Le monde dont je fais partie me touche et me projette dans la confusion. Il me semble que mes idées sur celui-ci demeurent toujours partielles de par sa démesure et son infinité. C'est entre autres parce que j'y suis immergé, comme un élément constituant, et donc hanté par les choses qui m'entourent et m'habitent. Par un processus de création venant du corps connaissant les matériaux, il y a bien une méthode qui prévaut : celle du ± recyclage ¿. En soupesant la charge de possibles dans les matériaux, leurs énergies et leurs forces, j'opère une digestion massive du réel, de proche en proche, un remaniement chirurgical par incorporation - ce qui tient du sismographique ou du tellurique, de la mastication. Ce travail est un faire qui surgit d'une présence face aux choses, un mouvement pour habiter la matière. Il y a là une quête de connaissances et de compréhension de tout ou de n'importe quoi. La vision transperce tout objet et ne connaît aucune autre limite que la sienne, c'est-à-dire celle de l'individuation et de ses contingences. Ma peinture est mouvement de transgression : sortir des limites et aller ailleurs. La peinture, intrinsèquement événementielle, détourne toujours la volonté vers des inattendus. Ainsi elle est vécue comme une activité de l'ordre du trajet : trace et capture du réel en images plutôt que projet. La peinture ne reproduit pas le visible; elle rend plutôt les visions ou fantômes du corps sensible entreprenant, et donc une singularisation. Elle est une revendication vivante de liberté. Mon travail en peinture est un travail d'intensification ou d'infestation qui se pose en contraste, voire en opposition, au monde de la banlieue nord-américaine, de son amour de la neutralisation, de la séparation et de l'imitation. La ± schizophrénie ¿ qui découle du capitalisme contemporain contribue, dans la durée, au durcissement de modèles d'existences types, à une stereotypic de la pensée qui transforme la liberté d'où ces modèles semblent issus, en contraintes et en dépendances. Je m'appelle Benoît Blondeau et je viens des Saules.

Ce texte d'accompagnement consiste en une présentation de mon processus créateur, des expérimentations qui en résultent ainsi que des concepts qui soutiennent mes préoccupations actuelles. Dans un langage personnalisé, je m'intéresse au concept d'autoaction comme conducteur de l'autonomie créative. Selon ma définition, je dirais que l'autoaction est une action qui laisse entrevoir la subjectivité d'une personne et qui en ce sens, ouvre peut-être sur une autonomie créative. Celle-ci résulterait donc de l'exploration que fait une personne de sa subjectivité, et ce, au sein d'une action. La présente étude défendra l'idée selon laquelle l'interdépendance conceptuelle entre subjectivité, autoaction et autonomie créative est nécessaire pour ouvrir une réflexion, au sein de ma pratique artistique, sur des thèmes globaux comme celui de l'émancipation, la liberté ou l'intégrité. Il sera principalement question de démontrer que la présence d'une subjectivité affirmée, même dans tous ses états, est plus riche que la potentielle abnégation de celle-ci. Pour ce faire, je me concentrerai sur mes recherches en lien avec la notion de non objectivation de l'être humain développée par le philosophe Alexis Klimov ainsi que sur les mécanismes émancipatoires présents au sein de ma pratique artistique. / This accompanying text consists of a presentation of my creative process, the results of experiments and concepts that support my current preoccupations. In a personalized language, I am interested in the concept of self-action as a driver of creative autonomy. According to my definition, I would say that self-action is an action that suggests a person's subjectivity and that, in this sense, may open up creative autonomy. This would therefore result from the exploration that a person makes of his subjectivity within an action. The present study will support the idea that the conceptual interdependence between subjectivity, self-action and creative autonomy is necessary to open a reflection, within my artistic practice, on global themes such as that of emancipation, freedom or integrity. It will be primarily a question of demonstrating that the presence of an affirmed subjectivity, even in all its states, is richer than the potential abnegation of it. To do this, I will focus primarily on the outcome of my research related to the notion of non-objectification of the human being developed by the philosopher Alexis Klimov as well as on the emancipatory mechanisms present within my artistic practice.

Ce travail de recherche en arts visuels est un travail de l'intervalle : à mi-chemin entre dessin et peinture, abstraction et figuration, forme et informe, les éléments picturaux fragmentés migrent afin d'établir un lien entre l'image du corps et les formes organiques abstraites relevant du hasard, de systèmes chaotiques. Par un travail sans croquis, au sol, je délègue mon autorité créatrice à la matière, dans cet environnement horizontal sans gravitation, ce qui me permet d'ouvrir l'œuvre à de nouvelles perspectives et d'ajouter des éléments à mon vocabulaire esthétique. Cette recherche d'inconnu permet une abolition de la distinction entre la matière et la forme du corps et donne un effet de flottement, les éléments visuels se dispersant à la manière d'un bruit à travers l'espace.

Le dualisme dans la représentation artistique est le reflet des éléments de dualité présents dans la nature, dans la pensée et la condition humaine. Mon travail de création émerge naturellement des principes de dualité. J'utilise la géométrie pour représenter les réalités structurées de la pensée, de la nature et de la vie humaine. Les formes organiques, les références au corps humain en particulier, témoignent des réalités aléatoires du statut de vivant. Pour moi, ces deux types de réalités cohabitent en toute chose. La forme organique, forcément imparfaite et temporelle, est constituée d'éléments de base infiniment petits, proches de la perfection géométrique. Mais je veux aller au delà de la force expressive des antithèses entre la figuration plus ou moins affirmée du corps humain, et les formes géométriques, pures créations de l'esprit. / Je cherche plutôt à unifier, à intégrer ces éléments plastiques ayant des composantes sémantiques et formelles qui semblent se contredire au départ, déterminant ainsi une sorte de dialectique entre les éléments constituants. Je ne crois pas que l'abstraction géométrique soit opposée à la figuration comme s'il s'agissait de deux entités opposées qui se nient l'une l'autre historiquement et plastiquement. Dans mon travail, ce sera le plus souvent l'utilisation de la transparence qui rendra possible la manifestation du dualisme. La transparence est un moyen privilégié pour faire apparaître les dualités du monde réel et de la représentation. La transparence pour unifier les images, moduler la lumière et les couleurs, en changer les qualités. La transparence questionne la limite. Limite du visible, limite du tangible. Voir à travers, cristallin de l'image, voir de près, microcosme, macrocosme. Dualité : verre et béton, réel et virtuel, superpositions de couches, superpositions de temps.

Teotihuacan, octobre 2005. Une petite tête de terre cuite à demi ensablée. De l'époque précolombienne jusqu'à moi, ce minuscule objet a été emmuré dans le silence de la matière. Ce surgissement de mémoire, cette émotion esthétique sont à l'origine de ce projet questionnant les temporalités ré-associées et la matière comme vecteur de mémoire. Ce précipité singulier a généré un univers d'interrelations construit autour de trois pôles induisant des effets d'écho et de polysémie. Métaphore géographique, Lithosphère, polyptyque posé à même le sol, évoque la croûte terrestre, la matière originelle. Céphalopodes décline une iconographie d'archétypes et de signifiants symboliques. Cent quatre-vingts têtes de terre cuite montées sur des tiges d'acier rouillé. Une tête, un pied, représentation minimaliste du corps humain. Noosphère, à l'orée du monde onirique et de l'immatérialité, lieu d'interconnexions spatio-temporelles, de stratification, de confrontation d'images fixes et d'images vidéographiques, crée une aire de dématérialisation insolite, toute d'ombre et de lumière.

Ce mémoire traite de mon processus de création de caractères typographiques de titrage. Par l'observation de mon environnement immédiat, je choisis des objets qui me permettent de faire surgir ou de reconnaître des systèmes visuels. À partir de ces systèmes, je crée de nouveaux caractères typographiques. Un système est une base de travail qui suggère une structure, une grille. La première partie de ce mémoire présente le contenu théorique lié au domaine de la création de lettres. Elle présente aussi mon travail de création : la création de 8 caractères typographiques, de leur histoire et du processus de leur développement Dans la deuxième partie, il est question de l'étude de classements typographiques existants, suivie d'une présentation d'un classement typographique inspiré des lettres générées au cours de mon exploration. Ce système a été instauré pour me permettre de créer différentes catégories basées sur le processus créateur. La dernière partie présente deux affiches créées dans le but de recontextualiser deux créations typographiques

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Ce mémoire éclaire le processus de création ainsi que les préoccupations qui ont permis de réaliser l'exposition Présences mouvantes, présentée du 5 au 13 août 2006 à la Galerie des arts visuels. L'œuvre, constituée de neuf photographies, explore les thèmes de l'autoportrait, du mouvement et de la picturalité des images par l'entremise du médium argentique. Ces écrits visitent donc ces différents thèmes tout en développant les notions de double, de féminité et de monstruosité, qui en découlent.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / II serait juste d'affirmer que ma problématique artistique, depuis les dernières années, tourne autour de l'assimilation du langage formel et graphique de l'architecture dans une peinture abstraite. Plus précisément dans une catégorie d'abstraction qui demeure près du monde visible, ancrée dans la mémoire du dessein et du dessin de l'objet construit. Ainsi, mes tableaux des séries Charlevoix et Gaspésie, exécutés dans le cadre de la maîtrise, s'inscrivent dans une tentative de reconstruction picturale inspirée d'éléments de l'architecture vernaculaire. Ces oeuvres qui, de par leur échelle et leur matérialité, sont vaguement assimilables à des fragments architecturaux de notre patrimoine rural, questionnent aussi une certaine tradition de la peinture de paysage.

Mon mémoire traite de l’utilisation des outils de composition assistée par ordinateur (CAO) dans cinq de mes œuvres: 1. De deux choses Lune, pour flûte, clarinette, violon, violoncelle et électronique; 2. L’ombre véritable, pour harpe, voix, voix enregistrée et électronique; 3. Par ailleurs, musique acousmatique; 4. Musique du rocher, musique acousmatique; 5. Or Chess, orchestre symphonique. Après avoir présenté mes préoccupations artistiques, j’établis le contexte historique dans lequel s’inscrit mon travail. Je présente ensuite mes recherches ayant conduit à la composition des œuvres à l’étude. Finalement, j’explique, par l’analyse ciblée de chacune des pièces, en quoi les outils de CAO se sont avérés déterminants dans la composition de mes œuvres. J’y aborde, notamment, la programmation textuelle (De deux choses Lune, Par ailleurs), la programmation visuelle (Musique du rocher, Or Chess), ainsi que la manipulation audio (L’ombre véritable).