Les écrits de Georges Bataille gravitent autour de l’expérience « intérieure » — expérience vécue là où s’effondre le discours. Cette mise en question du langage donne lieu au paradoxe puisque « dire l’indicible » demeure dans le langage. Face à un tel écueil, il fallait à l’écrivain une stratégie particulière où nous identifions deux méthodes : la dramatisation et le mot glissant. En explorant ces pistes, notre étude se propose de clarifier la stratégie langagière bataillienne (ou écriture « mineure ») pour dégager dans l’œuvre « l’expérience du langage » composée de deux mouvements opposés, à savoir l’émergence du langage et le retour à l’indicible. Pour cela, notre corpus se constitue à partir de textes encore peu connus : La Maison brûlée, Le Petit, Le Mort et La Tombe de Louis XXX. En premier lieu, la dramatisation signifie la procédure de la méditation et le genre dramatique, la fiction opérant dans les deux cas. L’avant-texte de La Maison brûlée, scénario d’un film jamais tourné, présente ainsi dans sa genèse les techniques de la monstration qui dramatisent le mouvement descendant de la chute et de la matière basse. Ensuite, le mot glissant est illustré par le terme « silence », prononcé pour annoncer sa propre mort. Ce mouvement de glissement s’observe dans Le Petit, à travers le style fragmentaire ou les signes de ponctuation. D’ailleurs, pour finir, ce glissement, dont nous interrogeons la consistance, se révèle intrinsèque au présent linguistique en jeu dans Le Mort et La Tombe de Louis XXX. Car l’écriture de Bataille met en scène l’instant présent, cristallisant le passage du discours à l’indicible. / Georges Bataille’s writing gravitates towards, what he calls, the ‘inner’ experience, an experience in which discourse breaks down. Thus, the language, generally denounced, leads to a paradox as long as it remains the language used to ‘speak the unspeakable’. This aporia compels Bataille to devise original writing strategies that are embodied in two methods—dramatization and the ‘slippery word’ (le mot glissant). Considering this, our study clarifies his linguistic strategies (or ‘minor’ writing) to reach his ‘experience of language’, which consists of two opposite movements: the emergence of language and the return to the unspeakable. To this end, our corpus is based on La Maison brûlée, Le Petit, Le Mort and La Tombe de Louis XXX, texts which are still little-known. In Bataille’s work, the term ‘dramatization’ refers to a specific procedure of contemplation and to the drama; fiction participates in both. In particular, the avant-texte of La Maison brûlée, an abandoned movie script, includes techniques for the onscreen projection of images of falling that use both characters and ‘base material’ (matière basse). The second method, the slippery word, is exemplified by the term ‘silence’, which is pronounced only to announce its own death. This movement of the slippery word can be observed in Le Petit, with its fragmentary style or punctuation marks. Moreover, as analysed, the slipping motion turns out to be intrinsic to the present tense, as observed in Le Mort et La Tombe de Louis XXX. Bataille’s writings depict the present moment, crystallizing the passage from the discourse to the unspeakable.

Le rapport occidental moderne au sacré s’est transformé de façon importante au 20e siècle avec le processus de sécularisation. Cette désagrégation d’un sacré traditionnel laisse un vide – principalement existentiel et spirituel – là où auparavant certains contenus associés au sacré permettaient de se positionner dans et face à l’universel, c’est-à-dire d’occuper une place dans le monde et les institutions qui l’organisent et d’investir cette place d’un sens compris, accepté et partagé autant individuellement que collectivement. De toute évidence, un tel processus d’effritement ne s’opère pas sans restes et la littérature est un espace qui recueille ces vestiges d’un sacré en transformation, d’un sacré qui fait l’objet d’une quête. L’écriture de Cioran représente un lieu exemplaire où sont concentrés ces vestiges et elle est aussi l’outil ou le médium par lequel la quête s’effectue. Son écriture tiraillée, pétrie d’un malaise existentiel et d’un doute profond, témoigne d’un refus, pensé comme une incapacité, à souscrire aux visions traditionnelles, surannées, du sacré. Généralement considérée par la critique comme inclassable – ni tout à fait philosophique, ni tout à fait littéraire – l’œuvre de Cioran souligne pourtant l’importance de la littérature comme modalité de l’esprit. Cette œuvre met en lumière le rôle de la littérature pour la pensée dans la mesure où elle est un espace qui permet d’accueillir la pensée en quête d’un sacré hors-cadre, en même temps qu’elle se fait le moyen d’une recherche plus libre, plus personnelle, du sacré. La littérature devient donc le réceptacle autant que le moyen d’une quête pleinement existentielle, une quête qui n’est ni représentée ni confessée, mais bien mise en scène, c’est-à-dire dramatisée. Le « je » qu’on retrouve partout dans l’œuvre de Cioran n’est pas le « je » d’une confession, mais bien un « je » narratif qui n’équivaut pas au « je » de l’écrivain. C’est précisément dans le décalage lié à la dramatisation qu’apparaît le paradoxe propre au savoirparticulier que porte la littérature: soit ce caractère personnel, incarné, particulier qui devient le véhicule d’une expérience universelle dans la mesure où elle a le pouvoir ou le potentiel d’abriter l’expérience personnelle d’un lecteur qui performe, pour lui-même, le texte. En ce sens, écriture et lecture sont """! imbriquées, comme deux faces d’une même réalité, dans cette quête d’un sacré qui se produit chez Cioran dans un espace d’exception, en dehors des institutions. À partir de l’exemplarité de l’œuvre cioranienne, cette thèse propose une réflexion qui porte sur la littérature comme mode d’inscription des vestiges du sacré ainsi que comme manifestation et moyen d’une quête d’un sacré débarrassé des balises institutionnelles, et qui tente de mettre en lumière le type de savoir propre à la littérature sous l’angle précis de la dramatisation littéraire dans le contexte particulier de cette quête. / The secularization process characteristic of 20th century Western thought has wrought profound change in our modern view of the sacred. Indeed, The disintegration of traditional representations of the sacred has left a mainly existential and spiritual void where, previously, certain contents of these representations allowed one to find a personal space in relation to, and within, the Universal – in other words, to find one’s place in the world and its organizing institutions – and to invest such a space with shared, accepted and understood meaning. However, this decaying process is not without producing a residual which literature can gather: vestiges of a sacred in transformation – a sacred which also remains the object of a search. Cioran’s writing is exemplary in this respect. Not only is it a depository for the remains of the sacred, it is also the tool or the medium, the striving path of its pursuit. His torn writing, ridden with existential angst and profound doubt, bears witness to a refusal – presented as an inability – to subscribe to outdated traditional representations of the sacred. Neither completely philosophical nor literary, thereby generally considered unclassifiable by scholars, Cioran’s oeuvre brings attention to the importance of literature as a modality of the mind. Cioran’s oeuvre brings to light literature’s role within thought as a space where a search for a sacred that lies beyond its traditional framework might manifest itself, but also as a means of undertaking a freer, more personal, search for the sacred. Literature thus becomes as much a receptacle as a means of a wholly existential quest that is neither represented nor confessed, but acted out. The “I” found throughout Cioran’s works is not the “I” of a confession, but the “I” of a narrative, which is not to say it is the “I” of the author. It is precisely in the gap created by dramatization that arises the paradox inherent to the particular knowledge literature conveys: the personal, incarnate, particular character of this knowledge becomes the vehicle for a universal experience which has the power or potential of harboring the reader’s personal experience as he performs – or acts out, #! as it were – the text for himself. In this sense, reading and writing are intertwined – are two sides of a single reality – in this quest for a sacred that comes forth, in Cioran’s thought, in this space of exception, outside of institutions. Taking as its starting point the exemplarity of Cioran’s oeuvre in these respects, this thesis proposes a reflection on literature as a mode of inscription of what remains of the sacred, as well as a manifestation and a means of a yearning or a quest for the sacred unhindered by institutional boundaries. It aims thereby to shed light on the type of knowledge peculiar to literature by taking into account the literary dramatization that takes place in the context of this search.

This thesis analyses the dramatizations of larger epic units, which have appeared on the Czech national (or regional) shows of children's theatre since 1989. After characterizing the role of dramatic text created for the theatre played by children, the work attempts to establish the evaluation criteria for the dramatization of the investigated area. With regard to the artistic and educational objectives, the work compares the composition, language and thematic basis of selected texts. At the centre of attention are those means of adaptation which acquire particular significance especially in connection with a child actor; ways of creating adult characters, the depiction of the inner world of children's heroes etc. The main task of this text analysis is to answer the question about how far the authors were able to get within the narrow borders brought on by focusing on child actors up to fifteen years of age.

Le rapport occidental moderne au sacré s’est transformé de façon importante au 20e siècle avec le processus de sécularisation. Cette désagrégation d’un sacré traditionnel laisse un vide – principalement existentiel et spirituel – là où auparavant certains contenus associés au sacré permettaient de se positionner dans et face à l’universel, c’est-à-dire d’occuper une place dans le monde et les institutions qui l’organisent et d’investir cette place d’un sens compris, accepté et partagé autant individuellement que collectivement. De toute évidence, un tel processus d’effritement ne s’opère pas sans restes et la littérature est un espace qui recueille ces vestiges d’un sacré en transformation, d’un sacré qui fait l’objet d’une quête. L’écriture de Cioran représente un lieu exemplaire où sont concentrés ces vestiges et elle est aussi l’outil ou le médium par lequel la quête s’effectue. Son écriture tiraillée, pétrie d’un malaise existentiel et d’un doute profond, témoigne d’un refus, pensé comme une incapacité, à souscrire aux visions traditionnelles, surannées, du sacré. Généralement considérée par la critique comme inclassable – ni tout à fait philosophique, ni tout à fait littéraire – l’œuvre de Cioran souligne pourtant l’importance de la littérature comme modalité de l’esprit. Cette œuvre met en lumière le rôle de la littérature pour la pensée dans la mesure où elle est un espace qui permet d’accueillir la pensée en quête d’un sacré hors-cadre, en même temps qu’elle se fait le moyen d’une recherche plus libre, plus personnelle, du sacré. La littérature devient donc le réceptacle autant que le moyen d’une quête pleinement existentielle, une quête qui n’est ni représentée ni confessée, mais bien mise en scène, c’est-à-dire dramatisée. Le « je » qu’on retrouve partout dans l’œuvre de Cioran n’est pas le « je » d’une confession, mais bien un « je » narratif qui n’équivaut pas au « je » de l’écrivain. C’est précisément dans le décalage lié à la dramatisation qu’apparaît le paradoxe propre au savoirparticulier que porte la littérature: soit ce caractère personnel, incarné, particulier qui devient le véhicule d’une expérience universelle dans la mesure où elle a le pouvoir ou le potentiel d’abriter l’expérience personnelle d’un lecteur qui performe, pour lui-même, le texte. En ce sens, écriture et lecture sont """! imbriquées, comme deux faces d’une même réalité, dans cette quête d’un sacré qui se produit chez Cioran dans un espace d’exception, en dehors des institutions. À partir de l’exemplarité de l’œuvre cioranienne, cette thèse propose une réflexion qui porte sur la littérature comme mode d’inscription des vestiges du sacré ainsi que comme manifestation et moyen d’une quête d’un sacré débarrassé des balises institutionnelles, et qui tente de mettre en lumière le type de savoir propre à la littérature sous l’angle précis de la dramatisation littéraire dans le contexte particulier de cette quête. / The secularization process characteristic of 20th century Western thought has wrought profound change in our modern view of the sacred. Indeed, The disintegration of traditional representations of the sacred has left a mainly existential and spiritual void where, previously, certain contents of these representations allowed one to find a personal space in relation to, and within, the Universal – in other words, to find one’s place in the world and its organizing institutions – and to invest such a space with shared, accepted and understood meaning. However, this decaying process is not without producing a residual which literature can gather: vestiges of a sacred in transformation – a sacred which also remains the object of a search. Cioran’s writing is exemplary in this respect. Not only is it a depository for the remains of the sacred, it is also the tool or the medium, the striving path of its pursuit. His torn writing, ridden with existential angst and profound doubt, bears witness to a refusal – presented as an inability – to subscribe to outdated traditional representations of the sacred. Neither completely philosophical nor literary, thereby generally considered unclassifiable by scholars, Cioran’s oeuvre brings attention to the importance of literature as a modality of the mind. Cioran’s oeuvre brings to light literature’s role within thought as a space where a search for a sacred that lies beyond its traditional framework might manifest itself, but also as a means of undertaking a freer, more personal, search for the sacred. Literature thus becomes as much a receptacle as a means of a wholly existential quest that is neither represented nor confessed, but acted out. The “I” found throughout Cioran’s works is not the “I” of a confession, but the “I” of a narrative, which is not to say it is the “I” of the author. It is precisely in the gap created by dramatization that arises the paradox inherent to the particular knowledge literature conveys: the personal, incarnate, particular character of this knowledge becomes the vehicle for a universal experience which has the power or potential of harboring the reader’s personal experience as he performs – or acts out, #! as it were – the text for himself. In this sense, reading and writing are intertwined – are two sides of a single reality – in this quest for a sacred that comes forth, in Cioran’s thought, in this space of exception, outside of institutions. Taking as its starting point the exemplarity of Cioran’s oeuvre in these respects, this thesis proposes a reflection on literature as a mode of inscription of what remains of the sacred, as well as a manifestation and a means of a yearning or a quest for the sacred unhindered by institutional boundaries. It aims thereby to shed light on the type of knowledge peculiar to literature by taking into account the literary dramatization that takes place in the context of this search.

Η εργασία έχει ως στόχο να διερευνήσει τον βαθμό και τον τρόπο με τον οποίο η θεατρική αγωγή μπορεί να αποβεί χρήσιμη για τη διδασκαλία της Αρχαίας και της Νέας Ελληνικής Γλώσσας και Γραμματείας στη Δευτεροβάθμια Εκπαίδευση. Με βάση το θεωρητικό υπόβαθρο του ‘δράματος στην εκπαίδευση’ ως μεθοδολογίας για τη διδασκαλία των φιλολογικών μαθημάτων, η διερευνητική εμπειρική μελέτη που ακολούθησε στηρίχθηκε στην επιλεκτική εφαρμογή θεατρικών τεχνικών και συμβάσεων, λαμβάνοντας ωστόσο υπόψη και τους περιορισμούς της σχολικής πραγματικότητας (έλλειψη εξοικείωσης των μαθητών αλλά και των φιλολόγων με τη θεατρική αγωγή, περιορισμένος διδακτικός χρόνος κλπ.). Η γνωριμία με το αντικείμενο της θεατρικής αγωγής αποτέλεσε βασικό κριτήριο σχεδιασμού της έρευνας, ενώ την ίδια στιγμή γινόταν μέσο για τη διδασκαλία των φιλολογικών μαθημάτων. Στη δραματοποίηση κατά τη διδασκαλία συγκεκριμένων διδακτικών ενοτήτων, η οποία έλαβε χώρα σε συνεργασία με τον φιλόλογο του εκάστοτε τμήματος αλλά πάντα με την παρουσία της γράφουσας ως βασικής εμψυχώτριας, συμμετείχαν 1040 μαθητές και 30 φιλόλογοι, από όλες τις τάξεις του Γυμνασίου και του Λυκείου (διαφορετικών τύπων σχολείων) από το Νομό του Ηρακλείου Κρήτης. Στα ερωτηματολόγια, τα οποία δίνονταν ύστερα από τη διεξαγωγή κάθε διδασκαλίας, απάντησαν 768 μαθητές και όλοι οι φιλόλογοι. Τα αποτελέσματα κατηγοριοποιήθηκαν και αναλύθηκαν στατιστικά (για την επαγωγική ανάλυση των δεδομένων χρησιμοποιήθηκε το κριτήριο x2). Η πλειονότητα των μαθητών και των φιλολόγων διατύπωσε πολύ θετική γνώμη για τη διδασκαλία των φιλολογικών μαθημάτων μέσα από τις θεατρικές τεχνικές, ενώ απέδωσε την αποτελεσματικότητά της στα εξής: κατανόηση και αφομοίωση του μαθήματος, το οποίο έγινε πιο ευχάριστο, καλλιέργεια επικοινωνίας και συνεργασίας μεταξύ των μαθητών, δημιουργική αλλαγή στη σχέση μαθητή – φιλολόγου, επίδρασή της στην απόδοση των μαθητών, ενεργή και αυτόβουλη συμμετοχή όλων (και δη των ώς τότε χαρακτηριζόμενων ως αδιάφορων ή αδύναμων μαθητών) στο μάθημα, καλλιέργεια δεξιοτήτων και ενδιαφερόντων σε σχέση με το αντικείμενο διδασκαλίας. Τα αποτελέσματα μελετήθηκαν με βάση το φύλο των μαθητών, τη σχολική βαθμίδα, το είδος του σχολείου και το συγκεκριμένο φιλολογικό μάθημα. Η ερμηνεία των αποτελεσμάτων οδηγεί στο συμπέρασμα ότι, εφόσον υπάρχει κατάλληλος σχεδιασμός, η δραματοποιημένη διδασκαλία των φιλολογικών μαθημάτων μπορεί να αποβεί ωφέλιμη για την επίτευξη των ειδικών στόχων των συγκεκριμένων μαθημάτων αλλά και των γενικότερων σκοπών της εκπαίδευσης. / This research investigates the level and way with which theatre education can be useful for the teaching of the Ancient and Modern Greek Language and Literature in Secondary Education. Based on the theoretical background of drama in education as a methodology for the teaching of the philological lessons, the exploratory research derived from the selective application of theatre techniques and conventions taking into account both the limitations of the current conditions of Secondary Education (the lack of familiarization of both the students and philologists in theatre’s education, limited didactic time etcetera). The acquaintance with the subject of theatre education constituted basic criteria for the research planning, while at the same time became a medium for the teaching of philological subjects. During the application of dramatization in the teaching of specific didactic units, which took place in collaboration with the philologist of each class but always with the presence of the existing writer as the basic drama teacher, 1040 students and 30 philologists participated, coming from all the six classes of Greek gymnasium and lyceum (varying in school types) from the prefecture of Heraclion-Crete. The questionnaires given after each class were answered by 768 students and all the philologists. The results were categorized and analyzed statistically (for the inductive analysis of data, the criterion used was x2). The majority of students and philologists expressed a positive opinion for the teaching of the philological lessons through theatre techniques, while they attributed its effectiveness on: comprehension, assimilation of the class which became more pleasant, cultivation of communication and collaboration between students, creative change in the relationship between student and philologist and its effect on students output, active and voluntary participation (including the students characterized as “weak”), cultivation of skills and interests in relation to the subject of teaching. The results were studied based on the gender of students, the school level, the school type and the specific philological subject. The interpretation of the results concludes that as long as there is a specific planning, the dramatization of teaching the philological subjects can be effective for the realization of the achievement of specific goals of these subjects and for the general aims of education (paideia).

La théâtralité, idée apparue avec les avant-gardes théâtrales au début du XXe siècle puis théorisée dans les années 1960, connaît un net regain d'intérêt chez nombre d'artistes contemporains : si la notion naît chez les praticiens et théoriciens du théâtre pour distinguer celui-ci de la littérature ou du cinéma et le fonder comme un art autonome, c'est dans le champ des arts visuels que sa vitalité est aujourd'hui la plus remarquable, qu'elle soit utilisée comme une référence positive au théâtre ou dans une optique "théâtrophobique". Thématiques ou structurels, ces emprunts montrent que la théâtralité ne peut plus être pensée à l'intérieur du strict champ du théâtre comme elle l'était à ses origines. Traçant tant un historique des emplois de la notion chez les théoriciens et critiques qu'un panorama de ses manifestations dans des créations actuelles, le présent travail entend examiner la façon dont une partie de l'art contemporain, c'est-à-dire des pratiques non théâtrales au sens strict, est devenue une autre scène pour le théâtre - comme si les artistes trouvaient en ce "non-art" archaïque et tout à fait particulier un paradigme ou un anti-paradigme permettant de repenser à la fois leur propre médium, les modes de représentation et la place du spectateur. Nous souhaiterions aller ainsi à l'encontre des discours proclamant la fin des spécificités artistiques et la mort (incessante) du théâtre en montrant la pérennité manifeste de celui-ci dans d'autres champs, non pas nécessairement en tant que forme pure mais parce qu'il fournit un schème solide - cette théâtralité, aussi labile qu'essentielle, qui fonderait aujourd'hui, par un intéressant jeu de va-et-vient entre les pratiques qui l'engagent, un axe fort pour penser la contemporanéité du théâtre. / The idea of theatricality appeared in the context of avant-garde theater at the beginning of the XXth century, was theorised in the 1960s, and has recently been a subject of renewed interest for numerous contemporary artists. The notion was originally created by theater practitioners and theorists to distinguish it as an autonomous art form, different from literature or film. Currently, it is in the field of visual art that theatricality is most vital, explored either as a positive reference to theater or a more negative "theatrophobic" stance. These allusions, whether thematic or structural, illustrate that theatricality can no longer be strictly confined to the field of theater. Taking into account the notion's historical applications and elaborating a panorama of its manifestations, this study examines how several non-theatrical contemporary art practices have become another stage for the theater. It is as if certain artists found in this archaic and unique "non-art" a paradigm or an anti-paradigm, stimulating new approaches vis à vis their own mediums, representational modalities and the spectator's position. This study challenges discourses that ignore each art's defining characteristics and that claim the (incessant) death of theater by illustrating the continual appearance of the later in other artistic domains. Pure theatrical form is not necessarily questioned in these works; however, theater provides a solid model. This "famous" theatricality is as mutational as it is fundamental and establishes - through an interesting play between the different practices that engage it - a key field for reflecting the contemporaneity of theater.

The diploma thesis is focused on the transmediality and adaptation phenomena and on the process of adaptation translation into the performative medium, a movie. The phenomena are grounded in the academical background, and their origin and historical development of their studies are contained in the theoretical part of the thesis. Furthermore, the different approaches to evaluation of the final product of the adaptation process are analyzed and it is explained that the evaluation of the adaptation is not bound by the fidelity criteria, but rather the overall transformation of the original message into the new media, in this case a movie. Due to these findings, the method of qualitative comparative analysis was used for the analytical part of the thesis. The qualitative research was focused mainly on the adaptation shifts as defined by Katerina Perdikaki, modulation, modification, mutation. Four biographical books of well- known personalities and their subsequent movie adaptations were analyzed. From these stories, four key moments were chosen to be used for the qualitative comparative analysis in order to research the adaptation shifts in the individual stories and their impact on the process of the creation of the adaptation and the final performative piece. The sample of the books was carefully...

<p>Докторска теза Драмска и<br />луткарска активност у наставној и<br />ваннаставној пракси Српског језика и<br />књижевности у основној школи замишљена<br />је као књижевно-методичко истраживање<br />које има за циљ да истакне значај драме и<br />луткарства у наставној и ваннаставној<br />пракси; да истакне значај и утицај драме и<br />луткарства у редовној настави; да прикаже<br />рад драмске и луткарске секције и њихов<br />значај, као и значај који драма и луткарство<br />имају за ученике у ваннаставном процесу, а<br />све то кроз принципе диференциране наставе<br />и кроз примену теорије синхроницитета.<br />Рад је заснован на примерима и<br />искуствима из&nbsp;праксе, а кроз примену дијалошке методе (слободан разговор:</p><p>дискусија, полемика), рада на тексту,<br />демонстративне методе, практичног рада и<br />радионица, кроз примену игровне<br />активности, аналитичко-интерпретативне<br />методе дошло се до резултата који показују<br />да драма и луткарство у наставном и<br />ваннаставном процесу имају значајан утицај<br />на ученике и у образовном и у васпитном<br />смислу. Применом поменутих метода као и<br />принципа диференциране наставе часови<br />редовне наставе Српског језика, као и часови<br />драмске и луткарске секције ученицима су<br />омогућили нов приступ драмским<br />књижевним делима како на пољу читања и<br />разумевања, тако и на пољу доживљавања и<br />анализе.</p> / <p>Doktorska teza Dramska i<br />lutkarska aktivnost u nastavnoj i<br />vannastavnoj praksi Srpskog jezika i<br />književnosti u osnovnoj školi zamišljena<br />je kao književno-metodičko istraživanje<br />koje ima za cilj da istakne značaj drame i<br />lutkarstva u nastavnoj i vannastavnoj<br />praksi; da istakne značaj i uticaj drame i<br />lutkarstva u redovnoj nastavi; da prikaže<br />rad dramske i lutkarske sekcije i njihov<br />značaj, kao i značaj koji drama i lutkarstvo<br />imaju za učenike u vannastavnom procesu, a<br />sve to kroz principe diferencirane nastave<br />i kroz primenu teorije sinhroniciteta.<br />Rad je zasnovan na primerima i<br />iskustvima iz&nbsp;prakse, a kroz primenu dijaloške metode (slobodan razgovor:</p><p>diskusija, polemika), rada na tekstu,<br />demonstrativne metode, praktičnog rada i<br />radionica, kroz primenu igrovne<br />aktivnosti, analitičko-interpretativne<br />metode došlo se do rezultata koji pokazuju<br />da drama i lutkarstvo u nastavnom i<br />vannastavnom procesu imaju značajan uticaj<br />na učenike i u obrazovnom i u vaspitnom<br />smislu. Primenom pomenutih metoda kao i<br />principa diferencirane nastave časovi<br />redovne nastave Srpskog jezika, kao i časovi<br />dramske i lutkarske sekcije učenicima su<br />omogućili nov pristup dramskim<br />književnim delima kako na polju čitanja i<br />razumevanja, tako i na polju doživljavanja i<br />analize.</p> / <p>PhD thesis Drama and puppet activity in<br />curricular and extracurricular practice of<br />teaching The Serbian language and literature in<br />primary school is envisioned as literarymethodological<br />research with the purpose of<br />emphasising the importance of drama and<br />puppetry in curricular and extracurricular<br />practice; emphasising the importance and<br />influence of drama and puppetry in regular<br />classes; showing the work of drama and puppetry<br />club and its importance, as well as the<br />importance of drama and puppetry for students in<br />extracurricular process, all through the principles<br />of differentiated teaching and through the<br />application of the theory of synchronicity.<br />This paper is based on the actual<br />examples and experiences, through the<br />application of dialogue method (free conversation: discussion and polemics), text</p><p>analyses, demonstrative method, practical work<br />and workshops, while applying acting games,<br />analytical-interpretative method. This showed<br />that drama and puppetry in curricular and<br />extracurricular process have a significant<br />influence on students in both educational and<br />upbringing sense. Applying the said methods, as<br />well as the principles of differentiated teaching,<br />the classes of The Serbian language, as well as<br />drama and puppetry club classes gave students an<br />entirely new approach to dramas in the field of<br />reading and understanding, as well as in the field<br />of experience and analysis.</p>

Qu’advient-il lorsqu’un dramaturge à succès se glisse dans la peau d’un chroniqueur? Comment se manifeste alors l’influence du modèle théâtral sur sa prose narrative? À une époque où la question des genres canoniques semble dépassée et où les notions d’intergénéricité et d’hybridation paraissent plus aptes à expliquer les pratiques esthétiques contemporaines, nous avons choisi de nous intéresser aux différentes modalités d’inscription de la théâtralité dans les « Chroniques du Plateau Mont-Royal » de Michel Tremblay. Notre premier chapitre se penche sur les manifestations ostensives de la théâtralité dans les six récits. Grâce au recours à des figures comme l’hypotypose et à certains procédés de distanciation comme la mise en abyme, l’adresse au lecteur et l’aparté, le lecteur assiste à une mise en œuvre récurrente du dispositif spectaculaire. Notre deuxième chapitre porte sur les procédés de dramatisation du romanesque. À travers un mouvement impétueux qui fait alterner et même cohabiter le comique et le tragique, le réel et le fantastique, le sublime et le grotesque, l’excès et le manque, l’auteur pratique non seulement le mélange des genres et des tonalités au sein de son œuvre, mais fait appel à divers procédés qui visent à produire la catharsis chez le lecteur. Notre troisième chapitre dégage les modalités de théâtralisation de la parole romanesque. Par la mise en place d’un double régime discursif, qui oscille entre l’effacement de l’énonciation auctoriale et la pulsion rhapsodique, l’auteur donne à voir une parole romanesque qui reflète les grands enjeux de l’écriture dramatique contemporaine. / What happens when a successful playwright attempts to play the part of a chronicler? How does the influence of the theatre manifest itself in his narrative prose? At a time when the question of the canonic genres seems to have become obsolete and where the notions of intergenericity and hybridism seem more apt at explaining modern esthetical practices, we chose to target the various ways in which theatricality inscribes itself in Michel Tremblay’s Chroniques du Plateau Mont-Royal. Our first chapter looks at the ostensive manifestations of theatricality in the six stories. Through recourse to figures such as hypotyposis and other distancing processe, like mise en abyme, the address to the reader and the aside, the reader witnesses a recurrent manifestation of the spectacular device. Our second chapter targets the dramatization process of the novelistic. Through an impetuous movement that makes comic and tragic, reality and fantasy, sublime and grotesque, excess and lack alternate and even cohabit, the author claims not only a mix of genres and tonality within his works but he also provokes an outbidding of processes which aim at triggering a catharsis within the reader. Our third chapter outlines the theatricality modes of the novelistic voice. Through the implementation of a double discursive regime which oscillates between the author’s self-effacement and enunciation and rhapsodisation, the writer’s novelistic word reflects the great stakes of contemporary playwriting.

Title Use of a literary text in a dramatic project Summary The work deals in its theoretical part with definition of dramaturgy; means, approaches and methodology of creative dramaturgy. What is more, it deals with possibility of using the literature (fairytale) in work with prep school children. The practical part deals with a project, which applies the fairytale text in dramaturgy in educational announcement of a prep school. It applies different dramatics, feelings and sense, pantomimic and other plays during February. The project is finally assessed with focus on affectivity of applied means, approaches and methodology of creative dramaturgy with respect to personality of the prep school children. Keywords Creative dramatist, literary text, pre-school age, drama, dramatization, pre- school education, nursery school.