Magíster en artes mención teoría e historia del arte / No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo en el repositorio institucional. / Este trabajo se propone como un espacio de reflexión crítica, eruditamente documentada, sobre la obra del pintor francés Gustave Courbet (1819-1977). A raíz de un estudio de sus obras, planteamos como punto de partida de este estudio la relación existente entre su obra pictórica y la crítica de arte que se hizo sobre ella, fundamentalmente aquella de Charles Baudelaire (1821-1867), Jules Champfleury (1821-1889), Théophile Gautier (1811- 1872) y Théophile Silvestre (1826-1873) y Émile Zola (1840-1902), junto a referencias en prensa y textos temáticos sobre arte y literatura del siglo XIX, escritos en el mismo siglo. El axioma que subyace bajo esta forma de llevar a cabo la investigación es la creencia que una aproximación a la autoría, a la respuesta y a la situación sociopolítica puede darnos luces sobre los significados que una imagen, en este caso un grupo de pinturas, pueda contener. El cruce de estos tres caminos, con el apoyo teórico correcto y el aparataje conceptual claro y oportuno nos llevaron a la conclusión fundamental del trabajo: para analizar la obra de Courbet y la respuesta a ella, no debemos centrarnos en el tema de su pintura sino en los modos de aparecer de ella misma, la puesta en evidencia de la cosa en el lienzo, dejando de lado la creencia, profundamente arraigada (y, para nosotros, equívoca), que su pintura tuvo como propósito el narrar, contar e ilustrar historias, preceptos, textos. Sus cuadros no refieren a algo externo a ellos mismos, al menos no más allá del referente identificable en ellos. No señalan un “más allá” que desconocemos pero precisamos conocer, comprender y asimilar mediante la identificación de referentes, significantes y signos lingüísticos.

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Magíster en artes, con mención en teoría e historia del arte / La presente investigación tiene como motivo principal revisar y analizar la exposición titulada “De Cézanne a Miró”, presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago a mediados del año 1968. Fue Una exposición itinerante enviada desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York, como parte del programa internacional del museo. Fue la primera exposición realmente mediática de artes visuales en Chile, y fue gestionada bajo ciertas condiciones que relacionaremos con un contexto marcado por la Guerra Fría. Se presenta un marco teórico que pretende revisar el papel de la exposición artística en la Historia del Arte y en un concepto más amplio denominado Campo Artístico. Se revisa parte de la discusión entorno al Arte Moderno a nivel hemisférico y local, para determinar cómo la exposición, en cuanto productora de discurso, se involucra de manera subyacente con el contexto histórico.

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Licenciada en artes con mención en teoría e historia del arte / La presente investigación aborda la crítica de artes visuales en Chile, generando una propuesta de lectura de su desarrollo desde las múltiples faltas o carencias en torno a su escritura, plataformas y constitución de campo de análisis de obras del arte chileno. Mediante un recorrido cronológico de aquellos hitos de la crítica que han concretado parte de su expansión y que también son muestra de las necesidades y faltas, se pretende explorar las diversas determinantes y dimensiones que caracterizan esta carencia que ha constituido hasta el día hoy un lugar común para referirse a la crítica de artes visuales en nuestro medio. De esta manera, se propone rescatar la dimensión mediadora de la crítica y cómo esto sólo es posible a través de un intercambio de ideas, un cierto espacio de reflexión en conjunto, entre el crítico, el artista y el público, situado en una plataforma especializada y utilizando un lenguaje disciplinar y directo, pero no excluyente.

Orientador : Joaquim Brasil Fontes Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-17T19:51:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Goncalves_Fulvia_D.pdf: 24607534 bytes, checksum: d69c9bcbbf00520db08a259324b57de9 (MD5) Previous issue date: 1985 / Resumo: Não informado / Abstract: Not informed. / Doutorado / Artes Plásticas / Doutor em Artes

Tesis para optar al grado licenciada en artes con mención en teoría e historia del arte / El presente trabajo surge a partir del encuentro de dos líneas de interés. La primera tiene relación con la inquietud e incomodidad que desde el primer momento me generó el trabajo de Santiago Sierra, especialmente sus obras remuneradas. Esta primera aproximación a su obra me hizo reflexionar sobre la violencia en el arte como una forma de dar sentido a su trabajo. Por ello recurrí al trabajo de Paul Virilio en «El procedimiento silencio» y a la compilación de ensayos editados por Valeriano Bozal bajo el título «Imágenes de la violencia en el arte contemporáneo»; así mismo me aproximé al concepto de arte abyecto que Hal Foster menciona en su obra «El retorno de lo real». Todas estas obras abordan el tema de la violencia en el arte desde diferentes ángulos; la toma de una posición ética respecto al arte que violenta, un análisis de la potencia subversiva que comporta un arte de esta naturaleza, una aproximación a la representación de la violencia en el arte y también un análisis de cómo el arte puede violentar al espectador. Sin embargo, tales argumentos seguían sin resolver el punto que a mi juicio parece crítico; el porqué un artista puede vulnerar a una persona de la manera en que Santiago Sierra lo hace y exhibirlo como objeto de arte

Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte / El Arte y lo lúdico tienen una estrecha relación desde la edad antigua, Federico Nietzsche lo sitúa en el origen de la tragedia griega. Durante el Renacimiento Leonardo Da Vinci dentro de su espíritu creador construyó ingeniosas obras de arte vinculadas con lo lúdico. Actualmente, es explicado por Gadamer (2001) como un espacio de libertad de creación en un intercambio social, un círculo mágico en búsqueda de su forma de ser, visto por Adorno como la utopía que el Arte entraña en lo más íntimo. En este complejo escenario, cabe preguntarse si el arte lúdico procedente del Dadá permanece vigente en artistas del siglo XXI. Para responder a la interrogante se investiga la mirada lúdica de Marcel Duchamp en la obra de Samy Benmayor. En el ámbito del arte lúdico las investigaciones realizadas por Hans George Gadamer, Howard Gardner, Huizinga, López Quintas, fundamentan la investigación, asistida por otras teorías que exploran el tema desde la filosofía, el aprendizaje, lo lúdico y el caos. La metodología de la investigación correspondió a un análisis comparativo de dos artistas como Marcel Duchamp y Samy Benmayor en el aspecto biográfico, histórico e iconográfico de su vida y obra, para establecer la existencia de una mirada lúdica de Duchamp en la obra de Benmayor