Ce texte est l'accompagnement théorique de ma recherche-création à la maîtrise en arts visuels (2006-2008). Il met en place l'univers entourant l'exposition ±Corneille Craquelée¿, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval à l'automne 2008. J'explore, par le biais de mon processus de collage, un monde onIrique et farfelu composé de créatures inusitées. En oscillant . entre le songe et la raison, je me questionne sur la provenance de ces multiples naissances, sur leur composition et leur foisonnement. Explorant les analogies entre le collage de papier et les domaines de l'inconscient, de la mémoire et du rêve, j'aborde des territoires infinis propres à l'imaginaire.

Tout au long de ce mémoire, je navigue dans une dualité entre sujet et médium, entre territoire et peinture. Je mets d’abord en lumière la relation que j’entretiens avec les sites miniers de ma ville natale, Thetford Mines. Opposé aux enjeux liés à l’amiante se retrouve un attachement envers le paysage que j’ai côtoyé pendant l’enfance. J’approfondis ensuite mon utilisation de la photographie, outil qui me permet de faire le pont entre l’expérience du territoire et l’atelier. Je me penche finalement sur une sélection de tableaux réalisés ces dernières années. Tout en soulevant des questionnements sur la représentation de l’image en peinture, j’explore le rapport entre les photographies choisies et les choix formels qui s’en suivent.

Ma production artistique et ce mémoire se concentrent sur la manipulation de contextes de la vie de tous les jours par l'entremise de thèmes récurrents dans ma pratique, tels l'humour, la monstruosité et le grotesque. Ce mémoire fait état des divers éléments symboliques qui constituent mon esthétique en analysant mon processus créatif ainsi que les objectifs et les questionnements inhérents à ma pratique. Ce texte met également en évidence la répétition en tant que méthode, l'anticipation des réactions du public comme moteur de création ainsi que les dynamiques positives et négatives qui influencent mon travail. / My artistic production and this thesis are focused on the manipulation of everyday life contexts through recurring themes in my practice, such as humor, monstrosity, and the grotesque. This thesis reports on the various symbolic elements that constitute my aesthetic, analyzing my creative process as well as the objectives and questions inherent in my practice. This text also highlights repetition as a method, the anticipation of audience reactions as a creative engine, as well as the positive and negative dynamics that influence my work.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2006-2007 / Depuis plusieurs années, il est possible de constater des changements majeurs dans l'approche des artistes pratiquant la peinture. Si la pensée moderniste n'est plus, on réalise toutefois que certaines notions y sont toujours. En effet, le post-modernisme n'a peut-être pas fait table rase comme nous aurions pu l'envisager. Ainsi, qu'en est-il de la pratique de la peinture aujourd'hui? Ce texte tente d'illustrer certaines stratégies employées dans ma pratique de la peinture qui en quelque sorte démontrent comment passé et présent sont toujours inter-reliés. Faisant référence à des notions telles que la citation, l'hybridation, l'hétérogénéité et la multiplicité, ce travail tente d'élaborer une réflexion sur les enjeux de ma pratique. Posant à la fois une réflexion sur la nature même de la peinture et sur l'espace qu'elle occupe dans le lieu d'exposition, j'aimerais proposer par cet essai une introspection sur les questions et les découvertes qui animent ma recherche en création.

Emma est une installation sonore dont le modèle prend racine au sein de la tradition orale québécoise. Typique de l'organisation de l'espace lors des fêtes de cuisine, l'installation emprunte la forme circulaire dessinée par huit caisses de son jumelées à huit chaises qui substituent chacune un personnage. Au centre, est diffusé un document sonore sur lequel est enregistrée une chanson à répondre chantée par mon arrière-grand-mère : Emma. Ensuite, j'ai produit de nouveaux enregistrements qui sont combinés au document original et mis en relation dans un nouveau dialogue : la nouvelle version d'Emma. Le concept artistique est une rencontre entre les univers de la tradition et de l'invention qui fait revivre mon héritage des pratiques sociales de ma culture. Emma formule une version qui tente de répondre à l'évolution des pratiques traditionnelles.

Mon projet de recherche s'est articulé autour de l'expérience de la marche comme état d'être et de la motricité du corps en lien avec l'activité physique. Je donne un caractère artistique à la marche par l'intermédiaire de la photographie, du dessin, de l'univers vidéographique et sonore. J'évoque les sensations que génère la relation entre la psyché et la corporalité dans l'acte de marcher par une poésie d'images en mouvements. Le mémoire est rédigé en trois chapitres chacun d'eux faisant référence à une étape accomplie: l'étape préparatoire, l'étape de réalisation et l'étape du retour au calme. Je suis partie le sac au dos, des ailes aux semelles, l'horizon au fond des yeux afin de marcher, dessiner et écrire pour visionner les différentes étapes d'un voyage rituel comme pourrait le faire un navigateur regardant par les hublots de son navire.

Ce texte porte sur les réflexions entourant ma création artistique. J’y aborde la création en assumant mon par-ti-pris pour la culture populaire et particulièrement pour les images qui en découlent. C’est dans un état d’esprit à la fois festif et nostalgique que j’utilise le brillant au centre de ma réflexion plastique. Il est non seu-lement une nouvellefaçon pour moi de considérer mon approche de la couleur par rapport à la lumière, mais il également porteur d’une charge émotive, symbolique et historique. La féminité et l’érotisme sont abordés dans ce texte en relation avec la création d’un corpus de portraits féminins érotiques.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2005-2006 / Cet essai présente les résultats de recherches sur la narratologie qui ont influencé le processus de création d’un texte dramatique et de sa mise en scène en appui sur la méthodologie des Cycles Repère. Il propose une réflexion sur la narration au théâtre à travers l’expérimentation de l’écriture de textes dramatique et scénique. J’y décris comment les formes narratives, telles que définies par Gérard Genette, agissent sur la circularité d’une création théâtrale et je tente de délimiter l’ampleur du phénomène dans les multiples phases du travail dramatique. En somme, un bilan des étapes de mon cheminement créateur y est présenté à travers l’utilisation des Cycles Repère. Chacun des chapitres décrit comment j’ai appliqué cette approche de la création à toutes les étapes de mon projet, soit les recherches sur la narratologie, l’écriture du texte dramatique et la mise en scène du spectacle. En conclusion, j’essaie de déterminer comment des situations narratives, appliquées à l’écriture de textes dramatiques, influencent les langages scéniques et le jeu du comédien, suivant l’hypothèse que celui-ci, selon les diverses modalités qu’emprunte le texte dramatique qu’il doit interpréter, aura plus ou moins de difficultés à jouer son rôle. En conséquence, il faut prendre en compte que les sections « création » et « essai » de ce projet forment un tout indissociable. Le texte intégral de la pièce et un montage vidéo des représentations complètent ce document. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

Ce texte qui est la partie écrite de mon Mémoire vise à faire une analyse critique de ma pratique artistique en art performance depuis 2010 jusqu’à ce jour, où il est essentiellement question de l’expérience de ma vie personnelle passée d’une part derrière les fourneaux et d’autre part dans des salles d’exposition. Mon autre métier, celui de cuisinier, a considérablement influencé ma démarche artistique, à tel point que durant les cinq dernières années, mon travail de performance s’est abondamment nourri de ce qui se fait dans les cuisines. Mon texte tourne autour d’une thématique; la mal bouffe, qui devient pour moi la raison d’un engagement artistique. Ma pratique performative qui est un combat contre l’industrie agroalimentaire consiste à la déconstruction de l’acte culinaire. Car il est question pour moi de transcender le beau apparent qu’on trouve dans l’art de la cuisine, pour faire ressortir une cruelle réalité. Cette analyse et cette étude va me permettre de concevoir une performance de synthèse que je présenterai en fin de Maîtrise. Cette performance sera réalisée en guise de résultat comme la somme condensée de mes recherches et de mon idéologie de base.

Faisant écho à l’exposition Chronosculpture, ce mémoire retrace mes réflexions des deux dernières années sur les principaux concepts qui habitent ma pratique sculpturale, soit les notions de réénergisation, de dynamisme potentiel et de temporalité qui émergent de la suspension d’objets. En abordant dans un premier temps les singularités qui découlent de cette technique de suspension, j’articule ce parcours réflexif autour du concept de chronosculpture, un type de sculpture qui génère une durée et un déroulement potentiel par la mise en relation d’objets-séquence dans l’espace. Ma vision temporalisée de la sculpture prend entre autres forme en tissant des liens avec la reconstitution du mouvement par la chronophotographie, le concept de durée indivisible selon Henri Bergson et certaines notions développées par Gilles Deleuze en lien avec le cinéma. / Supporting the exhibition Chronosculpture, this thesis retraces my reflections over the past two years on the main concepts that inhabit my sculptural practice, namely the notions of re-energization, potential dynamism and temporality that emerge from the suspension of objects. By first addressing the singularities that result from this technique, I articulate this reflexive journey around the concept of chronosculpture, a type of sculpture that generates a temporal unfolding and a duration by the relation of sequence objects in the space. Among other things, my temporalized vision of sculpture is articulated by referring my practice to the reconstruction of movement through chronophotography, the concept of indivisible duration according to Henri Bergson and certain concepts developed by Gilles Deleuze in connection with cinema.