This research examines Native Performance Culture (NPC), a unique practice in Native theatre that returns Aboriginal people to the sources of Aboriginal knowledge, and interrupts the colonial fragmenting processes. By looking at the experiences of six collaborators involved in a specific art project, the artist-researcher shares her journey of healing through the arts, while interweaving the voices of artistic collaborators Monique Mojica, Floyd Favel, and Erika Iserhoff. This study takes a decolonizing framework, and places NPC as a form of Indigenous research while illuminating the methodological discourses of NPC, which are rooted in an inter-dialogue between self-in-relation to family, community, land, and embodied legacies. Finally, this research looks at the ways that artists work with Aboriginal communities and with Aboriginal knowledge, and makes recommendations to improve collaborative approaches.

La mission éducative des musées auprès de la société en générale aujourd’hui est incontestable et les musées d’art contemporain sont des endroits importants de formation et de délectation. Cette recherche de maîtrise qui s’inscrit dans le cadre de la recherche Le grand public et l’art contemporain : du rejet au plaisir menée par A.M. Émond et C. Dufresne-Tassé de 2009 à 2014 identifie les sources de plaisir qui peuvent émerger chez les visiteurs de type grand public lors d’une visite à un musée d’art contemporain. Pour ce faire, nous avons analysé 30 discours de visiteurs de type grand public qui ont visité le Musée d’art contemporain de Montréal dans le cadre de la recherche d’Émond et de Dufresne-Tassé. La présente recherche de maîtrise privilégie l’approche qualitative, étant à la fois exploratoire, empirique et fondamentale. Nos résultats ont démontré l’existence de plaisirs qui émergent en fonction de trois grandes catégories (objet muséal, visiteur lui-même et impression générale) et qui se subdivisent en dix-huit sous-catégories. Nous avons décrit chacune de ces catégories et sous-catégories de plaisir à l’aide d’exemples extraits des discours des visiteurs. Cette recherche contribue à l’avancement des connaissances en fournissant aux musées d’art contemporain des indications sur la présence de diverses sources de plaisir dans l’appréciation des visiteurs lors de leur traitement de l’art contemporain. Ainsi, les secteurs éducatifs des musées pourront réinvestir ces résultats de recherche dans l’élaboration de stratégies éducatives muséales destinées à ce public non spécialiste. / Today, the educational role of museums in society as a whole is indisputable. Museums of contemporary art are important learning environments where a significant proportion of visitors can experience pleasure during their visit. Given the necessity of improving our understanding of this phenomenon, the present Master's level research has allowed us to identify, within the framework of the most recent research by A.M. Émond and C. Dufresne-Tassé entitled Le grand public et l’art contemporain: du rejet au plaisir, sources of pleasure which could emerge amongst visitors from the general public during a visit to the Montreal Museum of Contemporary Art. To do so, we analyzed 30 discourses of visitors from Émond and Dufresne-Tassé’s study. Our research favours the qualitative approach, being simultaneously exploratory, empirical and fundamental. Our results have demonstrated the existence of pleasures which emerge as a function of three broad categories (Museum Object, Visitors Themselves, General Impression) which can be subdivided into eighteen subcategories. We have described each of these categories and subcategories of pleasure with the aid of examples extracted from visitors' discourses. We believe that with our findings on the identification and importance of pleasure, educational sectors of art museums could benefit from our research in the development of educational strategies for a non-specialist public viewing contemporary art.

Dans les écoles primaires québécoises, les cours d'arts font partie des domaines d’apprentissage obligatoires. Toutefois, les effets de l’apprentissage des arts sur les jeunes élèves demeurent mal connus puisque d’une part, l'art est fréquemment perçu comme une discipline de deuxième ordre et d’autre part, des programmes à volet artistique voient encore le jour dans certaines écoles. L’objectif de l’étude est de déterminer si les élèves de 4ième, 5ième et 6ième années fréquentant une école à volet artistique développent davantage d'habiletés particulières liées directement à leur intelligence émotionnelle (IE) comparativement à des élèves fréquentant une école à programme régulier. Une méthodologie reposant sur un devis quasi expérimental avec groupe témoin non équivalent est privilégiée. Les scores d’IE ont été mesurés à l’aide de questionnaires complétés par les élèves, leur enseignant ainsi que leurs parents afin de trianguler les données. Dans un premier temps, les résultats obtenus auprès de l’ensemble de l’échantillon montrent que selon la perception des enseignants, les élèves suivant des cours d’art en parascolaire ont une IE plus élevée que les élèves qui n’en suivent pas. Toutefois, la fréquentation d’une école proposant un programme artistique ne semble pas avoir d'incidence sur le développement de l'IE puisque les résultats obtenus dans le cadre de cette étude montrent que les élèves inscrits à une école à vocation artistique ont une IE inférieure à celle des élèves provenant d’un programme régulier. Ces résultats contradictoires à l’hypothèse de départ sont discutés à la lumière de la littérature scientifique disponible, ainsi que des forces et des limites de la présente recherche. / In Quebec’s elementary schools, arts education is compulsory. As a matter of fact, study programs with an artistic concentration are present in many schools. However, some individuals still consider that arts education is a less important field of study. As a result, the effects learning arts has on young students remain unclear. The objective of this study is to determine if students from grades 4, 5 and 6 who study in a school with an artistic program develop more abilities linked to their emotional intelligence (EI), compared to students who study in a school with a regular program. A quasi-experimental research design with a non equivalent control group was used. EI scores were measured with questionnaires completed by students, their teachers and their parents. Using three different types of respondents made it possible to triangulate the data. Results first show that, according to teachers’ perception, students who followed arts courses in extracurricular activities have a higher EI than students who did not follow those kinds of courses. However, participation in an artistic program does not appear to have an effect on the development of EI, because our results indicate that students who attend a school that offers an artistic program have lower EI than students from regular schools. Outcomes are discussed in light of the current literature, and according to the strengths and the weaknesses of the current study.

This research examines Native Performance Culture (NPC), a unique practice in Native theatre that returns Aboriginal people to the sources of Aboriginal knowledge, and interrupts the colonial fragmenting processes. By looking at the experiences of six collaborators involved in a specific art project, the artist-researcher shares her journey of healing through the arts, while interweaving the voices of artistic collaborators Monique Mojica, Floyd Favel, and Erika Iserhoff. This study takes a decolonizing framework, and places NPC as a form of Indigenous research while illuminating the methodological discourses of NPC, which are rooted in an inter-dialogue between self-in-relation to family, community, land, and embodied legacies. Finally, this research looks at the ways that artists work with Aboriginal communities and with Aboriginal knowledge, and makes recommendations to improve collaborative approaches.

Made available in DSpace on 2014-10-09T12:43:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Made available in DSpace on 2014-10-09T13:56:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 06635.pdf: 4560564 bytes, checksum: 677cab6b14a66c0989ef5859a83679e3 (MD5) / Dissertacao (Mestrado) / IPEN/D / Instituto de Pesquisas Energeticas e Nucleares - IPEN/CNEN-SP

The physical and chemical properties of In- and Au- interfaces with In[0.53]Ga[0.47]As/InP(100) and In[0.52]Al[0.48]As(100) formed at room and low temperatures have been studied. Current-voltage measurements have indicated that In contacts to Ino[0.53]Ga[0.47]As(100) formed at 80K exhibit significantly higher Schottky barriers (&phis;b=0.45 eV) than In diodes formed at 294K (&phis;b=0.30 eV), whereas Au diodes formed on In[0.53]Ga[0.47]As(100) at either low temperature or room temperature exhibit Ohmic behaviour. The reactions occurring during interface formation at room and low temperatures have been investigated using soft X-ray photoemission spectroscopy (SXPS) and Transmission Electron Microscopy (TEM).The results presented show that In metallisation of In[0.53]Ga[0.47]As(100) at room temperature results in a predominantly three dimensional mode of growth, accompanied by the out-diffusion of As. Low temperature (125K) metallisation appears to reduce clustering and inhibit As out-diffusion. Examination of the resulting interfaces by TEM confirm the more uniform nature of the metal layers formed at low temperature. Metallisation temperature seems to have little effect on the formation of Au-In[0.53]Ga[0.47]As(100) interfaces, other than to reduce the extent of overlayer clustering, with As out-diffusion apparent for both low and room temperature Au deposition. Interfaces formed between In and In[0.52]Al[0.48]As(100) at both low and room temperature were relatively abrupt with no out-diffusion of substrate species into the metal overlayer. Low temperature metallisation again appeared to reduce overlayer clustering, with TEM studies showing a smaller grain size at low temperature. Au deposition onto In[0.52]Al[0.48]As(100) produced similar interfaces formed at room and low temperature. As diffuses into the Au overlayer to form an Au/As compound at both temperatures, resulting in an interface that is complex and reacted. The degree of overlayer clustering is also thought to be much less pronounced for Au deposition compared to In deposition. Barrier heights measured by SXPS during the study, show good agreement with reported current-voltage measurements for Au and In diodes formed on both In[0.53]Ga[0.47]As/InP(100) and In[0.52]Al[0.48]As(100). Possible mechanisms for the observed adaptation of the pinning position are discussed in the context of current models of Schottky barrier formation.

Made available in DSpace on 2014-10-09T12:43:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Made available in DSpace on 2014-10-09T13:56:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 06635.pdf: 4560564 bytes, checksum: 677cab6b14a66c0989ef5859a83679e3 (MD5) / Dissertacao (Mestrado) / IPEN/D / Instituto de Pesquisas Energeticas e Nucleares - IPEN/CNEN-SP

Le trafic d’objets culturels est une manne illicite qui approvisionne partiellement le marché de l’art. Ce commerce clandestin se veut d’ampleur internationale bien que certains pays se trouvent plus touchés que d’autres. Afin de limiter ces pratiques et les conséquences irréversibles qu’elles entraînent, la communauté internationale tente depuis la seconde moitié du XXe siècle de mobiliser la population et de produire des instruments juridiques en faveur de la protection de l’héritage mondial. Pourtant, en août 2015, une cargaison de quatre-vingt- trois objets culturels d’origine syrienne est livrée au port de Long Beach, en Californie. Le chargement en provenance de Turquie s’avère alors composé de poteries, mais aussi de trois mosaïques, dont une pièce datée entre le IIIe et le IVe siècle de notre ère. Saisie et confisquée à son propriétaire par la justice américaine, cette mosaïque ne sera néanmoins jamais retournée à son pays d’origine. L’objectif de cette étude est d’analyser et de comprendre le cheminement d’un objet culturel illicite. Cependant, le trafic demeure un phénomène complexe et ses ramifications sont nombreuses. Afin de rendre cette étude intelligible, notre mémoire se divisera en trois axes autour d’une étude de cas. Le contexte dans lequel se place la fresque est examiné au premier chapitre. Celui-ci met en lumière l’impact d’un environnement instable sur les crimes perpétrés contre l’art. Il implique aussi une analyse globale des intermédiaires participants au trafic et apporte une analyse formelle et iconographique de la fresque. Ensuite, et pour comprendre le cheminement de l’objet d’art jusqu’aux États-Unis, le second chapitre de cette étude participe à un court état des lieux du marché de l’art dans toutes ses nuances : soit du marché licite dit « blanc » au marché « gris » ou encore « noir ». Il dévoile alors l’importance des technologies dans l’expansion du trafic illicite d’objets d’art. Enfin, le dernier chapitre étudie les institutions internationales majeures ainsi que leurs actions en faveur de la protection du patrimoine culturel. Cette section dresse la chronologie des différents instruments juridiques qui auraient pu prévenir l’exportation illicite de la mosaïque ou qui pourraient encore actuellement permettre son retour en Syrie. Mais ces outils sont-ils suffisants ? / Trafficking in cultural objects is an illicit source of income that partially supplies the art market. This clandestine trade is international even if some countries are more affected than others. In order to limit these practices and the consequences they generate, the international community has been trying since the second half of the 20th century to mobilize the population and to produce legal tools for the protection of the world's heritage. However, in August 2015, a shipment of eighty-three objects of Syrian origin was delivered to the port of Long Beach, California. The shipment sent from Turkey was composed of pottery, and three mosaics, including one piece dated between the 3rd and 4th centuries AD. This mosaic has been seized and confiscated from its owner by the District Court of California but has never been returned to its country. The purpose of this study is to analyze and understand the path of an illicit cultural object. However, trafficking remains a complex phenomenon and its ramifications are countless. In order to make this study intelligible, our dissertation will be divided into three chapters that will anchored into a case study. The historical context of the mosaic is studied in the first chapter. It highlights the impact of an unstable environment on crimes against art. The chapter also provides a global analysis of the intermediaries involved in the traffic and provides a formal and iconographic analysis of the mosaic. Then, in order to understand the journey of the artifact to the United States, the second chapter of this study focuses on established yet illicit practices of the art market, both the legal « white » market and the illicit or «black» market. It also underlines the importance of technology in the expansion of the illicit traffic of art objects. Finally, the last chapter studies the international institutions and their pronoucement (if not always their actions) in favor of the protection of cultural heritage. This section creates a history of the different legal instruments that could have prevented the illicit export of the mosaic or that could still currently allow its return to Syria. But are these tools efficient ?

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Cette recherche étudie la possibilité pour les enseignants d’arts plastiques au secondaire de permettre à leurs élèves de créer des oeuvres à partir de questions plus sensibles, comme le feraient de véritables artistes. Elle part de l’hypothèse que certains enseignants hésitent à approuver les intentions sensibles soumises spontanément par leurs élèves, allant même jusqu’à les interdire, ne sachant pas comment y répondre de façon satisfaisante. Elle souligne le fait que ce type de questions peut favoriser la création d’oeuvres pertinentes, authentiques et signifiantes, mais que cela exige des pratiques de régulation capables d ’amener les élèves à créer dans un contexte scolaire où le regard du public compte. Elle mise ainsi sur la possibilité de découvrir, de comprendre et de décrire le phénomène de la pratique de régulation des enseignants face aux questions sensibles soumises par leurs élèves afin de cibler les gestes susceptibles d’amener les élèves à développer une posture similaire à celle d’artistes professionnels. Elle s’appuie sur six composantes inhérentes à ce type de régulation : les questions sensibles, l ’enseignant, l’adolescent, la création, le contexte et le public. Il s’agit d ’une recherche descriptive, qui emprunte des éléments à la recherche phénoménologique et qui adopte un parcours en partie heuristique. Elle fait état de l’expérience de régulation des questions sensibles de la chercheure et de celle de cinq autres enseignants participants oeuvrant auprès d’élèves du secondaire dans un établissement scolaire du Québec. Les résultats de la recherche mettent en relief la nature et les finalités des gestes de régulation recensés par les participants et ils démontrent l ’importance de certains de ces gestes, dont ceux favorisant l’action conjointe ainsi que ceux servant à identifier les conditions favorables au travail des questions sensibles. La recherche prouve l’importance de la réflexion en continu dans le processus de régulation de ce type de questions, processus soutenu à la fois par les élèves et l ’enseignant qui travaillent de concert afin de faire progresser les intentions sensibles initiales qui s’actualisent et se précisent au fur et à mesure que progresse le travail de création. Elle montre également l ’importance de mettre en place une régulation qui tienne compte du public, de la diffusion des oeuvres sensibles faites en classe ainsi que des visées d ’exposition. / This research questions the possibility for secondary school visual arts teachers to allow their students to create artworks dealing with sensitive issues, the way real artists would. It is based on the hypothesis that some teachers are reluctant to accept sensitive intentions that are spontaneously submitted to them by their students, even going so far as to forbid them, because they do not know how to address these issues properly. The research emphasizes that exploring these issues can promote the creation of relevant, authentic and meaningful artworks, however, this requires regulatory measures capable of engaging students creating in a school context where public perception matters. The research is committed to the possibility of discovering, understanding and describing teachers’ regulatory measures when dealing with sensitive issues proposed by their students. It aims to identify actions that may help them develop a personal point of view, similar to those of professional artists. The study is based on six components that are inherent to these types of regulations: sensitive issues, teachers, teenagers, creation, context and audience. This research is descriptive, drawing from elements of phenomenological studies and adopting a partly heuristic approach. It reports on the researcher’s own experience addressing sensitive issues with these regulatory measures, as well as the experiences of five other participating teachers working with students in a secondary school in Quebec. The results of this research highlight the nature and purposes of the regulatory measures identified by the participants and reveal the significance of some of these measures, including those that promote joint action and those that help identify the most conducive conditions for working with sensitive issues. It proves that continuous reflection is essential during the process of regulating these types of questions. This process is carried out by both students and teachers, working together to develop the initial sensitive intentions that are actualized and clarified as the creative work progresses. The study also illustrates the importance of implementing regulations that consider the audience, the display of sensitive work in class and the objectives of the exhibit.