Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire de l'art--Paris 4, 2006. / Notes bibliogr. Index. CTHS = Comité des travaux historiques et scientifiques.

Thèse 3 cycle--Lettres--Paris X, 1978. / Bibliogr. p. 355-360. Index. Thèse soutenue sous le titre : "Les Sculpteurs pensionnaires de l'Académie de France à Rome sous les directorats de Guérin, Vernet et Ingres, 1823-1840"

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Cette recherche se propose d’aborder la façon dont les créatrices oeuvrent dans le champ de la sculpture depuis 1950. Quelle que soit la multiplicité des voies plastiques qu’elles ont choisies d’explorer, et des productions sculptées auxquelles elles ont donné naissance, il s’agit de saisir la teneur de la rencontre entre l’œuvre conçue par une femme sculpteur, et le regard extérieur. Cette rencontre marque la confrontation de deux mondes, celui de l’observateur, aux prises avec ses perceptions, offrant une interprétation et une lecture souvent orientée de la création, et celui de la femme qui sculpte, dont la forme édifiée est soumise aux jugements. Les décalages, voire même les incompréhensions générées par ces mises en perspective des œuvres sculpturales élaborées par des femmes aux yeux de l’extérieur, conduisent à s’interroger plus profondément sur le cheminement artistique, plastique et intellectuel des créatrices dans le champ de la sculpture. Quels sont les éléments matériels et symboliques qui les guident dans l’expérimentation de ce domaine plastique ? A quelles sources puisent-elles leur inspiration ? Que souhaitent-elles exprimer à travers leurs alternatives artistiques ? S’il est difficile de répondre à ces questionnements, ils permettent de pénétrer au cœur de la création, et notamment d’entrevoir ses processus. Bien que les sentiers artistiques parcourus par les femmes sculpteurs soient pluriels, il semble pourtant que certaines d’entre elles se sont particulièrement attachées à développer plus qu’un mode d’expression plastique, un langage, afin de dévoiler les vérités qui les habitent. Ce langage, dont elles connaissent les arcanes, repose sur la mise en forme de la matière textile, essentiellement à partir de deux principes constructeurs : le fil et l’aiguille. Au-delà d’une approche purement matériel, les femmes sculpteurs entrent en lien avec un territoire imaginaire, déployé dans les récits mythologiques sur le thème du tissage et les personnages qu’ils mettent en scène, tels Arachné, Pénélope, Clotho ou encore Atropos. Dans ces dimensions entrecroisées, mêlant l’intensité du travail créateur à partir du textile et le contact avec un univers symbolique, le tissage, les créatrices tracent un des chemins signifiants qu’elles empruntent dans le champ de la sculpture depuis 1950. / This research addresses the ways in which female artists have been working in the field of sculpture since 1950. Irrespective of the medium of expression they have chosen to explore, and of the works they have given rise to, the aim here is to understand the meeting between a work of art conceived by a female sculptor and the way in which it is viewed externally. This meeting marks the confrontation of two worlds: that of the observer − subject to his or her own perceptions and offering an often slanted interpretation and reading of the work − and that of the sculptress whose constructed work is subjected to judgement. The differences, and even misunderstandings, caused by these perspectives on sculptural works by women viewed externally lead to a deeper questioning of the artistic, material and intellectual routes followed by creative females in the area of sculpture. What are the material and symbolic elements that guide their searches in this art form? What are their sources of inspiration? What are they seeking to express via their artistic alternatives? Answering these questions may be difficult, but it can lead to the core of creation and, notably, to a perception of its processes. Although female sculptors have followed numerous paths, it nonetheless appears certain that some of them have striven to develop, over and above a physical mode of expression, a language that will reveal the truths within them. The expression of this language, of which they know the mysteries, is based on giving form to textile materials, using two principles of construction: needle and thread. Beyond a purely material approach, female sculptors come into contact with an imaginary territory of mythical tales that surround weaving, and the characters that people those tales such as Arachne, Penelope, Clotho or Atropos. In these inter-linked dimensions, where the intensity of working creatively with textiles melds with the contact with a world of symbols, weaving, creative women are continuing to trace out one of the significant paths they have been following in sculpture since 1950.

Cette thèse, qui présente les sculpteurs actifs à Florence à l’époque des deux derniers grands-ducs de la dynastie des Médicis, Cosme III (1670-1723) et Jean-Gaston (1723-1737), est une étude de synthèse permettant de situer les sculpteurs dans un contexte social et historique. Elle considère le métier de sculpteur sous tous ses aspects : la formation, les conditions de vie et de travail, le statut social, l’organisation des ateliers, la répartition du travail entre les différents collaborateurs, le processus de création des sculptures et des décors sculptés, ainsi que le rôle essentiel du dessin dans l’élaboration et l’exécution de ces sculptures. En arrivant au pouvoir, Cosme III voulut donner un nouvel essor à la sculpture florentine et prit de nombreuses initiatives dans cette direction : il transforma l’enseignement, développa la production d’objets de luxe au sein de la Galleria dei Lavori et facilita le travail des sculpteurs de nombreuses manières, offrant à la plupart d’entre eux des pensions, des charges officielles et des ateliers. Les sculpteurs étaient certes nombreux, mais la vie artistique s’articulait en réalité autour de quelques figures majeures. Le plus important était Giovanni Battista Foggini, installé dans le célèbre atelier des sculpteurs de cour situé Borgo Pinti. Il cumula les fonctions de Premier sculpteur et d’architecte de la Galleria dei Lavori, dirigeant ainsi une très vaste équipe d’assistants et de collaborateurs. Notre recherche est fondée sur un ample dépouillement d’archives et sur l’étude de dessins préparatoires. Un volume d’annexe comprend un répertoire des sculpteurs ainsi que la transcription de nombreux documents inédits. / This thesis, presenting sculptors active in Florence at the time of the last two grand dukes of the Medici dynasty, Cosimo III (1670-1723) and Gian Gastone (1723-1737), is a synthetic study which situates these sculptors in their historical and societal contexts. The work takes into account all the aspects of the profession: the training, in Rome and in Florence, the living and working conditions, the social status, the organisation of the workshops, the creative process, the division of work among the specialists, as well as the important role of drawing in designing and executing the works. When Cosimo III came into power, he decided to bring about a revival in Florentine sculpture and rapidly took many initiatives in this direction: he reformed artistic education, developed the production of luxury artefacts within the Galleria dei Lavori and facilitated the work of sculptors in many ways, offering many of them monthly pensions, official functions and locations for workshops. Even though the period saw a significant number of sculptors working in Florence, artistic life actually centred around a limited number of major figures. Giovanni Battista Foggini, the most important, was settled in the famous sculpture workshop located in Borgo Pinti. At the height of his long career, Foggini was First sculptor as well as Architect of the Galleria dei Lavori, hence managing a vast team of collaborators, assistants and craftsmen. The research is based on a thorough analysis of the archives related to the period as well as an extensive study of the preparatory drawings. A volume of appendices contains a repertory of the sculptors and also the transcription of many unpublished documents.

La Bretagne a perdu beaucoup d’hommes dans la Grande Guerre. Le patrimoine commémoratif qui a été créé pour les honorer est à la mesure de cette saignée humaine. Dans quelle mesure celui-ci reflète-t-il des traditions et une culture particulières ? Comme partout en France, des monuments glorificateurs ou patriotiques ont été élevés en l’honneur des combattants, mais la Bretagne a aussi tenu à souligner son identité propre. Une longue tradition religieuse se marque sur la plupart des édifices ; la forte spécificité culturelle qui caractérise la province a donné naissance à une statuaire d’inspiration régionaliste où figurent des personnages en costume local et des inscriptions en langue bretonne. La même affirmation identitaire se retrouve dans les églises. La volonté de commémorer le sacrifice est constante. Elle s’exprime dans deux hôtels de ville par des panneaux peints. Un monument national à la mémoire des marins morts pour la France a été édifié à la pointe de la Bretagne. Un mémorial régional, de nature religieuse, perpétue plus spécifiquement le souvenir des Bretons morts à la guerre. Hors du commun, ce patrimoine, auquel est venue s’ajouter par la suite une nécropole nationale, témoigne de l’histoire de la région et de la vitalité de sa culture. / Brittany lost many of its men in the Great War. The heritage of memorials and commemorations created to honour them is commensurate with the magnitude of this human slaughter. To what extent does such a heritage reflect traditions and a specific culture? As throughout France glorifying and patriotic memorials were erected to pay homage to the soldiers, but Brittany also wanted to emphasize its own identity. A long religious tradition is reflected in most of the monuments; the strength of the province's own specific culture gave rise to regionally inspired statuary with characters portrayed in local costume and inscriptions in the Breton language. The same assertion of identity is to be found in the churches. There is a constant desire to commemorate the sacrifice. In two town halls this is depicted in painted panels. A national memorial in remembrance of the sailors who died for France was erected at the western extremity of Brittany. A regional memorial, of a religious nature, is more specifically dedicated to the memory of those Bretons who died in the war. This uncommon heritage, to which was later added a national necropolis, bears witness to the region's history and to the vitality of its culture.

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Mario Béland : LOUIS JOBIN (1845-1928) ET LE MARCHÉ DE LA SCULPTURE AU QUÉBEC Le sculpteur Louis Jobin est une figure marquante de 1'histoire de l'art ancien du Québec. Après avoir été 11 apprenti de François-Xavier Berlinguet à Québec et de William Boulton à New York, Jobin ouvrit sa première boutique à Montréal en 1870, boutique qu'il quitta cinq ans plus tard pour se fixer dans la Vieille Capitale. À la suite de 1'incendie de son atelier en 1896, le sculpteur alla finalement s'installer à Sainte-Anne-de-Beaupré où il travailla jusqu'à sa retraite en 1925. Cette longue carrière lui a permis de réaliser un millier d1 oeuvres qui sont disséminées un peu partout sur le continent nord-américain. Sa production statuaire s'avère non seulement la plus considérable de 1'époque mais constitue également un jalon fondamental dans 1'évolution de la sculpture québécoise. En effet, en raison des impératifs du marché, des contraintes de la concurrence et des innovations liées à 11 industrialisation, Jobin a dû s'adapter tout au long de sa carrière, passant progressivement d'une production diversifiée à un champ d'action très spécialisé, la statuaire religieuse de grand format destinée à 11 extérieur des édifices. S'appuyant sur une méthodologie propre à 1 'histoire de l'art ancien du Québec, notre problématique visait à identifier et à analyser les incidences du marché de la sculpture au Québec sur 1 'itinéraire et la production de Louis Jobin. Les grandes étapes et les tournants de la carrière du sculpteur furent effectivement tributaires des impératifs du marché ainsi que des contraintes de la concurrence et de 1 'industrialisation. Par le biais d'une démarche synchronique, nous avons cherché à dégager et à comparer les traits spécifiques de la production de 11 artiste durant les principales phases de sa carrière, et cela en relation avec les mécanismes complexes du marché de la sculpture. Surbordonnées aux règles de l'offre et de la demande, les oeuvres du sculpteur devaient répondre aux besoins et aux goûts particuliers de sa clientèle en matière de sujets, de modèles, d'usages, de fonctions et de destinations. Ces diverses exigences conditionnèrent de multiples façons 1'aspect matériel et visuel des oeuvres sculptées, tant au plan iconographique que décoratif, déterminant certains choix quant au format, au revêtement et à la finition. Ainsi avons-nous tenté de démontrer que 1'oeuvre de Jobin a progressivement évolué d'une production très diversifiée vers une production très spécialisée. Alors que, durant sa formation et ses débuts à Montréal, le sculpteur avait réalisé des pièces de mobilier, des sculptures ornementales, des figures de proue, des enseignes, des statues et des reliefs à caractère religieux, il en vint, à la fin de son séjour à Sainte-Anne, à façonner essentiellement des statues religieuses destinées à 11 extérieur des édifices. Le plus souvent de grandes dimensions et recouvertes de métal, ces oeuvres comprennent, parmi les plus représentatives, nombre de monuments au Sacré-Coeur et des groupes du Calvaire. Tout en tenant compte de 11 apport de divers auteurs dont Hayward, Potvin et Barbeau, la présente thèse devrait contribuer à renouveler d'une part la perception de la carrière et de la production de 11 artiste et à éclairer, d'autre part, le contexte socio-économique dans lequel évoluaient les sculpteurs québécois à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. / Montréal Trigonix inc. 2018