Este trabalho estuda a construção da cena nas montagens brechtianas dirigidas por Irene Brietzke, destacada diretora gaúcha das últimas décadas do século passado, buscando documentar e resgatar seu processo criativo, analisar os pontos de contato e as divergências com as teorias formuladas por Bertolt Brecht e fazer um levantamento iconográfico das mesmas. Resgatamos a memória das peças brechtianas, uma a cada capítulo, através das respectivas fichas técnicas, fotos, declarações e matérias publicadas na imprensa e dos depoimentos colhidos com Brietzke. É utilizado o nome dos espetáculos para denominar os capítulos e em cada um deles a discussão é focalizada sobre os pontos teóricos que a encenação sugere e que são relacionados com questões como a inserção histórica das montagens, o pós-brechtiano e o pós-dramático, o efeito de estranhamento, a recepção teatral, o papel da música na encenação e a construção da cena. Este trabalho articula diálogos com as vozes e idéias de Bertolt Brecht, Gerd Bornheim, Hans-Thyes Lehmann, Patrice Pavis, Marco de Marinis, entre outros. Buscamos destacar os principais diferenciais de seu trabalho, como o uso das comédias, debochadas e escrachadas, da presença marcante e essencial da música na cena brietzkiana, o grau de fidelidade à Brecht e várias outras questões que transpassam a obra de Brietzke. / The purpose of this paper is to study the scenery construction in the Brechtian setting productions directed by Mrs. Irene Brietzke, distinguished “gaucha” stage director in the last decades of the 20th Century, in an attempt to document and retrieve her creative process, to analyze the contact points and divergences connected to the theories stated by Bertolt Brecht, and to conduct an iconographic survey of them all. We retrieve the memory of the Brechtian pieces, one in each chapter, by means of their respective technical files, pictures, statements and articles set forth in the press, and the testimonies gathered with Brietzke. The names of the public performances are utilized to denominate the chapters, the discussion in each one is focused on the theoretical points the stage plays suggest and are related to matters, such as the historical insertion of productions, the post-Brechtian and the postdramatic, the strangeness effect, the theatric reception, the music role in the production and the scene construction. This paper articulates dialogs with voices and ideas of Bertolt Brecht, Gerd Bornheim, Hans-Thyes Lehmann, Patrice Pavis, Marco de Marinis, among others. We try to highlight the main differentials of her work, such as the comedies’ use, mocking and quizzical style, the essential and noteworthy presence of the music in the Brietzkian scene, the extent of faithfulness degree to Brecht and many other questions that overstep the Brietzke’s work.

Submitted by Carlos Ferreira (carlosferreira1202@gmail.com) on 2014-03-25T20:48:13Z No. of bitstreams: 1 Grupo Teatral Ponto de Partida - Encenação e Produção - versão final.pdf: 1320358 bytes, checksum: 95f4dd20a681c43df2168877fa32a65b (MD5) / Approved for entry into archive by Rodrigo Meirelles (rodrigomei@ufba.br) on 2014-03-26T12:23:17Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Grupo Teatral Ponto de Partida - Encenação e Produção - versão final.pdf: 1320358 bytes, checksum: 95f4dd20a681c43df2168877fa32a65b (MD5) / Made available in DSpace on 2014-03-26T12:23:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Grupo Teatral Ponto de Partida - Encenação e Produção - versão final.pdf: 1320358 bytes, checksum: 95f4dd20a681c43df2168877fa32a65b (MD5) / CAPES / A presente pesquisa explora a relação entre o encenador e o produtor teatral no ato de criação e execução, quando as duas funções são realizadas pela mesma pessoa, no intuito de gerar um material teórico que forneça um estudo sobre os aspectos referentes a um encenador/produtor. Desse modo, a presente pesquisa, buscou-se apresentar um exemplo de um encenador que assumisse as funções de produtor e vice-versa. Partindo das experiências do Grupo Teatral Ponto de Partida – que realiza suas atividades há mais de 30 anos no interior do estado de Minas Gerais – este estudo visa compreender como se dá a organização das funções relacionadas à criação de um espetáculo, mas, sobretudo, entender quais são as estratégias para colocá-las em prática. Estabelece, ainda, um panorama acerca da função do encenador no teatro brasileiro, desde o surgimento da função do encenador até a contemporaneidade, identificando uma distinção entre os termos ensaiador, diretor teatral e encenador, ao apresentar o histórico dessas funções no Brasil e o trabalho da encenadora Regina Bertola, no Ponto de Partida.

Este trabalho estuda a construção da cena nas montagens brechtianas dirigidas por Irene Brietzke, destacada diretora gaúcha das últimas décadas do século passado, buscando documentar e resgatar seu processo criativo, analisar os pontos de contato e as divergências com as teorias formuladas por Bertolt Brecht e fazer um levantamento iconográfico das mesmas. Resgatamos a memória das peças brechtianas, uma a cada capítulo, através das respectivas fichas técnicas, fotos, declarações e matérias publicadas na imprensa e dos depoimentos colhidos com Brietzke. É utilizado o nome dos espetáculos para denominar os capítulos e em cada um deles a discussão é focalizada sobre os pontos teóricos que a encenação sugere e que são relacionados com questões como a inserção histórica das montagens, o pós-brechtiano e o pós-dramático, o efeito de estranhamento, a recepção teatral, o papel da música na encenação e a construção da cena. Este trabalho articula diálogos com as vozes e idéias de Bertolt Brecht, Gerd Bornheim, Hans-Thyes Lehmann, Patrice Pavis, Marco de Marinis, entre outros. Buscamos destacar os principais diferenciais de seu trabalho, como o uso das comédias, debochadas e escrachadas, da presença marcante e essencial da música na cena brietzkiana, o grau de fidelidade à Brecht e várias outras questões que transpassam a obra de Brietzke. / The purpose of this paper is to study the scenery construction in the Brechtian setting productions directed by Mrs. Irene Brietzke, distinguished “gaucha” stage director in the last decades of the 20th Century, in an attempt to document and retrieve her creative process, to analyze the contact points and divergences connected to the theories stated by Bertolt Brecht, and to conduct an iconographic survey of them all. We retrieve the memory of the Brechtian pieces, one in each chapter, by means of their respective technical files, pictures, statements and articles set forth in the press, and the testimonies gathered with Brietzke. The names of the public performances are utilized to denominate the chapters, the discussion in each one is focused on the theoretical points the stage plays suggest and are related to matters, such as the historical insertion of productions, the post-Brechtian and the postdramatic, the strangeness effect, the theatric reception, the music role in the production and the scene construction. This paper articulates dialogs with voices and ideas of Bertolt Brecht, Gerd Bornheim, Hans-Thyes Lehmann, Patrice Pavis, Marco de Marinis, among others. We try to highlight the main differentials of her work, such as the comedies’ use, mocking and quizzical style, the essential and noteworthy presence of the music in the Brietzkian scene, the extent of faithfulness degree to Brecht and many other questions that overstep the Brietzke’s work.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-08-29Bitstream added on 2014-06-13T19:27:46Z : No. of bitstreams: 1 hercules_tc_me_ia.pdf: 2246172 bytes, checksum: d08f015fce4227fbd7d0925672fc80ed (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / A Cia. Do Quintal, ao estrear o espetáculo Jogando no Quintal, alimentou o debate acerca das relações entre palhaço e improvisação. Realizado inicialmente no quintal da casa do ator Cesar Gouvêa, o espetáculo é uma disputa de improvisações entre duas equipes de palhaços, a partir de sugestões da plateia. Em virtude dessa inter-relação de linguagens – por um lado a impro (espetáculos improvisados que seguem como base o trabalho de Keith Johnstone) e por outro lado o palhaço Jogando no Quintal suscitou discussão sobre como cada um desses modos de atuação se entrecruza no espetáculo. Como forma de solucionar essa questão, foi necessário analisar de que maneira o teatro vem desenvolvendo a improvisação desde o começo do século XX; buscar as influências que repercutiram durante a trajetória do espetáculo Jogando no Quintal até o presente momento como o projeto Doutores da Alegria, o trabalho de Cristiane Paoli-Quito, os Matches de improvisação e o Teatro-esporte; e, por fim, comparar os modos de atuação de um improvisador contemporâneo com o palhaço – o que os aproxima e o que os diferencia. Sendo assim, foi possível compreender a importância de Jogando no Quintal como um projeto propositor e autoral, que contribui para o panorama nacional de teatro, sobretudo das companhias que privilegiam os processos coletivos ou colaborativos de criação e daquelas que, assim como a Cia. do Quintal, também estudam a impro ou o palhaço no teatro / La Cia. do Quintal, al estrenar el espectáculo Jogando no Quintal, ha avivado un debate sobre las relaciones entre payaso y improvisación. Presentado inicialmente en el patio de la casa del actor Cesar Gouvêa, el espectáculo es una disputa entre dos equipos de payasos a partir de sugerencias de la plateia. Gracias a esta interrelación de lenguajes – por un lado la impro (espectáculos improvisados que siguen la metodología del director Keith Johnstone) y por otro lado el payaso, Jogando no Quintal ha planteado la discusión sobre cómo estos modos de actuación se entrelazan en el espectáculo. Con el fin de resolver este problema, fue necesario analizar de qué manera el teatro ha desarollado la improvisación desde el inicio del siglo XX; buscar las influencias que han afectado durante la trayectoria del espectáculo Jogando no Quintal hasta el momento presente – como el proyecto Doutores da Alegria, el trabajo de Cristiane Paoli- Quito, los matches de improvisación y el Teatro-deporte; para, por fin, comparar los modos de actuación de un improvisador contemporáneo con el payaso – lo que los diferencia y sus similitudes. De esta manera, fue posible entender la importancia de Jogando no Quintal como un proyecto original y autorial, que ha contribuido en el panorama nacional de teatro, sobretodo en las compañías que han privilegiado los procesos colectivos o colaborativos y en las que, así como Cia. do Quintal, han estudiado impro o el payaso en el teatro

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-graduação em Literatura, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-11-21T13:23:53Z No. of bitstreams: 1 2013_MarciusSiddarthaCastilhoDiniz.pdf: 1075004 bytes, checksum: a72c74e85b983e1ae80c4874c4eac6cc (MD5) / Approved for entry into archive by Patrícia Nunes da Silva(patricia@bce.unb.br) on 2014-01-22T19:28:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_MarciusSiddarthaCastilhoDiniz.pdf: 1075004 bytes, checksum: a72c74e85b983e1ae80c4874c4eac6cc (MD5) / Made available in DSpace on 2014-01-22T19:28:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_MarciusSiddarthaCastilhoDiniz.pdf: 1075004 bytes, checksum: a72c74e85b983e1ae80c4874c4eac6cc (MD5) / Esta dissertação apresenta um estudo analítico que busca identificar e compreender aspectos técnicos e estéticos da forma épica no texto teatral e na formação do Teatro Brasileiro Moderno. A pesquisa faz um recorte histórico, apresentando um panorama do teatro político no Brasil entre 1950 e 1970 e discute como essa abordagem teatral é retomada pela Companhia do Latão na década de 90. Alguns anos antes do golpe militar, o Teatro Arena explorava o uso de elementos épicos no teatro brasileiro que não puderam se desenvolver com liberdade entre 1964 e 1985 e começaram a ser retomados na década de 90, com o teatro de grupos. Nos dias atuais, a Companhia do Latão é um dos grupos com visibilidade nacional que se preocupa em aprimorar elementos do teatro épico. O presente trabalho é feito a partir dos contextos históricos dos grupos Arena e Latão e tem como objeto de análise duas peças: A revolução na América do Sul, escrita por Augusto Boal, ainda no Arena, montada em 1960, e o Círculo de Giz Caucasiano, de Bertolt Brecht, montada pela Companhia do Latão em 2006. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This paper presents an analytical study that seeks to identify and understand technical and aesthetic aspects of the epic form in theatrical text in the formation of Brazilian Modern Theatre. The research is a historical, presenting an overview of the political theater in Brazil between 1950 and 1970 and discusses how this theatrical approach is taken by the Companhia do Latão in the 90s. Some years before the military coup, the Arena Theatre exploring the use of epic elements in Brazilian theater that could not develop freely between 1964 and 1985 and began to be taken up in the 90s, with the theater group. Nowadays, the Company's Brass is one of the groups with national visibility that cares about improving elements of epic theater. This work is made from the historical contexts of the groups and Arena Brass and has as an object of analysis two parts: The revolution in South America, written by Augusto Boal, still in the Arena, assembled in 1960, and the Caucasian Chalk Circle, Bertolt Brecht, assembled by the Companhia do Latão in 2006.

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T12:00:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 D'Abronzo_ThaisHelena_M.pdf: 13822273 bytes, checksum: 77a8dc9e522386cd8546fc5ed047a27a (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho realiza uma reflexão sobre o processo de criação do espetáculo teatral intitulado Foi Tarde. Investiga alguns modos pelos quais a construção da imagem comparece em procedimentos de criação da cena teatral. Na construção do espetáculo, buscaram-se possíveis relações entre o Teatro da Morte (1975-1990) de Tadeusz Kantor e o texto dramatúrgico A Morta (1937) de Oswald de Andrade, principalmente quanto à "presença da morte" como condução poética. Um terceiro material a somar-se nesta relação viria a ser "o aspecto de exposição à morte em um ambiente hospitalar". À estruturação da cena pelas vias da imagem e à colisão dos materiais do processo criativo chamou-se, neste estudo, de artifícios da morte. No desenvolvimento, ocorre a descrição do processo criativo, e são apresentados o memorial e a escritura do espetáculo. O trabalho com as poéticas de Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade solicitou uma abordagem sobre a relação entre o texto dramático e a escritura cênica, a partir do embate iniciado no final do séc. XIX e início do séc. XX. Para tanto, fez-se necessário o resgate de informações sobre o movimento simbolista e sobre as vanguardas históricas, como precursores de novos comportamentos artísticos e de paradigmas de construção teatral e dramática para o século XX e para a atualidade. Por fim, entende-se, que Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade revelam, em seus trabalhos, influências e divergências com o simbolismo e com as vanguardas históricas, em nome de uma poética caracterizada pela presença da morte e pela autonomia da cena teatral pelas vias da imagem. Esta reflexão embasa, portanto, a poética de construção do espetáculo Foi Tarde, apresentado publicamente em montagem consonante aos princípios estéticos pretendidos / Abstract: This project accomplishes a reflection about the process of creation of the Foi Tarde (Gone Late) play. It investigates some ways trough which is present in procedures of the theatrical scene creation. In the construction of the spectacle, possible relation between the Teatro da Morte (Death Theatre) (1975-2000) of Tadeusz Kantor and the dramaturgic text A Morta (The Dead Woman)(1937) from Oswald de Andrade were searched, mainly about the "presence of the death" as a poetic conduction. A third material to be added to this relation happened to be "the aspect of the exposition to death in a hospital environment". The structuring of the scenes through the image pathways, and the collision of the materials of the creative process were called, in this project, death artifices. In the development, happens the description of the creative process, and are presented the memorial and the script of the spectacle. The work with Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade poetics demanded an approach about the relation between the dramatic text and the performing arts scripts, from the clash started in the end of the XIX Century and early XX Century. For it, the rescue of the information about the symbolist movement and about the historical vanguard were made necessary, as precursors of new artistic behaviors and of paradigms of theatric and dramatic constructions for the XX Century and for the present time. At last, it is understood, that Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade reveal, in their works, influences and divergences with the symbolism and with the historical vanguards, in the name of a poetics characterized by the presence of death and by the autonomy of the theatric scene through the image pathways. This reflection sustains, hence, the poetic of construction of the spectacle Foi Tarde(Gone Late), presented publicly in an assembling corresponding to the intended aesthetics principles / Mestrado / Mestre em Artes

Esta investigación aborda cómo se manifiesta la vulnerabilidad del performer en el proceso creativo de una obra testimonial y cómo el performer se enfrenta a ello. Así, la pregunta que se formula es la siguiente: ¿Qué rol cumple la vulnerabilidad en un proceso de creación de teatro testimonial desde el punto de vista del performer? Situándonos en la vivencia del performer, esta investigación propone un acercamiento a su vulnerabilidad escénica, entendiéndola como un estado de desprotección y afectación emocional ante otro (otro performer, el director y el público) en el marco de un proceso artístico que ofrece condiciones para trabajar con ella a favor de la creación. Esta investigación se aborda desde la metodología Investigación en las Artes Escénicas con una aproximación práctico-reflexiva y, por su naturaleza, necesita dialogar con un hecho escénico. Es por tal razón que la investigación tiene como marco el proceso creativo del montaje testimonial “Caminando sobre Arena”, proyecto que se generó especialmente para la presente investigación. Esta obra habla sobre las dificultades de seguir los sueños a través de la historia de seis jóvenes estudiantes de artes escénicas. Así también, los hallazgos del proceso vivencial de los performers de este proyecto se contrastan con tres montajes testimoniales profesionales; Criadero de Mariana de Althaus, El día en que cargué a mi madre de Paloma Carpio y Cuando seamos Libres de Carolina Silva Santisteban. Para la investigación se ha recurrido a distintos métodos de documentación, como grabaciones en audio y en video de los ensayos, bitácoras personales y entrevistas a profundidad a los performers, con la finalidad de recabar información de primera mano sobre el performer como generador de sentido en una puesta testimonial. Por último, esta investigación concluye que la vulnerabilidad escénica es un elemento transversal en el proceso creativo del performer. / Tesis

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-12-09T15:09:24Z No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-01-10T19:17:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-10T19:17:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_MônicaTavaresPereira.pdf: 5262143 bytes, checksum: b0f98050eb42de7ffb5ca78d2ae7e072 (MD5) / Esta dissertação tem como objetivo fundamentar os princípios que estruturam a oficina “Jogos de Improvisação Cênica”, direcionada aos apresentadores de telejornal, e analisar as percepções de jornalistas e fonoaudiólogos com relação ao material organizado, vindo de recursos das Artes Cênicas para o Telejornalismo. O interesse esteve em investigar se o trabalho realizado com a oficina contribui para a expressividade dos apresentadores de telejornal, podendo ser um agregador ao trabalho vocal realizado pelos fonoaudiólogos. A conclusão para a questão foi positiva. No caminho da pesquisa, foi traçado um percurso em direção à história do telejornalismo brasileiro, com suas mudanças que refletiram na movimentação corporal dos apresentadores. A trajetória do trabalho parte das relações entre Jornalismo e Artes Cênicas e, pela formação da pesquisadora, estabelecemse os princípios pedagógicos da oficina para, então, se chegar à sua fundamentação prática. Para servir aos objetivos da pesquisa, foram realizadas entrevistas, observação do ambiente de trabalho de apresentadores, questionários sobre os módulos para análise do aproveitamento da oficina para a prática do telejornalismo e a prática de dois módulos com os jogos de improvisação. A costura de toda pesquisa se deu pelo viés do corpo e para o corpo, na possibilidade de estabelecer a sua preparação por meio dos jogos de improvisação. __________________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation aims at highlighting the principles behind “Physical and Theater Improvisation Games” for TV broadcast journalists, based on the Performing Arts resources, and at analyzing feedback coming from journalists and audiology/speech-language pathologists. The purpose is to investigate if the techniques involved in the games help improve overall visual expressiveness and consequently contribute positively to the vocal work done by audiology/speech-language pathologists. The study concludes that the contribution towards these goals is positive. This research also shows the historical evolution of the Brazilian TV broadcast journalism reflected in the body language conveyed by broadcasters. This is a case of the Performing Arts contributing to TV broadcast journalism. In order to analyze the benefits of the Scenic Improvisation Games toward improvements in visual communication the following activities were performed: field research with interviews; close observation of TV broadcasters’ work environments; practice of two modules of the “Physical and Theater Improvisation Games Workshops” followed by questionnaires. This research focus on body training for TV broadcast journalists through improvisation games.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2009. / Submitted by Allan Wanick Motta (allan_wanick@hotmail.com) on 2010-04-07T14:01:31Z No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-05-04T14:58:37Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) / Made available in DSpace on 2010-05-04T14:58:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_RafaelLitvinVillasBoas.pdf: 1293413 bytes, checksum: 5217b5c83da0bd04ac767705a574ba7f (MD5) Previous issue date: 2009 / Este trabalho pretende tomar parte na corrente crítica que distinguiu o sentido estético e político dos momentos anterior e posterior ao golpe cívico militar de 1964, ressaltando o que estava em jogo no processo interrompido pelos tanques e expondo a diferença regressiva da ação de resistência posterior. Essa tradição de interpretação tem no ensaio Cultura e política, 1964-69 (1978), de Roberto Schwarz, e no livro A hora do teatro épico no Brasil (1996), de Iná Camargo Costa, suas principais referências. O recorte histórico e dramatúrgico da pesquisa perpassa dez anos, e contempla um ciclo de peças teatrais que se inicia com A moratória (1955), de Jorge Andrade, e finda com Se correr o bicho pega, se ficar o bicho come (1965), de Vianinha e Ferreira Gullar. Neste período tem início, se consolida e entra em declínio (após o golpe) a experiência do teatro moderno no Brasil, momento que acreditamos ser decisivo para a linha evolutiva do teatro brasileiro, por ter ocorrido um intenso processo de acumulação interna que viabilizou mudanças rápidas e radicais no aparelho teatral e na estrutura formal das peças: em termos organizativos a politização do meio teatral extravasou o âmbito do teatro profissional e ensejou a criação dos Centros Populares de Cultura (CPCs), e em termos formais os limites da forma dramática foram superados por uma perspectiva crítica do realismo, que visa dar a ver a dimensão do real não evidente pela concepção hegemônica de realidade. Em termos políticos, o vetor agregador das obras analisadas é o modo como a forma teatral figurou esteticamente a questão agrária brasileira. A aposta é que o reconhecimento da forma teatral de abordagem sobre a questão agrária nas diversas obras nos permite tecer uma interpretação sobre o registro histórico da experiência política e social daquele contexto. O significado da presença direta ou indireta de personagens de classes populares, e seus problemas, nas peças, bem como o manuseio das técnicas teatrais por parte dos dramaturgos, são eixos paralelos e concomitantes da análise, que tem como fio condutor a mediação dialética entre forma social e forma estética. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present work aims to take part in the critical current that distinguishes the aesthetical and political sense of the moments before and after the civil-military coup detat in 1964, standing out what was in contest in the process interrupted by tanks and showing the regressive difference of the later resistance action. This interpretation tradition has in the essay Cultura e Política, 1964-1969 (1978), by Roberto Schwarz, and in the book A Hora do Teatro Épico no Brasil (1996), by Iná Camargo Costa, its main references. The historical and dramaturgical framing of the research pass through ten years, and contemplate a cycle of plays that begins with A Moratória (1955), by Jorge de Andrade, and finishes with Se corer o bicho pega, se ficar o bicho come (1965), by Vianinha and Ferreira Gullar. In this period begins, consolidates and falls (after de coup) the Brazilian Modern Theater experience, moment that one believes to be decisive to evolutive line of Brazilian Theater, because in this time occurred and intense process of internal accumulation that makes possible fast and radical changes in the theatric apparatus and in the formal structures of the plays: in the way of organization, the political terms of the theatric environment spilled out the professional theater scope and leads the creation of the Centros Populares de Cultura (CPCs) [Popular Centers of Culture], and in formal terms the limits of the Dramatic Form were surpassed by a critical perspective of the realism, that aims to show a dimension of the real that is not evident in the hegemonic conception of the reality. In a political sense, the core of aggregation of the works is the mode how the theatric form aesthetically figurated the Brazilian agrarian question. The bet is that the acknowledgment of the theatric formal approach of the agrarian question in different works makes possible organize an interpretation of the historical register of social and political experience in that context. The meanings of the direct or indirect presence in the play of characters by popular classes and its problems, as well as the uses of the theatric techniques by the playwrights, are parallel and concomitant axles of analyses, which have and conduct line in the dialectics mediation between social form and aesthetic form.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2009. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-09T01:17:24Z No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-04-09T01:18:08Z (GMT) No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-04-09T01:18:08Z (GMT). No. of bitstreams: 2 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_PrimeiraParte.pdf: 5142386 bytes, checksum: 1108888100c6a9fa10af1ac2922e521c (MD5) 2009_NatassiaDuarteGarciaLeitedeOliveira_SegundaParte.pdf: 5817331 bytes, checksum: ee735d6295c8f8aebbc07b974e7470a2 (MD5) / "LUME, Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP, com seus vinte e três anos de existência e experiência é um grupo de teatro - com sede na cidade de Campinas (SP)/ Brasil - de grande referência em estudos de processos cênicos nacional e internacionalmente. A presente dissertação "Entre Lumes e Platôs: Movimentos do Corpo-Coletivo-em-Criação (Vivências com o Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp)" busca compreender possíveis contribuições do LUME à criação de técnicas para o trabalho de ator. Neste trabalho foi possível perceber que tradição, trajetória e técnica são constructos de um plano de consistência da experiência coletiva em teatro. E que este plano de consistência - o processo de experimentação e a contínua criação do corpo-coletivo - reverberará na ética-estética (entendendo estes conceitos como sendo indissociáveis e concomitantes). Em busca de territórios existenciais no campo teatral, foi possível: cartografar a concepção do grupo LUME através da análise de seu projeto escrito por Luís Otávio Burnier; por meio de entrevistas com os atuais integrantes do grupo, mapear relações entre a trajetória e elementos de tradição que o compõe, o tangenciam, o penetram e que transformam a pesquisa técnica do grupo; e ainda, conhecer, identificar, perceber e agrimensar nas entrevistas concedidas pelos integrantes do LUME algumas 'contaminações' que compõem a heterogeneidade do grupo. Com base em estudos conceituais e reflexões sobre as práticas do teatro contemporâneo e com linhas do pensamento filosófico, especialmente contribuições de Gilles Deleuze e Félix Guattari, a experiência da pesquisa se materializa enquanto tensões entre as fronteiras das práticas teatrais e de outras disciplinas.". ____________________________________________________________________________ ABSTRACT / Lume, the Interdidisciplinry Nuclear of Theater Research of Unicamp, with it’s twenty three years old of experience and existence, is a group of theater – with its headquarters on Campina’s city (São Paulo)/ Brazil – with major international and national reference of scenic process study. This present dissertation “Between Lumes and Platôs: Movements of the Collective-Body-in-Creation (Experiences with the Interdisciplinry Nuclear of Theater Research of Unicamp)” Seeks to understand the possible contributions of Lume in to the cration of techniques to the work of actor. In this work was possible to realize that tradition, trahectory and techniques are constructs of a plan consistency of collective experience in theater. And that this plan if consistency – the process of constinous experimentation and creation of the body-collective-will reverberate on the ethical-aesthetic (understanding this concepts as indissociable and concomitant). Searching existential territories in the theater, was possible: to map the conception of Lume through analysis of their project, written by Luis Otávio Burnier; actor’s work through inrerviews with current members of the group, to map relations between trajectory and traditional elements that intergrates it, touch it, penetrate it, and that transforms the group technical research; and ywt, to know, to identify, to percept and measure on the interviews given by memners of the Lume some “contaminations” that compose the group heterogeneity. Based on conceptual studies and reflections on the practies of contemporary theater, with line of philosophical thought, especially the Gilles Deleuze and Felix Guattari thought, the experience of the research is materialized as tensions between the between the boundaries of theatrical practice and other disciplines.