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La autonomía del arte como problemática común a la academia y al arte moderno. De la imposición de la norma a la imposición de la libertad.

Fernández Giraldo, Alejandro 04 February 2016 (has links)
En el estudio de la historia y desarrollo de las academias de arte y en el de su relación con la modernidad estética y sus diferentes tendencias, la mayoría de los autores ha centrado su análisis en dos ejes fundamentales: uno, el de las diferencias ideológicas entre el academicismo y la modernidad, y otro, el del difícil encaje de la práctica académica en las propuestas dominantes en el ámbito del arte moderno. Sin perder de vista ambos ejes, el estudio analiza desde una perspectiva histórica una tercera faceta que sólo se ha tocado tangencialmente frente a las dos previas: la relativa al peso que la academia y algunas de las teorías asociadas a ella han tenido en la configuración de diversas características del arte moderno, hasta tal punto que éste, desde sus orígenes en el Romanticismo hasta las tendencias contemporáneas, no podría entenderse en su totalidad sin su precedente. Para elevar la práctica artística al ámbito de las profesiones liberales los teóricos académicos tuvieron que valerse de criterios y argumentos que con los debidos matices se incorporarían al corpus teórico de los románticos, las vanguardias o a la modernidad tardía. Por otro lado, al superar el modelo gremial, en el que toda la actividad artística y el trato con el cliente estaban regulados por los propios artistas-artesanos, la academia potenciaría la incorporación al mundo del arte de toda una serie de mediadores que irían desde el funcionario al servicio del estado, hasta lo que más adelante, y ya fuera de su ámbito, serían los galeristas, críticos y demás promotores mediáticos. Esta situación, en la que a nivel corporativo el artista perdía el monopolio en la gestión de su oficio y entraba a depender de mediadores, no impediría la consolidación de una serie de teorías acerca de la autonomía del Arte, bien por depender éste de principios normativos universales y ajenos a todo desarrollo histórico, bien por hacerlo de la libre voluntad del artista, igualmente ajena a dicho desarrollo. Ahora bien, mientras en la academia la imposición de unas normas fue explícita en sus programas, en el arte moderno dicha imposición se ha producido de manera encubierta, infiltrándose incluso en el ámbito docente en lo que se ha dado en llamar “currículum oculto”. En ambos casos, se plantea también como cada sujeto de estudio ha adoptado usos y esquemas de funcionamiento que tradicionalmente se han considerado propios de su antagonista, demostrando así que paralelamente a la controversia entre la academia y el arte moderno, se han desarrollado también vínculos de influencia e interdependencia a los que hasta la fecha se ha prestado una atención sólo marginal.
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Cambios sociales y profesionales en las historias de vida de docentes de educación artística

Giambelluca, Vanesa 10 February 2016 (has links)
La presente investigación ofrece aportaciones en torno a los efectos de los procesos de cambios laborales en las trayectorias profesionales de docentes de Educación Plástica-Visual de nivel primario y secundario del sistema educativo argentino. Se llevaron a cabo historias de vida de dos profesores buscando localizar el relato docente en el marco contextual de procesos de cambios legislativos y disciplinares. La historia de vida, junto a la comprensión contextualizada, permite un entendimiento longitudinal de las experiencias de los docentes, convirtiéndola en una herramienta adecuada para el estudio de los procesos de cambio y restructuración educativos. Para la construcción de las historias de vida se realizaron dos estudios a priori. Uno, sobre los distintos enfoques o tendencias en Educación Artística que se han registrado en la Educación Plástica-Visual escolar argentina y su comprensión dentro del contexto internacional de cambio disciplinar. Asimismo, una aproximación teórica a los procesos de cambio legislativos ocurridos en la educación argentina en los últimos veinticinco años, particularmente en lo que respecta al área de la Educación Artística, teniendo en cuenta que los procesos de reestructuración, producto de legislación educativa, crean nuevas demandas y condiciones laborales para los trabajadores. Las dos historias que aquí se narran permiten al lector construir significados propios. No obstante, a modo de cierre, se ofrecen interpretaciones sobre las formas de aprender y situarse frente al cambio, que se infieren de las historias, conocimiento necesario para convertir a los profesores en agentes activos de futuros procesos de reforma y cambio disciplinar. / This paper contributes towards the research on the effects of labor change processes in the career paths of primary and secondary level Plastic-Visual teachers from the Argentinean educational system. We conducted the life stories of two current professors in order to capture a teacher's perspective in a contextual framework of legal and disciplinary changes. These life stories, together with the proper context, allow us to understand teachers' experiences, making it an adequate tool for this study. For the construction of these life stories, we first conducted two studies. The first one was over the approaches or trends on Argentinean Plastic-Visual education and its understanding within the international context of disciplinary change. The second one was a theoretical approach to the process of legislative change in Argentina's education over the last twenty- five years. The latter, in particular, concerned the Plastic-Visual discipline in the area of Arts Education. We took into consideration that the restructuring processes, as a product of the educational legislation, create new demands and working conditions for employees. Both stories allow the reader to reach their own interpretation, however as a conclusion, we offer our own interpretations regarding how to learn and adapt to change. We believe this knowledge is important in order to turn professors into active agents of future reforms and disciplinary changes.
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Instalaciones artísticas de interacción: el espacio de la metáfora

López Aguayo, Josefina 10 February 2016 (has links)
Con origen en la experimentación y surgidas a principios del siglo XX, las instalaciones artísticas interactivas devienen una nueva forma de expresión. Recientemente, gracias a los avances en robótica, inteligencia artificial y neurociencia, tales instalaciones alcanzan un nivel de alta sofisticación en la relación humano-máquina. Para estos espacios 'inteligentes' uso el término: Instalaciones Artísticas de interacción performática (IAI-P). Lo novedoso de estos entornos ha hecho que no hayan estudios que los analicen desde la perspectiva del agente. Con el objetivo de explorar este problema, se revisan tres teorías cognitivas relacionadas: la metáfora conceptual (Lakoff y Johnson), los esquemas imaginísticos (Johnson) y la integración conceptual (Fauconnier y Turner) usando doce IAI-P seleccionadas. Para conseguir nuestro propósito se traslada en primer lugar el significado simbólico de las instalaciones a las metáforas lingüísticas, siendo éstas analizadas a partir del modelo lakoffiano. Mostrándose un modelo útil pero insuficiente. Se mejora la explicación de los proyectos mediante la teoría de la amalgama (Blending Theory), la cual requiere la mezcla de la información contextual del presente del agente y la información de su pasado. Se pone así de relieve la compresión de algunas relaciones vitales entre los inputs de entrada con las que se construye la amalgama. Se estudian los procesos sensoriales, principalmente los procesos sensomotores, características perceptivas, procesos metafóricos, y las reacciones emocionales del agente. Conclu-yendo que: (i) las reacciones automáticas sensomotoras causadas por buena parte de las IAI-P analizadas son relevantes para los procesos de significación; (ii) estas producciones conllevan cambios sensoriales y subsecuentemente perceptivos específicos para el agente en las IAI-P. Finalmente, se propone que la Teoría de la Integración Conceptual es un modelo funcional para interpretar las operaciones cognitivas en los agentes de las IAI-P. / Interactive art installations, a novel form of expression, have their roots in experimental art forms from the first decades of the XXth century. Thanks to recent developments in robotics, artificial intelligence and neuroscience, such installations have reached a new, highly sophis-ticated level of human-machine interactions. For such 'intelligent' spaces I use the term: Performative-Interactive Art Installations (P-IAIs). Due to the relative novelty of P-IAIs, there are no studies analyzing them from the human agent's perspective so far. For this purpose, I have reviewed the utility of three related cognitive linguistics frameworks: the Conceptual Metaphor Theory (Lakoff and Johnson), image schemas (Johnson) and the Conceptual Integration (Blending) Theory (Fauconnier and Turner) using twelve P-IAIs. The symbolic meanings of the analyzed P-IAIs have been converted into linguistics metaphors using Lakoffian models, which has turned out to be a useful but incomplete approach. The understanding of P-IAIs was subsequently improved by using tools from the Blending Theory (BT). BT combines present and the past contextual information of the agent, highlighting compression of vital relationships between these input mental spaces and producing so called blend. The study analyzes agent's sensorial processes (in particular: sensorimotor), perception, metaphor processing and emotional responses. The main results are: (i) automatic sensorimotor reactions invoked by the relevant subset of analyzed P-IAIs are important for understanding the implications of such P-IAIs; (ii) such installations induce sensorial and subsequent perceptive changes within the agent specific to P-IAIs. Finally, I propose that the Conceptual Integration Theory is an useful tool for interpreting agent's cognitive responses to IAI-P.
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La ensayística musicológica de Alejo Carpentier: Eufónica vía a una poética de la novela

Garí Barceló, Bernat 29 May 2015 (has links)
La proliferación de escritos teóricos e investigaciones en torno la figura de Alejo Carpentier y su novelística se hizo hecho notorio a lo largo de los años 80 e inicios de los años 90. No obstante, y tras un aplacamiento de la fiebre carpenteriana en los últimos años del siglo pasado, cabe apuntar que resulta pobre y exiguo el número de acercamientos de tipo interdisciplinario que se han practicado para con la ensayística de índole musicológica del autor. Con el presente proyecto procedemos, por un lado, a diseccionar, analizar y presentar el ensayo musicológico de Alejo Carpentier, cuya importancia, como una significativa parte de la ensayística general del autor cubano, ha sido devaluada por los integrantes del aparato crítico; y a examinar, por otro lado, cómo el ensayo musicológico sirve al autor como teoría programática para la consolidación de su novelística ulterior. Procederemos, asimismo, a un ejercicio de intertextualidad relacionando La Música en Cuba, Tristán e Isolda en Tierra Firme, Del folklorismo musical, América Latina en su música y Los orígenes de la música y la música primitiva con variadas novelas de Carpentier donde también se desarrollan y se hermanan los conceptos de música, transculturación, aculturación y nacionalismo, entre otros. / The popularization of essays and theories that deal with Carpentier took place throughout the 80's and early 90's. However, after a smooth fever about Carpentier in the recent years of the last century, the number of such interdisciplinary approaches, which have already been made to the musical essays of the author, is, by far, poor and meagre. With this project we proceed, on the one hand, to dissect, analyze and present Carpentier’s musical essays, the importance of which, as a significant part of the general essays by the Cuban author, has so far devalued by the members of the critical apparatus; and to examine, on the other hand, how the musical essay is used by the author as a programmatical theory for the consolidation of his subsequent narrative. We will also proceed to an exercise in intertextuality linking La música en Cuba, Tristán e Isolda en Tierra Firme, Del folklorismo musical, América Latina en su música and Los orígenes de la música y la música primitiva with various other novels by Carpentier, which also develop and connect concepts such as music, transculturation, acculturation and nationalism, among others.
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Una travesía de las emociones al afecto en las prácticas del poliamor. O lo que las palabras callaban sobre el cuerpo

Enciso Domínguez, Giazú 03 December 2015 (has links)
La tesis titulada “Una travesía de la emociones al afecto en las prácticas de Poliamor. O lo que las palabras callaban sobre el cuerpo”, explora la relación entre la Psicología Social y los Estudios del Afecto, en un escenario muy concreto como son las prácticas de poliamor en Catalunya. Para tal efecto la tesis incluye un primer grupo de cuatro textos publicados, que introducen a las futuras lectoras al Giro Afectivo, sus orígenes y relaciones con otras matrices de producción de conocimiento. En una segunda parte de la tesis la lectora encontrará dos capítulos más en los cuales en base al marco teórico presentado, se analizan datos extraídos de un proceso de tipo etnográfico para mostrar dos posibles líneas de conexión entre los Estudios del Afecto y la Psicología Social. La autora realiza tres propuestas concretas: la transición de la monogamia al poliamor entendido como un proceso afectivo liminal; el desarrollo de un proceso analítico al que la autora ha denominado Palabras Carnales, esto es, un análisis de las palabras centrado en las relaciones materiales que tienen lugar en el cuerpo de las personas que practican el poliamor y la identificación de un proceso denominado Domesticación del afecto entendido como el adiestramiento del cuerpo en concordancia con el proyecto político del poliamor. Finalmente este trabajo también reconoce la ausencia de estudios del poliamor centrados en los procesos corpóreos e inicia el camino para cubrir dicha ausencia. / The thesis entitled "A journey from emotions to affect on Polyamory practices. Or what words were silent about the body", explores the relationship between Social Psychology and Affect Studies, in a very specific practices such as Polyamory in Catalunya. To this end, the thesis includes a first group of four published papers that introduce readers to the so called Affective Turn, its origins and relations with other matrices production of knowledge. In a second part of the thesis the reader will find two chapters based on the presented theoretical framework and the data from the ethnographic process, in order to display two possible lines of connection between the Studies of Affect and Social Psychology. The author makes three specific proposals: the transition of monogamy to polyamory understood as a Liminal Affective Process; the development of an analytical process to which the author has called Flesh Words, this is, an analysis of words focused on the material relationships that occur in the body of people who practice polyamory and the identifying of a process called Taming of Affect treated as the training of the body in accordance with the political project of polyamory. Finally this paper acknowledges the lack of studies focusing on bodily processes of polyamory and starts the road to cover this absence.
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Transversalitat i globalització de la cultura popular en la producció pictòrica contemporània (1990-2014)

Font i Company, Josep Enric 25 November 2015 (has links)
Aquesta investigació pretén mostrar la transversalitat existent entre la cultura visual popular i la pintura contemporània. Analitza l’obra dels artistes, aporta evidències iconogràfiques i identifica les fonts, posant de manifest la inserció d’imatges de diferents àmbits d’una cultura popular i global. Alhora, la recerca permet veure que la pintura es realitza en un concepte expandit, fent difosa la frontera entre el que considerem els circuits tradicionals del high art i nous àmbits per a la imatge pictòrica. Això facilita visualitzar l’existència d’un artista pintor tot-terreny que treballa en la creació d’imatges bidimensionals travessant disciplines i circuits expositius sense prejudicis. La investigació comprèn una primera part, d’aproximació més teòrica, analitzant les interaccions, transferències iconogràfiques i expansions espacials de la pintura; aquesta ens condueix a una segona part, més pràctica i visual, amb l’estudi de cas de quatre artistes: Judas Arrieta, Enric Font, Sergio Mora i Santiago Morilla, evidenciant les insercions i els processos de transferència en la seva producció. / This research intends to demonstrate the transversal interferences existing between popular visual culture and contemporary painting. It analyses the work of the artists, with reference to iconographic evidence and identifies sources, showing the insertion of images from different fields of both popular and global cultures. At the same time, the research presents evidence how painting is realizing in a now expanded concept, blurring the borders between what we consider the traditional circuits of high art, and new fields for a pictorial image. This allows for the existence of an artist/painter who creates two-dimensional images that cross disciplines and exhibition circumstances without prejudice. This research comprises a first part, with a more theoretical approach, analyzing processes, iconographic transfers and space expansions in painting. This leads us to a second part, more practical and visual, with the case of study of four artists: Judas Arrieta, Enric Font, Sergio Mora and Santiago Morilla, showing evidence of the insertion and the process of transfer in their production.
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Pervivencia de la pintura abstracta en Mallorca en la posmodernidad. Las generaciones de los 50 – 60 y las nuevas generaciones

Bauzá March, Mateo 11 February 2016 (has links)
El primer límite en que situamos nuestro trabajo es de orden geográfico (y por extensión, de tipo cultural). Hunde sus raíces en la isla de Mallorca. Nuestro interés, por ello, parte de un conocimiento directo de este contexto, tanto de sus instituciones como de sus mecanismos culturales, sin dejar de lado su sistema de galerías. En el ejercicio del trabajo artístico y creativo radicado en la isla de Mallorca, si nos centramos en la pintura, podemos encontrar un grupo heterogéneo y activo de artistas, que, de forma rigurosa y profesional vienen dedicándose con asiduidad a la práctica de la pintura abstracta. Nacidos en las décadas de los años cincuenta y sesenta (con algunos antecedentes previos) y a los que han ido añadiéndose nuevas generaciones, sus autores desarrollan su trabajo en el taller y hacen pública su actividad en exposiciones en una continuidad que se extiende desde los años setenta hasta la actualidad. Su relevancia crítica puede rastrearse principalmente en la prensa de las Islas Baleares, en un contexto local. El estudio de investigación que presentamos engloba también a artistas foráneos, mayores en edad, venidos de Estados Unidos, Inglaterra o Argentina y que han ocupado un lugar relevante en el desarrollo de la plástica abstracta de la isla durante el periodo mencionado. La primera idea del estudio que nos proponemos se gestó con motivo de la exposición de pintura de la Conselleria de Cultura del Govern Balear que, bajo el título de Abstraccions (Pintura no figurativa a les Illes Balears), se realizó en la La Lonja de Palma de Mallorca (un edificio emblemático de la ciudad) durante los meses de Septiembre y Octubre del año 1996. Incluía una amplia nómina de artistas cuyo número total era de cincuenta y siete pintores, todos relacionados con la pintura abstracta. Estudiamos este grupo de artistas porque su trabajo se encuentra en muchas ocasiones oscurecido, sobre todo, por pertenecer a una rama del arte que no exhibe características de moda o actualidad. Tratamos de reafirmar la vitalidad de esta tendencia, a la que estos pintores se entregan desde el ejercicio individual, conocedores todos ellos de las corrientes actuales. La práctica de la pintura de taller exige unas cualidades de dedicación lenta que no se prodiga demasiado en la posmodernidad. El hecho de que sigan practicando la pintura, y el respeto personal hacia ellos así como la creencia en la validez artística de su trabajo, me han animado así mismo a realizar este estudio. Su elección se justifica también por el buen nivel plástico reconocido de las obras de estos artistas, motivo que les hace merecedores de un estudio que ofrezca un testimonio conjunto de su actividad, ya que todos ellos continúan trabajando en lo que creen: La práctica de la pintura abstracta, independientemente del hecho que ésta no pertenezca demasiado al discurso principal establecido por una crítica centrada principalmente en otras cuestiones (tales como el cuerpo, el lenguaje, la performance, la instalación, las cuestiones de sexo e identidad, el arte del tercer mundo y el arte dirigido a aspectos sociológicos diversos). Son asimismo válidos por la necesidad de inclusión de estas prácticas pictóricas en nuestra cultura y sociedad, por su interés por preservar la legitimidad de la identidad artística en una sociedad de masas, con la total ubicuidad de los media como agentes de transformación del pensamiento y conducta del hombre actual, por su interés en la necesaria coexistencia y dialéctica del mundo de las nuevas tecnologías y soportes electrónicos en lugar del soporte tradicional de la técnica de la pintura. Existe, por todo ello, una necesidad de definir y acotar el ejercicio de la pintura abstracta en los años en que el mundo ha sufrido grandes transformaciones -el mundo de la globalización- y ello ha afectado las características tanto del artista como de la recepción y presentación de la obra de arte. Y, finalmente, nos sigue interesando el estudio de la existencia de proyectos artísticos específicos concretos que siguen valorando la abstracción como medio expresivo.
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Estrategias objetuales al margen de la representación. Hacia una experiencia artística emancipada y expandida

Bisbe de la Fuente, Luis 29 January 2016 (has links)
Este trabajo se articula en torno a las posibilidades de la «presentación» en contraposición a la «re-presentación» en el ámbito artístico. Prestando atención al exceso de mediatización que se padece en todos los ámbitos, se dibuja, en primer lugar, un panorama general de la experiencia del mundo, para ir estrechando el punto de vista sobre el arte y sobre el sujeto, así como sobre el contexto en el que el individuo se encuentra con la obra de arte. Se describe lo que se viene a llamar crisis de la representación para indicar un nuevo y viejo camino a través del cual la “presentación” se abre paso. En sus líneas fundamentales, este trabajo analiza aspectos y estrategias dentro de la misma presentación, que tienen por objeto poner en duda la estabilidad aparente del edificio de la cultura, entrelazando obras de artistas a nivel internacional, a partir de los conceptos que de ellas emanan con aportaciones de interés a este ámbito de estudio. Se traza un recorrido de actuaciones en la configuración del hecho artístico a partir de la propia práctica artística del autor, que va desde la perturbación de la presentación a la presentación de la perturbación, para acabar valorando la capacidad de artistizar la mirada y cuestionar de ese modo el sistema jerárquico de legitimación del arte, a la vez que se aporta una nueva categoría experimental que he denominado «proto-arte», que revindica una concepción del arte más plural, expansiva y emancipadora.
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Formas latentes: protocolos de visión artificial para la detección de analogías aplicados a la catalogación y creación artísticas

Rosado Rodrigo, Pilar 13 July 2015 (has links)
Del mismo modo que Maria Zambrano (1989), esta tesis considera que la pintura “es un lugar privilegiado donde detener la mirada” (p. 11). La pintura relaciona al hombre con lo que le rodea. La autora no se posiciona ante ella como teórica del arte, ni como crítica, sino como creadora. Zambrano nos explica que sólo es posible la creación para el que sabe mirar, poniendo especial atención en las sombras “para desvelar el enigma que encierra la pintura” (p. 12). Nos habla de ver desde dentro tras haber mirado el cuadro desde fuera. El presente trabajo de investigación se aproxima a las imágenes digitales de obras de arte desde el interior, valiéndose de protocolos de visión artificial. Frecuentemente la creatividad es acumulativa; suma, enriquece un ámbito de trabajo. A menudo el creador se siente extraño en su dominio, se cuestiona las tradiciones y se sumerge en las nuevas posibilidades que le proporcionan las técnicas, la mezcla de disciplinas. El artista y la necesidad de innovar a lo largo de la historia son una constante y así las revoluciones tecnológicas han comportado cambios en la representación de la realidad. Muchos artistas han sido capaces de utilizar en su favor los nuevos avances de su época; la perspectiva, los estudios de las propiedades de la luz y del color, la fotografía, el cine, el vídeo, la web, etc. Si en el año 1990 fue el proyecto Genoma, en el 2013 se han iniciado investigaciones multi­millonarias transcendentales para el estudio del cerebro humano. Por un lado, desde Esta­dos Unidos, el proyecto BRAIN (Brain Research through Advancing Innovative Neurotech­nologies) pretende hacer un mapa de cada neurona del cerebro humano y por otro lado,desde la Unión europea, arranca el proyecto HBP (Human Brain Project) que tienen como objetivo simular el cerebro a través de supercomputadores. Es seguro que en las próximas décadas la inteligencia artificial será fundamental y a su vez una fuente inestimable de nue­vas herramientas destinadas a la extracción y producción automática de conocimiento, de las cuales los artistas se podrán beneficiar. La visión por computador o visión artificial es un subcampo de la Inteligencia Artificial cuyo objetivo es programar a un ordenador para que “entienda” o “interprete” una escena o las características de una imagen. En este ámbito concreto, los investigadores se enfrentan a dos grandes problemas: en primer lugar a las limitaciones que supone registrar las carac­terísticas de las imágenes en un código abstracto, en segundo lugar a la dificultad de ela­borar interpretaciones a partir de este código generado. Para superar estos inconvenientes se han creado multitud de metodologías y se evalúan sus rendimientos. El objetivo de esta tesis es desarrollar un programa informático que implemente algoritmos de visión por computador que permitan, de manera automática, buscar analogías formales en grandes colecciones de imágenes de obras de artista abstractas, basadas únicamente en su contenido visual y sin poyo de anotación textual alguna. De esta manera se espera obtener una herramienta de utilidad tanto en la producción artística como en el análisis de obras de arte. En el capítulo 1, tras presentar las motivaciones personales que mueven este proyecto, se ponen de manifiesto las enormes diferencias que existen entre el lenguaje visual y el len­guaje verbal o textual; tanto a nivel de lectura como de interpretación, y la importancia que tendría la posibilidad de “dar voz a las imágenes” accediendo directamente a su contenido visual, sin el auxilio de textos y contextos. Se presentan como antecedentes del análisis de las formas, por un lado a D’Arcy Went­worth desde la biología, como estudioso de la descripción de la forma en términos físico-matemáticos, y por otro lado, desde la psicología, al estructuralismo y la Gestalt como precedentes de estudio de la sintaxis visual y el problema del significado contenido en las artes visuales; cómo y qué comunican las artes. El objeto de estudio de esta tesis son colecciones de obras de arte abstractas y se apela a la mirada del artista como recolector y productor de formas y analogías de sentido a partir de su entorno, utilizando principios estadísticos desde el momento en que observa la di­versidad, la procesa y abstrae el modelo que considera significativo. En cuanto a la interpretación del arte, al discurso que puede desprenderse del análisis de sus colecciones, se recuerda el intento visionario de Aby Warburg que, con su Atlas Mne­mosyne, ya intentó construir una memoria de la civilización europea en función únicamen­te del contenido de sus imágenes, sin apenas relato de apoyo. En este mismo capítulo se realiza un recorrido para situar la utilización en la actualidad de las metodologías de visión artificial en el análisis de obras de arte, precisando su profuso empleo en tareas de autentificación o para descubrir los métodos y herramientas utiliza­das en la historia de la pintura. En un apartado concreto se especifican los antecedentes de aplicación de estas técnicas en la clasificación de imágenes de artistas, algunos con la intención de categorizar estilos pictóricos, pero todos ellos aplicando métodos de apren­dizaje automático que requieren una clasificación previa realizada por expertos. Las novedades que aporta nuestro planteamiento en este contexto serían; por un lado la búsqueda de formas latentes en colecciones de arte abstracto, y por otro, la aplicación de un método totalmente automático que no requiere intervención previa de nadie para es­tablecer la taxonomía visual. Se anticipa el hecho de que la aplicación de la metodología objeto de estudio en la presente tesis para el análisis de arte abstracto es novedosa ya que no se encuentran antecedentes y únicamente se ha puesto a prueba en la clasificación de escenas naturales (fotografías de paisajes, escenas de interior, paisajes urbanos, detección de objetos). En estos contextos se han obtenido excelentes resultados que animan a la extensión de su uso. En nuestra hipótesis se presupone que en una colección de obras de artista abstractas existen constantes visuales, correlaciones formales que son susceptibles de ser calculadas mediante estas técnicas de visión por computador. La imagen como superficie de significado es explorada por la mirada artificial y el sentido viene dado por criterios matemáticos de similitud. En el capítulo 2 se explica exhaustivamente la metodología con el apoyo de los Anexos A y B, en los que se incluyen la formulación matemática y la terminología más empleada, respectivamente. Se explora un modelo concreto de descripción de imágenes utilizado en visión artificial cuyo enfoque consiste en colocar una malla regular de puntos de interés en la imagen y seleccionar alrededor de cada uno de sus nodos una región de píxeles para la que se calcula un descriptor invariante a la transformación de la imagen, que tiene en cuenta los gradientes de grises encontrados. Analizando las distancias entre el conjunto de descrip­tores de toda la colección de imágenes, se pueden agrupar en función de su similitud y estos grupos resultantes pasarán a determinar lo que llamamos palabras visuales. El total de palabras visuales de una colección de imágenes genera un vocabulario visual concreto del conjunto. El método se denomina Bag-of-Words (BoW, bolsa de palabras) porque re­presenta una imagen como una colección desordenada de características visuales locales . Se detalla la implementación de una nueva descripción de las características de la imagen que sí tiene en cuenta la distribución espacial, y posteriormente se explica cómo, una vez construido el vocabulario visual de la colección de imágenes, es posible obtener un nivel más de información utilizando modelos estadísticos que son capaces de discriminar patro­nes de distribución entre estas palabras. En este mismo capítulo se explican también en detalle otro tipo de descriptores que se han utilizado en la tesis para obtener unos resultados comparativos; los descriptores de textura de Haralick. En el capítulo 3, en primer lugar se pormenorizan los cuatro algoritmos desarrollados en la presente tesis: el de categorización supervisada, el de categorización no supervisada, el de agrupación basado en descriptores de textura de Haralick y el de cálculo de la distancia de Bhattacharyya. El uso de estas herramientas puede hacerse extensivo en el futuro al estudio de otras colecciones de obras de arte: proporcionando un punto de vista auxiliar, ampliando y facilitando las relaciones que se establecen entre obras de un mismo artista y diferentes periodos, y entre artistas de diferentes épocas. En segundo lugar, en el capítulo 3 del presente estudio se comentan las particularidades de los resultados obtenidos al aplicar los algoritmos informáticos en las colecciones de obras de arte a las que se ha tenido acceso en la tesis. Los tres experimentos que se han realizado en el presente estudio han sido: primero, un análisis sobre la colección de 2846 imágenes fotográficas que el artista Miquel Planas utiliza como fondo de ideación artística en el que, en primera instancia se etiquetó manualmente el conjunto de datos para entre­nar al sistema y así poder predecir la clasificación de imágenes problema; después, sobre la misma colección de imágenes, un estudio de clasificación totalmente automática en la que el sistema es capaz por si solo de detectar las categorías formales existentes; y por último se detallan los resultados de aplicar esta última metodología sobre la colección de 434 imágenes digitalizadas de pintura y obra gráfica (gran parte perteneciente a libros de artista) de Antoni Tàpies que posee su Fundación en Barcelona (Tàpies, 2001). El paso de imagen fotográfica a imagen de obra pictórica supone un nuevo grado de complejidad para el sistema dado que ya no se trata de imágenes extraídas directamente de la reali­dad en la que las palabras visuales se corresponden con elementos naturales como agua, piedras o cielo, sino que son construcciones del artista, lo que supone un reto mayor de categorización. En este capítulo también se especifican los resultados de aplicar métodos basados en distancias matemáticas entre imágenes en la colección de Tàpies y con ellos se dibuja un dendograma de toda la colección que resulta muy informativo acerca de las relaciones formales que se establecen entre grupos de imágenes y sobre su grado de similitud. Para finalizar se muestran y se comentan las agrupaciones obtenidas en base a los descriptores de textura de Haralick y se comparan con los resultados previos hallados con los descriptores invariantes a la transformación de la imagen. Finalmente en el capítulo 4 se describen y discuten las aportaciones y conclusiones de la tesis y se realizan propuestas para futuras aplicaciones. / This thesis supports María Zambrano’s notion that the world within a painting is “a special place to stop and stare”. Painting relates people to the world around them and Zambrano understood this from the point of view of the creator rather than the scholar or critic. To create, she argued, you need to be able to look; and to look, you need to pay special attention to the shadows, which is where we “unveil the enigma that is closed inside painting”. Zambrano talked about seeing paintings “from the inside” after looking at them from outside.By using computer vision techniques to study the digitised images of large painting collec­tions, the present study could also be said to examine paintings from the inside. Creation is often informed by accretion. Things come together and a line of activity is gradually embellished. But when the line becomes too narrow for comfort, the creator questions traditional practices and finds new techniques and hybrid disciplines. Throughout history, creating art and being innovative have been inseparable and this is why revolutions in technology are closely tied to our changing representation of reality. Many artists have found their own uses for technological innovation, whether borrowing from the advances in the early study of perspective, from the periods in history when light and colour were researched or from the advent of photography, film, video and the Internet. If 1990 was the year of the Human Genome Project, 2013 will be remembered for the US launch of the billion-dollar BRAIN Initiative (Brain Research through Advancing Innovative Neurotechnologies), which eventually hopes to map every neuron in the human brain, and the beginning of the EU’s equally costly Human Brain Project, which is creating new IT plat­forms in the field of brain simulation. In the decades to come, R&D in artificial intelligence is likely to generate a wide array of applications to extract and produce knowledge, which artists will be able to turn to their favour. A particularly important area of development will be computer vision, a subfield of artificial intelligence which programs computers to “understand” or “interpret” the content of a given scene or feature-rich image. Computer vision research currently faces two key issues: the limitations involved in recording the features of a given image in an abstract code and the difficulty of then interpreting the codes. The various models that have been developed and tested to negotiate these problems are regularly discussed and assessed in the literature. The objective of this thesis is to develop a series of computer vision programs to search for analogies in large datasets—in this case, collections of images of abstract paintings—based solely on their visual content without textual annotation. In this way, the researchers hope to develop a tool both for producing and analysing works of art. Chapter 1 begins by outlining the personal reasons why this research was undertaken and describes the major differences between visual language and verbal or textual language,evidenced by how we read and interpret each. It discusses the value to be derived from “letting images speak for themselves” and having direct access to the visual content of ab­stract paintings without textual annotation or contexts. It discusses antecedents in the history of the study of visual patterns, citing biologist D’Arcy Wentworth Thompson (who used physics and mathematics to study pattern-formation in the natural world), the visual syntax practised by structuralism and gestalt psychologies (which organise the elements in images into various groups), and the subject of how meaning is contained and expressed in the visual arts today. The researchers then describe the basic material this thesis uses—large collections or data­sets of images of abstract paintings—and proposes that in abstract art the painter’s eye becomes the eye of a gatherer and producer of patterns and analogies culled from that person’s immediate environment. It argues that artists use essentially statistical principles from the moment they observe diversity to the time they process and finally abstract this into models they consider meaningful. About how art is interpreted and the discourse that emerges from the analysis of art collec­tions, the researchers recall the visionary attempt by Aby Warburg’s Bilderatlas Mnemosyneto reconstruct an account of European civilisation almost solely on the basis of pictures and photographs, with hardly any recourse to textual annotation. Chapter 1 also observes that computer vision has already been employed to examine works of art, whether in the extensive use of fractal analysis in authentication studies or in the computer vision algorithms that help researchers study painters’ methods and tools in different periods of art history. One section describes the use of these techniques to clas­sify artists’ paintings, for example to group paintings by pictorial style, in all cases applying machine learning techniques to a prior classification performed by art experts. As the researchers then explain, this thesis finds two new uses for computer vision techniques in art. First, it proposes that computer vision can help detect latent patterns in collections of abstract paintings; second, the method it develops to establish a visual taxonomy is totally automated and requires no previous intervention. The researchers argue that this application is novel and that, to date, any similar research has been limited to natural scene classification (with photographs of landscapes, interiors, cityscapes) and object detection.But the excellent results in these areas have encouraged the present study, whose premise is the following: any collection of abstract art will contain visual constants and formal correlations that can be computed with computer vision techniques, and these can incorporate mathematical similarity to explore an abstract painting as a surface of meaning. Chapter 2 provides a thorough account of the research methodology and is supported by appendices A and B, which describe the most important mathematical formulae and termi­nology, respectively. This chapter studies a specific model for describing pictures with computer vision. This consists in positioning a regular mesh of interest points in the image and selecting, around each mesh node, a region of pixels to be assigned a descriptor that remains invariant under different transformations and anticipates grayscale. By analysing the distances between the set of descriptors across the entire image collection, images can be grouped by similarity and groups can determine what we call ‘visual words’, meaning the arrays of pixels within an image that would correspond to the words within a text. The total number of visual words in a collection of images generates a visual vocabulary specific to that collection.In the literature, this is referred to as the Bag-of-Words model (hereafter, BoW) because it ignores spatial relationships and simply represents the image as a disordered bag of local visual features. Next, the chapter describes the implementation of a new description of the features of the image that captures spatial information. It explains how, once the visual vocabulary of the collection of images has been constructed, another level of information can be obtained using statistical models which discriminate distribution patterns between the visual words. Finally, this chapter also reports on the use of Haralick’s texture descriptor to obtain comparative results. Chapter 3 starts by presenting the four algorithms developed in this thesis: the algorithm for supervised classification, the algorithm for unsupervised classification, the algorithm based on Haralick’s texture descriptor and the algorithm for calculating Bhattacharyya‘s distance. In future studies of other art collections, the use of these instruments may become more widespread, providing a helpful point of view, broadening and facilitating the asso­ciations established between the works of the same artist in different periods or between different artists and periods. Chapter 3 then considers the results obtained by applying the algorithms to specific art col­lections. Three experiments were performed. First, the researchers analysed a set of 2846 photographs used by the artist Miquel Planas as a basis for artistic ideation, manually labelling the dataset to train the system to predict the classification of problematic images. Second, the same collection of images was subjected to a totally automated classification study in which the system autonomously detected the existing formal categories. Third, this same procedure was applied to a collection of 434 digitised images, mainly art book reproduc­tions, of paintings and graphic works by Antoni Tàpies that belonged to the Tàpies Foundation in Barcelona (Tàpies, 2001). In this third experiment, the progression from photographs (Planas) to abstract paintings (Tàpies) Involved a new and complex challenge, given that the system had to classify images whose visual words (pixel arrays) did not identify natural features of the real world (‘water’, ‘stones’, ‘sky’) but rather the artist’s abstract constructions. This chapter also reports on the results of applying methods based on mathematical distances between images in the Tàpies collection and draws a dendogram of all the collec­tion. This provides valuable insight on the formal relationships between groups of images and their degree of similarity. Chapter 3 concludes by analysing the groupings obtained with Haralick’s texture descriptor compared with the prior findings obtained with descriptors that remained invariant under different transformations. Finally, Chapter 4 discusses the contribution made by this study, draws conclusions and proposes future applications.
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Salir del campo rom. Estrategias desde abajo y planificación institucional en la ciudad de Turín

Vergnano, Cecilia 10 December 2015 (has links)
Con “campos rom” se hace referencia, en Italia, a los asentamientos informales de barracas, situados en los márgenes de la ciudad y poblados por habitantes étnicamente connotados como rom, pero también a aquellas áreas urbanas formalmente construidas por las propias administraciones locales específicamente destinadas a las poblaciones romaníes, asimismo ubicadas en zonas urbanas periféricas de escaso valor en el mercado inmobiliario. La institución de tales asentamientos ha producido una ulterior marginalización de sus habitantes y una serie de conflictos urbanos. Una vez constatado el sustancial fracaso de la política de los campos se ha hecho necesario inaugurar una nueva fase política de “superación” de los mismos. En el presente trabajo, enfocado en la ciudad de Turín, se analizan diferentes procesos de “superación”. Se exploran los significados, representaciones, estrategias relacionadas a la salida de un campo oficial por parte de una familia amplia y los significados, representaciones, discursos y prácticas asociados a la “superación” de asentamientos informales por parte de los actores de la gobernanza urbana: de los proyectos de regeneración urbanística y los proyectos de intervención social a los desalojos. En concreto, se analizan tres diferentes casos: - el del campo autorizado de la vía Germagnano, poblado por familias koraxané de origen bosnio, en cuyo vacío de gestión se injertan otras formas de gestión informales, produciendo conflictos incluso violentos, la expulsión de familias legítimamente beneficiarias de una vivienda al interior del campo y la apropiación del espacio por parte de familias nuevas, sin intervenciones por parte de la autoridad pública encargada de gestionar la asignación de las viviendas. Paralelamente, se sigue la transición de una da las familias expulsadas hacia su nueva residencia en otro terreno, adquirido en régimen de propiedad, a los márgenes de la ciudad. - el del pogromo de la Continassa, con sus repercusiones en la aceleración de los procesos de regeneración urbana en la zona y el desalojo de las familias victimas del pogromo. - el proyecto institucional de realojamiento / desalojo de las familias del más grande asentamiento informal de la ciudad, el de Lungo Stura Lazio. De esta forma, se exploran las estrategias adoptadas por un grupo de habitantes del campo de vía Germagnano para salir del mismo, y las estrategias adoptadas por las autoridades locales para desmantelar algunos asentamientos informales. Se compara de esta forma los distintos significados asociados al concepto de “superación” por los diferentes stakeholders. Se desentraña de esta forma el complejo enredo de intereses ligados al consenso electoral, el valor del suelo y el mantenimiento del trabajo del tercer sector que alimentan el antigitansimo institucional o “racismo democrático”. Se evidencia el complejo conjunto de significado asociados al campo por parte de sus habitantes, revelando su carácter ambivalente de límite y recurso a la vez, reflejado por los procesos bidireccinales de entrada-salida del mismo. También se evidencia la corta visión de las políticas de desalojo o realojamiento. Tanto en el ámbito de la vivienda como en el del mercado laboral, las respuestas de las administraciones parecen consistir en la marginalización y precarización de aquellos sujetos ya marginales y precarios que deberían ser los objetos de las políticas públicas. Más o menos conocidos, invisibilizados o instrumentalizados, los barrios de barracas tienen como punto en común el hecho de ser alimentados y creados por las mismas políticas que pretenden reabsorberlos. De hecho la perspectiva espacial resulta particularmente útil para entender este tipo de dinámica: estos diferentes procesos de transición, de desalojo, de desplazamiento, de realojamiento no hacen sino desplazar el problema sin solucionarlo; acentúan el problema mismo que pretenden resolver, precarizan sin realojar. / In Italy the expression “Rom camps” is used to refer both to informal settlements like slums and shantytowns and to urban areas formally built by local administrations, specifically inhabited by groups ethnically defined as Roma and situated in peripheral and low-value areas. The official institution of these settlements caused the growing marginalization of its dwellers and a series of urban conflicts. Once national authorities recognized the substantial failure of segregation policies, a new political phase – focused on “overcome” the camps issue – has been declared. This work analyses the meanings, representations and strategies connected with the resettlement of an extended family in the city of Turin and the meanings, representations and strategies of the actors of the urban governance aimed at “overcoming” the Roma issue: from projects of urban renewal to rehousing projects and evictions.

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