La présente étude analyse les représentations de la ville dans la série policière d'Ian Rankin dont l'inspecteur John Rebus est le protagoniste. La polarité étant l'un des principes organisateurs de l'écriture rankinienne, notre analyse s'articule autour de plusieurs couples de notions antinomiques. Nous remettons d'abord en cause la légitimité de l'antinomie qui oppose la littérature à la " littérature de masse ", dans laquelle est souvent classé le roman policier. Cela nous conduit à redéfinir le roman policier, et mettre en perspective la série dans le contexte du monde littéraire et artistique écossais contemporain. Puis nous étudions l'articulation entre topographie réelle et lieu imaginaire dans l'Edimbourg de Rankin. Toute une géographie urbaine se dessine dans les romans ; l'arpentage incessant de l'espace par le protagoniste fournit l'occasion de références très spécifiques à la topographie et à la toponymie, et la sérialité tisse peu à peu un dense réseau de points nodaux ainsi qu'une multiplicité de trajets potentiels que nous avons représentés par des cartes fournies en annexe. Mais dans d'autres cas, l'espace se fait générique, se réfère plus à des conventions cinématographiques qu'à la carte de la ville. Nous envisageons enfin la ville d'Edimbourg comme un personnage ambivalent dans la lignée des personnages du roman gothique. La filiation gothique est perceptible dans l'esthétique de la ville, et la surface de la carte est compartimentée suivant un ensemble d'axes polarisants. Toutefois, cette carte se déploie elle-même par-dessus un double souterrain et non cartographiable d'Edimbourg, à la fois mémoire et inconscient de la ville.

À première vue inoffensif, le conte de fées parodique français du XVIIIe siècle dissimule, sous le couvert de la féérie, un discours anticontesque et antiromanesque. Qu'ils soient explicites ou non, ces propos prennent généralement forme dans les métalepses émises tant par les narrateurs que par les narrataires dans le texte lui-même ou dans le péritexte auctorial. L'élaboration d'une typologie, à partir de dix contes publiés entre 1730 et 1754, offre une vue d'ensemble de ce phénomène narratif épars et ouvre la voie à une analyse transversale des discours tenus dans ce trope. Loin d'être innocent, le contenu des métalepses contesques laisse poindre une nouvelle poétique du conte et du roman qui s'éloigne progressivement de l'idéal classique régissant toujours ces deux genres au XVIIIe siècle. / Seemingly harmless, the satirical French fairy tales of the 18th century contain a hidden discourse against the novel, which does not abide by the rules of traditional fairy tales. Explicitly stated or not, these utterances are generally voiced as metalepsis by the narrators, the witnesses within the story, or an authority outside the main text. The development of a specific typology based on ten fairy tales published between 1730 and 1754, helps to present an overview of this uncommon narrative phenomenon, and allows for a more transversal analysis of these figures of speech. The contents of these fairy tale metalepsis give rise to a new poetics concerning novels and short stories. In turn, these tales gradually distances themselves from the established norms governing these two 18th century literary genres.

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À première vue inoffensif, le conte de fées parodique français du XVIIIe siècle dissimule, sous le couvert de la féérie, un discours anticontesque et antiromanesque. Qu'ils soient explicites ou non, ces propos prennent généralement forme dans les métalepses émises tant par les narrateurs que par les narrataires dans le texte lui-même ou dans le péritexte auctorial. L'élaboration d'une typologie, à partir de dix contes publiés entre 1730 et 1754, offre une vue d'ensemble de ce phénomène narratif épars et ouvre la voie à une analyse transversale des discours tenus dans ce trope. Loin d'être innocent, le contenu des métalepses contesques laisse poindre une nouvelle poétique du conte et du roman qui s'éloigne progressivement de l'idéal classique régissant toujours ces deux genres au XVIIIe siècle. / Seemingly harmless, the satirical French fairy tales of the 18th century contain a hidden discourse against the novel, which does not abide by the rules of traditional fairy tales. Explicitly stated or not, these utterances are generally voiced as metalepsis by the narrators, the witnesses within the story, or an authority outside the main text. The development of a specific typology based on ten fairy tales published between 1730 and 1754, helps to present an overview of this uncommon narrative phenomenon, and allows for a more transversal analysis of these figures of speech. The contents of these fairy tale metalepsis give rise to a new poetics concerning novels and short stories. In turn, these tales gradually distances themselves from the established norms governing these two 18th century literary genres.

Cette étude propose l'analyse des écritures de l'Histoire à travers un corpus de huit œuvres romanesques publiées au Québec entre 1980 et 1990. Il s'agit de La Tribu et Les Plaines à l'envers de F. Barcelo, de la trilogie des Fils de la liberté de Louis Caron, du Premier jardin de Anne Hébert, de La Maison Trestler ou le 8ème jour d'Amérique de Madeleine Ouellette-Michalska et d'Un dernier blues pour Octobre de Pierre Turgeon. Là où la langue anglaise distingue " history " et " story ", le français utilise le vocable " histoire ". Si sa polysémie peut engendrer des confusions, elle peut aussi générer les réflexions qui ont sous-tendu cette analyse. Comment l'histoire raconte-t-elle l'Histoire ? Comment les histoires permettent-elles de réécrire une Histoire plurielle dans le Québec des années 1980 ? Pour répondre à ces questions, trois axes sont développés. Le premier s'attache à analyser les rapports fraternels puis fratricides entre la littérature et l'Histoire, disciplines devenues distinctes au XIXème, puis il propose une réflexion sur le roman historique et les écritures romanesques de l'Histoire. Le deuxième axe présente une mise en regard des discours historique et romanesque au sein des œuvres constitutives du corpus. Enfin, dans une troisième partie, notre réflexion nous conduit à analyser les poétiques québécoises afin de montrer comment ces textes participent, par une réécriture mémorielle, à l'émergence d'une identité collective québécoise en cette fin de XXème siècle.

En el contexto del siglo XII europeo, se impone la iconografía del Cristo Luz aureolado por una almendra mística, sosteniendo un libro abierto con inscripciones alusivas a una teología de la luz. La proliferación de la iconografía de la Maiestas Domini se produce en el contexto histórico de la reforma litúrgica canóniga agustiniana, cuyo origen se encuentra en san Rufo de Avignon y san Víctor de Marsella. Cataluña, se hace depositaria de la Regla se san Agustín, que propugna un ideal renovado de belleza mística neoplatónica.La llegada al Principado de manuscritos de la Homilía al Prólogo de Juan, escrita por Juan Escoto Eriúgena, es una prueba, en pleno siglo XII, de la relación entre una iconografía teológica de la luz y una tradición neoplatónica originada en el siglo IX en la corte carolingia. El texto de la Vox spiritualis aquilae representa la recepción de la teología de la luz en la iconografía de la Maiestas Domini y, con ella, una nueva forma de representar a Dios, al hombre y al mundo en el arte. / In the 12th century European context, predominates the iconography of Christ placed in a light mystic mandorla holding an open book containing inscriptions concerning a special theology of light.The Maiestas Domini iconography strongly arises together with the historical fact of the agustinian liturgical movement. The so called agustinian canonigas were originally born in saint Ruph of Avignon and saint Victor of Marseille holding the spirituality of the Rule written by saint Agustin himself and later moved into Cataluña renewing his original idea of neoplatonic mystical beauty. The arrival of collections of manuscripts into Catalonia containing the Homily to the Prologus of saint John by Scotus Eriugena is enough to proof the relationship between the theology of light iconography and the neoplatonic traditions originated in the 9th century Carolingian Court. The text of the Vox Spiritualis Aquilae involves a reception of the Theology of light within the Maiestas Domini iconography. It is a new way of representing God, man and world in art.

Au confluent de l’histoire des idées et de la poétique romanesque, cette thèse s’intéresse aux interactions textuelles multiples entre le genre romanesque et l’imaginaire musical tel qu’il s’est développé au fil du XXe siècle. Elle examine les modalités par lesquelles une idée de la musique, intronisée comme paradigme d’écriture par un certain nombre de romancières et de romanciers français entre 1900 et 1980, informe la composition du roman tout en infléchissant la production du sens, qui, à l’horizon du modèle musical, devient davantage signifiance que signification. Elle appréhende également l’évolution des pratiques romanesques à la lumière des discours sur la musique tels que les réfléchissent et les intègrent les œuvres, afin de dégager les différentes manières par lesquelles le musical, à entendre comme les propriétés dérivées de l’objet musique, s’impose comme le modus operandi de l’écriture, et invite le critique à interpréter l’œuvre sur le modèle herméneutique de la partition. Le récit-partition apparaît sur fond d’une crise de la signification et de la représentation, dont les ferments sont à chercher dans le fonctionnement sémiotique même du langage. La recherche entend montrer comment, dans l’optique de répondre à cette crise du langage et aux nombreuses répercussions qui confrontent la sémantique romanesque à une impasse, certains romanciers du XXe siècle ont envisagé la musique comme une fiction du roman et pour le roman, puis ont façonné à partir d’elle les paramètres d’une nouvelle écriture romanesque. Hérité du topos romantique de la « musique absolue », qui considère l’œuvre musicale comme un pur phénomène sonore, irréductible au langage verbal et, du fait de son autoréférentialité, le modèle de l’organon absolu, ce paradigme d’écriture aurait permis aux écrivains du XXe siècle d’abandonner les prémisses référentielles du genre romanesque et de penser ce dernier à l’aune de nouvelles configurations poétiques, fondées sur la résonance du sens, l’autoréflexivité du médium et une mémoire textuelle plus sensible que philosophique ou morale. La réflexion menée dans le cadre de la thèse interroge en premier lieu les conditions épistémologiques, métaphysiques et discursives qui concourent à l’avènement d’un paradigme musical, lui-même tributaire d’un régime du sensible particulier, qui pousse des générations entières d’écrivains à se tourner vers la musique pour ravitailler une matière romanesque dès lors perçue comme lacunaire. La démonstration se décline essentiellement en quatre temps : le premier chapitre entend prendre au pied de la lettre la métaphore de la partition, de manière à montrer comment les indices paratextuels et structuraux actualisent certains procédés d’écriture qui s’inspirent de la musique ; les deuxième et troisième chapitres interrogeront les modalités de « textualisation » de la musique à travers les prismes respectifs de la création et de la réception musicales représentées dans la fiction, en s’intéressant aux figures de compositeurs et de musiciens (chap. 2), puis aux ekphraseis musicales et aux scènes d’écoute (chap. 3) ; enfin, c’est sur les grands mythes de la musique que débouche notre enquête, mythes antiques mais surtout wagnériens, dont la réécriture plus ou moins conforme avec la matrice d’origine permet de diffracter un rapport complexe à la modernité par une ressaisie du sens, de la temporalité narrative et du discours romanesque au miroir des récits fondateurs et du langage premier et plénier dont ils portent la mémoire. / This dissertation strives to understand the various interactions between 20th-century fictional works and the contemporary musical imaginary that was developed and modulated throughout the century. Rooted in a dual approach – that of the history of ideas and of the poetics of the novel –, this study examines how a given idea of music, inducted as a writing paradigm by many French novelists between 1900 and 1980, models textual composition and becomes a means to rethink the creation of signification in narrative forms. It also traces the evolution of the French novel and its writing practices in the light of musical discourses and aesthetics as reflected by and integrated into novelistic works. To this end, the concept of “narrative score” (récit-partition), as a hermeneutic instrument or reading tool, is paramount in order to grasp the ways in which the musical – i.e. the properties derived from music as an objective or phenomenal reality – imbues the literary text and becomes the modus operandi of fiction writing for some French novelists. The “narrativescore” emerged in the context of an artistic crisis – stemming from the semiotic fabric of language itself – that questioned both the ideas of representation and meaning. The present work will show how this crisis of language and consequential impasse of the novelistic genre lead some 20th-century writers to conceptualize music as a fiction of and for the novel with the purpose of fashioning a new narrative framework by remodeling the genre’s parameters. Descending from the romantic trope of “absolute music” which considers the musical piece as an autoreferential structure comprised of pure sounds without intrinsic meaning thus irreducible to verbal speech, the idea of music as a writing paradigm allows novelists to relinquish the referential premises of the narrative genre to introduce new poetic configurations based on the resonance of meaning, the self-reflexivity of the medium and a textual memory, more engrained in the sensible than in the speakable (dicible) or the philosophical. We will first outline the epistemological, metaphysical and discursive landscape that lead to the advent of a musical paradigm in literature, which is dependent on a specific “partition of the sensible” (Rancière); here, we will explore what motivated several generations of writers to turn to music as a way to replenish the fictional material they perceived as deficient while fulfilling their ideal of an autotelic work of art. The textual analysis that follows will be divided into four parts: in the first chapter, we will consider the score not as a metaphorical notion, but as an actual model; indeed, some paratextual elements and structural configurations highlight the presence of writing techniques directly inspired and shaped by the musical; the second and third chapters will examine the textual actualization and representation of music respectively through the lens of musical composition (poïesis) and musical reception (esthesis) by analyzing fictional composers and musicians (chap. 2), then musical ekphraseis and listening scenes (chap. 3); lastly, we will focus on the great musical myths – ancient myths, but mostly Wagnerian ones – whose rewriting, more or less in line with the original stories, allow the writers to renegotiate their complex relationship with modern times, by re-capturing meaning, narrative temporality and novelistic discourse through the use of these founding myths and the unitary, almost pre-adamic, language.

L’étude présentée ici a pour but d’analyser la manière d’utiliser l’arc outrepassé, en plan et en élévation, et l’arc en retrait sur ses piliers, dans une région et dans un temps pragmatiquement défini du monde méditerranéen particulièrement riche en éléments architecturaux de ce type. L’arc en retrait n’est pas inconnu dans la recherche mais, faute d’identification précise et donc de terminologie adaptée, il a été confondu avec l’arc outrepassé sous des dénominations différentes. Faisant l’objet de diverses théories dans l’historiographie, ces deux types d’arcs ont été utilisés comme arguments majeurs dans la datation et dans la filiation stylistique des édifices dans lesquels ils se trouvent. L’objectif de cette approche consiste à confronter ces courants historiographiques, inscrivant un monument donné comme relevant du monde wisigothique, mozarabe ou carolingienne, à l’analyse des monuments in situ dans les régions catalano-roussillonnaises et languedociennes où ces formes présentent une concentration considérable. Dans ces théories tenaces, souvent assimilables à des idées reçues sans discernement, l’abbaye de Saint-Michel de Cuxa a occupé une place particulière de sorte que son attribution s’est répercutée sur de nombreux édifices, surtout des chapelles rurales, gravitant dans son orbite. Les monuments situés sur les deux versants des Pyrénées possédant ces formes en élévation ou dans la planimétrie constituent un corpus de 98 édifices. Ils ne révèlent pas seulement une certaine uniformité pour l’ensemble du territoire mais, au-delà, permettent également de définir des microrégions homogènes. L’étude de ce territoire est intégrée dans une analyse historiographique plus vaste de ces deux types d’arcs qui cherche la réponse à leur origine, à leur propagation géographique au fil de temps et présente les différentes réflexions sur la raison d’être de leur emploi. A côté des théories pragmatiques qui considèrent ces formes comme des procédés techniques offrant des avantages constructifs et des mesures techniques qui cherchent à établir une typologie séparant les arcs de différentes époques et de différentes aires géographiques, une attention particulière est apportée aux dimensions idéologiques, liturgiques et symboliques liées à ces tracés. / This study focusses, in façade and in plan, on the horseshoe arch, the hallmark of architecture in the first flowering of the Middle Ages, and on the recessed arch on piers, its more or less unrecognised contemporary. The geographical extent of the occurrence of these two types of arch has been defined by the periodic enlargement of the area where they are really concentrated: Spanish Catalonia and French Languedoc-Roussillon. Applied often to dating a building, and becoming involved as a result in a stylistic epistemology, as well as being the targets of the entrenched dogmas of a vast historiography, these pieces of evidence are here studied on the ground in their architectural context so as to juxtapose fieldwork with the theories on their deployment developed a century ago. Given the spread of developed mediaeval arches, this work endeavours to place their corpus in a wider general study which clearly cannot depend on an exhaustive survey, but which is able to suggest, nevertheless, that the realm of the Moorish arch transcends the territorial and chronological limits of Visigothic, Mozarabic, Carolingian or Islamic culture. The origin of the recessed arch on its piers, for which we propose the term «mushroom shape» displays an undeniable origin in antiquity. Its diffusion in time and space coincides with the horse-shoe throughout the vast Mediterranean ambit. The corpus of the area studied brings together 98 buildings which preserve in their structure the Moorish arch and/or the recessed arch on piers. An analysis of arch assembly, incorporated in the overall study of a building’s construction, confirms that the Moorish design or that of the recessed arch on piers concerned not only arches but was inherent in a general building process observable in the raising of the vault, or of any transverse arches or in openings, doorways or windows. The endurance of these same building procedures for centuries, for minor works such as small country chapels, as for the great abbey church of Saint- Michel de Cuxa, testifies to a conservative art associated with basic techniques.

Die Kirche von San Isidoro in León besitzt einen der umfangreichsten und ambitioniertesten Kirchenschätze, der sich – aus einem Stiftungszusammenhang stammend – über die Wirren der Jahrhunderte in Europa erhalten hat. Als kulturelles Erbe des christlichen Königreiches Spanien wird der Schatz in unzähligen Beiträgen erwähnt. Wiederholt hervorgehoben wird seine Bedeutung für die Einführung und Ausbreitung des romanischen Stils auf der Iberischen Halbinsel und die damit verbundene Europäisierung der spanischen Königreiche. Aus welchen Quellen die neu eingeführten Stilmittel schöpften, wird in der Wissenschaft konträr diskutiert. Sowohl Frankreich als auch England, Byzanz und die arabische Welt werden als Vorbilder in Betracht gezogen. In den 1920er und 1930er Jahren nahmen Arthur Kingsley Porter und Manuel Gómez-Moreno erstmals an, dass die visuelle Ursprünge auch in der ottonische Kunst zu finden seien. Das Ziel der vorliegenden Dissertation ist es, dieser vor rund 100 Jahren formulierten und immer wieder aufgegriffenen Vermutung erstmalig in vertiefenden Studien kritisch nachzugehen. Die nordspanischen Könige, so die These, rezitierten die ottonisch-frühsalische Herrschaftspräsentation, um den eigenen imperialen Machtanspruch auf der Iberischen Halbinsel zu manifestieren. Mit den neuen ikonographischen Formen zog analog dazu ein neuer künstlerischer Stil ein. / The Church of San Isidoro in León has one of the most extensive and ambitious ecclesiastical treasures, which - based on a foundation context - has survived the turmoil of the centuries in Europe. Being a cultural heritage of the Christian Kingdom of Spain, the treasure is mentioned in countless articles. Its importance for the introduction and spread of the Romanesque style on the Iberian Peninsula and the associated Europeanization of the Spanish kingdoms is repeatedly emphasized. It is contrarily discussed in science from which sources the newly introduced stylistic devices drew. Both France and England, Byzantium and the Arab world are considered role models. In the 1920s and 1930s, Arthur Kingsley Porter and Manuel Gómez-Moreno first assumed that the visual origins were also to be found in Ottonian art. The aim of the present dissertation is to critically investigate the assumption, which was formulated around 100 years ago and has been repeatedly taken up, in-depth studies for the first time. According to the thesis, the Northern Spanish kings recited the Ottonian-early Salian rule presentation to manifest their own imperial claim to power on the Iberian Peninsula. Analogous to this, a new artistic style was introduced with the new iconographic forms.

This dissertation focuses on the constructing and architectonic development of Premonstratensian monastery and the church of St. Giles of Milevsko in the Middle Ages. The work is based on the older art historical literature and it evaluates the archaeological researches' findings in the locality as well as construction and historic researches of particular buildings, which were carried on with connection to the restitution of the site to the Premonstratensian order in the 1990s. The work demonstrates the Milevsko grounds picture and its construction as well as architectonic development from the establishment of the pre- monastery era in the eighth century until the Hussite's wars. The dissertation provides study of court with a church with apsis, stone Romanesque house and the basilica. It characterises the George of Milevsko personality as well as the significance of the abbot Jarloch. It analyses in detail the Roman architecture of St. Giles Church and attempts to interpret the procedure of its construction. Furthermore, it deals with the shape of the monastery's basilica and the description of Romanesque monastic buildings while comparing the premises to other monastic sites in this country. This dissertation also describes the architectonic boom of abbeys in the era of early Gothics as well as...