Made available in DSpace on 2016-06-02T20:23:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 3236.pdf: 10667295 bytes, checksum: 4577e702fe0c4a20dd47793beb779bec (MD5) Previous issue date: 2010-08-02 / The motion picture cameras have changed through the years. However, they have kept their main design which has not changed during this period. One of the goals of this text is to understand how that design was created, and also the changes it has suffered without losing its essence. Besides that, this text aims to understand how different cameras connected with the Brazilian cinema production in the fifties and sixties. A change on camera s use is noticeable in that period in Brazil. There is a change in appreciation from the more traditional cameras linked to the studio system to the European cameras developed in the thirties and forties, which were lighter and more portable. This issue coincides with a specific characteristic in Brazilian cinema at that time, when people started to believe in the independent cinema production as an answer to the studio system, which was the main thought until then. In order to show this entire context, it has been chosen the Vera Cruz and Cinema Novo, their movies and shootings, to confront and connect them to camera models and their relation to the mode of production / As câmeras cinematográficas passaram por mudanças ao longo dos anos. Porém, manteve um design que se perpetuou durante este período. Um dos objetivos do presente trabalho é entender como este design foi criado, e as variações pelas quais ele passou, sem perder a sua essência. Em paralelo a isso, entender como estas diferentes câmeras travaram relação com a produção do cinema brasileiro dos anos 1950 e 1960. É nesta época que se observa no país uma troca de postura em relação às câmeras. Passa-se de uma valorização das câmeras mais tradicionais, ligadas ao sistema de estúdio, à valorização das câmeras européias criadas no anos 1930 e 1940, que eram mais leves e portáteis. Isso coincide com um momento específico do cinema brasileiro, aquele em que se passa a crer numa solução de cinema independente como resposta ao cinema de estúdio, que era o pensamento majoritário até então. Para ilustrar todo este contexto, escolhemos a Vera Cruz e o Cinema Novo, seus filmes e filmagens, para relacioná-los e confrontá-los em relação aos tipos de câmeras e sua relação ao modo de produção.

Made available in DSpace on 2015-09-17T15:25:57Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-04-07. Added 1 bitstream(s) on 2015-09-17T15:46:20Z : No. of bitstreams: 1 000846836.pdf: 961246 bytes, checksum: 8e48b175763d5b8a1adf21b5431303a3 (MD5) / Os contos populares têm por natureza a capacidade de se propagarem no tempo e no espaço. Desde as épocas mais remotas as civilizações mais distantes compartilhavam as mesmas histórias com algumas modificações que geralmente diziam respeito ao contexto em que viviam. Com base no princípio de que esses contos tendem a se perpetuar na história, estudaremos quatro versões do conto que hoje é conhecido como A bela adormecida, são elas: Sol, Lua e Tália, de Giambattista Basile; A bela adormecida no bosque, de Charles Perrault; A bela adormecida, dos irmãos Grimm; e, por fim, sua adaptação cinematográfica, A bela adormecida, de Walt Disney. Para tal, propõe-se um panorama histórico do gênero conto (especialmente do conto maravilhoso) e também do cinema de animação, pois acredita-se que o contexto histórico foi determinante para a concepção das obras. São feitos também apontamentos teóricos sobre as duas linguagens, ressaltando os aspectos que contribuirão para a análise das narrativas literárias e fílmica. Pretende-se, portanto, evidenciar as mudanças ocorridas no decorrer das diversas publicações em relação às instâncias narrativas, ao enredo e também quanto à tradução das obras literárias para a narrativa cinematográfica / Los cuentos populares se difunden en el tiempo y en el espacio. Desde los tiempos más remotos, las civilizaciones más distantes comparten las mismas historias con algunas modificaciones que generalmente dicen respecto al contexto en que vivían. Fundamentado en el principio de que estos cuentos tienden a perpetuarse en la historia, estudiaremos cuatro versiones actualmente conocidas como La Bella Durmiente, siendo ellas: Sol, Luna y Talia, de Giambattista Basile; La bella durmiente en el bosque, de Charles Perrault; La Bella Durmiente, de los hermanos Grimm; y, finalmente, la adaptación al cine, La Bella Durmiente, de Walt Disney. Para este fin, proponemos un panorama histórico sobre el género cuento (en especial el cuento maravilloso) y también sobre el cine de animación, una vez que el contexto histórico fue fundamental para la concepción de las obras. También haremos apuntes teóricos sobre los dos lenguajes, destacándose los aspectos que contribuirán para el análisis de las narrativas. Con eso, pretendemos demostrar los cambios relativos a las instancias narrativas literarias y fílmica, al enredo y también a aquellos ocurridos en la traducción de las obras literarias para la narrativa cinematográfica

Acompanha: Guia didático: cine animação na escola / Este trabalho apresenta a análise e os resultados de um estudo desenvolvido com alunos de uma turma de 7º ano de um colégio estadual público de São João do Triunfo - PR, Brasil, em relação ao tema Cinema e Ensino. O objetivo da pesquisa foi verificar as contribuições de se ensinar Ciências (conteúdo de vírus e bactérias) em um enfoque CTS - Ciência, Tecnologia e Sociedade; visando a Alfabetização Científica e Tecnológica - ACT, utilizando como estratégia didática a produção de Cinema de Animação com a técnica Stop Motion. O Stop Motion é um processo de animação onde é feita a captação de fotograma a fotograma, usando uma máquina fotográfica e uma fonte de luz. A abordagem metodológica foi qualitativa de natureza descritiva com observação participante. Durante o estudo os alunos e a professora de Ciências da turma, participaram de aulas de Ciências com enfoque CTS, pesquisas sobre os temas abordados e oficinas de produção dos vídeos. Os alunos criaram personagens a partir de materiais como massa de modelar, desenhos, recortes de revistas e pequenos objetos, para dar vida e movimento nas animações. Os principais autores que fundamentam esse estudo são: Lorenzetti (2000), Gowdak; Martins (2015), Bazzo (2014), Silveira (2005), Santos e Auler (2011), Chassot (2011), Delizoicov (2015), Fresquet (2013) e Duarte (2009). Ao final do estudo, observou-se que a pesquisa trouxe contribuições para a Educação em Ciências e a promoção da Alfabetização Científica e Tecnológica. Os alunos demostraram mais segurança para falar sobre o tema abordado, mostrando interesse e motivação. Também se percebeu que os alunos analisaram os assuntos discutidos durante as aulas de Ciências de forma mais crítica, fazendo questionamentos e relacionando o conteúdo estudado com suas próprias vidas. Os estudantes se preocuparam com questões como: o surgimento das vacinas, as doenças negligenciadas no país, bactérias na produção de plástico, alimentos que ajudam na imunidade do corpo, entre outros assuntos de relevância para o processo de reflexão e desenvolvimento do senso crítico dos mesmos. / This paper presents the results the study developed with students of the secondary education in a group of the 7th grade of a public school in São João do Triunfo - PR, Brazil, in relation to the theme Cinema and Teaching. The aim of of the research was to verify the contributions of teaching Science (content virus and bacteria) in a STS approach - Science, Technology and Society, aiming at the Scientific and Technological Literacy, using as a didactic strategy the production of Animation Cinema with the Stop Motion technique. Stop Motion is an animation process where frame-by-frame capture is performed using a camera and a light source. The methodological approach was qualitative of a descriptive nature with participant observation. During the study the students and the classroom science teacher participated in science classes with a STS approach, Research on the topics covered and workshops for the production of videos.The students created characters from materials like modeling mass, drawings, magazine clippings and small objects, to give life and movement in the animations.The main authors that base this study are: Lorenzetti (2000), Gowdak, Martins (2015), Bazzo (2014), Silveira (2005), Santos and Auler (2011), Chassot (2011), Delizoicov (2015), Fresquet (2013) and Duarte (2009). At the end of the study, it was observed that the research brought contributions to Science Education and the promotion of Scientific and Technological Literacy. The students demonstrated more confidence to talk about the topic addressed, showing interest and motivation. It was also noticed that the students analyzed the subjects discussed during the science classes in a more critical way, questioning and relating the content studied with their own lives. Students are concerned with issues such as: the emergence of vaccines, diseases neglected in the country, bacteria in the production of plastic, foods that help immunity of the body, among other issues of relevance to the process of reflection and development of the critical sense of the same.

CAPES / O estudo busca analisar tiras cômicas na internet, a partir de três autores diferentes: Carlos Ruas, criador do "Um Sábado Qualquer", André Farias, do "Vida de Suporte", e William Leite, autor do "Willtirando". O debate engloba a relação entre quadrinhos e tecnologia, esmiuçando o sentido das tiras. Essa discussão qualitativa é agregada por dados quantitativos, através dos quais o trabalho evidencia possíveis desdobramentos para a linguagem das tiras cômicas online, tais como a tendência de expansão no formato; a crescente hibridação com imagens de variados tipos; e o fenômeno de aproximação entre as esferas autor/leitor no suporte digital. Também foram discutidas produções de um tipo mais incomum: as tiras digitais, que incorporam animação em sua narrativa. Ao fim do estudo, discutimos um protótipo de tira cômica online a partir dos formatos mais utilizados pelos autores, a fim de reiterar a natureza deste gênero discursivo: uma narrativa breve, cujo desfecho é inesperado e resulta no humor. / The study aims to analyze comic strips on the internet, from three different artists: Carlos Ruas, creator of "Um Sábado Qualquer", André Farias, of "Vida de Suporte," and William Leite, author of "Willtirando". The discussion covers the relationship between comics and technology by analyzing the comic strip and the construction of its meaning. The qualitative reflection is aggregated by quantitative data, through which the work shows possible outcomes for the language of the online comic strips, such as the expansion in the format; increased hybridization with various types of images; and the approach phenomenon between the spheres author/reader in digital format. Productions of a most unusual kind also were discussed: the digital comic strips, that incorporate animated effects on its narrative. At the end of the study, we present an online comic strip prototype from the most popular formats used by the authors, in order to reiterate the nature of the comic strips: a brief narrative whose outcome is unexpected and results in humor.

This work of historical- sociological aims to investigate, by means of collective memory and cinema, the process of formation of two distinct memories that have acquired a specific link through the process of developing the feature film Vidas Secas, 1963. First we have the formation of a cultural and political memory of film makers of the first phase of Cinema Novo ,which were greatly impacted after completion of the film , and then the memory of the former in habitants of the municipality of Minador Negrão , located inside Alagoas , who had interests in the filming process performed in the years 1962 and 1963 . It is through the union of film analysis and reconstruction of collective memory of a specific group, a reflection on the influence of visual culture was performed. Looking elucidate how and from which experiments were constructed memories of cinemanovistas , based on the concept of romantic - revolutionary brazilianness wrought by sociologist Marcelo Ridenti , and other measure to the residents of the small settlement during the drafting process of the film . Backed by the collective memory, sociology and film, it was possible to enhance the different nuances that forged some changes in the social memory of the locals when they started to have a direct contact with the crew filming. The argument that I used still moves between three different points during the purchase link text. First the importance the northeastern hinterland took in building a specific narrative that formed the genesis of the then Cinema Novo , a second point also analyzed back to the creation of the filmic plot of Nelson Pereira dos Santos from the literary work Graciliano Ramos , ending with a discussion involving the memory of old residents through interviews and reports . To this end, interviews with six residents who helped in the creation process of the film were used. Through them we tried to access the memories and events occurring during that period, characteristics of everyday filming the adaptation of the population with actors and filmmaker, scenes and places chosen for key scenes. These aspects were the subject of our study, which found in the collective memory and social interaction process initiated at the time its main empirical and analytical resource. / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho de cunho histórico-sociológico se propôs a investigar, por meio da memória coletiva e do cinema, o processo de formação de duas memórias distintas que adquiriram uma específica ligação através do processo de elaboração do longa-metragem Vidas Secas de 1963. Primeiramente temos a formação de uma memória cultural e política dos cineastas da primeira fase do Cinema Novo, os quais foram extremamente impactados após a conclusão do filme, e em seguida a memória dos antigos moradores do município de Minador do Negrão, situado no interior de Alagoas, que tiveram participações no processo de filmagens realizado nos anos de 1962 e 1963. É através da união entre a análise fílmica e a reconstrução da memória coletiva de um grupo específico, que foi realizada uma reflexão acerca da influência da cultura audiovisual. Procurando elucidar como e a partir de quais experiências foram construídas as memórias dos cinemanovistas, tomando por base o conceito de brasilidade romântico-revolucionária forjado pelo sociólogo Marcelo Ridenti, e em outra medida a dos moradores do pequeno povoado durante o processo de elaboração do filme. Tendo como suporte a memória coletiva, a sociologia e o cinema, foi possível evidenciar as diferentes nuances que forjaram algumas mudanças na memória social dos moradores da região quando estes passaram a ter um contato direto com a equipe técnica de filmagens. A argumentação que utilizei transita ainda entre três pontos distintos que adquirem ligação no decorrer do texto.Primeiramente a importância que o sertão nordestino assumiu na construção de uma narrativa específica que formou a gênese do então Cinema Novo; um segundo ponto também analisado voltasse para a criação do enredo fílmico de Nelson Pereira dos Santos a partir da obra literária de Graciliano Ramos, finalizando com uma discussão envolvendo a memória dos antigos moradores por meio de entrevistas e relatos. Para tanto, foram utilizadas entrevistas feitas com seis moradores que ajudaram no processo de criação do filme.Através delas buscou-se acessar as lembranças e fatos ocorridos naquele período, características do cotidiano das filmagens, a adaptação da população com atores e cineasta, bastidores e locais escolhidos para as cenas principais. Estes aspectos foram alvo de nosso trabalho, que encontrou na memória coletiva e no processo de interação social desencadeado na época seu principal recurso empírico e analítico.

En este estudio se examinan los recursos de la cinematografía de Emmanuel Lubezki en relación a las nuevas corrientes que se han generado debido al tratamiento que este le ha dado a sus películas de la última década, por medio de la investigación de papers anteriores que tratan el tema del cine de Lubezki y porque lo hace reconocido y único en su estilo, también, la visualización de variedad de entrevistas en las que Lubezki explica el sentido que el toma y lo que aprendió durante su crecimiento como cineasta en el cine de actual. La información recogida nos muestra los aspectos básicos en los que se fija un cinematógrafo, como la iluminación, la composición, las cámaras, objetivos, etc. Se realiza un estudio de todos estos elementos basados en el respectivo uso que hacia Lubezki de estos como estrategia para reconocer el estilo del cineasta. / This study examines the resources of Emmanuel Lubezki's cinematography in relation to the new currents that have been generated due to the treatment that he has given to his films of the last decade, through the investigation of previous papers that deal with the Lubezki's film theme and because it makes him recognized and unique in his style, also, the visualization of a variety of interviews in which Lubezki explains the meaning he takes and what he learned during his growth as a filmmaker in current cinema. The information collected shows us the basic aspects in which a cinematograph is fixed, such as lighting, composition, cameras, lenses, etc. A study is made of all these elements based on Lubezki's respective use of these as a strategy to recognize the filmmaker's style. / Trabajo de investigación

This thesis deals with the retribution judicature within Czech cinematography in the years 1945-1948. Right after the Second World War, revolutionary denazification commission came into being on the level of companies and union boards. Almost 270 workers from all areas of cinematography underwent the process of the Disciplinary Board of the Union of Czech film workers, including cinema usherettes or directors of film companies. The cases were not judged on any legal basis, but rather under the supervision of a new cinematography leadership. For many of the workers it ended in being forced to leave the industry. Some of the cases were included into the proceedings of the Great Retribution Decree or the Small Retribution Decree. According to the Extraordinary People's Courts and the Penalty Finding Commissions the people were likely to end up in prison or with a fine, or for the worst case there was a possibility of the death sentence. Eventhough an extensive number of cinematography workers stood in front of these courts the conclusions had not such a big influence on the future of Czech film industry as it was in the case of the Disciplinary Board. Despite of this fact, the revolutionary and the offical branches of retribution are often mixed up. The aim of this thesis is to make a distinction and...

Ce mémoire de maitrise se penche précisément sur une des caractéristiques de la culture du viol, soit l’érotisation des violences sexuelles. Il cherche à démontrer la présence de stratégies formelles et narratives érotisantes dans les scènes d’agressions sexuelles de longs métrages de fiction québécois des années 1960 à aujourd’hui et par le fait même, il étudie le fonctionnement du processus cinématographique d’érotisation. Afin de bien mener cette recherche, les agressions sexuelles, la culture du viol et l’érotisme font l’objet d’un exercice de définition. Le premier chapitre s’intéresse à la conceptualisation de l’érotisme, ce qui permet de circonscrire des stratégies formelles et narratives pertinentes à l’analyse de nos objets d’étude. Nous y détaillons les caractéristiques du cinéma érotique et du cinéma pornographique puisqu’elles participent au processus d’érotisation. Également, nous nous attardons sur la théorie des regards, notamment sur le male gaze, le female gaze et notre proposition de regard déplacé, puisqu’elle occupe une place prépondérante dans la définition de l’érotisme à l’écran. Le deuxième chapitre est consacré à l’analyse formelle et narrative de Gina (Denys Arcand, 1975) tandis que le troisième chapitre se concentre sur les études de La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau et Madeline Ivalu, 2019) et du cas limitrophe d’Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) qui précise et nuance l’opposition entre l’érotisation et la non-érotisation des représentations d’agressions sexuelles. Ces analyses filmiques détaillées sont supplémentées de tableaux analysant 30 longs métrages. / This master’s thesis examines one of the rape culture characteristics, namely the eroticization of sexual violence. It seeks to demonstrate the presence of eroticizing formal and narrative strategies in scenes of sexual assault in Quebec feature films from the 1960s to the present. In doing so, it explores the functioning of the cinematic process of eroticization. To properly conduct this research, we define the concepts of eroticism, rape culture and sexual assault. The first chapter focuses on the conceptualization of eroticism, which allows us to determine formal and narrative strategies relevant to our objects of study analysis. Notably, we detail the characteristics of erotic cinema and pornographic cinema since they are all part of the eroticization process. Also, we elaborate on the gaze theory since it occupies a dominating place in the definition of cinematic eroticism, particularly on the male gaze, the female gaze, and our proposal of regard déplacé. The second chapter is dedicated to the formal and narrative analysis of Gina (Denys Arcand, 1975) while the third chapter focuses on the studies of La Rivière sans repos (Marie-Hélène Cousineau and Madeline Ivalu, 2019) and of the bordering case of Elles étaient cinq (Ghislaine Côté, 2004) which clarifies and nuances the opposition between the eroticization and non-eroticization of sexual assault representations. These film analyses are enriched by analytical grids covering 30 movies.

[pt] Com o avanço do poder de processamento gráfico e a popularização dos jogos eletrônicos, começam a surgir novas formas de entretenimento, entre elas a de espectadores de jogos. Os requisitos para o posicionamento de câmera para os espectadores visualizarem os jogos são diferentes dos aplicados aos jogadores. Enquanto a câmera para os jogadores deve atender a requisitos de jogabilidade, a câmera para os espectadores deve explorar diferentes ângulos de visualização a fim de aumentar a imersão no ambiente dos jogos e explorar a emoção das cenas. O cinema já evoluiu toda uma linguagem cinematográfica que potencializa a interpretação de cenas. Pesquisas recentes procuram usar a cinematografia na visualização de jogos. O principal desafio na adaptação da cinematografia para os jogos reside na existência de um ambiente dinâmico, onde não se pode prever o andamento da história. Podemos identificar três módulos para a adaptação da cinematografia em jogos: roteirista, responsável por identificar o que está ocorrendo na cena; diretor/editor, responsável por definir as melhores tomadas para capturar a cena; cinegrafista, responsável por posicionar a câmera no ambiente dinâmico para melhor atender às demandas do módulo diretor/editor. Este trabalho propõe a implementação de um módulo cinegrafista. A partir de requisitos para o posicionamento da câmera oriundos de um módulo externo, propõe-se um modelo de câmera que faz o posicionamento automático da câmera. Os requisitos de posicionamento são expressos em um conjunto de restrições que devem ser atendidas pelo modelo de câmera. A câmera usa um modelo físico baseado em um sistema de partículas regido pelo método de Verlet, empregando o método de relaxação para a convergência do sistema a fim de atender às restrições impostas. Experimentos computacionais demonstram a capacidade do módulo proposto de atender a sofisticadas regras de posicionamento de câmera, baseando-se em composições de restrições simples. Princípios da cinematografia, como enquadramento, posicionamento e movimento de câmeras, e respeito à linha de ação, são facilmente respeitados pelo módulo proposto. / [en] With the evolution in graphics processing power and the popularization of electronic games, new forms of entertainment, such as being a game spectator. The requirements for positioning the camera for the spectators to view the games are different from those applied to players. The camera for the players must fulfill playability requirements, while the camera for the spectators must explore different viewing angles in order to increase the immersion in the game environment and to explore the thrill of the scenes. The cinema has evolved a whole cinematographic language that optimizes the scene interpretation. Recent research has been seeking to apply cinematography to game visualization. The main challenge in the adaptation of the cinematographic language for games lies in the existence of a dynamic environment in which the story`s progress cannot be anticipated. Three modules can be identified to adopt the cinematographic language in games: screenwriter, responsible for identifying what is happening in the scene; director/editor, responsible for defining the best takes to capture the scene; and cinematographer, responsible for positioning the camera in the dynamic environment to better comply with the director/editor`s demands. The present work proposes the implementation of a cinematographer module. Based on camera position requirements obtained from an external module, we propose a camera model that automatically positions the camera. The positioning requirements are expressed by a set of constraints that must be respected by the camera model. The camera uses a physical model based on a particle system oriented by Verlet`s method, and employs the relaxation method to obtain the system`s convergence in order to comply with imposed constraints. Computational experiments have demonstrated the capacity of the proposed module to comply with sophisticated camera positioning rules based on compositions of simple constraints. Cinematography principles such as framing, camera position and movement, and respecting the line of action are easily accomplished by the proposed module.

Cette thèse explore les ramifications et les enjeux de l’exotisme lorsqu’il prend forme au cinéma. Elle pose pour hypothèse de départ que le cinéma a non seulement participé à forger et à consolider un imaginaire occidental par le biais de l’exotisme, mais qu’il continue de le faire dans le contexte actuel sous de nouvelles formes. À partir d’une lecture postcoloniale de différentes œuvres, nous nous posons deux questions principales. La première : selon quelles modalités le cinéma peut-il être pensé conjointement avec l’exotisme ? La seconde : quelles sont les dynamiques à l’œuvre dans les films pour construire/déconstruire les « autres » et les « ailleurs » non occidentaux ? Suivant ces interrogations, nous revisitons certaines périodes clés de la production cinématographique occidentale (à la fois anglaise, européenne et nord-américaine). La thèse se divise en quatre parties retraçant chacune différentes variations de l’exotisme au cinéma : émergence, instrumentalisation, critique et retour. La première aborde les travelogues à partir de l’œuvre d’Elias Burton Holmes, les archives géo-ethnographiques et l’œuvre d’Albert Kahn, les films d’expéditions polaires et l’œuvre d’Herbet G. Ponting, et les films de chasses et de safaris à partir de l’œuvre du couple d’aventuriers Martin et Osa Johnson. La seconde interroge l’instrumentalisation de ces premiers films à des fins narratives. Nous y analysons succinctement les films d’aventures hollywoodiens dans la jungle, les drames nordiques, les romances océaniques, les westerns et les drames psychologiques dans les colonies du Maghreb. La troisième partie pose les bases des tendances critiques de l’exotisme colonial et occidentalocentré. Nous y abordons d’une part les rapprochements entre la critique de l’exotisme et l’idée du « contre-exotisme » (Christin 2000 ; Urbain 2002 ; Staszak 2008 ; Gauthier 2008). Y sont analysés les films Les statues meurent aussi (1953, Marker, Resnais, Cloquet) et Les maitres fous (1955, Rouch). Nous interrogeons d’autre part l’œuvre de Sembene Ousmane et particulièrement son film La noire de… (1966), en la rapprochant des mouvements des cinémas nationaux et à ce qui a été identifié en littérature comme l’« autre par lui-même » (Moura 1998). Finalement, la quatrième partie interroge les enjeux de la mondialisation et des nouvelles technologies suggérant qu’ils mettent de l’avant un retour de l’exotisme occidental au cinéma. En analysant quelques films sortis depuis les années 1980 et en offrant une analyse approfondie du film Avatar (2009, Cameron), nous cherchons à démontrer que les Blockbusters états-uniens renouent avec une longue tradition de l’exotisme comme mise en spectacle de l’altérité pour et par les Occidentaux. / This thesis explores the ramifications and issues of exoticism when it takes shape in cinema. It posits the starting hypothesis that cinema has not only participated in forging and consolidating a Western imagination through exoticism, but that it continues to do so in the current context in new forms. From a post-colonial reading of different works, we ask ourselves two main questions. The first: how can cinema be thought of together with exoticism? The second: what are the dynamics at work in the films to construct/deconstruct non-Western "others" and "elsewhere"? Following these questions, we revisit certain key periods of Western film production (both English, European and North American). The thesis is divided into four parts, each retracing different variations of exoticism in cinema: emergence, instrumentalization, criticism and return. The first deals with travelogues based on the work of Elias Burton Holmes, the geo-ethnographic archives and the work of Albert Kahn, the films of polar expeditions and the work of Herbet G. Ponting, and the films of hunts and safaris from the work of the couple of adventurers Martin and Osa Johnson. The second questions the instrumentalization of these first films for narrative purposes. We briefly analyze Hollywood jungle adventure films, Nordic dramas, ocean romances, westerns and psychological dramas in the colonies of the Maghreb.The third part lays the foundations of the critical tendencies of colonial and Western-centric exoticism. On the one hand, we address the connections between the critique of exoticism and the idea of "counter-exoticism" (Christin 2000; Urbain 2002; Staszak 2008; Gauthier 2008). The films The Statues Also Die (1953, Marker, Resnais, Cloquet) and The Crazy Masters (1955, Rouch) are analyzed there. We also examine the work of Sembene Ousmane and particularly his film La noire de… (1966), by bringing it closer to the movements of national cinemas and to what has been identified in literature as the “other by itself (Moura 1998). Finally, the fourth part questions the issues of globalization and new technologies, suggesting that they put forward a return of Western exoticism to cinema. By analyzing a few films released since the 1980s and by offering an in-depth analysis of the film Avatar (2009, Cameron), we seek to demonstrate that American Blockbusters are reviving a long tradition of exoticism as a spectacle of otherness for and by Westerners.