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This thesis offers analyses of two of Michael Haneke's most provocative films, *Funny Games US,* and *The Piano Teacher.* Contrary to the popular critical conclusion that Haneke is a cinematic sadist, this thesis argues that the aesthetics and thematic concerns of his films are best understood through the dynamics of masochism, not sadism. Using a variety of theories of masochism, including the conflicting theories of Sigmund Freud and Gilles Deleuze, this project seeks to build upon the work of Gaylyn Studlar and argue for the subversive power inherent in masochistic submission in the cinema. / Cette thèse propose des analyses de deux des films les plus provocateurs de Michael Haneke, * Funny Games US, * et * La Pianiste. * Contrairement à la conclusion critique populaire qui Haneke est un sadique cinématographique, cette thèse soutient que l'esthétique et les préoccupations thématiques de son films sont mieux compris par la dynamique du masochisme, sadisme pas. En utilisant une variété de théories de masochisme, y compris les théories contradictoires de Sigmund Freud et Gilles Deleuze, ce projet vise à s'appuyer sur les travaux de Gaylyn Studlar et plaider pour le pouvoir subversif inhérent à la soumission masochiste dans le cinéma.

In this paper, I will examine how the films of Jia Zhangke operate as social analyses of the contemporary condition in China through both subject matter and the documentation of a society in transition, as well as, through the creation of an innovative film language. Jia employs cinematic techniques that problematize the borders between fiction and documentary, subjectivity and objectivity, and realism and surrealism thus challenging the underlying assumptions that shape film as a medium itself. It is this essential filmic gesture which blurs the boundaries between traditional cinematic categories that makes Jia's films unique in their ability to reveal the inherent contradictions that structure the postsocialist condition in contemporary China. / Dans cet article, j'examinerai comment les films de Jia Zhangke fonctionner comme des analyses de la condition sociale contemporaine en Chine à la fois par l'objet et la documentation d'une société en transition, ainsi que, grâce à la création d'un langage cinématographique novateur. Jia utilise des techniques cinématographiques qui problématiser les frontières entre fiction et documentaire, la subjectivité et l'objectivité et le réalisme et le surréalisme mettant ainsi en cause les hypothèses sous-jacentes film forme que comme un médium lui-même. C'est ce geste filmique, essentielle, qui brouille les frontières entre les catégories traditionnelles du cinéma qui fait des films uniques Jia dans leur capacité à révéler les contradictions inhérentes à la structure de la condition post-socialiste dans la Chine contemporaine.

Documentary studies, and Italian documentary studies in particular, is a fairly young academic discipline. My research ventures in this somewhat uncharted territory with a multidisciplinary approach and in pursuit of a twofold objective: firstly to produce a brief account and a literature review concerning the major directors, movements, and theoretical trends in and about Italian documentary from the end of the Second World War to the present, which are not available in English; secondly to explore the debates about the definition of the documentary form, with a special focus on British and North-American scholars, and propose a solution to some contentious issues. The latter part of the research combines a philosophical approach that mainly draws on the works of Jürgen Habermas, Don Ihde and Kendall L. Walton, and a sociological methodology influenced by Mary Douglas and Basil Bernstein's theories; it is based on the hypothesis that documentary is not just a series of images and sounds, in whatever format the available technology provides us with, but an institution; to look at documentary as an institution means to define its features as a routinized cultural behaviour in the social context where it develops. Insofar as documentary is an institution, individual documentaries can be considered cultural artifacts that express in fairly accessible ways subjective meanings that are then internalized and influence people in their constant process of creation and recreation of social contexts. Thus, in the last part of the dissertation, I focus on the concrete instances through which the institution of documentary becomes part of the socio-cognitive contexts of individuals. I identify four documentary types, characterized by the different weighting of a set of variables dependent on the ethical, cognitive and stylistic features of the institution of documentary that I have previously described. I then match these types with the group/grid categories of a neo-Durkheimian theoretical framework to obtain a set of conceptual tools which are put to a preliminary test through the analysis of a recent Italian documentary. / Les études sur le documentaire, et sur le documentaire italien en particulier, sont une discipline académique très jeune. Ma recherche s'aventure dans ce terroir plutôt inexploré avec une approche multidisciplinaire et à la poursuite d'un double objectif: premièrement de présenter une bref histoire et une critique de la littérature au sujet des réalisateurs, mouvements et théories du documentaire italien à partir de la fin de la deuxième guerre mondiale jusqu'à maintenant, parce que ce genre d'études ne sont pas disponible en anglais; deuxièmement de explorer le débat sur la définition de la forme documentaire, avec une attention particulière pour les théories anglaises et nord-américaines, et proposer une solutionne pour des points controversés. La dernière partie de la recherche combine une approche philosophique inspiré par les ouvres de Jürgen Habermas, Don Ihde et Kendall L. Walton avec une méthodologie sociologique influencé par les théories de Mary Douglas et Basil Bernstein; ce partie est fondé sur l'hypothèse que le documentaire n'est pas seulement une série d'images et sons, dans n'importe pas quelle technologie soit disponible au présent, mais il est une institution. Voir le documentaire comme une institution veut dire définir ces caractéristiques en tant que comportement culturel habitualisé dans le contexte social ou il se développe. Si le documentaire est une institution, les documentaires sont des produits culturels qui expriment des significations subjectives d'une façon accessible, et qui sont tour à tour intériorisés et vont influencer les gens dans leur procès de création et recréation de contextes sociaux. C'est pour ça que la dernière partie de la thèse est consacré à l'analyse de la façon dans laquelle le documentaire devient partie des contextes sociocognitives des individus. Je identifie quatre types de documentaire, caractérisé par le diffèrent pois donné à une série de variables qui dépend par les aspects éthiques, cognitives et stylistiques de l'institution documentaire que j'ai décrit précédemment. Ensuite, je combine ces types avec les catégories groupe/grille d'un système théorique nouveau-Durkheimien, et le cadre conceptuel qui en résulte est préliminairement vérifié à travers l'analyse d'un documentaire italien contemporain.

The following thesis investigates the conditions of possibility for, as well as some of the consequences of, the growing presence of the cinema at the museum. Thus, the first chapter sees us looking back on a number of historical markers for this emerging phenomenon. The second chapter concentrates on shifts pertaining to the figure of the museum curator which it attributes, concomitantly, to the emergence of a cinematic model of exhibition organization and a recent "return of fiction" (Christian Zimmer). Finally, the third chapter proposes a rereading, through the prism of the cinema, of a selection of texts which approach the formation of a modern perceiving subject. Considered from three different angles, the entry of the cinema into the space of the museum is thought, then, to stand at the center of a renewal, not only of artistic practices, but of the very institution of the museum in the 21st century. / Ce mémoire offre une réflexion sur les conditions qui ont rendu possible la présence du cinéma au musée ; il sera également question des conséquences entraînées par cette présence. Le premier chapitre revient sur plusieurs marqueurs historiques qui témoignent de ce phénomène récent. Le deuxième chapitre se concentre sur les transformations qui ont affecté la fonction de commissaire d'exposition. On peut expliquer ces changements par l'émergence d'un modèle d'organisation des expositions inspiré du cinéma. Une autre explication est à chercher dans le « retour de la fiction » (Christian Zimmer). Enfin le troisième chapitre propose de relire, par le prisme du cinéma, un choix de textes qui s'intéressent à la mise en place d'un sujet moderne percevant. Ainsi abordée sous trois angles, l'entrée du cinéma au musée apparaît alors comme l'enjeu central d'un processus de renouveau qui ne touche pas seulement les pratiques artistiques mais l'institution même du musée au 21e siècle.

This thesis explores the relationship between the social history and the filmic history of the swimming pool. The history of the swimming pool and the history of the movies wove themselves together during the first half of the twentieth century. By 1950, the image of the swimming pool and the image of the movie star were connected in the social imaginary. Discourses about gender, health, discipline and the body were moulded by the architectural environment of the swimming pool, when the movies translated the image of the swimming pool, they carried these ideas along with them. These ideas affected the formation of modern subjectivities. This thesis attempts to demonstrate one of the means by which a particular set of ideas infiltrated the collective psyche / Cette thèse examine le rapport entre l'histoire sociale et l'histoire filmique de la piscine. Elle tente de démonter le moyen par lequel une tendance particulier c'est inflirté dans la psyché collective. L'histoire de la piscine et l'histoire du cinema se sont entrelacé au cours de la prèmiere moitier du vingtieme sciècle. Par l'année 1950, l'image de la piscine et l'image de la vedette étaient liés dans l'imagination sociale. Les discours au sujet de sexe, la santé, la discipline et le corps étaient façonné par l'environment architecturale de la piscine. Losque le cinéma traduit l'image de la piscine, il emporte ces idées avec. Ces idées affectent la formation des subjectivités moderne. Cette thèse tente de dèmontrer le moyen par lequel une tendance particulier c'est infiltré dans la psyché collective.

This dissertation charts the emergence of lesbian and gay film festivals in the United States and Canada, their meanings and politics, through the specific discursive contexts in which the festivals are embedded. I argue that while general international film festivals operate within a very well defined network, the added categories of minority sexuality and community crucially and fundamentally change the relationship of the films screened to the festival, films and festival to audience, and the festival to any network of distribution. The aim is then to explore those changes and differences through a comparative analysis of selected film festivals organized around categories of minority sexual identities. I argue that the lesbian and gay film festival poses a unique set of histories and structures that differ significantly from the general international film festival. The main case studies include festivals in Montreal, New York City, San Francisco and Toronto. / Cette thèse décrit l'émergence des festivals du cinéma lesbien et gai aux États-Unis et au Canada, leurs significations et leurs dimensions politiques, à travers les contextes discursifs particuliers dans lesquels les festivals sont intégrés. Je propose que, si les festivals internationaux à caractère général opèrent dans des réseaux très bien définis, dans le cas des festivals organisés sur la base des catégories de sexualités minoritaires et de leurs communautés, la relation des films projetés au festival, les films du festival et aux spectateurs et aux spectatrices, et le festival à n'importe quel réseau de distribution de films, changent fondamentalement. Le but de la thèse est alors d'explorer ces changements et ces différences à travers une analyse comparative de certains festivals de cinéma organisés autour de catégories d'identités sexuelles minoritaires. Je propose que les festivals du cinéma gai et lesbien offrent un ensemble unique d'histoires et de structures qui diffèrent fondamentalement de celles des grands festivals de film internationaux. Les cas principaux étudiés ici sont des festivals à Montréal, New York, San Francisco et Toronto.

This thesis is an analysis of the notion of the virtual as laid out in works by Brian Massumi, Gilles Deleuze, and Félix Guattari. In it, I explore the virtual across several Chinese films of the last two decades and with respect to different challenges to identity. Through Center Stage, Farewell My Concubine, and Frozen, I investigate the dangers of the virtual in performance and the difficulty in recognizing the line between role and real. I then compare this to the similar yet distinct notion of disguise in House of Flying Daggers and Infernal Affairs in order to demonstrate the different manifestations and effects of the virtual when one's performance is undisclosed to those to whom one plays. Finally, I examine identity and the virtual through cinematic doublings in the films Center Stage and Suzhou River. / Cette thèse est une analyse de la notion du virtuel telle que présentée dans les travaux de Brian Massumi, Gilles Deleuze et Félix Guattari. J'explore le virtuel au travers de plusieurs films chinois des deux dernières décennies en ce qui a trait aux différents défis de l'identité. Par des films tels que Center Stage, Farewell My Concubine, et Frozen, j'examine les dangers du virtuel dans la performance et la difficulté de pouvoir reconnaitre la mince ligne entre le rôle et le réel. Je compare, ensuite cela à la notion similaire mais quand même distincte de camouflage dans House of Flying Daggers et Infernal Affairs de manière à démontrer les différentes manifestations et les effets du virtuel lorsque la performance d'un personne est non- dévoilée à quelqu'un avec qui elle joue. Finalement, j'examine l'identité et le virtuel par les doublages cinématiques dans les films Center Stage et Suzhou River.

This thesis examines two key periods in the American road movie genre with a particular emphasis on formations of identity as they are articulated through themes of marginality,freedom, and rebellion. The first period, what I term the "founding" period of the road moviegenre, includes six films of the 1960s and 1970s: Arthur Penn's Bonnie and Clyde (1967), Dennis Hopper's Easy Rider (1969), Francis Ford Coppola's The Rain People (1969), Monte Hellman's Two-Lane Blacktop (1971), Richard Sarafian's Vanishing Point (1971), and Joseph Strick's Road Movie (1974). The second period of the genre, what I identify as that of the "minority" road movie, occurs largely in the 1990s and includes Ridley Scott's Thelma & Louise (1991), Gregg Araki's The Living End (1992), and Spike Lee's Get on the Bus (1996). Emphasizing the cinematic worlds, narrative trajectories, and identity politics of the road movie, I argue that "founding" road movies, though usually homogeneous in their portrayals of identity, are significant for later minority road movies because they establish points of rebellion that negotiate between dominant and marginal social relations that minority road movies would later revisit. These minority road movies (re)interpret the generic raw material of the past, tapping into a number of subgenres as well as themes of marginality, freedom, and rebellion, in order to introduce new identities to the genre. Important to the many exchanges between the two periods is the interplay of subgenres; as I will discuss, many of these films borrow, critique, and subvert the generic precedents of the past. / Cette thèse examine deux périodes clés du genre cinematographique des 'road-movies' américains en se concentrant sur les formations identitaires telles qu'elles sont articulées à travers les thèmes de la marginalité, de la liberté, et de la rébellion. La première période, que je qualifierais de période fondatrice du genre 'road-movie', comprend six films des années 1960 et1970: Bonnie and Clyde d'Arthur Penn (1967), Easy Rider de Dennis Hopper (1969), The Rain People de Francis Ford Coppola (1969), Two-Lane Blacktop de Monte Hellman (1971), Vanishing Point de Richard Sarafian (1971), et Road Movie de Joseph Strick (1974). La deuxième période du genre, que j'identifierais comme celle du 'road-movie' « minoritaire », est produite en grande partie dans les années 1990 et comprend Thelma & Louise de Ridley Scott(1991), The Living End de Gregg Araki (1992), et Get on the Bus de Spike Lee (1996). En soulignant les univers cinématiques, les trajectoires narratives, et les politiques identitaires, je soutiens que les films «fondateurs», souvent homogènes dans leurs représentations identitaires, sont importants pour les « road-movies » minoritaires ultérieurs car ils établissent des points derébellion négociant entre des rapports sociaux de dominants a marginaux, eux-meme plus tard revisités par les films minoritaires. Ces « road-movies » minoritaires réinterpretent les matériaux génériques bruts du passé, mettant en valeur un certain nombre de sous-genres ainsi que les thèmes de la marginalité, la liberté, et la rébellion, afin d'introduire de nouvelles identités au genre. Le jeu des sous-genres est lui-meme important dans les nombreux échanges entre les deux périodes : je débats que plusieurs de ces films empruntent, critiquent et subvertissent les précédents génériques du passé.

This study examines the role of nostalgia in contemporary Quebec cinema through the analysis of two recent coming-of-age films set in the 1960s: Maman est chez le coiffeur (Léa Pool, 2008) and C'est pas moi, je le jure! (Philippe Falardeau, 2008). While the "nostalgia film" has been roundly criticized for promoting a superficial engagement with history, and a dangerous withdrawal from the present, I argue that in the context of Quebec, it should be understood as performing important critical work. Given the long and influential ties between the coming-of-age film, the family romance, and filmic nostalgia in Quebec to the national imaginary, I argue that these films reflect broader shifts in the state of cultural memory. Far from foreclosing a consideration of the future, films that creatively re-imagine the past enable new and empowering engagements with it. With these issues in mind, I go on to argue for a more measured consideration of the potential of nostalgia itself. / Cette étude examine le rôle de la nostalgie dans le cinéma québécois contemporain à travers l'analyse de deux films de 2008 sur le passage à l'âge adulte, dont l'action se déroule dans les années soixante : Maman est chez le coiffeur (Léa Pool, 2008) et C'est pas moi, je le jure ! (Philippe Falardeau, 2008). Alors que les films nostalgiques et la nostalgie elle-même sont vivement critiqués pour prétendument favoriser un rapport superficiel à l'Histoire et un dangereux détachement vis-à-vis du présent, cette Thèse soutient que dans le contexte du Québec, les films traitant du passage à l'âge adulte et de la nostalgie entretiennent de longue date des liens influents avec l'imaginaire collectif et qu'ils doivent être considérés comme porteurs d'un important travail critique. En outre, ces films reflètent les changements profonds advenus dans la mémoire culturelle du Québec et, loin d'empêcher une prise en compte de son avenir, donnent plus de raisons encore de s'engager au regard de celui-ci. Sur la base de ces observations, cette Thèse développe une argumentation en faveur d'une plus juste appréciation du potentiel de la nostalgie elle-même.