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L’anxiété de performance musicale (APM) est un phénomène fort répandu chez les musiciens. En effet, 40 % d’entre eux seraient touchés par ce problème, dont 15 % à 25 % de façon encore plus marquée (Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Bien que l’exposition virtuelle compte parmi les traitements visant à atténuer les effets négatifs des troubles anxieux (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008), cette forme de traitement n’a fait l’objet que de rares études en ce qui a trait à l’APM. Cette recherche doctorale vise à atténuer ce manque. Le premier objectif de la thèse est d’analyser l’évolution de l’APM et de la qualité de la prestation au cours d’un entraînement virtuel. Le second objectif est d’évaluer les effets d’une exposition virtuelle sur l’APM et sur la qualité de la prestation des participants en situation réelle de concert. Dix-sept guitaristes et pianistes ont pris part à l’étude. Les participants ont été pairés selon leur niveau d’anxiété et selon leur instrument, puis distribués aléatoirement dans le groupe expérimental (n = 9) ou dans le groupe contrôle (n = 8). Au prétest et au posttest, les participants ont été invités à jouer une pièce de mémoire lors d’un récital public. Par la suite, leur niveau d’APM a été mesuré. La qualité de la prestation musicale a été évaluée par deux juges experts. Entre le prétest et le posttest, les participants du groupe expérimental ont réalisé un entraînement virtuel de six rencontres d’une heure. Les analyses statistiques ayant trait à l’entraînement virtuel indiquent une diminution significative de l’APM d’une rencontre à l’autre, ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation à l’intérieur des rencontres. Entre le prétest et le posttest, nous observons une diminution significative du niveau d’anxiété chez les participants ayant un haut niveau d’anxiété-trait et chez ceux ayant un haut niveau d’anxiété situationnelle au prétest. Une diminution significative du niveau d’anxiété chez les femmes du groupe expérimental ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation entre le prétest et le posttest pour les participants du groupe expérimental ont également été observées. / Music performance anxiety affects numerous musicians and many of them report impairment of their performance due to this problem(Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Virtual reality exposure is increasing as a mode of treatment of anxiety disorders (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008).This doctoral thesis examined a virtual reality exposure training program conceived for the treatment of music performance anxiety. The first objective of this thesis is to analyze the evolution of music performance anxiety and the quality of performance during the virtual training program. The second objective is to estimate the effects of virtual exposure on music performance anxiety and on the quality of the performance of participants during in vivo performance. Seventeen music students were paired and randomly assigned to a control group (n = 8) or to a virtual training group (n = 9). Participants were asked to play a musical piece by memory during two public recitals at three week intervals. Their anxiety was then measured using the Personal Report of Confidence as a Performer scale (PRCP), the S-Anxiety scale from the State-Trait Anxiety Inventory (STAI-Y), the Subjective Units of Distress Scale (SUDS), and by measuring pulse rate. The virtual reality exposure training consisted of six one-hour long sessions of virtual exposure. Findings concerning the virtual reality exposure training indicate a significant decrease of performance anxiety between sessions. The results also indicate a significant increase of performance quality during virtual reality training sessions. Results of the pre- and post-test indicate a significant decrease in performance anxiety for the following participants: (a) musicians in treatment group with a high level of situational anxiety (S-Anxiety), (b) musicians with a high level of trait anxiety (T-Anxiety),(c) for women musicians and (d) for musicians with high immersive tendencies (ITQ). Finally, we observed a significant increase of quality of performance for the experimental group, but not for the control group between pre- and post-test.

Le metal extrême, tiré du heavy metal, demeure souvent pointé du doigt en raison de la musique et des sujets transgressifs le caractérisant et qui, a priori, ne communiquent qu’une violence décousue. Or, ces dernières années, plusieurs musicologues se sont intéressés au potentiel de la narratologie pour l’analyse de la musique populaire; la chanson est alors considérée comme un véritable récit, où les musiciens transmettent leur propre vision du monde. Dans ce mémoire, je propose donc une analyse musicologique et narratologique de quatre chansons dites transgressives tirées du metal extrême, soit « Mad Architect » (Septicflesh), « Her Ghost in the Fog » (Cradle of Filth), « When the Joyful Dead are Dancing » (Unexpect) et « Puritania » (Dimmu Borgir). Ces analyses permettront donc de mieux comprendre la structure narrative et musicale interne, ainsi que les différents codes esthétiques régissant ce répertoire. / Extreme metal, derived from heavy metal, remains often singled out because of the music and subjects viewed as transgressive and which, a priori, communicate a disjointed violence. However, in recent years, several musicologists have been interested in the potiential of narratology for the analysis of popular music; the song is then considered as a true narrative, where musicians communicate their own conception of the world. In this thesis, I propose to perform a musicological and narratological analysis of four songs known as transgressive and derived from extreme metal, namely “Mad Architect” (Septicflesh), “Her Ghost in the Fog” (Cradle of Filth) “When the Joyful Dead are Dancing” (Unexpect) and “Puritania” (Dimmu Borgir). These analyses will enable a better understanding of the internal musical structure and narrative, and the different aesthetic codes governing this repertoire.

Le présent mémoire traite principalement de l'association du hatun charango – un instrument de ma création appartenant à la famille du charango andin – à des formations instrumentales occidentales (musique de chambre et d’orchestre). La conception de ces œuvres a engendré une réflexion sur l’importance, dans mon travail artistique, des relations entre la culture de tradition orale – ici, la culture andine – et la culture de tradition écrite – la culture occidentale en général –, et tout particulièrement dans le domaine musical. Ces enjeux sont ici abordés selon une réflexion personnelle liée à ma pratique artistique de création musicale. Ce mémoire est donc le reflet de certains aspects importants de mon travail de création pour les trois œuvres à l’étude. Ces œuvres sont : 1°) Yampayec pour hatun charango et quatuor à cordes 2°) Chavin pour flûte, clarinette, 2 percussionnistes, hatun charango, piano, violon et violoncelle 3°) Khipufonía pour hatun charango, quenacho et orchestre

Mon mémoire de maîtrise porte sur la gestion du timbre comme genèse à la composition de trois œuvres originales : 1) Halocline – 11’45’’ – pour flûte, clarinette, percussions, violon, alto et violoncelle; 2) Le mot juste – 9’30’’ – pour orchestre symphonique; 3) Profondeurs de champ – 16’30’’ – pour orchestre de chambre. Après la présentation de mes préoccupations artistiques, des origines et objectifs de mon travail de création, j’expose l’ensemble de mes recherches préliminaires. Finalement, les œuvres sont sommairement analysées de manière à mettre en lumière des modes de gestion du timbre ayant menés à la composition des œuvres. Ceux-ci tirent leurs origines de réflexions sur des concepts génériques du timbre. 1) Halocline : combinaisons de timbres – l’orchestration traditionnelle; 2) Le mot juste : emprunt de la structure du syntagme « le mot juste » pour la gestion du timbre – la phonétique; 3) Profondeurs de champ : catégorisation de timbres – les techniques instrumentales avancées.

Le but de cette étude est d’identifier les différentes stratégies utilisées lors du décodage des notes sur la portée musicale, par de jeunes pianistes fréquentant le premier cycle de l’école primaire ou la maternelle et qui en sont à leur première année d’étude instrumentale. La technique du rapport rétrospectif a été utilisée pour la collecte des données, chaque sujet (14) ayant été rencontré individuellement en entrevue. Les résultats révèlent que les stratégies utilisées par les enfants sont : compter les notes, utiliser un truc mnémotechnique, savoir par cœur, identifier les notes répétées, procéder par élimination, identifier la clef, identifier la direction et combiner des stratégies. De plus, cinq catégories d’erreurs ont été identifiées : se tromper en comptant les notes, se tromper de clef, se tromper de direction, se tromper d’ordre et récupérer une note erronée en mémoire.

L’Intelligent Dance Music (IDM) est un courant de musique électronique semi-expérimental qui a émergé au Royaume-Uni au début des années 1990. Souvent considérée comme une musique cérébrale peu propice à la danse, l’IDM n’avait jamais fait l’objet de l’étude nécessaire à la justification d’un tel jugement. Les analyses formelles menées ici sur des œuvres représentatives d’Aphex Twin, pionnier et figure principale du courant, montrent une démarche sophistiquée de complexification rythmique qui a pour effet de solliciter activement l’attention de l’auditeur. D’une part, l’asymétrie organisée aux différents niveaux du rythme provoque des phénomènes d’ambigüité et de rupture sur le plan de la perception métrique. D’autre part, l’abondance d’ensembles microrythmiques, parfaitement synchronisés avec la structure métrique, produit un dense et précis enrichissement du rythme opéré sous forme d’agréments gestuels ou texturaux. Ces particularités musicales résultent d’un lot de choix prédominants définissant le style de l’artiste et, par la même occasion, fournissent les premiers éléments d’une définition de l’IDM basée sur des caractéristiques formelles. / Intelligent Dance Music (IDM) is a semi-experimental genre of electronic music that emerged in UK at the turn of the 1990s. Even though IDM has been described as a kind of cerebral music not appropriate for dancing, it has not been considered worth of musicological study until now. This thesis presents formal analyses of pieces by pioneering act and main IDM figure Aphex Twin: listeners’ attention is notably drawn by Aphex Twin's sophisticated approach and complex rhythmic structures. On the one hand, the different rhythmic layers are characterized by an organized asymmetry leading to ambiguity and rupture in the domain of metrical perception. On the other, the large amount of microrhythmic elements, all perfectly synchronized to the metric structure, contribute to greatly enrich rhythm through gestural and textural material. These musical characteristics, that are the result of a number of choices peculiar to the artist’s style, open the way to a formal definition of IDM.

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Cette thèse explore les liens entre le country-western produit au Québec entre 1942 et 1957 et la modernité populaire. À l’aide de l’analyse musicale et de l’histoire, ce travail de recherche tente de cerner la signification culturelle du genre au moment de son émergence. L’histoire du country-western débute au Québec avec le soldat Roland Lebrun, qui amorce en 1942 sa carrière sur disque. Il sera suivi de Paul Brunelle, de Marcel Martel et de Willie Lamothe, qui enregistrent chez l’une ou l’autre des deux compagnies généralistes établies à Montréal pendant les années 1940, Compo et RCA Victor. À mesure que le genre se structure, notamment grâce à la fondation de compagnies de disques spécialisées à partir de 1958, un discours sur l’authenticité du country-western se développe chez les artistes et leurs observateurs. Fondée sur une valorisation a posteriori des conditions qui caractérisent la période d’émergence du genre, qui s’étend de 1942 à 1957, l’authenticité insiste sur la continuité et la tradition. Ce discours, présent dès le milieu des années 1960, masque les aspects les plus modernes d’un genre qui, au moment où il émerge, n’est pas explicitement porteur de valeurs traditionnelles ou conservatrices. La voix country-western constitue un premier indice de modernité. La chanson country-western québécoise des années 1940 et 1950 structure dans un cadre musical des modificateurs paralinguistiques dont les deux plus caractéristiques, d’un point de vue générique, sont la nasalisation et le second mode de phonation. Véhicules de l’expressivité vocale, ces deux modificateurs du timbre sont coordonnés avec les paroles des chansons et avec la variation de paramètres musicaux, technologiques et phonétiques. Ils contribuent à la construction d’èthos spécifiques comme la tristesse, la solitude, la plainte et l’exubérance, et conservent dans le contexte discursif constitué par les enregistrements la signification expressive qu’on leur attribue dans la parole spontanée. C’est donc la voix parlée, quotidienne et ordinaire, qui fournit à l’auditeur le code culturel lui permettant d’en interpréter la signification. En ce sens, la chanson country-western incarne une certaine modernité populaire, redevable au code de la langue vulgaire partagée par le plus grand nombre. La modernité du country-western est aussi apparente dans sa popularité, qui se réalise à la fois dans son succès comme objet de consommation et dans sa proximité avec le public qui en détermine en partie le développement. Son recours particulier à la technologie, qui contribue à la création d’effets de spatialisation mais surtout à la mise en scène de l’intimité, le rattache aussi à la modernité. Enfin, le country-western témoigne d’une américanité certaine, assumée, et s’inscrit dans le déplacement du centre de gravité culturel, de l’Europe vers les États-Unis, qui marque la modernité. L’américanité du country-western, liée à ses origines mêmes, se renouvelle à la fin des années 1950 alors que le genre intègre le rock and roll. / This dissertation examines the relations between country-western music produced in Quebec between 1942 and 1957 and the concept of popular modernity. Drawing together musical and historical analysis, it explores the cultural significance of country-western at the beginning of the genre. The history of country-western music in Quebec began in 1942 when Roland Lebrun recorded his first songs. Paul Brunelle, Marcel Martel and Willie Lamothe soon followed with their own recordings in this style. These amateur singer-songwriters started out with the Compo Company and RCA Victor, the only two record companies who survived in Montreal during the Great Depression. With Rusticana, the first independent label to produce country-western music in 1958, the genre began its structuration and authenticity became a determinant value in country-western music. Continuity is a key concept to understand what Richard Peterson (1997) has called “fabricated authenticity”, which is indeed exemplified in the invented tradition that country-western created, from the 1960s onwards, on the basis of some of the conditions that characterized the first country-western. The discourse on authenticity, however, masks some of the more modern characteristics of the genre at the time of its birth. The country-western singing voice is one example, as artists use a variety of paralinguistic effects like nasalization and second mode of phonation (falsetto) in a way that can be seen as a stylized version of speech. Presenting the same expressive functions, these variations of timbre are coordinated with song lyrics, with musical and technological features, and with phonetic sounds to create symbolic representations of different emotions or èthos. These aesthetics based on everyday speech could be seen as a form of popular modernity: music for the people made by the people, but also for commercial success. Furthermore, country-western music used technology to create intimacy and spatialization effects. Its “américanité” was also marked and renewed when, in 1956 and 1957, country-western singers produced what can be considered some of the first rock'n'roll records in Quebec. These very modern features moderate the usual thesis about country-western’s traditionalism and conservatism.