particulier la construction à titre privé d’un pont sur le Rhône, n’y suffisent pas. La carrière de Morand est tiraillée entre fierté entrepreneuriale et appétence institutionnelle. Son image pâtit de l’opposition entre spéculation foncière et promotion du bien public. Cela concerne en particulier son grand œuvre, un projet d’agrandissement de Lyon sur la rive gauche du Rhône, compris dans un plan général donnant à la ville la forme circulaire.Morand a peu construit et il ne subsiste presque rien de son œuvre pictural. On dispose en revanche d’un fonds d’archives privé d’une grande richesse, sur lequel s’appuie cette thèse, afin de mettre au jour les intentions, les relations et la psychologie d’un architecte autrement méconnu. / Born in 1727, Jean-Antoine Morand is 14 years old when he embraces an artistic career, following his father’s death. Having settled down in Lyon, he establishes his own painter’s workshop in 1748. Receiving public and private commissions and working for the theatre on a regular basis, he specializes in trompe l’œil painting and stage-setting, including machinery. In the late 1750s, spurred on by Soufflot, he turns to architecture and city-planning, as various aspects of his previous career could have prompted him to.As an autodidactic architect, Morand suffers from a lack of legitimacy against which he pursues public recognition. But his successes, which include the building of a privately-owned bridge across the Rhône, aren’t enough. Morand’s career is torn between entrepreneurial pride and his longing for tenure. His public image is marred by the alleged opposition between land speculation and the defense of public good. This concerns mostly his great work, a project for the extension of Lyon on the left bank of the Rhône, included in a circular general city plan.Morand hasn’t built much and very little remains of his pictorial work. This thesis is based on an extensive private archive that allows us to explore this otherwise unsung architect’s intentions, relations and psychology.