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Os desafios da preservação e da exposição de obras de arte: o caso do acervo Piranesi na Biblioteca NacionalLima, Gilvânia Faria de 20 May 2016 (has links)
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Previous issue date: 2016-05-20 / The aim of this work is to investigate how the National Library responds to the challenge of preserving and providing access to its extensive archives, taking the Piranesi collection as the case study here. The collection has 1,600 prints that make up 26 works by the Italian artist Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). This study examines the history of the field of conservation-restoration of cultural property, the development of the preservation department at the National Library for paper collections and the formal procedures to access the institute. The analysis of conservation-restoration interventions carried out during the exhibitions of the Piranesi collection raised questions concerning the role of the conservator-restorer, the ethics of the profession and the policies of the National Library for the preservation of the collection. Keywords: conservation-restoration; works of art; Piranesi; preservation; access. / O objetivo desse estudo é investigar de que maneira a Biblioteca Nacional responde ao desafio de preservar e dar acesso ao seu monumental acervo, tendo como estudo de caso o acervo Piranesi. Trata-se de um conjunto de 1.600 gravuras reunidas em 26 obras do artista italiano Giovanni Battista Piranesi (1720-1778). O estudo examina a trajetória histórica da área da conservação-restauração de bens culturais, o desenvolvimento do setor de preservação de acervos em papel na Biblioteca Nacional e os processos de acesso da instituição. A análise das intervenções de conservação-restauração realizadas no acervo Piranesi no decurso das suas exposições suscitou questões relacionadas à atuação do conservador-restaurador, à ética da profissão e às políticas institucionais de preservação de acervo. Palavras-chave: conservação-restauração; obras de arte; Piranesi; preservação; acesso.
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OBJETOS GRAVADOS: UMA EXPERIMENTAÇÃO POÉTICA A PARTIR DA TÉCNICA DE GRAVURA EM METAL / TRAMPLED OBJECTS: A POETIC EXPERIMENT ORIGINATED IN THE TECHNIQUE OF INTAGLIOPinto, Luciana Estivalet 27 March 2012 (has links)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research explores metal sheet carving from the technique of intaglio. Each
"trampled object" is inspired by the study of medieval illuminations images (from the
tenth century to the fifteenth century), where the ornament is the focus of artistic
creation. In this dissertation, I present my understanding of the term "intaglio" and I
define my plastic work as "trampled objects" because using the nomenclature
"matrix" requires a series of procedures that are ignored by me at the moment,
namely, the imprinting of copies. However, I develop the technique of intaglio using
metal sheets of copper and yellow brass, which are displayed directly to the public, in
other words, without the traditional pattern of the resulting imprinting. Contemporary
visual artists who also exhibit metal sheets [Laurita Salles (1952), Ana Alice
Francisquetti (1955) and Otilia Carrique (1954)] are quoted and used to point out the
central question guiding this research: the possibility of making metal sheets, which
were seen as part of the process of intaglio, come to aesthetics fruition. I briefly
comment on some relations of illuminations with the work developed, as it is inspired
by medieval ornaments. I analyze some points of interest in the history of illumination
and also comment on some contemporary paradigms of art from the thought of Yves
Michaud (2008) mainly. Finally, I display to the reader the works developed during
this survey. I also broach about the technical elaboration of the works, reporting all
the way traced in the atelier, and argument on each of the four sets of engraved
objects created (Pequenos Portais, Detalhes Iluminados, Citações Medievais and
Filigranas), comparing them to images of some illuminations studied. / Esta pesquisa explora a gravação de chapas metálicas a partir da técnica da gravura
em metal. Cada objeto gravado é inspirado no estudo de imagens de iluminuras
medievais (desde o século X até o século XV), onde o ornamento é o foco da
criação plástica. Nesta dissertação, apresento a investigação sobre o termo
gravura e catalogo os trabalhos desenvolvidos como objetos gravados , pois
aderir à nomenclatura matriz requer uma série de procedimentos que não são
salientados neste momento, a saber: a impressão de cópias. Todavia, desenvolvo
na técnica da gravura em metal a gravação de chapas de cobre e latão amarelo que
são expostas diretamente ao público, ou seja, sem a tradicional estampa resultante
da impressão. Algumas gravadoras contemporâneas que também trabalham com a
exposição de chapas de metal são citadas: Laurita Salles (1952), Ana Alice
Francisquetti (1955) e Otilia Carrique (1954), através delas aponto a questão central
norteadora da pesquisa, que é a possibilidade de fruição estética através da
materialidade das chapas metálicas que antes eram vistas apenas como uma etapa
do processo da gravura. Brevemente, comento algumas relações das iluminuras
com o trabalho desenvolvido, já que este é inspirado nos ornamentos medievais.
Analiso alguns pontos de interesse na história da iluminura e alguns paradigmas
contemporâneos da arte a partir do pensamento de Yves Michaud (2008),
principalmente. Por fim, apresento os trabalhos desenvolvidos durante a pesquisa,
discorro sobre o processo técnico de elaboração das obras, relato todo o percurso
traçado em ateliê; e argumento sobre cada uma das quatro séries de objetos
gravados criadas: Pequenos Portais, Detalhes Iluminados, Citações Medievais e
Filigranas, comparando-as, em alguns momentos, com as imagens de algumas
iluminuras estudadas.
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Oribombo: arte da pós-modernidade / Oribombo: art of postmodernityRosangela Monteiro Perussi 10 October 2013 (has links)
ORIBOMBO: Arte da Pós-Modernidade A presente dissertação de mestrado propõe-se a apresentar o Oribombo como arte da pós-modernidade, trazendo a questão do hibridismo do Oribombo, à situação da arte atual, onde se verificam hibridismos de toda natureza, incentivados pela total liberdade. O artista não se prende mais à ideologias e limitações que ditavam as concepções artísticas do passado, inclusive do passado recente. Liberdade é a palavra de ordem da pós-modernidade. Liberdade que se manifesta em todos os segmentos da sociedade. E na arte, uma consequência do livre fazer, é que os hibridismos são constantes, acontecendo de forma natural. As modalidades artísticas são exploradas simultaneamente, abrindo um leque de possibilidades durante o processo de criação. No caso do Oribombo, as modalidades artísticas que se mostraram plasticamente mais interessantes, foram a pintura, gravura, escultura e a colagem. Outra consequência da total liberdade adquirida pelos artistas da pós-modernidade, é que em certos momentos, indaga-se se tudo que é produzido com o título de arte é arte realmente. Essa discussão é muito ampla, mas a premissa de que arte é a produção de um artista, é a que mais ecoa, não somente no meio artístico, como também, entre pensadores e escritores, que direcionaram suas atenções ao desenrolar da história da arte. Os fazeres e conhecimentos artísticos são indispensáveis ao artista plástico visual, sendo assim, as modalidades artísticas que foram fundidas no processo de criação do Oribombo são seculares, mas, a liberdade com que foram tratadas é uma questão pós-moderna. / This dissertation proposes to introduce Oribombo as art of postmodernity, bringing the question of hybridity of Oribombo, the situation of contemporary art, where there are all kinds of hybridisms, encouraged by complete freedom. The artist is not attached to the ideologies and more limitations that dictate the artistic conceptions of the past, even the recent past. Freedom is the slogan of the postmodernity. Freedom that is manifested in all segments of society. And in art, one of the consequences of free artistic making is the hybridism, and it is a constant, happening naturally. The artistic modalities are explored simultaneously, opening up a range of possibilities during the creation process. In the case of Oribombo, the artistic modalities that were artistically more interesting, were the painting, the printmaking, the sculpture and the collage. Another consequence of complete freedom gained by artists of the postmodernity, is that at certain times, inquires if everything is produced with the title art is really art. This discussion is very ample, but the premise that art is the production of an artist, is the one that resonates, not only in the artistic world but also among thinkers and writers, that directed their attention to the course of art history. The doings and artistic knowledge are indispensable to the visual artist. The artistic modalities that were merged into the creation process Oribombo are secular, but the freedom with which they were treated is a postmodern matter.
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Gravura em luz : uma possibilidade holistica da calcogravura e a holografia / Engraying on light : a possibility holism of the etching and the holographyAzevedo, Paola Cristine Almeida 23 February 2007 (has links)
Orientador: Jose Joaquim Lunazzi / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-10T03:37:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2007 / Resumo: Esta pesquisa objetivou criar e refletir sobre o alargamento de linguagens usadas na arte e a tecnologia como parâmetros de criação de um trabalho em poéticas visuais. Para estruturar esses conceitos, foram levantadas leituras referentes à mudança paradigmática da segunda metade do século XX relativa ao campo da física quântica, assim como a retomada de uma postura unificadora das áreas do conhecimento proposta pela visão holística. Dessa maneira, no tratamento empírico realizaram-se os trabalhos poéticos considerados ? as hologravuras ? com objetivo de aproximar o observador de um estado de percepção maior ao vivido cotidianamente, com ênfase na fenomenologia da percepção, descrita e recorrente na produção de artistas nas últimas cinco décadas. O trabalho tem quatro partes. A primeira é dedicada às questões teóricas; a segunda ao histórico dos meios técnicos calcogravura e holografia; no terceiro a recorrência da fenomenologia e a utilização da linha como elementos pertinentes na ambientação do trabalho artístico, como método comparativo, nas duas últimas partes, uso das obras de artistas consolidados na área que fazem aproximações com esta pesquisa; na quarta e última parte, relato a produção empírica desta pesquisa envolvendo questões de imaterialidade do trabalho e sua relação frente à arte contemporânea. Esta pesquisa tem aplicações pertinentes a um estado de reflexão e sistematização em termos científicos na produção de trabalhos em poéticas visuais; as hipóteses aqui levantadas são compatíveis com os resultados alcançados no que se refere a um alargamento das linguagens artísticas usando como recurso a arte e a tecnologia, pois os trabalhos desenvolvidos a partir daí incluem informação científica e tecnológica, mas é atualizada dentro de moldes poéticos próprios, tornando-se exemplo do que é possível fazer: unir dois campos do conhecimento.Nesse sentido, buscando uma conscientização de dentro para fora, a fenomenologia pode ser tomada como modelo pelas artes que lidam com a tecnologia / Abstract: The present research project entitled Light Etchings; a Holistic Possibility of Calcogravure and Holography has as it?s main objective to reflect upon the widening of languages through the fusion of art and technology emphasizing these two quite different approaches as parameters for the creation of a visual poetics. In order to mount these concepts, readings regarding the paradigmatic changes in the area of Quantum Physics during the second half of the twentieth century became instrumental especially when placed in context to the vision proposed by Holistic Theory. In this way, in what regards empirical treatment, a number of Holoetchings (Hologravura) were elaborated with the objective of bringing the observer to a higher state of observation than that normally experienced and thus emphasizing methods recurrent in the production of artists during the past five decades regarding the phenomenology of perception. The work is organized in four parts. The first, dedicated to theoretical questions, the second to the technical aspects of metal engraving and holography, the third to the recurrence of phenomenology and the use of linearity as pertinent elements in the environment of the artistic work, as a comparative method in the last two parts I use the works of established artists whose work border this research, and in the fourth part, a description of the empirical work of this research involving questions of the immateriality of the work and it?s relation to contemporary art. This research has pertinent applications in relation to the reflection and systematization in scientific terms in relation to works in visual poetics, to the hypotheses here proposed which are compatible to the results obtained pertinent to the widening of artistic languages using as resources art and technology since works effected from that point contain information which is both scientific and technological, but brought up-to date within definite poetic molds, becoming thus, an example of what it is possible to achieve by blending two fields of knowledge. In this sense, searching for concicousness from inside out, phenomenology can be taken as a model by arts that deal with technology / Doutorado / Artes Visuais / Mestre em Artes
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Avessos da docência em artes visuais / Averse teaching of visual artsGuimarães, Alexandre José 02 February 2018 (has links)
Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-02-19T11:00:46Z
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Previous issue date: 2018-02-02 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / This study deals the averse teaching of four visual arts teachers in the professional education context from their life histories. In order to discuss variables of the teaching images about the professional education teacher, the teaching work of the Federal Institute of Goiás was investigated through questions about: a) the art teachers identities in a school of technicist tradition; b) the teaching training processes in transit and in different places from and beyond school; c) the historical contextualization of the Brazilian professional education matrices; d) the dialogues between the artistic work and the teaching work as actions that feed back. For methodological inventions, the issue discussed was: how does an investigation in art invite me to experiment the art and how this artistic production infiltrates in a research problem? By understanding the art research as a research narrative this study was built at the same time that it told its story - a metalinguistic game that took shape while maintaining a pedagogical dialogue with itself. In this sense, this study arrives in appoitments such as: a) an identity crisis of the federal network teacher; b) the tension movements for the art education in the technical education context; c) the reaffirmation and reconfiguration of the professional education colorization throughout our histories; d) the necessity and the urgency to think about the art teaching practice in the professional education scope; e) the collegiality as an inseparable element for the art teacher formation; f) the artistic work (or experience) approximation with the teaching work as a dialogical action. In this way, we experimented an archaeological exercise to dig our and other stories for the understanding and reconfiguration of our profession contributing to the identity constitution and our difference within the public education. / Este estudo aborda os avessos docentes de quatro professoras de artes visuais no contexto da educação profissional a partir de suas histórias de vida. Para discutir variáveis das imagens docentes sobre o professor da educação profissional, investigou-se a docência no Instituto Federal de Goiás por meio de questões sobre: a) identidades de professoras de arte em uma escola de tradição tecnicista; b) processos formativos docentes em trânsito e em diferentes lugares a partir e além da escola; c) contextualização histórica das matrizes da educação profissional brasileira; d) diálogos entre o trabalho artístico e o trabalho docente como ações que se retroalimentam. Para as invenções metodológicas, voltou-se à pergunta: como uma investigação em arte me convida a experimentar arte e como essa produção artística se infiltra em um problema de pesquisa? Ao compreender a pesquisa em arte como uma narrativa de investigação, este estudo foi se construindo ao mesmo tempo em que contava sua história – um jogo metalinguístico que ganhou forma enquanto manteve um diálogo pedagógico consigo mesmo. Nesse sentido, chega-se a apontamentos como: a) crise de identidade do professor da rede federal; b) movimentos de tensão para o ensino de arte no contexto do ensino técnico; c) reafirmações e reconfigurações da colorização da educação profissional ao longo de nossas histórias; d) necessidade e urgência em pensar a prática docente em arte no âmbito da educação profissional; e) colegialidade como elemento indissociável para a formação do professor de arte; f) aproximação do trabalho (ou experiência) artística com o trabalho docente enquanto ação dialógica. Experimentou-se, dessa forma, exercícios arqueológicos para cavar as nossas e outras histórias para o entendimento e reconfiguração de nossa profissão, contribuindo para a constituição identitária e nossa diferença no interior da educação pública.
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Vermelho e negro: Beleza, sentimentos e proteção entre os Tapirapé / Red and black: Beauty, feelings and protection among TapirapéDamas, Vandimar Marques 12 July 2016 (has links)
Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-16T20:22:33Z
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license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Rejected by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com), reason: A meu ver a palavra Beauty do título" Red and black: Beauty, feelings and protection among Tapirapé" não precisa ser maiúscula e na citação o nome do autor não está como quer ser citada no currículo lattes, mas não sei se ele preencheu como vocês fez no formulário de metadados. on 2016-08-17T11:56:42Z (GMT) / Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-17T16:49:26Z
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Tese - Vandimar Marques Damas - 2016.pdf: 6025669 bytes, checksum: dd6f01c88b07888dac822d5ee8caa618 (MD5) / Approved for entry into archive by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-17T16:51:05Z (GMT) No. of bitstreams: 2
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Previous issue date: 2016-07-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this thesis is to ponder on the relationship among the production of artifacts, body painting, and shamanism amongst the indigenous people Tapirapé - auto denomination Apyãwa- and how this knowledge is intertwined and shared within and outside the village. The methodology used in this paper is the field work conceded in the Tapi'itãwa village, located in the territory of Urubu Branco MT, with records in the field’s diary, photographic and audiovisual. Tapirapé has its roots on the Tupi language, and its territory is located in the northeastern state of Mato Grosso. The research was based on Wagley Charles (1988), Baldus Hebert (1972) and Els Lagrou (2007) works as the main theoretical references to produce this ethnography. The body painting here is understood as the reasons executed on the bodies of people, and these reasons are present both in the bodies of people, but also in the masks, bowls and other artifacts produced by the Tapirapé. The Shaman is the chief warrior and he has the power of healing, of disease, and death. In addition, the shaman is responsible for protecting the village. Body painting as artifacts and shamanism operate in the bodies among Tapirapé. Finally, I believe in the Shaman as a demiurge as it connects the visible and invisible to grasp and pass on the knowledge to the Tapirapé. Therefore, if the Shaman is responsible for bringing this knowledge, the school appears as an organization that contributes to the preservation and transmission of knowledge. Nonetheless, the school is not exempt of critics among the Tapirapé. Also, the insertion of artifacts in museums generates debate on how to place and how to expose these artifacts. The image is one of the components of this ethnography, as well as the photographs in this paper, and of course the shamanism and the rituals that also denote to images. Furthermore, this research contains two videos about Tapirapé body painting and shamanism. / O objetivo desta tese é pensar a relação entre a produção de artefatos, pintura corporal e xamanismo entre o povo indígena Tapirapé,- autodenominação Apyãwa- e como esses saberes entrecruzam-se e são compartilhados dentro e fora da aldeia. A metodologia utilizada é o trabalho de campo, realizado na aldeia Tapi'itãwa, localizada no território Urubu Branco MT, com registros em diário de campo, fotográficos e em audiovisual. Os Tapirapé têm a língua de tronco tupi, e seu território está localizado no nordeste do estado de Mato Grosso. Busquei como principais referências para essa etnografia Charles Wagley (1988), Hebert Baldus (1972), Els Lagrou (2007). A pintura corporal, aqui, é entendida como os motivos realizados nos corpos das pessoas, e esses motivos estão presentes tanto nos corpos das pessoas quanto nas máscaras, cuias e demais artefatos produzidos pelos Tapirapé. O Xamã é o principal guerreiro e tem o poder da cura, da doença, e da morte e é o responsável pela proteção da aldeia. A pintura corporal, os artefatos e o xamanismo operam na transformação dos corpos entre os Tapirapé. Como reflexão final, penso o Xamã como um demiurgo, pois ele conecta o visível e invisível para apreender e repassar os saberes para os Tapirapé. Se o Xamã é o responsável por trazer esses saberes, a escola surge como uma instituição que contribui para a manutenção transmissão desses saberes. Mas ela não é isenta de críticas entre os Tapirapé. A inserção dos artefatos nos museus gera debate sobre como inserir e como expor esses artefatos. A imagem é uma das vertentes dessa etnografia, além das imagens aqui inseridas, o xamanismo e os rituais são compostos por imagens. Integra esta pesquisa, também, a realização de dois vídeos sobre a pintura corporal e xamanismo Tapirapé.
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Corpo interminável e outros corpos / -Fernando Cardoso Saiki 29 September 2015 (has links)
corpo interminável e outros corpos apresenta uma série de experimentos poéticos que buscam investigar as possibilidades gráficas da técnica japonesa de xilogravura à base d\'água como modo de expressão na produção atual de estampas. De modo a estabelecer um diálogo entre diferentes perspectivas, o estudo foi iniciado no Departamento de Artes Visuais da Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo e continuado no Departamento de Xilogravura da Universidade de Artes de Tóquio. Resultado de uma pesquisa empírica, que se apoia em observações e experiências vividas, o trabalho resulta de inquietações acerca de um corpo ficcionado e coletivo, que cresce pelas bordas e se desdobra por propagação. Composto por linhas de intensidades variáveis, esse corpo ocupa a superfície conforme combinações harmônicas e multiplicáveis. / endless body and other bodies presents a series of poetic experiments that seek to investigate the graphic possibilities of the Japanese woodblock printing, as a means of expression within the production of printmaking nowadays. In order to establish a dialogue between two very different cultural perspectives, this study has taken place at both the Visual Arts Department of the University of São Paulo and the Printmaking Department of the Tokyo University of the Arts. This essentially empirical research explores the concept of corpus in a dual meaning. Both in a literal sense as the predominance of the human figure in the works, and in a constructed sense referring to an ever-expanding universe of sources. By combining lines of different shapes and intensities, the bodies in the works aim to fill harmoniously the surface through multipliable combinations.
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Litografia artística brasileira : Lotus Lobo e Darel Valença Lins / Brazilian prints - litography : Lotus Lobo and Darel Valença LinsGorino, Vitor Hugo, 1982- 26 August 2018 (has links)
Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T02:09:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2014 / Resumo: O presente trabalho analisa a produção litográfica de Darel Valença Lins (1924 -) e Lotus Lobo (1948 - ) das décadas de 1970 e 1980. Estes artistas desempenharam papeis de destaque na produção e no fomento da litografia artística no Brasil a partir de contextos e referenciais distintos, no Rio de Janeiro e em Minas Gerais, respectivamente. Suas produções autorais apresentam novas direções ao passo que incorporam imagens apropriadas em suas gravuras e, ao mesmo tempo trabalham com novas soluções processuais para as impressões, de forma que suas obras enquadrem-se dentro do grupo de artistas que investigam a gravura como meio expressivo ambivalente, caracterizado pela reprodução e pela multiplicação da imagem. Suas litografias se apresentam de tal forma, que reajustam e recompõem as imagens apropriadas recodificando-as, gerando uma nova construção na qual o registro original não mais as representa, mas também não se apaga por completo, semelhantemente ao que fazem os processos cognitivos de memória / Abstract: This work analyses the artwork of Darel Valença Lins (1924 -) and Lotus Lobo (1948- ) through the 1970's and 1980's. These artists played top roles in the artistic application and teaching of the lithographic printing process in Brazil, specifically in Rio de Janeiro and Minas Gerais respectively. Their personal work show new artistic investigation, placing them among the group of artists that investigate their medium technically and conceptually / Doutorado / Artes Visuais / Doutor em Artes Visuais
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MEMÓRIAS DE INFÂNCIA: PESQUISA POÉTICA EM ARTES VISUAIS / CHILDHOOD MEMORIES: POETICAL RESEARCH IN VISUAL ARTSArend, Aline 31 March 2016 (has links)
Fundação de Amparo a Pesquisa no Estado do Rio Grande do Sul / The present Dissertation approaches a study about the artistic construction from the rescue of childhood memories. Its corpus concerns an autobiographic research, which have sought for elements from the long-term memory along with photographs and personal belongs stocked by the artist, enabling a reflection about mechanisms, restlessness and personal reflections in the face of the contemporary art practice. It is presented the poetic construction from artist s books and object books. Mentions about the metal engraving technical procedures are present in this study, since they are an active part of the process of building autobiographical elements from childhood memories. It was created ten works from this research, which were divided in: a unique work (artist s book) called Memory s album and other four series (artists book and object-books). They are: Ways, White Clouds in a Reddish Sky, The Hallway s Corner e The Toy Room. / A presente Dissertação aborda a construção artística a partir do recordar as memórias de infância. Trata-se de uma pesquisa autobiográfica que buscou elementos da memória de longo prazo em conjunção a fotografias e objetos pessoais guardados pela artista, de forma que possibilitassem refletir sobre os mecanismos, inquietações, e reflexões pessoais diante da prática artística contemporânea. Neste sentido, apresento a construção poética desenvolvida a partir de livros de artista e livros-objeto. Também faço menção aos procedimentos técnicos da gravura em metal, já que estes fazem parte ativa deste processo de construção de elementos autobiográficos reelaborados a partir de recordações de infância. Foram criados dez trabalhos a partir desta pesquisa, divididos em: um trabalho único (livro de artista) denominado Álbum de memórias e outras quatro séries (livros de artistas e livros-objeto), sendo elas: Caminhos, As nuvens brancas num céu rosado, O canto do corredor e O quartinho de brinquedo.
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Festas populares paulistas : impressões xilográficas / Popular festivals paulistas : impressions xilográficasOliveira, Amilton Damas de 22 August 2018 (has links)
Orientador: Lúcia Eustáchio Fonseca Ribeiro / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T09:17:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2013 / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo desenvolver um estudo e considerações sobre a presença da cor na minha produção, por meio do processo subtrativo, composta por uma série de xilogravuras coloridas, em sua maioria no processo matriz perdida, realizada entre os anos de 2009 e 2011. A temática é construída de narrativas provenientes de vivencias cotidianas rurais e urbanas e, principalmente, com as expressões da cultura popular das festas, folias e folguedos religiosos do Estado de São Paulo. Para efetivar a pesquisa, busco retomar o processo criativo envolvido na elaboração dessas gravuras, bem como rememorar momentos de vida que colaboraram na construção de minha trajetória pessoal e profissional. Como um "contador de estórias", recorro ao desenho e a coleta de falas dos festeiros para apreender, compreender e registrar aspectos da religiosidade popular e sua rica diversidade plástica. Na história da arte geral e brasileira, destaco artistas que apresentam produção significativa na área da gravura, enfatizando a cor na técnica de xilogravura / Abstract: This research aims to develop a study and consideration of the presence of color in my production of woodcuts by the subtractive process. Consisting of a series of colored woodcuts mostly lost in the process matrix, performed between the years 2009 and 2011. The conceptual relationship between printmaking and drawing will be explored and revealed through the very theme of the works (parties of popular Catholicism) and graphics processing. In the case of visual poetics, there will be a gradual process in which, concurrently, the results obtained experimentally subsidize further investigations, and thus successively over this research to achieve the final pointers / Mestrado / Artes Visuais / Mestre em Artes Visuais
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