La thèse considère la double inconnue d’un répertoire et d’un jeu violonistique encore inexplorés. Elle dévoile les sonates françaises pour piano et violon de la période 1800-1870, mais questionne aussi leur interprétation. Une étude historique est menée sur le jeu des violonistes français : la base de données Mélos, deux inventaires inédits, l’analyse de maintes sources et témoignages, notamment un imposant corpus de traités pédagogiques de violon publiés en France au XIXe siècle et les partitions annotées du fonds Baillot de la Bibliothèque nationale de France (BnF), apportent des éclairages originaux sur ce sujet. L’ambition est de construire aujourd’hui, violon en main, une interprétation de ces sonates méconnues et, avec la création d’outils destinés aux interprètes et aux scientifiques, d’œuvrer à leur diffusion. / This dissertation addresses the twofold issue of a violin repertoire and a performance practice, both of which had yet to be explored. French sonatas for piano and violin ranging from the 1800s to the 1870s are unveiled. Their interpretation is also discussed. The performance practices of French violinists are studied from a historical perspective. The Melos database, two previously unpublished inventories, the analysis of numerous sources and testimonies, including an extensive corpus of 19th-century French violin methods and the annotated scores from the French National Library’s Baillot collection are used to tackle this question in the light of multiple criteria. The final purpose of this thesis is to combine theory and practice to bring about an interpretation of these little-known sonatas and to foster new tools for interpreters and scientists with a view to promulgate these works.

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La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise comprend les partitions, l’analyse musicale et les fichiers audio de trois oeuvres que j’ai composées entre les années 2011 et 2012. Pendant l’élaboration des oeuvres, mes objectifs étaient axés sur la continuité du discours musical, appelant à l’interaction des éléments et évènements musicaux, à l’exploration de différentes nuances et niveaux transitionnels, ainsi qu’à la sobriété et clarté de l’orchestration. Cette recherche m’a aidé à mieux définir un langage musical plus personnel Le corps du texte comporte un chapitre pour chaque composition. Les oeuvres ici présentées sont: Trois soupirs, pour ensemble (deux voix -soprano et baryton-, deux violons, un alto, un violoncelle et un orgue positif) Sonate, pour piano Un souvenir du présent, pour orchestre / This thesis contains the scores, the analysis and the audio files for three works which I composed in 2011 and 2012. While compositing these works, I aimed at seamless flow and continuity, as well as exploring the effects of dynamics and transitions. I also focussed on transparent orchestration, and on making my intentions as direct and clear as possible. This research has permitted me to define a more personal musical language. The text contains a chapter for each piece. The three pieces contained here are: Trois soupirs, for 2 voices and small ensemble (two violins, viola, cello and a positive organ) Sonate, for piano Un souvenir du présent, for orchestra

In the scope of the master's project which is documented with the present thesis a mission planning tool (MPT) for SONATE was developed and implemented. After a thorough research on the current state of the art of MPTs and taking especially the early stage of the SONATE mission into account, it was decided to develop a generic timeline-based MPT. In contrast to existing MPTs a system is envisioned which is both powerful, regarding advanced features like resource control, and applicable for small satellite missions regarding the overall complexity and the associated configuration and training effort. Although it was obvious from an early stage that this vision cannot be reached in the scope of this project, it was kept during the project definition, object oriented analysis and early design stages in order to allow future extensions. Also the decision to develop the MPT on top of the Eclipse Rich Client Platform is mainly due to the argument of future extensibility. The MPT, which is released with this thesis, hence is a very basic generic timeline-based MPT omitting all possible advanced features like resource control or procedure validation, but featuring all essential parts of a MPT, i.e. modelling of procedures, scheduling of activities, and the generation of telecommand sequences. Furthermore, the user is supported by an intuitive graphical user interface. The thesis documents the development process, thus giving a broad understanding of the design and the implementation. For specific details of the implementation one may also refer to the separate technical documentation, while a user handbook included as appendix. The characteristics of the SONATE mission as a technology demonstrator for highly autonomous systems raise several important questions regarding the overall mission planning process. Therefore, besides the actual development of the MPT, those questions are discussed in a theoretical manner in the scope of this thesis, taking also account of the general emergence of highly autonomous satellites systems.Three concepts, Safe Planning, Sigma Resource Propagation, and Direct Telemetry Feedback, are proposed to face the challenges rising from the foreseen alternation of phases of classical mission operations and phases of autonomous operations of the satellite. Concluding the thesis, the final software product's features and capabilities are verified against the previously defined requirements and thus the overall success of the project is determined to be a 100% success fulfilling all primary project objectives. Finally, several fields for further research on the topic in general and work on the MPT itself are identified and outlined to pave the way for follow-up projects. / SONATE

Notre recherche porte sur une analyse comparative des interprétations de la Sonate en si mineur de Liszt. Nous avons analysé vingt-cinq enregistrements de pianistes regroupés en cinq écoles :hongroise, française, russe, américaine et allemande. Nous avons comparé les déviations des interprètes par rapport à la partition et les divergences entre les différentes interprétations, en sélectionnant sept paramètres qui nous ont permis de caractériser chaque interprétation. Une double analyse a été effectuée : « à l'oreille » et à l'aide d'un logiciel informatique. Notre recherche a démontré l'importance de plusieurs facteurs d'influence complémentaires : l'enseignement reçu, l'époque où l'on vit et l'on crée, le tempérament et l'individualité artistique. Au terme de notre recherche, nous avons démontré l'existence de spécificités qui se manifestent au sein de chacune des écoles pianistiques nationales, et également de particularités caractérisant le mode de jeu des différentes générations. / Our research focuses a comparative analysis of the performances of Liszt's Sonata in b minor. We analysed twenty-five recordings by pianists grouped into five piano schools : Hungarian, French, Russian, American and German. We compared the deviations of the performers from the score and the differences between the individual performances, based on a selection of seven parameters that allowed us to characterise each of them. A double analysis was made: "by ear" and with the aid of acomputer. Our research has shown the importance of several complementary factors of influence : education, the period during which the pianists lived and created, the artists' temperaments and their artistic individualities. At the end of our research, we demonstrated the existence of specific features within each of the national piano schools, and also of some features that characterise the performing style of each generation.

Bien qu’une vaste littérature musicologique porte sur Joseph Haydn (1732-1809), aucune ne comprend une étude exhaustive de l’ensemble de ses sonates pour clavier, incluant les premières oeuvres composées dans la décennie 1750. La présente recherche se propose de combler en partie cette lacune par le biais d’une analyse des 52 premiers mouvements Hoboken (Hob.) XVI. Basée sur des outils empruntés principalement à William E. Caplin, Brian Alegant et Don McLean, cette étude constitue un premier pas vers une typologie du premier mouvement de sonate chez Haydn, permettant par le fait même de refléter l’évolution de la forme sonate, en mutation tout au long de la vie créative du compositeur. Dans un premier temps, une série d’analyse capliniennes permet d’effectuer un survol des différentes formes qui composent le corpus à l’étude afin d’en dégager certains procédés spécifiques, nommément l’exploitation de techniques formelles à des fins de développement thématique, ainsi que l’emploi marqué d’ambiguïtés formelles et fonctionnelles. Dans un second temps, une analyse de la disposition du matériau suggère une conception du premier mouvement en forme sonate basée sur le développement thématique d’un nombre réduit d’idées musicales, dont la répétition est compensée par plusieurs procédés dont les principaux sont la variation structurelle dans la section de réexposition et l’emploi de différentes fonctions formelles à chaque itération. Prises dans leur ensemble, ces analyses démontrent que l’ensemble des premiers mouvements de sonate pour clavier Hob. XVI sont liées par une certaine imprévisibilité créée spécifiquement au moyen de la réutilisation thématique et des fonctions formelles. / Although there is a vast musicological literature on Joseph Haydn (1732-1809), none includes an exhaustive study of all his keyboard sonatas, including the first works composed in the 1750s. The present research aims to fill this gap through an analysis of the 52 first movements of the keyboard sonatas Hoboken (Hob.) XVI. This study constitutes a first step towards a typology of Haydn’s sonata first movement, thereby making it possible to look at the evolution of the sonata form, under development throughout the composer's creative life. Initially, a first series of Caplinian analysis allows an overview of the different forms that make up the corpus under study in order to identify certain specific procedures, namely the use of formal techniques for thematic development purposes as well as the marked use of formal and functional ambiguities. Secondly, an analysis of the arrangement of the material suggests the conception of the sonata form’s first movement to be based on the thematic development of a reduced number of ideas, the repetition of which is compensated for by several processes, the main ones of which are structural variation in the recapitulation section as well as the use of various formal functions for each iteration. Taken as a whole, these analysis show that the 52 first movements Hob. XVI are linked by the expression of a certain unpredictability caused specifically by thematic restatement and the use of various formal functions.

Der russische Komponist Nikolaj Karlovič Metner (1880–1951) hat vierzehn Klaviersonaten veröffentlicht, die in ihrer Gesamtheit eine erstaunliche Vielfalt an Formen und dramaturgischen Konzepten aufweisen. Der Werkkorpus beinhaltet sowohl kompakte einsätzige Sonaten, die mitunter in Zyklen von Charakterstücken eingebettet sind, als auch große Strukturen von geradezu symphonischen Dimensionen. Die Sergej Rachmaninov gewidmete Sonate in e-Moll op. 25/2 (1910–12) ist mit ca. 35 Minuten Spielzeit das längste und vielschichtigste Solowerk Metners; ihre spieltechnischen Anforderungen transzendieren den Anspruch der meisten zu dieser Zeit entstandenen Klavierkompositionen. Damit markiert sie einen Höhepunkt in Metners Sonatenschaffen und nimmt auch im Vergleich mit anderen Sonatenkonzepten des frühen 20. Jahrhunderts eine besondere Stellung ein. In einer strukturell ambivalenten, einsätzigen Großform integriert das Werk nicht nur gattungstypische Merkmale (zwei sonatensatzartige Teile, die durch eine ausgedehnte Einleitung und deren Reiterationen miteinander verschränkt werden), sondern auch Elemente der Ritornellform und verschiedene Kanon- und Fugato-Techniken. Die Beigabe eines lyrischen Mottos von Fëdor Tjutčev (»Wovon heulst du, Wind der Nacht?«) und eine suggestive Vortragsbezeichnung (»Das ganze Stück [ist] in einem epischen Geist«) legen außerdem eine hermeneutische Deutungsebene nahe, die auf Einflüsse durch die Philosophie und Literatur des russischen Symbolismus verweist. Alle diese Eigenschaften lassen das Werk als einen Kulminationspunkt in der Gattungsgeschichte der Klaviersonate erscheinen. Dieser Beitrag diskutiert die genannten Aspekte aus analytischer, musikästhetischer und rezeptionshistorischer Perspektive. / The Russian composer Nikolai Karlovich Medtner (1880–1951) wrote fourteen piano sonatas, which, in their entirety, show an astonishing variety of musical forms and dramaturgic conceptions. This body of work features compact single-movement sonatas of different types – some of which are embedded in cycles of piano miniatures—as well as large structures of quasi-symphonic dimension. The E minor Sonata, Op. 25 No. 2 (1910–12) is Medtner’s most complex and extensive work for solo piano, with its interpretive and technical challenges surpassing the demands of most other piano literature from that time. In this way the sonata (which is dedicated to Sergei Rachmaninov) marks a climax in Medtner’s sonata output and also holds a prominent position in comparison to other sonata conceptions of the early twentieth century. In a large and structurally ambiguous single-movement form, the sonata incorporates not only features typical of the genre (such as two separate sonata-allegro sections, linked by an extended introduction and its reiterations), but also elements of ritornello form, as well as canon and fugato techniques. In addition, a poetic motto by Fyodor Tyutchev (»What do you howl about, night wind?«) and an imaginative performance indication (»The whole piece [is] in an epic spirit«) suggest a hermeneutic interpretation, with particular reference to philosophy and literature of the Russian Symbolist movement. These traits and qualities allow the work to be seen as a culmination point in the history of the genre of piano sonata. The present article discusses the abovementioned aspects from the perspectives of music aesthetics, analysis, and history of reception.

La période de la IIIe République en France voit éclore un nombre considérable de sonates pour violon et piano, dont nous connaissons bien les chefs-d'œuvre – sonates de Franck, Fauré, Debussy ou Ravel. Prenant appui sur un catalogue inédit de quatre cent vingt-et-une sonates de deux cent quatre-vingt-onze compositeurs différents (français ou belges), la présente thèse vise à l’étude et à la définition de ce genre musical.La première partie interroge le contexte historique et socioculturel qui permit à la sonate française de connaître un tel apogée, à la fin d’un XIXe siècle qui ne laissait a priori rien présager de tel. L’auteur revient aux sources du répertoire et met à jour l’établissement d’une conjoncture particulièrement propice où se croisent élan nationaliste, renouveau de la musique instrumentale, salons artistiques, sociétés de concerts, compositeurs chefs de file et interprètes de l’école franco-belge de violon. La deuxième partie entreprend de définir le répertoire au moyen d’un traitement typologique et statistique du catalogue référençant toutes les œuvres rencontrées. La troisième partie questionne l’identité de ces sonates comme genre musical, en s’appuyant sur les éléments d’écriture et de langage qui les caractérisent autant qu’ils en font la diversité. Enfin, la quatrième partie apporte un éclairage inédit sur la Sonate de Vinteuil de Proust, au regard d’un corpus d’étude de cinquante sonates analysées en détails. Les annexes comprennent de nombreux documents, dont le catalogue référencé des sonates, un catalogue des compositeurs, les fiches analytiques de cinquante sonates ainsi qu’un CD enregistré par l’auteur au violon. / A great number of sonatas for violin and piano were composed during the French Third Republic, among which are some well-known masterpieces, such as the Franck, Fauré, Debussy or Ravel sonatas. This thesis draws on an unpublished catalogue of four hundreds and twenty-one sonatas by two hundred and nighty-one composers (French or Belgian), and seeks to study and define this musical genre.The first part examines the historical and socio-cultural context that enabled the French violin sonata to reach its acme at the end of the 19th century. The author goes to the sources of the repertoire to establish the favorable juncture at which particular currents met; from nationalism, the reinvigoration of instrumental music, artistic salons, concert societies and leading composers, to the Franco-Belgian school of violin playing. The second part seeks to better characterize the repertoire by applying typological and statistical methods to the referenced catalogue of the encountered works. The third part endeavors to define the identity of these sonatas as a musical genre, based on elements of their musical language. Finally, the fourth part sheds new light on Proust’s Sonate de Vinteuil, through a detailed analysis of fifty sonatas. The appendices gather numerous documents, including the referenced catalogue of the sonatas, a catalogue of composers, analytical tables for fifty sonatas, and a CD recorded by the author playing the violin.

Les sonates pour piano de la « génération romantique » (Rosen) et des compositeurs qui l’ont suivie s’éloignent des conventions qui régissent la forme classique, et ce à plusieurs égards : schéma tonal, découpage, fonctions formelles, voire même l’affect ou l’esthétique générale du mouvement. Lorsqu’il s’agit de sonates de jeunesse, ces écarts ont généralement été interprétés comme des maladresses ou comme un manque de métier. Cette thèse remet en question cette perspective et propose une démarche analytique permettant de rétablir ce répertoire dans sa spécificité en définissant une nouvelle conception esthétique de la sonate romantique. L’approche développée ici n’est pas fondée sur une construction musicale purement théorique : elle repose plutôt sur une conciliation entre, d’une part, les valeurs esthétiques caractéristiques de cette époque, et, d’autre part, l’analyse structurelle et formelle. Cette approche est exposée en deux grandes étapes. Les chapitres 1 et 2 parcourent les écrits philosophiques, littéraires, théoriques et critiques des années 1790-1860 pour y découvrir six valeurs esthétiques qui définissent la sonate au XIXe siècle : la forme abstraite, la cohérence à grande échelle, l’organicisme, la tension entre tradition et innovation, l’expression du sublime et celle de la noblesse. Les chapitres 3 à 5 emploient différentes techniques d’analyse (la Formenlehre de William Caplin, l’analyse réductionnelle de Heinrich Schenker et l’étude de l’organisation rythmique et métrique d’après Lester, Krebs et de Médicis) pour montrer comment ces six valeurs esthétiques permettent de rendre compte de la structure spécifique des oeuvres sélectionnées : la Sonate pour piano en mi majeur, op. 6 (1826), de Mendelssohn ; la Grande Sonate pour piano en fa dièse mineur, op. 11 (1832-1835), de Schumann ; la Grande Sonate pour piano en fa mineur, « Concert sans orchestre », op. 14 (1835-1836, rév. 1853), de Schumann ; et la Sonate pour piano en fa dièse mineur, op. 2, de Brahms (1852). Cette approche, qui permet d’appliquer la théorie de la forme à un répertoire pour lequel elle n’a pas a priori été conçue, met l’accent sur la souplesse du rapport entre le discours esthétique et la pratique compositionnelle. Chaque compositeur, sinon chaque oeuvre, répond aux valeurs esthétiques à divers degrés et selon différentes combinaisons. Au final, cette démarche permet de montrer à quel point les considérations esthétiques jouent un rôle primordial dans la conception même de la forme sonate au XIXe siècle. Elle ouvre de nouvelles perspectives en permettant de mieux cerner les points de contact et les divergences entre la sonate classique et la sonate romantique, et fournit des éléments qui permettront une comparaison plus légitime entre ces deux répertoires. / Piano sonatas written by composers from the ‘Romantic Generation’ (Rosen), as well as those from the following generation, tend to move away from the conventions of classical form in many ways: tonal plan, form, formal functions, and even the general affect or aesthetic of the movement. When the sonatas in question are early works, unconventional details are frequently interpreted as mistakes or the result of a lack of training. This dissertation challenges that perspective and develops an analytical approach that establishes the unique elements of this repertoire by defining a new aesthetic understanding of romantic sonata form. This approach is not based on a purely musical construct. Rather, it combines characteristic aesthetic values of the period with formal and structural analysis. The approach is presented in two stages. The first two chapters of the dissertation survey philosophical, literary, theoretical and critical texts from 1790 to 1860, uncovering six aesthetic values that define the sonata in the 19th century: abstract form, large-scale coherence, organicism, the opposition of tradition and innovation, an expression of the sublime and of nobility. Chapters 3 to 5 use different analytical methods (Caplin’s Formenlehre, Schenkerian linear analysis, and rhythmic analysis based on Lester, Krebs, and de Médicis) to illustrate how these six core aesthetic values illuminate the specific structures of four sonata-form movements: Mendelssohn’s Piano Sonata in E Major, op. 6 (1826), Schumann’s Piano Sonata in F-sharp Minor, op. 11 (1832-1835) and Piano Sonata in F Minor, “Concert sans orchestre”, op. 14 (1835-1836, rev. 1853), and Brahms’ Piano Sonata in F-sharp Minor, op. 2 (1852). This approach, which applies Caplin’s theory of form to a repertoire for which it was not originally developed, underscores the fluidity of the relationship between aesthetic discourse and compositional practice. Each composer, perhaps each individual work, responds to the aesthetic values in different ways and to varying degrees. In the end, this type of analysis shows how significant aesthetic considerations are in conceptualising sonata form in the 19th century. It broadens our perspective on form by better identifying the commonalities and divergences between classical and romantic sonata form, and provides elements that will allow a more accurate comparison of these two repertoires.

The lecture recital was given on June 16, 1980. The Ralph Vaughan Williams Concerto for Bass Tuba and the Paul Hindemith Sonate for Tuba and Piano were performed following a lecture on the historical evolution of the tuba in Europe. The lecture included a history of the predecessors of the tuba and their influence on the development of tuba playing traditions. Tuba performance practices in Europe developed around two playing traditions, one in France and England, and a second in Germany. The ophicleide enjoyed tremendous popularity in France and England during the early nineteenth century. Because this instrument was a major competitor of the tuba in these countries, the tuba was viewed as an ophicleide replacement. Tubists in Europe and England had to develop facility and sound quality equivalent to that of the older instrument. In Germany the tuba's main competitor was the Russian bassoon, a form of upright serpent. At this same time the serpent and its related forms were in decline. This lack of popularity with the older instruments provided an opportunity for the quick adoption of the tuba in Germany.