Nesta pesquisa, proponho trabalhos que consistem em desenhos de híbridos entre homens e máquinas, utilizando o desenho técnico e a figura do pós-humano como suporte para reflexão, metaforizando as relações entre o homem e sua tecnologia, e a substituição de parte das experiências cotidianas pelo uso da máquina. Tratam-se de imagens digitais e linoleogravuras que apresentam diálogos e tensões entre o artesanal e o tecnológico, bem como entre a figura humana e a figura mecânica. O embasamento teórico é estabelecido a partir de definições da filosofia da técnica de Gilbert Simondon em diálogo com apontamentos de Edmund Couchot e Vilém Flusser. Apontamentos sobre o ciborgue são debatidos a partir de Haraway, Santaella e Novaes. Hoelscher, Springer, Dobrovolny e Belofsky contribuem com referenciais históricos e definições sobre o desenho técnico, em diálogo com observações realizadas em registros de patentes de época. Ainda são abordadas obras de artistas como Stelarc, Albrecht Dürer, Da Vinci, Regina Silveira e Rubem Grilo, como referenciais poéticos que estabelecem relações com a presente produção plástica. Procuro, deste modo, estabelecer proposições dentro do campo da gravura, do desenho técnico e de linguagens híbridas, contribuindo para ampliar a construção do conhecimento no campo das artes visuais. / In this research, I propose works that consist of hybrid designs for men and machines, using technical drawing and figure the posthuman as support for reflection, Indulging in metaphor the relationships between humans and their technology, and replacing part of everyday experiences when using machine. These are digital images and linoleum engraving which feature dialogues and tensions between craft and technology, as well as between the human figure and the figure mechanics. The basement is established by the theoretical literature from definitions of technical philosophy of Gilbert Simondon in dialogue with notes of Edmund Couchot and Flusser. Notes on the cyborg are discussed from Haraway, Santaella and Novaes. Hoelscher, Springer, Dobrovolny and Belofsky contribute with historical references and definitions of the technical drawing in dialogue with observations made in patent registers. Are still considered works of artists such as Stelarc, Albrecht Dürer, Da Vinci, Regina Silveira and Rubem Grilo as poetic references that establish dialogue with this plastic production. Try, thereby establishing propositions within the field of printmaking, technical drawing and hybrid languages, contributing to enlarge the construction of knowledge in the field of visual arts.

FundaÃÃo Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e TecnolÃgico / FundaÃÃo de Amparo à Pesquisa do Estado do Cearà / Em 1982, o artista plÃstico Arlindo Daibert elabora uma sÃrie de vinte xilogravuras inspiradas no romance Grande SertÃo: veredas, de JoÃo GuimarÃes Rosa. Adotando uma postura de tradutor, Arlindo Daibert investiga as possibilidades de recriaÃÃo a partir do ponto de vista da mudanÃa de linguagens. As tensÃes entre palavra e imagem, escritura e oralidade, tÃo latentes na obra de Rosa, ganham relevo nas gravuras de Daibert. Nesta pesquisa, buscamos explorar essas relaÃÃes no sentido de percebÃ-las em suas confluÃncias. As imagens de Daibert nÃo tem carÃter meramente ilustrativo, mas dialogam com a obra rosiana fazendo ecoar outros nÃveis de leitura e interpretaÃÃo do texto.

O presente estudo parte de interrogações sobre o intervalo existente entre o projeto e o trajeto em arte. A idéia que persigo diz respeito à percepção do tempo vivido durante o acontecimento da criação. Tais como pontos de passagem, este tempo refere-se ao "tempo em suspenso", o tempo desterritorializado, que não pode ser medido ou espacializado. Por trabalhar com gravura em metal, tanto na prática de atelier, como na orientação de trabalhos no curso de Artes Visuais da Universidade Federal de Pelotas (UFPEL), interesso-me pela possibilidade de desvendar a proximidade ou distância que possa haver entre o que idealizamos e o que realizamos, ou entre a intenção poética e a criação da obra. As idéias aqui contidas foram influenciadas por Henri Bergson, Gilles Deleuse, André Compte-Sponville, Cecília Salles, Sandra Rey, Nilza Haertel, Edith Derdyk, Ernesto Bonato, Jean Lancri, Jorge Larrosa, Tomaz Tadeu e Marly Meira, entre outros. São abordados aspectos das imagens de tempo que foram sendo construídas, conforme autores dos campos da física, da filosofia e da arte; depois, questões relacionadas à gravura em metal e à "criação em processo". E, no final, estabeleço a interseção destas duas primeiras, na tentativa de encontrar pontos de contato possíveis entre a experiência que temos do tempo nos percursos que se prolongam por substâncias incorporais. Há uma conecção entre os três tempos kronos, aiôn e kairós durante os desacertos a que nos submetemos ao aventurar-nos na experiência da criação, o que nos impõe eternos recomeços.

Nesta pesquisa, proponho trabalhos que consistem em desenhos de híbridos entre homens e máquinas, utilizando o desenho técnico e a figura do pós-humano como suporte para reflexão, metaforizando as relações entre o homem e sua tecnologia, e a substituição de parte das experiências cotidianas pelo uso da máquina. Tratam-se de imagens digitais e linoleogravuras que apresentam diálogos e tensões entre o artesanal e o tecnológico, bem como entre a figura humana e a figura mecânica. O embasamento teórico é estabelecido a partir de definições da filosofia da técnica de Gilbert Simondon em diálogo com apontamentos de Edmund Couchot e Vilém Flusser. Apontamentos sobre o ciborgue são debatidos a partir de Haraway, Santaella e Novaes. Hoelscher, Springer, Dobrovolny e Belofsky contribuem com referenciais históricos e definições sobre o desenho técnico, em diálogo com observações realizadas em registros de patentes de época. Ainda são abordadas obras de artistas como Stelarc, Albrecht Dürer, Da Vinci, Regina Silveira e Rubem Grilo, como referenciais poéticos que estabelecem relações com a presente produção plástica. Procuro, deste modo, estabelecer proposições dentro do campo da gravura, do desenho técnico e de linguagens híbridas, contribuindo para ampliar a construção do conhecimento no campo das artes visuais. / In this research, I propose works that consist of hybrid designs for men and machines, using technical drawing and figure the posthuman as support for reflection, Indulging in metaphor the relationships between humans and their technology, and replacing part of everyday experiences when using machine. These are digital images and linoleum engraving which feature dialogues and tensions between craft and technology, as well as between the human figure and the figure mechanics. The basement is established by the theoretical literature from definitions of technical philosophy of Gilbert Simondon in dialogue with notes of Edmund Couchot and Flusser. Notes on the cyborg are discussed from Haraway, Santaella and Novaes. Hoelscher, Springer, Dobrovolny and Belofsky contribute with historical references and definitions of the technical drawing in dialogue with observations made in patent registers. Are still considered works of artists such as Stelarc, Albrecht Dürer, Da Vinci, Regina Silveira and Rubem Grilo as poetic references that establish dialogue with this plastic production. Try, thereby establishing propositions within the field of printmaking, technical drawing and hybrid languages, contributing to enlarge the construction of knowledge in the field of visual arts.

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2015-10-28T16:53:24Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Veronica del Pilar Noriega Esquives - 2015.pdf: 14278982 bytes, checksum: 902356b77a709b7bbc42a937878aed37 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2015-10-29T10:13:30Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Veronica del Pilar Noriega Esquives - 2015.pdf: 14278982 bytes, checksum: 902356b77a709b7bbc42a937878aed37 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-10-29T10:13:30Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Veronica del Pilar Noriega Esquives - 2015.pdf: 14278982 bytes, checksum: 902356b77a709b7bbc42a937878aed37 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-02-20 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / This master’s thesis is a research in Art and Visual Culture in the field of visual poetics and creative processes. This work is divided in two sections; however, one is inseparable from the other. Appears at first, a photographic documentation of the artistic production developed in the master period. The second sections is a theoretical production in art with the main objective to validate the art as a provider instance of affective and cognitive knowledge, which is constantly looking for a transcendence experience. I will get deep into the matters of involving the body in the creation and production processes that offers a reconnection with our interiority and, strengthens the bonds of practical and theoretical reflection on research in art. Secondly, I will develop a vision of the printmaking as a discipline that provokes knowledge through its experimental and conceptual dimensions of ‘engraving’ and ‘reproduction’. Finally, I will analyzed the materiality of the artwork, emphasizing the issue of support, as an affections reverberation resource to an opening of thoughts in the production and image approach. / Esta disertación de maestría es una investigación en Arte y Cultura Visual en la línea de poéticas visuales y procesos de creación. Este trabajo se divide en dos secciones interconectadas. Exhibo en primer lugar, una documentación fotográfica de la producción artística realizada en el periodo de la maestría. La segunda sección, es una producción teórica en arte, con el objetivo principal de validar al arte como instancia proveedora de conocimiento afectivo e cognitivo, que busca constantemente una experiencia trascendente. Ahondo en el involucramiento del cuerpo en los procesos de creación y producción, que brinda una reconexión con nuestra interioridad e refuerza los vínculos de la reflexión práctica y teórica de las investigaciones en arte. En segundo lugar, desarrollo una apreciación del grabado como disciplina que provoca esa obtención de conocimiento a través de su dimensión experimental e conceptual de ‘grabar’ y ‘reproducir’. Finalmente, analizo la materialidad de la obra de arte, enfatizando el tema del soporte, como recurso de reverberación de afectos, para una abertura de pensamiento en la producción y lectura sobre imágenes. / Esta dissertação de mestrado é uma pesquisa em Arte e Cultura Visual na linha de poéticas visuais e processos de criação. O trabalho divide-se em duas secções, porém, uma indissociável da outra. Apresento em primeiro lugar uma documentação fotográfica da produção artística desenvolvida no período do mestrado. A segunda secção, é uma produção teórica em arte com o objetivo principal de validar a arte como instância provedora de conhecimento afetivo e cognitivo que busca constantemente experiências transcendentes. Assim, aprofundo no envolvimento do corpo nos processos de criação e produção que brinda uma reconexão com a nossa interioridade e reforça os vínculos da reflexão prática e teórica nas pesquisas em arte. Em segundo lugar, desenvolvo uma apreciação da gravura como uma disciplina que provoca essa obtenção de saberes através da sua dimensão experimental e conceitual de ‘gravar’ e ‘reproduzir’. Finalmente, analisarei a materialidade da obra de arte, enfatizando a questão do suporte, como fonte de reverberação de afetos, para uma abertura de pensamento na produção e leituras sobre imagens.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-19T11:48:03Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Keila Alves da Silva - 2016.pdf: 2564043 bytes, checksum: d8171bda8a7a2f31c5f8ac290a810a7e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-08-19T11:51:13Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Keila Alves da Silva - 2016.pdf: 2564043 bytes, checksum: d8171bda8a7a2f31c5f8ac290a810a7e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-19T11:51:13Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Keila Alves da Silva - 2016.pdf: 2564043 bytes, checksum: d8171bda8a7a2f31c5f8ac290a810a7e (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-05-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / In the course of my master's research, I work on a textual, artistic and poetic-reflexive construction stem from memories, family objects and filaments of dialogues compositions based on two subjects, my mother and my maternal grandfather. My artistic path was formed by listening experiences of memories and narratives, as an attitude from an ethnographer artist combined with individuals invited for research. Experiences that led me to meet some trigger objects of multiple senses. The same objects of remembrance and affection, elected by me as poetic output, knitting together a triangulation between me, my mother and my maternal grandfather who compose the core of the reflections and analysis of possibilities that were developed in this dissertation production: the individuals, their stories and memories, the inventive makings and things that came from this entanglement. The art path analysis occurred with the aid of a poetic science look. It includes the implications of memory objects converted into artistic artifacts (objects and installation) composed by me but taken from my mother’s and my grandfather’s belongings. The senses threads happen by the weaving of our times, learnings, “doings” and stories. / No transcorrer de minha pesquisa de mestrado realizo uma construção poético-reflexiva, textual e artística, a partir de tessituras com lembranças, objetos familiares e fios de diálogos com dois sujeitos: minha mãe e meu avô materno. O meu percurso artístico se deu entremeado de experiências de escuta das lembranças e narrativas, numa atitude de artista etnógrafa junto aos sujeitos invocados para a pesquisa. Experiências que me conduziram a encontros com alguns objetos disparadores de sentidos múltiplos. Os mesmos objetos de lembrança e afeto, eleitos por mim como potência poética, imbricaram uma triangulação entre mim, minha mãe e meu avô materno que compõem o cerne das reflexões e possibilidades de análises desenvolvidas neste exercício dissertativo: os sujeitos, suas histórias lembradas, os fazeres inventivos e as coisas vindas desse emaranhamento. As análises do percurso artístico ocorreram com o auxílio de um olhar localizado na ciência poiética. Abarca as implicações dos objetos de memória desdobradas em artefatos artísticos (objetos e instalação) construídos por mim a partir de coisas apropriadas de minha mãe e meu avô. As costuras de sentidos acontecem tramando os nossos tempos, saberes, fazeres e histórias.

A tese discute a atuação de Arthur Azevedo como crítico de arte e colecionador no circuito artístico do Rio de Janeiro entre os anos 1870 até os primeiros anos do século XX. A partir de um levantamento de textos esparsos sobre arte escritos pelo autor na imprensa carioca esforça-se por analisar e situar sua produção crítica frente à arte brasileira da segunda metade do século XIX. Concomitantemente busca-se analisar o conjunto de obras (gravuras, pinturas, livros, álbuns e manuscritos) reunidas pelo dramaturgo nesse mesmo período. Frente a essas duas extensas atuações desenvolve-se como tese central a ideia de que a dupla atuação de Arthur Azevedo somente foi possível, por ser aquele um período de reestruturação do meio artístico permitindo que intelectuais como ele, sem formação na área, pudessem atuar como crítico e colecionador. / This thesis discusses Arthur Azevedo\'s acting as an art critic and collector in the circuit of art in Rio de Janeiro from the 1870\'s until the early years of the Twentieth Century. According to a survey of scattered texts of art written by the author in the \"carioca\" press, he strives to analyze and situate his critical production within the Brazilian art of the second half of the Nineteenth Century. At the same time, it is sought to analyze the set of works (prints, painting, books, albums and manuscripts) gathered by the playwright in this same period. With respect to these two extended performances, it is developed as a central thesis the idea that Arthur Azevedo\'s dual acting was only possible because that period was the restructuring of the artistic movement. Thus, enabling that intellectuals like him could act as critics and collectors without professional training.

Orientador: Leandro Karnal / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-18T12:56:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tatsch_FlaviaGalli_D.pdf: 40321222 bytes, checksum: cb66576be2b3a95a377510525367def0 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Este estudo apresenta uma reflexão sobre a construção da imagem visual da América nos séculos XV e XVI. O reconhecimento do potencial cognitivo da gravura como documento e a percepção do conjunto de relações que perpassam cada uma delas foram fatores importantes ao longo da pesquisa. Procurava-se entender de que forma as estampas eram o resultado de aspectos discursivos, da absorção das informações etnográficas e das operações de tradução e lugar de enunciação do Outro. Para isto, dividimos esta tese em três capítulos. O primeiro se ocupa da reflexão sobre a diversidade das imagens e das perguntas que podem ser feitas a elas, assim como a contribuição de alguns autores para essa discussão. O segundo capítulo trata das xilogravuras impressas para acompanhar as cartas sobre de Cristóvão Colombo e Américo Vespúcio. Entremeadas à escrita, não necessariamente pretendiam representar a realidade americana, mas traduzi-la em ilustrações compreensíveis ao público. O terceiro capítulo analisa dois momentos específicos: a construção de uma imagem a partir de estereótipos aliados à representação de objetos descontextualizados de seu uso original; e a personificação da América em alegorias. A conclusão diz respeito às sucessivas camadas que moldaram gradualmente a imagem visual da América e os significados diversos que dela emanavam / Abstract: This study presents a reflection on the construction of the visual image of America in the fifteenth and sixteenth centuries. The recognition of the cognitive potential of images as documents and the perception of the set of relationships that permeate each one of them were important factors during the research. The aim was to understand in which way the prints became the result of discursive aspects of the absorption of ethnographic reports and operations of translation and loci of enunciation of the Other. To accmplish this, we divide this, this thesis was divided into three chapters. The first one addresses reflections about the diversity of the images and questionings that could arise to them, as well as the contributions of several authors to this discussion. The second chapter deals with the woodcuts that accompany the printed letters by Christopher Columbus and Amerigo Vespucci. Interspersed in the writing, they did not necessarily intend to represent the American reality, but translate it into illustrations understandable to the public. The third chapter discusses two specific moments: the construction of an image from stereotypes associated with the representation of objects detached from their original context of use, and the personification of America in allegories. The conclusion refers to the successive layers that gradually shaped the visual image of America and the different meanings thereby conveyed / Doutorado / Historia Cultural / Doutor em História

corpo interminável e outros corpos apresenta uma série de experimentos poéticos que buscam investigar as possibilidades gráficas da técnica japonesa de xilogravura à base d\'água como modo de expressão na produção atual de estampas. De modo a estabelecer um diálogo entre diferentes perspectivas, o estudo foi iniciado no Departamento de Artes Visuais da Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo e continuado no Departamento de Xilogravura da Universidade de Artes de Tóquio. Resultado de uma pesquisa empírica, que se apoia em observações e experiências vividas, o trabalho resulta de inquietações acerca de um corpo ficcionado e coletivo, que cresce pelas bordas e se desdobra por propagação. Composto por linhas de intensidades variáveis, esse corpo ocupa a superfície conforme combinações harmônicas e multiplicáveis. / endless body and other bodies presents a series of poetic experiments that seek to investigate the graphic possibilities of the Japanese woodblock printing, as a means of expression within the production of printmaking nowadays. In order to establish a dialogue between two very different cultural perspectives, this study has taken place at both the Visual Arts Department of the University of São Paulo and the Printmaking Department of the Tokyo University of the Arts. This essentially empirical research explores the concept of corpus in a dual meaning. Both in a literal sense as the predominance of the human figure in the works, and in a constructed sense referring to an ever-expanding universe of sources. By combining lines of different shapes and intensities, the bodies in the works aim to fill harmoniously the surface through multipliable combinations.

Este trabalho é o resultado de uma pesquisa envolvendo estudos, reflexões e experimentações poéticas que buscam problematizar a percepção visual sobre a representação bidimensional e sobre a realidade cotidiana - o conjunto aqui apresentado reúne textos reflexivos, imagens produzidas (desenhos, pinturas e gravuras) e anotações sobre o processo. Num primeiro momento, ele centra na exploração das possibilidades em torno da construção de um efeito flutuante na visualidade imagética, tentando tensionar os modos de apreender a representação bidimensional. Num segundo momento, ele acrescenta a seu quadro de reflexões uma indagação sobre a experiência visual na realidade cotidiana, mais especificamente no deslocamento diário pela cidade de São Paulo, e tenta abordar a paisagem urbana pela perspectiva da representação flutuante. Como um meio de aprofundar certas questões que permeiam o processo poético, são apresentadas três reflexões independentes sobre temas distintos: 1. a espacialidade na tradição pictórica sino-japonesa do Suibokuga; 2. a relação entre cor e linguagem na pintura de Mark Rothko; e 3. possibilidades de se orientar visualmente pela cidade de São Paulo a partir da referência a algumas características básicas compreendidas nas construções espaciais da cultura japonesa. Esses textos tem como objetivo complementar as imagens produzidas, tentando mapear o conjunto de inquietações que impulsionaram o seu desenvolvimento. / The present work is the result of a process involving studies, reflections and poetic experiments which seek to approach the visual perception of the two-dimensional representation and the everyday reality - the contents presented here gather together reflexive texts, produced images (drawings, paintings and engravings) and notes on the process. At first, the process focused on the exploration of possibilities surrounding the construction of a floating effect on visual imagery, attempting to generate discomfort and doubts on the ways of visually apprehending the two-dimensional representation. Secondly, it adds to its set of reflections an inquiry about the visual experience in everyday reality, specially in the daily routine in the city of São Paulo, and attempts to approach the urban landscape from the perspective of the floating representation. As a mean to develop certain issues that permeate the poetic process, three independent reflexive texts about distinctive themes are here presented: 1. one about spatiality in Sino-Japanese pictorial tradition of Suibokuga; 2. one about the relationship between color and language in Mark Rothko\'s paintings; and 3. one about possibilities for one to visually guide himself through the city of São Paulo from the point of view of some basic features inherent to spatial constructions of Japanese culture. These texts have the objective to supplement the images produced along the poetic process, in an attempt of mapping the set of concerns which drove its development.