Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse appréhende le paysage littoral comme une relation au monde ontologique, affective et métaphorique. Elle s'inscrit dans les recherches contemporaines en redonnant au corps sa centralité, s'inspirant ainsi de la phénoménologie et en intégrant l'affect dans le domaine géographique. Cette recherche explore comment l'étude des sensibilités, des émotions et des spatialités affectives permet de saisir une pensée paysagère contemporaine et participer à l'idée d'habiter poétiquement la terre. A travers la narration et le cheminement caractérisant pensées et expériences, cette thèse tente de saisir les mouvement spatiaux et temporels d'entre-deux qui participent à animer la dimension intime et éthique du paysage. La nature sensible et affective de la relation au littoral est interrogée à travers trois formes de récits. D'abord littéraire avec l'analyse géopoétique des écrits de Julien Gracq et de Tim Robinson, puis personnelle afin de penser l'expérience située du terrain dans son articulation avec la phénoménologie, la thèse analyse des récits d'habitants et de visiteurs à Belle-île-en-mer (France) et l'ouest de la péninsule de Dingle (Irlande) rassemblés en utilisant la médiation d'une cartographie participative. Le paysage est une praxis poétique qui transforme les représentations paysagères en manières de faire et de sentir, le corps forme une topographie en mouvement, la rythmique du cœur remplaçant le balayement visuel dans la pensée du paysage.

Ce mémoire traite du problème de la spécificité méthodologique de la phénoménologie critique. Cette dernière, depuis que Guenther en a forgé l’expression, a connu une effervescence remarquable qui est marquée par l’unité de sa visée : extirper la phénoménologie de sa posture contemplative pour en faire un instrument de critique sociale. Or en dépit du caractère distinctif de ce but, déterminer précisément ce qui distingue la phénoménologie critique de sa contrepartie classique demeure un problème d’envergure. En effet, la réponse d’abord formulée par Guenther, selon laquelle la phénoménologie critique procèderait à une subversion radicale de la méthode classique, s’est attirée plusieurs critiques. Contre une telle solution qui considère la méthode comme le critère fondamental de la distinction entre les approches phénoménologiques classique et critique, nous défendons dans le présent mémoire la thèse de l’unité méthodologique des deux approches par-delà leurs visées respectives. Plus précisément, nous reprenons à notre propre compte la position d’Oksala selon laquelle c’est le rejet de la réduction eidétique – soit la visée d’identification de structures universelles au sein de l’expérience consciente – qui constitue le critère fondamental de distinction de la phénoménologie critique vis-à-vis de l’approche classique. Cependant, contrairement à Oksala, nous soutenons que l’abandon d’une telle visée au sein de l’approche critique ne constitue pas une subversion de la méthode classique. Nous argumentons, d’une part, que la réduction eidétique demeure effectivement possible au sein de la phénoménologie classique et, d’autre part, que la poursuite d’une telle fin ne mine pas sa complémentarité avec la phénoménologie critique. Pour ce faire, nous déployons deux stratégies argumentatives. La première, plus succincte, consiste à répondre directement aux objections formulées par Oksala en ce qui a trait à l’insuffisance de la variation imaginative comme mode d’accomplissement de la réduction eidétique. La seconde, plus extensive, consiste à appliquer une analyse, en phénoménologie critique, d’un champ émergent de la phénoménologie contemporaine, soit la phénoménologie des normes perceptuelles. L’argument permet de démontrer qu’une analyse critique du rôle transcendantal des structures sociales relativement à l’expérience vécue des normes perceptuelles est parfaitement compatible avec l’identification de la forme eidétique de ces normes. / This master’s thesis addresses the problem of the methodological specificity of critical phenomenology. Since Guenther coined the term, critical phenomenology has experienced a remarkable effervescence marked by the unity of its aim: to extricate phenomenology from its contemplative posture and turn it into an instrument of social critique. But despite the distinctiveness of this aim, determining precisely what distinguishes critical phenomenology from its classical counterpart remains a major problem. Indeed, the answer formulated by Guenther, according to which critical phenomenology proceeds to a radical subversion of classical method, has attracted several criticisms. Against such a solution, which regards method as the fundamental criterion for distinguishing between classical and critical phenomenological approaches, this thesis recognizes a methodological unity between the two approaches which supercedes their respective aims. Specifically, I adopt Oksala's position: it is the rejection of eidetic reduction - the aim of identifying universal structures within conscious experience - that constitutes the fundamental criterion for distinguishing critical phenomenology from the classical approach. However, unlike Oksala, I argue that the rejection of such an aim within the critical approach does not constitute a subversion of the classical method. On the one hand, eidetic reduction remains effectively possible within classical phenomenology. On the other hand, the pursuit of such a goal does not undermine its complementarity with critical phenomenology. To demonstrate this, I employ two argumentative strategies. First, I respond directly to Oksala's objections regarding the inadequacy of imaginative variation as a mode of accomplishing the eidetic reduction. Secondly, I apply a critical-phenomenological analysis to an emerging field of contemporary phenomenology, namely the phenomenology of perceptual norms. The aim of this approach is to show that a critical analysis of the transcendental role of social structures in shaping the lived experience of perceptual norms is perfectly compatible with the identification of the eidetic form of these norms.

Cette thèse montre comment le travail thérapeutique, en psychodrame existentiel de groupe, permet un accès direct à « l’être-du-patient », sans sacrifier du temps au démêlage des représentations. Dans ce cadre, la motion individuelle sollicitée se transforme, via l’intersubjectivité, pour se loger « entre » (aida) les membres du groupe. Elle y prend une forme transubjective qui s’amplifie par résonnance, pour délivrer une tonalité climatique singulière au groupe. J’ai nommé cette nouvelle dynamique : motion transubjective. Fonctionnant rythmiquement sur les pôles « ouverture-fermeture », la motion transubjective ouvre à l’espace corporel du Sentir, du « sens commun », et favorise un ajustement apaisé des patients au monde qui les entoure.Pour servir la thèse et modéliser ce concept, trois recherches-actions sont présentées (menées auprès de différentes populations : travailleurs sociaux, personnes atteintes de V.I.H. et personnes souffrant de psychose). Elles révèlent la valeur opératoire de la motion transubjective, au cœur même de l’intersubjectivité humaine, que cette dernière soit celle des foules, celle qui tient en contact les membres d’un groupe ou l’aida que créent ensemble le thérapeute et son patient. Enfin, ces trois recherches-actions concourent, en psychologie clinique, à la modélisation d’un processus émergent d’autoréalisation de soi, dans la rencontre avec le monde, qui se déploie dans la sphère de la corporalité.Outre la proposition d’un outil groupal -le psychodrame existentiel- cette thèse en discute les conditions de mise en œuvre (en termes de dispositif d’intervention clinique) afin d’en comprendre les leviers thérapeutiques. / This thesis shows how therapeutic work, in an existential psychodrama group, enables the therapist to access directly to “the-patients’-being”, without spending some time unravelling representations. In this context, the individual motion is triggered. Then, it transforms, via intersubjectivity, to place itself “between” (aida) the members of the group. There, it turns into a transubjective form which expands through resonance to deliver a peculiar climatic tone to the group. I have named that new dynamism: transubjective motion. As it functions dynamically according to the “opening-closing” poles, the transubjective motion permits the opening to the Feeling body space to the “common sense” space, enabling the patient to have a pacified relationship to the world around.In order to demonstrate our thesis and to model the concept, three researches-actions are presented (they were conducted among different populations: social workers, persons suffering from H.I.V and psychotic patients.) They reveal the operational value of the transubjective motion, situated at the heart of human intersubjectivity, whether it reveals itself in a crowd, between the members of a group, or the aida created by the therapist and his/her patient. Finally, those three researches-actions contribute, in clinical psychology, to the modelling of an emergent process of one’s being selfrealization through the relationship to the world around, expressing itself in the area of corporality.Beyond proposing a group therapy method -the existential psychodrama- this thesis analyses the conditions for its implementation (in terms of clinical intervention experience) in order to understand its therapeutic efficiency.

Mémoire en recherche-création / Ce mémoire de maîtrise synthétise la démarche de recherche qui a mené à la création des œuvres audiovisuelles Interférences (String Network), DATANOISE et Pharmacologie, ainsi qu’à deux études de musique fixée. Ce texte propose une réflexion sur les possibilités d’utilisation des technologies numériques en temps réel, dans un contexte de performance électroacoustique. Il vise à développer des stratégies afin de pouvoir interpréter et incarner physiquement les musiques numériques. Les notions de risque, de collaboration et de symbolique en musique sont abordées. Ce mémoire défend la création de dispositifs audiovisuels spécifiques comme élément constituant de l’œuvre artistique. Il tend vers une corporalité de l’œuvre électroacoustique, par la recherche d’adéquation entre la nature des outils utilisés, l’attitude corporelle de l’interprète, la symbolique des éléments visibles, et le contenu de la composition musicale. / This Master’s thesis summarizes the the research process that led to the creation of audiovisual works Interférences (String Network), DATANOISE and Pharmacologie, as well as two studies of fixed music. This text proposes a reflection on the possibilities of using digital technologies in real time, in a context of electroacoustic performance. It aims to develop strategies to perform and embody digital music. The notions of risk, collaboration and symbolism in music are discussed. This thesis defends the creation of specific audiovisual devices as constituent element of the artistic work. It tends towards a corporality of the electroacoustic work, by the search of adequacy between the nature of the tools used, the bodily attitude of the interpreter, the symbolism of the visible elements, and the content of the musical composition.

Cette thèse suggère que la figure du vampire est une représentation de la neutralité, et ce, à travers diverses perspectives telles que la neutralité du genre, la neutralité temporelle et la neutralité corporelle. Le vampire a d’abord été considéré comme une créature malsaine avant de devenir plus humanisée au fil du temps. Cependant, je maintiens que le vampire contemporain n’est ni « négatif » ou « positif », mais plutôt neutre, ce que mettent en lumière les concepts de performativité et de corporalité élaborés par Judith Butler. Le vampire, étant à la fois arrêté dans le temps et existant pour toujours, manifeste non seulement la neutralité sexuelle et celle du genre, mais la créature vampirique illustre également l’importance du neutre tant au niveau corporel (tel qu’élaboré par Judith Butler) qu’au niveau temporel (tel que défini par Frank Kermode). Le neutre sera défini à partir des théories de Claude Stéphane Perrin, Maurice Blanchot et Roland Barthes. Étant à la fois présent/absent et à l’intérieur/à l’extérieur de l’expérience humaine, le vampire n’est pas seulement neutre, mais il permet d’étudier les différents aspects inhérents à la neutralité, soient-ils liés à la performativité du genre et de la sexualité, à la corporalité ou à la temporalité. Les aspects théoriques développés dans cette thèse sont analysés à travers les romans vampiriques contemporains suivants : Let the Right One in de John Ajvide Lindqvist (2004), The Vampire Chronicles de Anne Rice, plus précisément The Vampire Lestat (1987) et Queen of the Damned (1989), et The Passage (2010) de Justin Cronin. Le texte de Lindqvist redéfinit, entres autres, la neutralité du phallus à travers la castration, faisant du personnage d’Eli un vampire neutre et genderqueer. De plus, les crocs des vampires permettront une redéfinition neutre du phallus. La prépuberté vampirique dans les romans de Cronin et de Lindqvist sera également pertinente puisqu’un corps arrêté dans le temps et qui demeurera toujours prépubère solidifie le statut neutre du vampire. Les romans de Rice permettront de redéfinir le tabou de l’inceste et, donc, de consolider la neutralité du vampire. Les espaces vampiriques neutres dans les romans de Rice et de Cronin seront également mis de l’avant, et ce, à travers une conceptualisation de la temporalité comme étant neutre. Concrètement, la figure littéraire du vampire tente de déconstruire les normes sociétales du genre, de la sexualité, de la corporalité et de la temporalité en faveur d’une ontologie fluide et libre qui mène au neutre. / The figure of the vampire is a representation of the concept of neutrality, shown through different perspectives ranging from gender neutrality, corporeal neutrality, and temporal neutrality. The vampire has been shown to go from a “negative” representation to a “positive” one over the centuries. My claim is that the contemporary vampire is neither “negative” nor “positive” but neutral. This neutrality will be analyzed through the lens of Judith Butler’s conceptualizations of gender performativity and of corporeality. The vampire, being both time-stopped and existing forever, not only manifests gender and sexual neutrality, but also neutral corporeality (as elaborated by Judith Butler) and neutral temporality (as defined by Frank Kermode). The concept of the neutral will be approached based on the works of Claude Stéphane Perrin, Maurice Blanchot, and Roland Barthes. By being both present/absent and inside/outside the human experience, the vampire manifests different aspects of neutrality, be it performing gender and sexuality, understanding corporeality, or experiencing temporality. The theoretical aspects of this dissertation are analyzed based on the following contemporary vampire-centric narratives: Let the Right One in (2004) by John Ajvide Lindqvist, The Vampire Chronicles by Anne Rice, more specifically The Vampire Lestat (1987) and Queen of the Damned (1989), and The Passage (2010) by Justin Cronin. Lindqvist’s novel redefines, among other things, the neutrality of the phallus through the act of castration, making the character of Eli a neutral and genderqueer vampire. Furthermore, vampire fangs will be of importance as they can be perceived as a manifestation of a neutral phallus. Vampiric prepubescence is also shown to espouse the neutral as it personifies a time-stopped body that will forever exist on the cusp of change. Rice’s novels will allow a resignification of the taboo of incest, further manifesting vampiric neutrality. The concept of vampiric neutral spaces will be tackled in both Rice’s and Cronin’s novels through a neutral conceptualization of temporality. In essence, the figure of the literary vampire attempts to deconstruct societal norms pertaining to gender, sexuality, corporeality, and temporality in favor of a free and fluid ontology which leads to the neutral.

Ce mémoire est consacré aux œuvres de fiction de la cinéaste Paule Baillargeon. Il s'agit d'examiner le processus de subjectivation, en retraçant son parcours cinématographique par l'entremise de ses longs métrages de fiction, et de voir comment elle utilise le langage cinématographique de façon singulière en permettant une prise de parole alternative devant et derrière la caméra. Alors que le cinéma dominant persiste à catégoriser les œuvres des réalisatrices québécoises de "films de femmes" ou de "cinéma de femmes", un bref survol de l'évolution générale des femmes en fiction, et de l'expérience de Baillargeon en particulier, permet de rendre compte des difficultés d'accessibilité qui persistent pour elles dans ce secteur d'activités. Par la suite, l'analyse des quatre principales œuvres de la réalisatrice - Anastasie oh ma chérie (1977), La cuisine rouge (1980), Le sexe des étoiles (1993), Trente tableaux (2011) - témoigne de la nécessité de cette prise de parole alternative, mais aussi de l'interaction entre chacun des films et une théorie féministe spécifique, issue entre autres des travaux de Luce Irigaray et Judith Butler. / This thesis is devoted to the fiction long features of filmmaker Paule Baillargeon. Her career in cinema and her particular uses of the cinematic language, are examined to demonstrate the women's subjectivation process, by her "prise de parole" before and behind the camera. While mainstream cinema continues to categorize the work of Quebec filmmakers of women's films or women's cinema, a brief overview of their general evolution in fiction, and more specifically of Paule Baillargeon's experience, testifies of the accessibility problems that persists for them in this sector. Subsequently, the analysis of the four major works of fiction of the director - Anastasie oh ma chérie (1977), La cuisine rouge (1980), Le sexe des étoiles (1993), Trente tableaux (2011) - shows the need of an alternative speech and the interaction that occurs between the films and specific feminist theories, from Luce Irigaray to Judith Butler, among others.

En prenant en compte le contexte des nombreuses dépossessions, de l’arrachement et de l’invisibilisation des langues Autochtones, puis de l’imposition des langues coloniales dont la littérature des pensionnats témoigne avec force détail, cette thèse aménage une réflexion autour de la manière dont les autrices Autochtones contemporaines, qui écrivent en anglais ou en français (Virginia Pésémapéo Bordeleau, Kateri Akiwenzie-Damm, Marie-Andrée Gill, Leanne Betasamosake Simpson, Natasha Kanapé Fontaine et Cherie Dimaline), négocient avec le langage dans leurs œuvres. Plus spécifiquement, par une lecture au plus près des textes littéraires, cette thèse étudie la façon dont les écritures Autochtones sont des lieux de savoir profondément corporéïsés, situés et relationnels et, en tant que telles, elles donnent à penser les pouvoirs du langage en employant les moyens du littéraire. L’hypothèse formulée est donc que les littératures Autochtones actuelles élaborent des théories critiques du langage dans lesquelles le corps, la langue et le territoire (physique et métaphysique) sont intimement liés; le langage et sa conceptualisation par les écrivaines font ainsi se manifester une toile de relations que supporte la littérature par la création et la mise en présence de cette interconnexion entre le monde sensible et spirituel, entre les êtres humaines et les êtres autres qu’humaines. Bref, en appuyant les réflexions sur les épistémologies Autochtones (Kovach, Wilson, Ermine, Bazile, Sioui, Simpson, Bacon, Vizenor), cette thèse avance que, moins par un retour à des structures linguistiques que par le truchement d’une imagination poétique et narrative, les autrices à l’étude réclament les épistémologies et créent des théories du langage qui sont ramenées sur la scène de la présence littéraire. / Considering the context of multiple dispossessions, the extraction and invisibilization of Indigenous languages, and the subsequent imposition of colonial languages, which residential school literature recounts in great detail, this dissertation reflects on how contemporary Indigenous women writers, who write in English or in French (Virginia Pésémapéo Bordeleau, Kateri Akiwenzie-Damm, Marie-Andrée Gill, Leanne Betasamosake Simpson, Natasha Kanapé Fontaine and Cherie Dimaline), are attempting to (re)negotiate both Indigenous and colonial languages in their works. More specifically, through a close reading of selected texts, this thesis explores how Indigenous literatures are deeply embodied, situated, and relational places of knowledge and, as such, they convey the possibilities of language through their literary interventions. Thus, I argue that contemporary Indigenous literatures enable the creation of critical theories of language, in which body, language, and land (both physical and metaphysical) are intimately connected; language, and its conceptualization by women writers, enables a web of relations through writing that presents this interconnectedness between the sensible and spiritual worlds, and between human and other-than-human beings. Building on Indigenous epistemologies (Kovach, Wilson, Ermine, Bazile, Sioui, Simpson, Bacon, Vizenor), this thesis argues that through poetic and narrative imagination, which differs from a return to the linguistic structures of Indigenous languages, the creative writers explored in this dissertation are reclaiming epistemologies and creating theories of language by putting them at the forefront of their literary practices.

Ce mémoire de recherche-création propose une recherche pratique et théorique dans le domaine du cinéma expérimental. Les notions d’autoexposition de performance et de matérialité y seront discutées à travers le prisme de l’appartenance en vue de proposer une approche autoethnographique du médium cinématographique. La position d’artiste-étudiant-immigrant que j’assume vient réfléchir ces concepts à travers une pratique autopoïétique. La première partie du mémoire se penche sur ma nécessité d’immigrer. En prenant exemple sur mes congénères marocains, comme Ahmed Bouanani, j’explique pourquoi rester au Maroc risque de mettre ma pratique en péril. La deuxième partie vise à décortiquer un enchevêtrement cinématographique en remontant le temps de ma pratique par l’entremise des outils cinématographiques qui ont façonné mon regard. Ainsi, je commence à dessiner une voix artistique. La troisième partie explique le processus par lequel mon corps d’artiste et l’appareillage cinématographique que j’emploie se couplent dans une sorte de va-et-vient théorico-pratique pour performer et s’exposer. La quatrième partie est l’explication d’une étape importante du processus de recherche-création, qui est la prise de conscience s’exprimant par la concrétisation du processus autopoïétique, soit par l’exécution, sur la place publique, de ma démarche : montrer comment je montre. Enfin, le mémoire se termine par la proposition du protocole de ma création, Translation cinématographique. / This works of research-creation offers practical and theoretical research in the field of experimental cinema. The ntions of self-exposure, performance and materiality will be discussed through the prism of belonging in order to make an autoethnographic approach to the cinematographic medium. The position of artist-student-immigrant that I assume reflects these concepts through an autopoietic practice. The first part of the thesis looks at my need to immigrate. By taking an example from my Moroccan counterparts, such as Ahmed Bouanani, I explain why staying in Morocco risks jeopardizing my practice. The second part aims to dissect a cinematographic entanglement by going back in time to my practice through the cinematographic tools that have shaped my gaze. So, I start to draw an artistic voice. The third part explains the process by which my body as an artist and the cinematographic equipment that I use are coupled in a kind of theoretical-practical back and forth to perform and exhibit. The fourth part is the explanation of an important stage of the research-creation process, which is the awareness expressed by the concretization of the autopoietic process, or by the execution, in the public place, of my approach: showing how I show. Finally, the thesis ends with the proposal of the protocol of my creation, Cinematographic Translation.

Le présent mémoire entend offrir une analyse du rapport entre corporalité et ville dans Lullabies for Little Criminals (2006) de Heather O’Neill et Morel (2021) de Maxime Raymond Bock. Ces deux romans contemporains mettent en scène des quartiers montréalais disparus, démolis lors des efforts de revitalisation urbaine qui ont marqué les années 1950 et 1960 à Montréal, contexte également connu sous le nom de « lutte aux taudis ». En orientant ma lecture de ces textes spécifiquement vers le corps des personnages, dans leur inscription textuelle et urbaine, je souhaite réfléchir sur la manière dont les corps issus de milieux précaires à la fois subissent les transformations urbaines et y contribuent. Ces récits corporels et humains de la modernisation jettent un regard neuf sur l’histoire de la ville, ainsi que sur le passé de ces quartiers, disparus du paysage et de la mémoire urbaine. Si l’espace urbain est inscrit de rapports de force et de domination, il est également lieu de savoirs urbains et de tactiques de résistance. Marqués par l’exploitation, la répression, par la précarité des lieux, les sujets marginalisés et dépossédés des deux œuvres à l’étude parviennent en retour à transformer leur environnement par et dans leur corps. La sociologie de l’espace et du quotidien (Lefebvre, De Certeau, Sibley), les travaux d’Elizabeth Grosz sur la corporalité et le féminisme, ainsi que ceux de Walter Benjamin sur la mémoire et la modernité, me permettent de situer la posture adoptée tout au long de ce mémoire. Par l’analyse littéraire de ces expériences corporelles de la ville moderne, ce travail cherche à repenser les formes historiques de la mémoire urbaine, en privilégiant des récits de transitions, de transformations, de mutations. / This thesis examines the relationship between corporeality and the city in Heather O’Neill’s Lullabies for Little Criminals (2006) and Maxime Raymond Bock’s Morel (2021). These two contemporary novels each take place in “vanished” Montreal neighborhoods, areas that were demolished during the urban revitalization of the 1950s and 1960s, a context also known as the “war on slums”. By orienting my reading of these texts toward the textual and urban embedment of the characters’ bodies, I seek to reflect on how bodies from precarious backgrounds both undergo and contribute to the processes of urban transformation. These bodily and human narratives of modernization cast new light on the history of the city and of neighborhoods which have now vanished from both the landscape and from civic memory. If urban space is marked by relations of power and domination, it is also the site of the urban knowledges of city dwellers and of tactical resistance. Marked by exploitation, repression, and precariousness of place, the marginalized and dispossessed subjects of the two works under study manage in turn to transform their environment both with and within their bodies. To construct the theoretical lens used throughout this dissertation, I draw upon the sociology of space and of the everyday (Lefebvre, De Certeau, Sibley), Grosz’s examination of corporeality and feminism, and Benjamin’s work on memory and modernity. Through literary analysis of the embodied experiences of the modern city, this dissertation seeks to rethink historical forms of urban memory by focusing upon narratives of transition, transformation, and mutation.