Early English poetry anthologies are important because they reflect the poetic taste of their age. This dissertation is a reference work on those anthologies--a bibliographical catalogue and first-line index of early printed anthologies of English poetry to 1640. There are four parts to the dissertation. The introduction gives an overview of the subject and relates it to larger critical issues, such as authorship, style, and the manuscript culture. Next is a short-title list of anthologies and their subsequent editions. Part Three is comprised of quasi-facsimile bibliographical descriptions of the first editions of the anthologies followed by the first lines of their poems in sequence. Last is a comprehensive index of all of the first lines of all of the anthologies. This reference work will be useful to scholars working with Renaissance lyric poetry.

Here, employing materialist and colonial discourse theory, I contend that the reality of the "new world," so tightly bound to new appetites and new servitudes, pervasively informed literary works which have been traditionally immune to interpretations asserting their complicity with and critique of English, later British, colonialism. While scholars have always known that Milton was Secretary of Foreign Languages for an English ruler with an aggressive colonial policy, and they have identified Samuel Purchas and Peter Heylyn, churchmen turned geographers, as sources for Milton's geography, and have even argued that Satan is a colonizer, my work addresses the colonial situation at the center of Paradise Lost. Positing that England experienced "culture wars" (epistemic and ideological, as well as political and social, instability) during the period between the beheading of Charles I (1648/9) and the publication of Linnaeus' Systema Naturae (1735), in subsequent chapters I address a group of interrelated paradoxes: How was it that acquisitiveness and consumerism expanded among the middling sort who concurrently cultivated the pleasures of deferred gratification and the "paradise within"? How was it that God's Englishmen could pride themselves as defenders of "Liberty herself" while they aggressively enslaved millions? How was it that the Augustan age so concerned with decorum and taste could produce literary works so obsessed with deformity and excrement? By placing non-literary texts (travel accounts, geographies, natural histories, dictionaries, dispensatories, philosophical transactions) alongside Miltonic texts and later literary texts, we can partially account for what have been vexing interpretive problems: Raphael's astronomy, Samson's misogyny, the "coarseness" of the Restoration stage, the eighteenth-century "taste" for "monsters," Swift's scatology. We can recognize a historically specific strategy for containing the oddities and commodities issuing from the "American experience." Relying on Scripture for justification, early agents of the First Empire appropriated land and controlled bodies; relying on Science, the Second Empire sought to appropriate and control hearts and minds. This study addresses the mechanisms and literature of that shift.

This dissertation argues that the tragedy of the English Renaissance reflects the religious culture of the era in its depiction of sacrificial violence. It contests New Historicist assumptions about both the relationship between religion and politics, and the relationship between religion and literature, by arguing that the tragedians were reflecting the Girardian sacrificial crisis that characterized martyr executions in the sixteenth century and which was fuelled by uncertainty within the church over the issue of violence. Chapter One develops the historical framework. It begins by surveying the history of Protestant and Catholic martyrdom in the sixteenth and early seventeenth centuries. It then traces the doctrine of the persecuted church—the recovered New Testament sense that the true church is necessarily a persecuted minority that suffers for Christ's sake—in various religious writers of the period. The most important of these writers is the martyrologist John Foxe, who fostered an anti-sacrificial strain of Christianity from within the national church. Finally, I discuss how this victim-centred theology disrupted consensus at religious executions, offering an emotional template that the tragedians exploited. Each of the three subsequent chapters is devoted to a different tragedian. Chapter Two discusses William Shakespeare's King Lear, a play which is radical in its sympathy for the sacrificial victim. King Lear shows no particular faith in Christian redemption, but in this very lack of transcendence it demystifies and condemns sacrificial violence. Chapter Three is devoted to John Webster's two tragedies, The White Devil and The Duchess of Malfi. Here, the / Notre thèse soutient l'idée que la tragédie de la renaissance anglaise reflète la culture religieuse de l'époque dans son évocation de la violence sacrificielle. Elle conteste les présupposés du néo-historicisme à l'égard de la relation entre la religion et la politique et entre la religion et la littérature, en proposant que les dramaturges exprimaient à travers leurs tragédies une crise sacrificielle girardienne qui caractérisait les exécutions des martyres au seizième siècle et qui était alimentée par une crise de conscience par rapport à la violence qui s'exprimait au sein même de l'église. Le premier chapitre fait état du contexte historique. Nous nous intéressons d'abord à l'histoire des martyres protestants et catholiques au seizième et au début du dix-septième siècles. Nous détaillons ensuite la doctrine de l'église persécutée, c'est à dire la conviction issue du nouveau testament que la véritable église est nécessairement une minorité persécutée au nom du Christ, au travers des écrits de nombreux écrivains de l'époque. Figure illustre parmi ces écrivains, le martyrologue John Foxe cultivait une tendance anti-sacrificielle au sein de l'église nationale. Nous examinons enfin comment cette théologie centrée sur la victime bouleversa le consensus face aux exécutions religieuses, en présentant un champ émotionnel exploité par les dramaturges tragiques. Chacun des trois chapitres suivants se consacre à un différent dramaturge. Le deuxième chapitre aborde King Lear de Shakespeare qui se distingue précisément par la compassion qui y est manifestée pour la victime sacrificielle. King Lear ne fait preuve d'aucune

The social and political transformations of the Second World War in Britain required a massive coordination of public opinion and effort. "Writing the Radio War: British Literature and the Politics of Broadcasting, 1939-1945" examines the mobilization of British writers through their involvement in radio broadcasting. Drawing on theories of mass communication from the 1930s to the present day, this dissertation argues that the power of radio as a medium of propaganda and national identity-formation lay in its ability to generate an aura of intimacy that encouraged listener identification with the national community. Capitalizing on this intimacy, writers imagined listening publics that were at odds with official projects of national unity. Confronted with the Anglophone fascism of pro-Nazi broadcaster William Joyce, Nancy Mitford and Rebecca West used their writings to neutralize the threat of autochthonous extremism by depicting Joyce as a laughable ideological non-national subject. Even among patriotic Britons, political fractures appeared, as when J.B. Priestley used his radio "Postscripts" to frame debates about postwar British society along socialist lines. In the mixed documentary-dramatic genre of the radio "feature," Louis MacNeice modelled collective gain through collaborative effort in The Stones Cry Out, Alexander Nevsky, and Christopher Columbus. On the Overseas Service, George Orwell and E.M. Forster attempted subtle compromises to keep Indian listeners loyal to the Empire, while Jamaican poet Una Marson repurposed the BBC's networks in order to imagine alternative communities. Marson turned the program Calling the West Indies into an incubator for a vibrant Caribbean literary scene. Collectively, these writers used the wireless to guide British listeners through the social and political changes brought on by the war: having entered the conflict as an imperial nation riven by class and ideology, Britain emerged ready to embark on the massive social experiment of the multicultural postwar welfare state with a renewed sense of possibility and promise. / Les transformations sociales et politiques de la deuxième guerre mondiale en Grande-Bretagne ont nécessité une mobilisation énorme d'opinion et d'effort publique. "Writing the radio war: British literature and the politics of broadcasting, 1939-1945" examine la participation des écrivains britanniques dans cette mobilisation au niveau de leur engagement dans la radiodiffusion. Cette thèse utilise diverses théories de communication datant des années 1930 jusqu'au présent pour démontrer la puissance de la radio comme moyen de propagande et de gestion d'identité nationale en raison de sa capacité d'engendrer une semblance d'intimité entre les auditeurs et leur communauté nationale. Les écrivains de cette période ont pris avantage de cette intimité pour imaginer des publiques qui contredisaient les projets officiels d'unification nationale. Face au fascisme anglophone de William Joyce, un propagandiste pronazi, Nancy Mitford et Rebecca West se sont servies de leurs écrits pour rendre neutre la menace d'une extrémisme autochtone en décrivant Joyce comme une aberration idéologique, risible et étranger. Les divisions politiques sont apparues même parmi les Britanniques patriotiques; avec son programme "Postscripts" sur la BBC, J.B. Priestley a poursuit un avenir socialiste pour la Grande Bretagne, ce qui contrevenait les intentions du gouvernement pendant la guerre. Avec ses productions documentaires et dramatiques, incluant The Stones Cry Out, Alexander Nevsky, et Christopher Columbus, Louis MacNeice a modelé un processus de travail collectif au bénéfice du collectif. Dans le Overseas Service du BBC, George Orwell et E.M. Forster tentaient des compromis subtils pour assurer la fidélité des auditeurs indiens à l'Empire Britannique. La poète jamaïquaine Una Marson a profité des réseaux impériaux pour imaginer des communautés autres que celui de l'Empire en transformant le programme Calling the West Indies en incubateur pour une scène littéraire caraïbe dynamique. Ensemble, ces écrivains ont profité de la radiodiffusion pour piloter le public britannique à travers les changements sociopolitiques de la guerre. Ayant rentré dans la guerre une nation impériale fendu par l'idéologie et par les classes sociales, la Grande Bretagne est ressortie avec un esprit de possibilité et se trouvait prêt à embarquer sur la grande expérimentation de l'état social démocratique de caractère multiculturelle.

I argue that the early modern theatre made a significant contribution to the development of a new, more complex, idea of news that began to take root in the early seventeenth century. Unlike other means of representing current events, theatrical discourse did not present itself as true—it depended for effect on a knowing disengagement from reality, an implicit awareness that Burbage was not really Richard III and the Globe theatre was not really Bosworth Field. Compounding this formal barrier to reality, dramatists of the period typically approached topical concerns from an oblique angle, or from behind the guise of a sophisticated conceit, thus making the connection to news a matter of imaginative interpretation, or play. Paradoxically, however, such techniques did not fence the theatre off from news culture but in fact made it a unique space where formative thinking about the news could flourish, a space where the concept of news could become manifest from an elucidating distance and could accrue value in an emotionally and intellectually resonant register. Chapter One offers a parallel history of theatre and news and then moves to a discussion of how both forms contributed to a shift in early modern publicity. In the three chapters that follow, this historical and theoretical framework is applied to readings of The Winter's Tale (Shakespeare), A Game at Chess (Middleton), and The Staple of News (Jonson). Overall, the analysis shows how the theatre of Shakespeare, Middleton, and Jonson enriched news culture by providing a forum where a rigorous, but playful, re-thinking of news could develop—thereby opening up new opportunities for participation in public life. / Dans cette thèse, j'avance que théâtre moderne a permis un progrès significatif dans le développement d'une conception nouvelle et plus complexe de l'information, telle qu'elle commença à prendre forme au début du 17ème siècle. Contrairement à d'autres sources de diffusion de l'information, le discours théâtral ne se prétendait pas comme vrai – il reposait plutôt sur un désengagement voulu de la réalité, sur un savoir implicite que Burbage n'était pas vraiment Richard III et que le théâtre du Globe n'était pas Bosworth Field. En amplifiant cet écart formel avec réalité, les dramaturges de la période abordaient des sujets d'actualité de manière oblique, ou sous le déguisement d'une métaphore sophistiquée, faisant ainsi du lien avec l'actualité matière au jeu interprétatif ou imaginatif. Cependant, de façon paradoxale, le retrait de la réalité opéré par le théâtre n'a pas mis ce dernier à l'écart de la culture de l'information, mais en a fait un espace unique où une réflexion formatrice sur l'information a pu se développer, un espace où les idées et les questions fondamentales au concept d'information ont pu prendre forme grâce à une distance éclairante, et acquérir une valeur d'un registre aussi bien émotionnel qu'intellectuel. Le premier chapitre relate en parallèle l'histoire du théâtre et celle de l'information, puis explore la manière dont tous deux ont contribué à opérer un tournant dans la médiatisation à l'ère moderne. Dans les trois chapitres suivants, ce cadre historique et théorique est appliqué à la lecture de The Winter's Tale (Shakespeare), A Game at Chess (Middleton), et The Staple of News (Jonson). Notre analyse montre finalement comment le théâtre de Shakespeare, Middleton et Johnson a enrichi la culture de l'information en offrant un forum où réflexion aussi rigoureuse que ludique sur l'information a pu se développer, créant ainsi de nouvelles occasions de participer à la vie publique.

<p> Examining the significance of eating, drinking, and starvation in the development of John Keats's poetic identity and creative process, this thesis explores the role that acts of consumption play in the formation of a negatively capable identity. The consumption and digestion of other writers allowed Keats to rise above his lower-class status and construct a distinct poetic voice. Through exploring drink as a means of escape, Keats was able not only to accept the reality of suffering, but also to consume painful experiences alongside pleasurable ones. Ultimately, through examining Keats's poetry and letters, eating and drinking can be seen as integral to overcoming the starvation of the men in "La Bell Dame sans Merci" and central to the achievement of the state of negative capability apparent in the intoxicating satisfaction of "To Autumn."</p>

This dissertation argues that the British trauma novel emerged at the turn of the nineteenth century, in response to the rise of individualistic conceptions of personal integrity and to the increasing value given to ordinary human life. Moments of intense suffering began at this point to register as shocking and traumatic violations of the boundaries of identity, and early- to mid-nineteenth-century trauma novels explore this cultural opposition between suffering and individuation. In such novels, individual boundaries are frequently imagined in architectural terms, while trauma is cast as a spatial violation of private territory. Although these texts provoke expectations of medical and narrative cures by combining scientific imagery with the marriage plot, they ultimately question the therapeutic teleology of medical science and the educative teleology of the bildungsroman and domestic novel. They instead locate the source of trauma in the bourgeois model of bound subjectivity propagated by both literature and science. This account of early- to mid-nineteenth-century novelistic trauma as a primarily spatial phenomenon differs from modern theories of trauma that focus on distortions in time. It reorients trauma scholarship away from the traumatic memory and towards the relationship between suffering and discrete selfhood. My first chapter argues that Elizabeth Inchbald's 1791 novel A Simple Story replicates and ironizes the eighteenth-century novelistic depiction of suffering as central to human subjectivity. In Chapters 2-4, I focus on nineteenth-century novels in which suffering instead becomes a traumatic violation of selfhood. In Mary Shelley's Matilda, trauma destroys the personal boundaries that block intimacy, so the protagonist keeps her wound open and refuses to heal. In A Tale of Two Cities, Charles Dickens emphasizes the problematic dimensions of both bound bourgeois identity and inter-subjective working-class selfhood. In this novel, open models of personality engender repetitive violence, while bourgeois privacy creates the traumatic experience of unassimilable pain. In The Woman in White, Wilkie Collins implies that the boundaries protecting the individual self are illusory, as his characters are subjected to constant traumatic violations that negate coherent, self-directing identity. Each of these trauma novels expresses respect for the individual and compassion for human suffering, both of which characterized the valuation of ordinary life that arose at the turn of the nineteenth century. They nonetheless question whether atomistic subjectivity, conceived spatially in terms of rigid borders, is the best protection against psychological pain. / Cette thèse soutient que le roman de trauma britannique a émergé au tournant du XIXe siècle en réponse à la montée des conceptions individualistes de l'intégrité personnelle et à la valeur croissante accordée à la vie humaine ordinaire. Les moments de souffrance intense ont commencé à être compris comme étant des violations choquantes et traumatisantes des frontières de l'identité, et les romans de trauma du début jusqu'au milieu du XIXe siècle contribuent à cette opposition culturelle entre la souffrance et l'individuation. Dans ces romans, les limites individuelles sont souvent imaginées en termes d'architecture et le traumatisme est présenté comme une violation du territoire privé. Bien que ces textes provoquent des attentes de guérison grâce aux traitements médicaux et au remède narratif, qui combinent l'imagerie scientifique avec le récit traditionnel du mariage, la téléologie thérapeutique de la science médicale, ainsi que la téléologie éducative du bildungsroman et du roman domestique, sont remis en cause. Le roman de trauma localise la source du traumatisme dans le modèle bourgeois de subjectivité close propagée dans la littérature et la science. Cette interprétation du traumatisme romanesque du début et du milieu du XIXe siècle comme étant un phénomène essentiellement spatial diffère des théories modernes de traumatisme qui mettent l'accent sur les distorsions dans le temps. Cette lecture éloigne le traumatisme de son association avec l'idée de la mémoire traumatique et le rapproche à la relation entre la souffrance et l'individualité discrète. Mon premier chapitre soutient que le roman d'Elizabeth Inchbald de 1791, A Simple Story, reproduit et ironise la représentation romanesque de la souffrance au XVIIIe siècle, quand elle était soulignée comme un élément central de la subjectivité humaine. Dans le deuxième et le quatrième chapitre, je me concentre sur des romans du XIXe siècle, dans lesquels la souffrance devient au contraire une violation traumatisante de l'individualité. Dans le roman Matilda de Mary Shelley, le trauma détruit les limites personnelles que bloque l'intimité, de sorte que le protagoniste conserve sa blessure ouverte et refuse de guérir. Dans A Tale of Two Cities, Charles Dickens met l'accent à la fois sur les dimensions problématiques de l'identité close de la bourgeoisie et de l'identité intersubjective de la classe ouvrière. Dans ce roman, les modèles ouverts de la personnalité engendrent une violence répétitive, tandis que la vie privée bourgeoise crée l'expérience traumatisante de la douleur inassimilable. Dans The Woman in White, Wilkie Collins suggère que les frontières qui semblent défendre l'individu sont illusoires, car ses personnages sont soumis à des violations traumatiques constantes qui nient l'identité cohérente et autonome. Chacun de ces romans de trauma exprime le respect de l'individu et de la compassion pour la souffrance humaine, ce qui caractérise l'augmentation de la valeur attribuée à la vie ordinaire à la fin du XIXe siècle. Ils soulèvent néanmoins la question de savoir si la subjectivité atomistique, conçue spatialement en termes de frontières rigides, est la meilleure protection contre l'angoisse psychologique.

This dissertation sets out to offer a renewed perspective on the participation of Shakespeare's theatre in the secularization of early modern England. It engages with current theories of secularization, in which the pluralization of beliefs is recognized as fuelling secularizing processes, as opposed to longstanding subtraction theories of secularization, which have mistakenly charted a comprehensive decline of belief. While this study acknowledges the historical reality of Shakespeare's involvement in the secularization of the religious landscape of early modernity, it also resists the common reception of his plays as prescient anticipations of much later secularisms. I argue that these retroactive secularist interpretations of the plays have tended to elide the profoundly conflicted responses to secularization in Shakespeare's drama. This dissertation's historical investigation of tolerance, demonism, blasphemy, and love in the plays reveals that while Shakespeare's dramas do often convey an implicit recognition of the possible opportunities that secularization presented, they also represent it as a development that could render humans vulnerable to social and to supernatural harm. The introductory chapter provides an overview of current secularization theory, focusing particularly on Charles Taylor, the most influential proponent of recent developments in our understanding of secularizing processes. In cooperation with other theorists, Taylor has reanimated the idea of secularization by reconceiving of it as an unpredictable and dynamic process, largely driven by the pluralization of beliefs over time. I take up this hypothesis by demonstrating its potential for analyzing tolerance in several of Shakespeare's comedies, as well as more generally as a means of furthering critical debate on Shakespeare and religion. Chapter one is devoted to Shakespeare's theatricalization in Othello of the idea that the devil could make use of the discordant processes of the Reformation, as well as of the innovations of humanism, both pluralizing engines of secularization in the period, in order to infiltrate weakened spiritual communities. Chapter two investigates Shakespeare's response in Macbeth to legislation that prohibited blasphemous swearing in public entertainments. Shakespeare appears to have been inspired by the new bill to write Macbeth in a way that superficially complied with the law, but which nonetheless engaged profoundly with the dispersion of the post-Reformation idea of blasphemy into a secularizing plurality of beliefs, a fragmentation that is enacted in the play with an ambiguous mixture of approval and disapproval. In the final chapter, I consider how in Romeo and Juliet, Shakespeare recuperates the radicalism of the Franciscan Order's societal and poetic ideals of relational and spiritual love in ways that initially appear to support, but which then ultimately subvert, English Protestantism's tentative investment in matrimonial love as the principal means by which the fraying bonds of the religious and the secular dimensions of Reformed society might be restored. Instead of celebrating a unified representation of Catholic or of Protestant aspirations for marriage, the play concludes by evoking a secularizing plurality of options for belief in matrimony, an impetus which has contributed to the currently widespread, albeit variously experienced, belief in wedded love as the cornerstone of the modern social imaginary. / Cette thèse propose une perspective renouvelée sur la participation du théâtre de Shakespeare dans la sécularisation de l'Angleterre pendant la Renaissance. Elle utilise les théories actuelles de la sécularisation, selon lesquelles la pluralisation des croyances est reconnue pour avoir alimenté les processus de sécularisation, contrairement aux théories dites « de soustraction » qui attribuent ceux-ci à une diminution globale de la croyance religieuse. Bien que cette étude reconnaisse la réalité historique de l'implication de Shakespeare dans la sécularisation du climat religieux de la Renaissance, elle résiste également à l'idée populaire que ses pièces anticipaient de façon presciente la laïcité moderne. Je soutiens que ces interprétations rétroactives des pièces de Shakespeare ont eu tendance à élider les réponses en conflit à la sécularisation contenu dans le drame de Shakespeare. Cette enquête historique de la tolérance, du démonisme, de blasphème, et d'amour dans les pièces de Shakespeare révèle que ses drames véhiculaient non seulement la reconnaissance implicite des opportunités que la sécularisation présentait, mais aussi d'un développement capable de rendre les humains plus vulnérables à l'endommagement social et surnaturel. Le chapitre d'introduction fournit une vue d'ensemble de la théorie de la sécularisation actuelle, en se concentrant particulièrement sur Charles Taylor, le partisan le plus influent des développements récents dans notre compréhension des processus de sécularisation. Avec d'autres théoriciens, Taylor a ravivé l'idée de sécularisation en la présentant comme un processus imprévisible et dynamique, conduit principalement par la pluralisation des croyances au fil du temps. J'applique cette hypothèse en démontrant son potentiel pour l'analyse de la tolérance dans plusieurs comédies de Shakespeare, ainsi que plus généralement comme un moyen de faire progresser le débat critique sur Shakespeare et la religion. Le premier chapitre est consacré à Othello où Shakespeare théâtralise l'idée que le diable peut faire usage des processus discordants de la réforme protestante, ainsi que des innovations de l'humanisme, deux instigateurs de la pluralisation séculaire durant cette période, afin d'infiltrer une communauté spirituelle affaiblie. Le deuxième chapitre étudie la réponse de Shakespeare dans Macbeth à la législation interdisant le langage blasphématoire dans les spectacles publics. Ici, Shakespeare décrie le nouveau projet de loi en écrivant d'une manière conforme seulement en apparence à la loi, mais qui en réalité promulgue une dispersion de l'idée post-réforme du blasphème en une pluralité séculaire de croyances, une fragmentation qui est jouée dans la pièce par le biais d'un mélange ambigu d'approbation et de désapprobation. Dans le dernier chapitre, je considère comment, dans Romeo and Juliet, Shakespeare s'appuie sur le radicalisme des idéaux sociaux et poétiques de l'ordre Franciscain, particulièrement ceux concernant l'amour relationnel et spirituel, d'une manière qui apparait initialement à le soutenir, mais qui finalement s'insurge contre l'investissement du protestantisme anglais dans l'amour matrimonial comme principal moyen de restauration des dimensions religieuses et séculaires de la société réformée. Au lieu de célébrer une représentation unifiée des aspirations catholiques ou protestantes du mariage, la pièce se termine en évoquant une pluralité d'options pour séculariser la croyance dans le mariage, un élan qui a contribué à faire aujourd'hui de l'amour conjugal, sous toutes ses formes, une fondation de l'imaginaire social moderne.

This dissertation charts the construction and dismantling of the British Welfare State, through novels, films, and architecture, with a focus on one of the defining issues of the period: housing. In 1942, the Beveridge Report designated housing a basic right for all citizens. After four million homes were destroyed during World War II, the reconstruction of houses and towns was an urgent task for the nation. In the Welfare State, housing became the measure of success for socialist interventions. Drawing upon literary studies, film studies, and architectural history, this dissertation traces four aspects of postwar housing – architecture, town planning, country house preservation, and government housing policy – in both fictional and non-fictional discourses. Realist representations, whether in novels or films, offer more than thematic representations of history; they actively contribute to its construction as much as town plans, architectural models, builders, and government policies. The two-way transmission between fiction and housing can be conceptualized spatially through a shifting relationship between the horizontal and the vertical. Bombs leveled buildings during the war; architecture and government policies aimed to level class and other social distinctions after the war. In fiction, horizontality and verticality emerge through both narrative tropes and formal techniques that critique the central social problems of the postwar period. Chapter 1 of this dissertation, "Boardinghouses," assesses the stakes of wartime and immediate postwar reconstruction through attention to the relationship between the individual and community in public debates, town plans, and two novels set in wartime boardinghouses: Patrick Hamilton's The Slaves of Solitude (1947) and Muriel Spark's The Girls of Slender Means (1963). Chapter 2, "Country Houses," examines the role of fiction in the transformation of postwar country house culture, with a specific focus on the phenomenon of the country house-museum and the tension between lived and narrated experience. Angel (1957), by Elizabeth Taylor, and The Little Girls (1964), by Elizabeth Bowen are critical iterations of the country house novel genre. Chapter 3, "Modern Living," considers the expression of mobility, verticality, and modernity in the fiction of the late 1950s and early 1960s. Sam Selvon's novel, The Lonely Londoners (1956), Colin MacInnes's novel, Absolute Beginners (1957), and Joseph Losey's film, The Servant (1963), revise modernist aesthetics and principles for a multi-ethnic, socially and economically liberated generation. Chapter 4, "Safe Houses," measures the legacy of the Welfare State and its deconstruction under the Thatcher Government through the fictional desire for safety and hospitality in the built environment. In Graham Greene's novel, The Human Factor (1978), Doris Lessing's novel, The Good Terrorist (1985), and Ken Loach's film, Riff-Raff (1991), resurgent realism responds to the largest socio-political paradigm shift in Britain since the 1940s. Realist fiction confronts, and then constructs, the postwar world. / Cette thèse analyse la construction et le déclin de l'État-providence anglais à travers des romans, des films et des exemples d'architecture, en portant une attention particulière à un enjeu qui a défini cette époque : le logement. En 1942, le Rapport Beveridge a proclamé que l'accès au logement était un droit humain pour tous les citoyens. Lorsque quatre millions d'habitations ont été détruites lors de la Seconde Guerre mondiale, la reconstruction des logements et des villes est devenue une tâche primordiale pour la nation. Dans l'État-providence, le logement est devenu le barème de la réussite des interventions socialistes. En puisant dans les études littéraires, les études cinématographiques et l'histoire de l'architecture, cette thèse retrace quatre facettes du logement d'après-guerre – l'architecture, la planification urbaine, la préservation des maisons de campagnes et les politiques gouvernementales sur le logement – dans le discours fictionnel et non fictionnel. Les représentations réalistes, qu'elles soient romanesques ou filmiques, offrent bien plus que des représentations historiques; elles contribuent activement à la construction de l'histoire, tout autant que les plans officiels, les maquettes architecturelles, les bâtisseurs, et les politiques gouvernementales. La transmission à double sens qui s'effectue entre la fiction et le logement peut être conceptualisée spatialement au travers d'une relation qui glisse du vertical vers l'horizontal. Des bombes ont aplati des bâtiments durant la guerre; l'architecture et les politiques gouvernementales ont essayé d'aplatir les distinctions entre les classes sociales après la guerre. Dans les romans, les concepts d'horizontalité et de verticalité émergent à travers des tropes narratives et des techniques formelles qui viennent critiquer les problèmes sociaux de la période d'après-guerre. Le premier chapitre de cette thèse, « Boardinghouses, » évalue les enjeux de la reconstruction des logements pendant et après la guerre, en accordant une attention particulière à la relation entre l'individu et la communauté dans les débats publics, les plans urbains, et dans deux romans dont l'intrigue se déroulent dans des pensions familiales pendant la guerre : The Slaves of Solitude (1947) de Patrick Hamilton, et The Girls of Slender Means (1963) de Muriel Spark. Le deuxième chapitre, « Country Houses », examine le rôle de la fiction dans la transformation, sur le plan culturel, des maisons de campagne de l'après-guerre, avec un regard spécifique sur le phénomène des maisons de campagnes « musées » et la tension entre l'expérience vécue et la narration. Les roman Angel (1957) d'Elizabeth Taylor et The Little Girls (1964) d'Elizabeth Bowen incarnent des manifestations critiques du genre romanesque liés aux maisons de campagne. Le troisième chapitre, « Modern Living, » est une étude de l'expression de la mobilité, de la verticalité, et de la modernité dans la fiction de la fin des années 1950 et du début des années 1960. Le roman The Lonely Londoners (1956) de Sam Selvon, le roman Absolute Beginners (1957) de Colin MacInnes, et le film The Servant (1963) de Joseph Losey, révisent l'esthétique moderne et les principes d'une génération multiethnique socialement et économiquement libérée. Le quatrième chapitre, « Safe Houses, » mesure l'héritage de l'État-providence et sa déconstruction par le gouvernement Thatcher à travers le désir romanesque pour la sécurité et l'hospitalité de l'environnement bâti. Dans le roman The Human Factor (1978) de Graham Greene, le roman The Good Terrorist (1985) de Doris Lessing et le film Riff-Raff (1991) de Ken Loach, un réalisme renaissant répond au plus grand changement socio-politique que l'Angleterre a connu depuis les années 1940. La fiction réaliste confronte et reconstruit ensuite le monde d'après-guerre.

The progress piece takes its name from the metaphor which organizes it. The progress was a journey; and we are particularly familiar with the term in connection with the journey of royalty. Elizabeth I was famous for her progresses through England, and it was during her reign that the word "progress" seems first to have appeared in literary titles. Although the progress piece can be defined, most generally, as a literary work organized in terms of the progress metaphor, inspection of the list of progress pieces reveals that this metaphor served to organize quite different literary works. Thus, in order to attain a clear idea of the progress piece, it is necessary to group its instances into several classes. There are many principles on which classification can be based, but I have relied on three ideas which have been long recognized as useful in literary analysis: the object, the manner, and the effect of the work. Thus the progress pieces may be divided into two large classes, as the literary object is a biographical or a historical sequence, a life career of a man or a historical career of an idea. Within these classes further distinctions are useful. The biographical pieces fall into three groups according to their manner: There are pieces which present the career of man through allegory; other pieces use a predominantly expository method; and others are mimetic, imitating life-sequences somewhat in the manner of prose fiction. Further distinctions are sometimes helpful within these latter classifications. On the basis of object, the allegorical pieces may be divided into general and topical allegories; while on the basis of effect, the mimetic pieces tend into two groups, ironic-satiric and sentimental-didactic pieces. There is a good deal of similarity among the historical progress pieces and consequently less need of classification, but it is helpful to divide them into a few groups on the basis of the nature and scope of their objects. The ideas of manner and effect are useful in connection with the historical progress pieces not as means of classification but as points of view by which to clarify their formal character and historical significance. Though the intrinsic value of most of the progress pieces is slight, the mere occurrence of some one-hundred-eighty works, and probably more, of one general type, and concentrated primarily in one period, the eighteenth century, is a fact that provokes investigation.