L'objet d'étude de ce mémoire est l'oeuvre du peintre japonais Shiraga Kazuo, membre du Groupe Gutai de 1954 à 1972. Ce dernier est reconnu pour sa technique particulière de peinture aux pieds. L'objectif de l'exposé est d'abord de voir comment Shiraga en est venu à utiliser ses pieds pour étendre l'huile sur la surface de la toile. C'est en poursuivant cette logique picturale acquise par l'artiste au début des années cinquante qu'il est possible d'interpréter deux performances de Shiraga, Veuillez entrer s'il vous plaît et Défier la boue. Le mémoire se penche aussi sur les filiations et influences de la technique de peinture corporelle employée par l'artiste. L'étude représente de plus la première tentative d'explorer la dimension spirituelle de l'oeuvre de Shiraga Kazuo, lui qui est devenu prêtre laïc de l'École Tendai en 1971. Les arguments proposés dans cette partie de l'exposé visent à exprimer l'accomplissement des théories du peintre dans les pratiques ésotériques du Tendai. La pensée esthétique de Friedrich Wilhelm Nietzsche est employée tout au long du mémoire afin d'arranger les hypothèses des différents chercheurs du domaine en un tout cohérent et signifiant. Les paroles de l'artiste lui-même sont augmentées de la terminologie nietzschéenne, plus précisément du discours sur l'ivresse dionysiaque articulé dès La naissance de la tragédie (1872). C'est en la personne de Mishima Yukio, l'un des auteurs japonais les mieux connus, et parmi les plus controversés, du vingtième siècle, que devient réalisable l'association de la pensée nietzschéenne et de la vision artistique de Shiraga. Nietzsche suit le parcours proposé par l'exposé jusque dans l'étude des parallèles entre art et bouddhisme, lui qui a développé une philosophie de l'existence qui s"approche, en certains points, de la doctrine orientale. Le mémoire se donne pour objectif de répondre à la question suivante: comment l'oeuvre de Shiraga Kazuo peut-elle se transformer et changer de nature tout en conservant une étonnante constance formelle et technique? Cette transformation s'effectue par I'adoption de modèles classiques et ancestraux, vêtements, ou masques, que Shiraga revêt après avoir dépouillé sa peinture de tous ses artifices. Entre avant-gardisme et traditionalisme, Shiraga fait de la contradiction le moteur de son action picturale, une contradiction qui trouve finalement sa source dans l'union des deux forces opposées, mais complémentaires, que sont Apollon et Dionysos. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Shiraga, Gutai, Bouddhisme, Nietzsche, Ivresse, Mishima.

Cette thèse envisage le phénomène du livre d'artiste tel qu'il se développe dans sa relation à la notion et à la pratique d'exposition depuis les années 1960. L'exposition est ici considérée selon un double point de vue : d'une part comme le dispositif institutionnel le plus courant de manifestation de l'art ; d'autre part comme une fonction se rapportant à la visibilité des oeuvres. Il apparaît alors que les livres et les éditions d'artistes peuvent s'appréhender entre pratiques alternatives à l'exposition et pratiques d'exposition alternatives. Pratiques d'exposition alternatives dans la mesure où le livre et l'imprimé sont potentiellement des modes de visibilité de l'art ; pratiques alternatives à l'exposition parce que ce moyen de visibilité est très différent de ce que l'on nomme usuellement une exposition. À travers l'étude de cette tension dialectique entre l'édition et l'exposition, il s'agit de préciser quelle est l'économie artistique et quelles sont les conditions de réception esthétique que proposent les livres et les éditions d'artistes, et ainsi de comprendre en quel sens et à l'égard de quelles normes ou de quelles instances ils ont une valeur dite " alternative ". De la sorte, il est également question de la place qu'occupentles livres d'artistes dans le système de l'art contemporain et des effets qu'ils exercent sur celui-ci

Thèse (M. A.)--Université Laval, 2009. / Programme de maîtrise sur mesure en études culturelles en art et littérature pour l'obtention du grade de Maître ès arts (M. A.). "La présente recherche a donc débuté en janvier 2004 sous la direction de David Karel de département d'histoire de l'art et sous la codirection de Denis Saint-Jacques du département de littérature, tous deux à la Faculté des Lettres de l'Université Laval. Suite au décès de David Karel en août 2007, Laurier Lacroix, professeur en histoire de l'art à l'Université du Québec à Montréal, a bien voulu assurer la relève"--P. vii. Bibliogr.: f. 165-181. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.

Autrefois, faire Le Grand Tour signifiait de s'embarquer dans un long pèlerinage culturel à travers le continent européen. Ce voyage constituait un rite de passage pour tout jeunes bourgeois voulant élever ses centres d'intérêt et s'imprégner des bases de la société occidentale. Ironiquement, c'est aussi le nom donné à ce texte et à l'exposition qu'il l'accompagne puisqu'il a - comme Le Grand Tour - l'ambition de faire du voyage un prétexte à l'éducation. L'objectif n'est pas de faire du Grand Tour une thématique, mais d'y voir une amorce à la réflexion. Le voyage prend donc dans ce mémoire une vocation allégorique qui se décline à travers différents temps, différents lieux et différentes matérialités de l'image. Si l'exposition constitue la manifestation physique d'un parcours fictif, ce texte ci-présent cherche plutôt à en retracer l'itinéraire. Il s'attarde d'abord au caractère a-hiérarchique de la photographie, à la décomposition de l'image vidéographique et à l'appropriation des images que l'on retrouve sur le web. Il tisse ensuite des liens entre le regard, le récit, la narration et le déplacement. Finalement, il s'intéresse aux modes d'organisation par lesquels se regroupent les images dans ma pratique, c'est-à-dire, par la mise en espace et par le livre.

Dans cette thèse, nous montrons dans quelle mesure les pratiques culturelles alternatives, que nous appelons off, participent au développement des grandes métropoles, tout comme cela a été démontré avec la culture institutionnelle, que nous appelons in.<br /> <br />Il est couramment admis que la culture est un élément qualifiant dans la concurrence inter-urbaine et est essentielle à la construction de l'image d'une métropole. En effet, la diversité et la qualité de l'offre culturelle et artistique sont des atouts pour attirer des entreprises de pointes dont les cadres sont friands et grands consommateurs de services culturels. D'autre part, l'événementiel culturel est un moteur du tourisme urbain, principalement axé autour du tourisme culturel. Enfin, la culture et l'industrie culturelle représentent aujourd'hui un secteur économique en pleine expansion, et jouent un rôle important dans le développement des grandes métropoles comme Paris, New York, Los Angeles et San Francisco...<br />En terme de développement urbain, ces phénomènes peuvent se manifester de plusieurs manières :<br />• Les lieux culturels sont programmés dans les projets urbains : dans de nombreux programmes de requalification de friches urbaines, de nouveaux équipements culturels et de loisirs ont été aménagés, devenant les portes-drapeaux de la regénération urbaine ; <br />• les artistes sont souvent des pionniers de la gentrification. A la recherche de locaux spacieux, peu onéreux et centraux, ils s'installent dans des quartiers dévalorisés, industriels ou populaires ; et peu à peu, par leur présence, revalorisent symboliquement le quartier, où de nouvelles populations, attirées par la proximité des artistes, viennent s'installer, entraînant une hausse des prix de l'immobilier. Cela a souvent pour conséquence de chasser les populations les plus pauvres dont les artistes eux-mêmes, incapables de payer les nouveaux loyers ;<br />• les espaces d'expression de la culture (musées, galeries, théâtres, patrimoine bâti...) sont les lieux visités par les touristes, devenant les symboles de la ville, reconnus internationalement.<br /><br />Ces observations portent sur ce que l'on peut considérer comme étant la culture institutionnelle, que nous appelons in. Pour notre part, nous proposons que les pratiques culturelles alternatives ou off participent elles-aussi et de manière similaire au développement urbain. Leur présence est révélatrice de la créativité et du dynamisme d'une métropole. Elle est porteuse d'une image positive pour la ville car c'est par la pluralité et la diversité des scènes et des pratiques artistiques que la culture devient un élément de la métropolisation. <br /> <br />Nous parlons de culture in et de culture off par analogie aux grands festivals où se côtoient le in et le off. Le in y est programmé et le off opportuniste et spontané ; le in s'enrichit par l'existence du off où, par une plus grande liberté, peuvent se produire les innovations ; le off a besoin du in pour justifier son existence, trouver une légitimité. Et peu à peu, le off prend le dessus sur le in, attire plus de spectateurs, devient le moteur populaire du festival. Ainsi, dans cette thèse, nous postulons que la culture off joue un rôle dans le développement urbain par complémentarité avec la culture in. <br /> <br />Pour cela, nous concentrons nos analyses autour des lieux culturels off (comme par exemple les squats d'artistes) pour montrer en quoi ils contribuent à l'attractivité d'un espace métropolitain. En effet, les lieux off sont l'inscription physique dans l'espace urbain de pratiques artistiques off. Ici, ils ne sont pas l'objet de l'étude, mais le fil conducteur, l'analyseur permettant une compréhension nouvelle des évolutions urbaines contemporaines.<br />Dans cette optique, il s'agit de construire une méthodologie adaptée et novatrice en reprenant les trois grands marqueurs du développement urbain que nous avons présentés précédemment. Ainsi, trois axes et méthodes de recherche sont mis en œuvre :<br />• La régénération urbaine. Comment les lieux culturels off sont-ils intégrés à des projets urbains ? Comment deviennent-ils des constituants d'un nouveau quartier ? Comment les aménageurs conçoivent-ils cette intégration ? Nous nous intéressons particulièrement aux discours produits par les différents acteurs impliqués pour justifier, expliquer et valoriser la présence de lieux off dans des projets d'aménagements (par exemple, l'intégration des Frigos dans la ZAC Paris-Rive gauche). <br />• La gentrification. Dans quelle mesure des lieux off (comme les squats d'artistes) participent-ils à la revalorisation symbolique d'un quartier ? Pour cela, avons réalisé une analyse de données statistiques sur le marché immobilier parisien et des enquêtes auprès d'agents immobiliers afin de comprendre la perception, par des acteurs centraux du marché immobilier, de la présence d'artistes dans un quartier. <br />• Le tourisme urbain. Les squats d'artistes et d'autres éléments de la culture off sont-ils des lieux touristiques ? Participent-ils à l'image touristique des villes ? Pour mettre en évidence cela, nous étudions la construction de l'image touristique des villes à travers une analyse sémiotique de différents guides touristiques. En effet, le guide touristique constitue en soi un corpus intéressant, quoique négligé, pour analyser l'image construite d'un lieu. Il ne reflète pas la réalité du lieu, mais construit et est construit par l'imaginaire porté par ce lieu. <br />Au travers ces trois volets, cette recherche montre comment et dans quelle mesure un lieu off, peut participer au développement urbain. La coexistence des cultures in et off est essentielle à l'effervescence créative d'une métropole, à la fois révélatrice et symbole du dynamisme métropolitain.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de certains documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal. To respect the reproduction rights and copyrights, the electronic version of this thesis was stripped of images and audiovisuals. The integral version has been left with Documents Management and Archives Service at the University of Montreal. / Selon la sociologue Nathalie Heinich, l'éclatement actuel des pratiques artistiques a profondément modifié les stratégies de singularisation qui constituent, depuis Van Gogh, un impératif incontournable pour l'artiste moderne. Un des changements concerne la personne de l'artiste, qui se prend fréquemment lui-même pour sujet de ses oeuvres. Beaucoup de pratiques contemporaines, notamment celles qui adoptent le mode de la performance, reposent en effet sur des mises en scène de soi et servent de prétextes au déploiement de mythologies personnelles. Sophie Calle appartient à cette tendance puisque sa production opère un brouillage systématique entre sa vie et son art, entre la vérité et l'invention. Son oeuvre se développe sous l'égide des doubles jeux: chassés-croisés de moyens de diffusion (expositions/livres d'artiste), de médiums (performances/documents visuels), de voix auctorielles entremêlées (Calle/Auster). Prenant appui sur À suivre..., une publication qui reprend, en les complexifiant, des performances antérieures basées sur des opérations de filature (Suite vénitienne et La filature), le présent mémoire s'inspire des écrits de Philippe Lejeune et de Vincent Colonna pour débusquer la pulsion autofictionnelle à l'oeuvre dans ce type de projet à prétention autobiographique. Les ruses intertextuelles, incluant les discordances entre l'écrit et l'image photographique, servent à illustrer le propos. En s'inspirant des considérations de Maxence Alcalde sur l'artiste opportuniste, qui constitue selon cet auteur un des modèles du créateur contemporain, le mémoire examine la distance qui s'est instaurée entre cette figure et celle du Grand Singulier incarnée à l'origine du modernisme par Vincent Van Gogh. / Nathalie Heinich examines how the current diversity of artistic practices deeply modified the way artists singularise and assert themselves on the contemporary art scene. Going back to Van Gogh, the figure of the artist itself has taken precedence over the work, notably in the literature created by critics and biographers, despite the fact that the works themselves may very well be self-referential. A number of contemporary practices, notably those emanating from performance art, rely on a theatricalisation of the self, a mythologisation even. Among them, Sophie Calle constantly blurs the distinction between art and personal life, between fiction and reality. Her work entails various double games such as media and medium crossovers (exhibition/artist book; performance/visual documentation), recycling, publicity stunts and blurrings of authorship. This thesis examines À suivre…, a book by the artist that refers to previous performances (followed by exhibitions) on her favorite theme of tracking (Suite vénitienne and La filature). Philippe Lejeune and Vincent Colonna’s arguments are summoned to highlight the fictional impulse that inhabits works with an autobiographical pretension – writing strategies and play between illustrations (photographs) and text in Calle’s production demonstrate that. In light of Maxence Alcalde’s theorisation of the opportunistic artist, a figure he considers to be emblematic of the contemporary art scenes and markets, a great distance is revealed with Heinich’s Grand Singulier, a paradigmatic figure of the modernist artist.

Cette thèse a pour objet d’étude les processus d’élaboration de nouveaux ballets dans les compagnies de répertoire. À travers une enquête internationale, elle se propose d’interroger dans une perspective sociologique la situation de création spécifique qui est celle des chorégraphes de formation classique, insérés dans des institutions vouées principalement à l’entretien d’un répertoire d’œuvres existantes. Leurs trajectoires professionnelles et les différences genrées qu’elles mettent en évidence y sont élucidées, ainsi que la dimension fondamentalement collective d’un travail artistique qui implique la coopération d’autres acteurs, notamment les interprètes et les répétiteurs. À partir des formes d’incorporation et de circulation du mouvement, des logiques de création se dégagent, qui permettent d’interroger la nature de l’autorité créative du chorégraphe.Appuyé sur l’observation des répétitions de cinq créations au Ballet du Bolchoï, au Ballet de l’Opéra de Paris, à l’English National Ballet et au New York City Ballet, ce travail est complété par 29 entretiens et une base de données recensant toutes les créations des compagnies étudiées entre 2000 et 2016. Ces données croisées permettent de faire ressortir l’imaginaire commun qui sous-tend le travail des chorégraphes au XXIe siècle, les différences entre les quatre pays ainsi que les tensions propres à une forme de création identifiée comme classique. / Creativity within classical art forms is often underrated, and little is known about what it takes to craft a new ballet. This thesis explores the process of making new works in ballet companies today from a sociological perspective. Drawing on original field work in four countries, it looks at the specificity of the creative endeavours of ballet-trained choreographers, who work in institutional contexts where creation is allowed only limited space in comparison to the existing repertoire. The career trajectories of classical choreographers are addressed along with gender biases in the field. An in-depth look at the ways in which movement is shared, shaped and incorporated in the studio reveals the collective nature of creative processes which closely involve dancers and ballet masters.In addition to sustained periods of observation related to five creations at the Bolshoi Ballet, English National Ballet, New York City Ballet and the Paris Opera Ballet, the data gathered includes 29 interviews and a database listing every ballet created by the four companies above between 2000 and 2016. These findings shed light on the classical imaginary – a network of images and models, I argue, underpinning the work of 21st-century ballet choreographers – and highlight the complexity of classical artistic identities today.

Cet essai s'inspire des diagrammes de Georges Maciunas et des corrélations qu'il a ainsi établies sur les filiations artistiques de Fluxus. Ces oeuvres, comme les entrevues que Maciunas a accordées aux médias, ont déterminé la perception que nous avons aujourd'hui de cette entité artistique. Nous référons donc à plusieurs endroits aux articles de journaux et aux entrevues parues dans la période où Maciunas était vivant, car ceux-ci viennent confirmer que Maciunas a proposé une certaine histoire de Fluxus et qu'elle a été adoptée. Nous questionnerons donc certains acquis au sujet de Fluxus, dont l'idée que ces artistes étaient des « misfits » dans leur époque. Nous revisitons l'histoire du XXe siècle, inspirés par les liens que Maciunas effectue dans ses diagrammes. Puis, nous mettons en contexte les théories des contemporains de Fluxus, comme celles des historiens et commentateur plus récents qui ont élaboré de nouvelles emprises, parfois relationnelles, parfois contextuelles, sur ces oeuvres au départ dites conceptuelles. En croisant les différentes sources aux oeuvres de Fluxus, il se dégage un portrait de ce regroupement d'artistes qui fait ressortir leur attachement à l'avant-garde artistique du XXe siècle tout comme l'influence qu'ils ont eue sur l'évolution de l'art conceptuel, puis de l'art relationnel et contextuel. Nous en concluons que Fluxus s'est imposé comme façon de faire et continue aujourd'hui à nourrir la réflexion sur ce qu'est l'art. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Fluxus, George Maciunas, Yoko Ono, Avant-garde, Art conceptuel, Art relationnel, Art contextuel, Art du XXe siècle.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.