Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

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L’élégie connaît une vogue manifeste à l’aube de notre modernité, au sein de ce qu’il est convenu d’appeler le préromantisme et le romantisme. Mais cet engouement ne va pas sans susciter de profondes interrogations sur la dimension générique de l’élégie. En effet, depuis son acclimatation en français, l’élégie ne peut plus être définie par le seul critère formel, devenu douteux. En outre, dès l’âge classique, deux dangers minent le genre : sa variété thématique qui gêne sa définition et une évolution sclérosante qui le fige en clichés. Émerge donc le souci de rédimer un certain babélisme de l’élégie et d’en refonder le pouvoir expressif par le recours à la notion plus souple d’ « élégiaque ». La modernité de l’élégie s’adosse à cet héritage problématique et réclame une perspective d’étude résolument historique : la vitalité de l’élégie au seuil du XIXe siècle s’autorise d’une nouvelle saisie du genre, qui promeut l’élégiaque au rang de critère premier, ramenant peu à peu l’étiquette d’élégie à la portion congrue. L’œuvre de Millevoye permet de dater ce point de bascule, qui ouvre la voie à l’élégie romantique, attachée à la notion naissante de « lyrisme » et magnifiée par Lamartine sous les auspices de la méditation. Mais en refondant l’élégie sur l’expressivité élégiaque, la modernité romantique l’a soumise aux aléas des sollicitations du sujet par l’histoire, qui le déstabilisent. D’où un déplacement de l’écriture élégiaque durant la seconde moitié du XIXe siècle, dans le repliement intimiste, le dédoublement parodique et humoristique, ou encore la polyphonie, manifestations diverses d’une remise en cause de la source subjective de la plainte élégiaque. Quand revient à la surface du champ littéraire l’élégie revendiquée comme telle, à l’occasion du traumatisme de la Seconde Guerre mondiale, c’est pour cristalliser en un genre labile les doutes, les deuils et les sourires d’un lyrisme incertain de son propre chant comme de l’existence du sujet qui le hante plus qu’il ne le chante. / The elegy was fashionable at the dawn of modernity, during the periods which are known as Pre-Romanticism and Romanticism. But this infatuation with elegy was not without raising deep questioning on its generic dimension. Indeed since the French had appropriated the genre, the elegy can no longer be just defined by a formal criterion which has become disputable. Furthermore, as early as the classical period, two dangers have been subverting the genre: its wide range of themes which is an obstacle to our grasping its quintessence and an evolution at a standstill condemning it to stereotyped perceptions. And from this came the worry to amend the confusion existing around the elegy as well as the urge to revivify its expressive power around the more flexible notion of "elegiac". The modernity of the elegy relies on this problematic heritage and requires a study in historical perspective: the vitality of the elegy at the beginning of the XIXth century allowed itself to provide a new interpretation of its genre that promoted the elegiac as a decisive criterion. Millevoye’s works enables us to date this turning point which paved the way to the romantic elegy linked to the rising notion of "lyricism" and glorified by Lamartine under the auspices of meditation. But while revivifying the elegy on elegiac expressiveness, romantic modernity compelled with the subject having to respond to historical vagaries that were eventually unsettling. Hence a shifting away from elegiac writing during the second half of the XIXth century into intimist withdrawal, parodic splitting or polyphony, all of them being various utterances of a questioning of the elegiac complaint’s subjective source. When the elegy as such resurfaced the literary scene owing to the trauma of the Second World War, it featured a shifting genre to crystallize the doubts, mournings and smiles of a lyricism as uncertain of its own song as the very existence of a subject that haunted its lines more than he inhabited them.

Le style artistique parisien et la langue française ont tous deux attiré des artistes du monde entier à travers l'histoire. Suivant cette tendance, de nombreux compositeurs brésiliens du début du XXe siècle se sont inspirés de cette culture pour créer des oeuvres pour voix et piano à partir de poèmes en français. Cette thèse nous permet de découvrir une large collection de pièces de ce type de répertoire. Cela nous aide également à localiser l'emplacement de chaque composition. Ce document révèle aussi l'influence du sens musical parisien sur les compositeurs brésiliens tels que Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno et plusieurs autres. L'auteur décrit la relation entre le texte et la musique et explique le défi que représente la mise en musique de la langue française. Il appuie ses données sur des discussions de musiciens et d'experts. Son expérimentation personnelle sur des sujets tels que la prononciation et les subtilités de la langue française à travers son exploration de cette musique fournit une preuve significative des résultats de ses recherches. Cette recherche vise principalement les chanteurs brésiliens qui ressentent un intérêt particulier pour les collections musicales de ce type. / The Parisian art style and the French language have both attracted artists around the world through history. In that tendency, many Brazilian composers of the turn of the 20th century were inspired by that culture to create works for voice and piano using poems in French. This dissertation enables us to discover a large collection of pieces of that kind of repertoire. It also helps us to track down the location of each composition. This document also discloses the influence of the Parisian musical savvy on Brazilian composers such as Villa-Lobos, Mignone, Nepomuceno and many others. The author describes the relationship between text and music and explains the challenge that setting the French language to music represents. He supports his information on discussions of musicians and experts. His personal experimentation on matters such as pronunciation and the French language subtleties through his exploration of this music provides significant evidence of the results of his research. The main target of this research is Brazilian singers who feel a particular interest for music collections of this kind.

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Le présent mémoire vise à démontrer que le projet des Cinq Grandes Odes de Paul Claudel et de l'Ode au Saint-Laurent de Gatien Lapointe est de retrouver, grâce à la parole poétique, une conscience mythique du monde, telle que définie par le philosophe Georges Gusdorf. Ces deux œuvres partagent en effet cette dimension fondamentale : enraciner l'être et la parole au cœur d'une expérience cosmogonique du langage et du réel. Nous expliquerons de manière plus générale ce qui fonde la spécificité de la parole poétique et en quoi elle rend possible l'expression de la conscience mythique. Cette réflexion préliminaire alimentera notre lecture de l'Ode au Saint-Laurent et des Cinq Grandes Odes. Nous tenterons de saisir les enjeux d'une poésie qui, chez Claudel comme chez Lapointe, puise la source de sa connaissance et son mouvement créateur au sein d'un imaginaire mythique.