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El rayo entre un huaco y una chela: un análisis de la producción en cerámica de Juan Javier SalazarGiusti Hanza, Arianna 29 October 2020 (has links)
La presente investigación desarrolla un análisis de la producción en cerámica del artista contemporáneo peruano Juan Javier Salazar (1955-2016). Se aproxima a piezas que aún no han sido estudiadas con suficiente detalle para dilucidar en qué sentido son centrales para comprender un proyecto plástico orientado a, en palabras del artista, “ritualizar el país” y ponerlo “en manos de sus habitantes”. Es decir, se analiza de qué manera la cerámica de Salazar abre nuevas interrogantes y cuestionamientos a los discursos con los que se ha representado la
identidad peruana a partir de la alfarería precolombina. Se sostiene que las piezas de Salazar producen un quiebre en el imaginario del espectador contemporáneo, puesto que presentan dos formas opuestas en un mismo objeto: un asa precolombina (un huaco) y un desecho de la cultura de masas contemporánea (a veces, una “chela”, nombre coloquial para la cerveza en el Perú).
A partir de este choque fructífero se propone una manera alternativa de imaginar nuestra peruanidad. En el primer capítulo, se expone una periodización de 5 momentos clave en los que la plástica peruana ha puesto sobre la mesa la definición del objeto cerámico del pasado y ha propuesto una imagen de nación a partir de ella. En el segundo capítulo, la autora se ocupa de la forma en que Salazar pone en cuestionamiento estas definiciones. Para ello, presenta una inmersión en el universo plástico del artista, en la problemática relación que entabla con el mercado de arte limeño y en el desarrollo paulatino de un proyecto alfarero propio. Se concluye
con una reflexión sobre las líneas que pueden trazarse entre los discursos sobre la cerámica precolombina del pasado y aquellos que Salazar está poniendo en práctica para imaginar un país ritualizado y diferente / Tesis
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Lo fantástico feminista en la propuesta pictórica de Luz Letts (2000-2018)Vergara Adrianzen, Nataly Ruth 19 July 2024 (has links)
En el Perú la representación de lo femenino en las artes plásticas ha sido mayormente
desarrollado por una mirada masculina, lo cual ha legitimado prejuicios, estereotipos e
imaginarios sobre las mujeres y, a su vez, justificado su discriminación social e histórica.
Durante el siglo XX e inicios del XXI, el desarrollo de la perspectiva de género y el
movimiento feminista motiva a que surjan nuevas voces que desde el arte buscan
cuestionar los discursos hegemónicos sobre el sujeto femenino. Así, en muchos casos,
son las mismas artistas las que, al recuperar su lugar de enunciación, sienten la
necesidad de hablar sobre su experiencia de vida a través de la práctica artística.
Paralelamente, en este periodo, debido al contexto de inestabilidad que vive en el país,
se da una transformación en la esfera artística limeña, tanto a nivel de tendencias
estilísticas como en cuanto a la institucionalización y el crecimiento del mundo del arte.
Así, empiezan a surgir personalidades y propuestas estéticas que buscan cuestionar la
falta de gobernabilidad y el desarrollo de un proyecto nacional integral, haciendo del arte
un medio de crítica social. En este contexto, el uso de lo fantástico en las artes plásticas,
cuya característica primordial es su relación intertextual con la realidad, emerge como
medio de reflexión del entorno.
En ese sentido, en la presente tesis, se establecerá una relación entre ambos ejes y se
identificará la manifestación del desarrollo de un arte fantástico feminista en la escena
artística limeña, el cual es representado en la propuesta plástica de la artista peruana
Luz Letts Payet, pues ella desde su identidad como mujer artista ha sido capaz de crear
un universo pictórico imaginario en donde hace uso de elementos fantásticos con una
mirada feminista para conformar discursos que cuestionan los roles impuestos a las
mujeres en la sociedad; y, así, contribuir a la transgresión del sistema patriarcal. Así, su
obra lleva a una reflexión sobre la realidad social y, a su vez, abre una nueva línea de
investigación sobre esta categoría estética en el Perú. / In Peru, femenine representation in visual arts has been mostly developed through a
male gaze, which has legitimized prejudices, stereotypes and imaginaries about women
and, at the same time, justified their social and historical discrimination. During the 20th
century and the beginning of the 21st century, the development of the gender perspective
and the feminist movement led to the emergence of new voices that sought to question
the hegemonic discourses on the female subject through art. Thus, in many cases, it is
the women artists themselves who, upon recovering their place of enunciation, feel the
need to speak about their life experience through artistic practice.
At the same time, in this period, due to the context of instability in the country, there was
a transformation in Lima's artistic scene in stylistic trends and in the institutionalization
and growth of the art world. Thus, personalities and aesthetic proposals began to emerge
that sought to question the lack of governability and the development of an integral
national project, making of art a way to make social criticism. In this context, the use of
fantastic elements in the plastic arts, whose primary characteristic is its intertextual
relationship with reality, emerges as a form of reflection on the environment.
In this sense, this thesis will establish a relationship between both axes and will identify
the manifestation of the development of a feminist fantastic art in the artistic scene of
Lima, which is represented in the plastic proposal of the Peruvian artist Luz Letts Payet.
This artist from her identity as a female artist has been able to create an imaginary
pictorial universe where she makes use of fantastic elements with a feminist look to
conform discourses that question the roles imposed on women in society; and, thus,
contribute to the transgression of the patriarchal system. Thus, her work leads to a
reflection on social reality and, in turn, opens a new line of research on this aesthetic
category in Peru.
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El diseño contemporáneo: simbología peruana y modas del mercadoPatiño Núñez, Alberto Enrique 28 September 2017 (has links)
En la actualidad, a propósito de proyectos como marca Perú que instalan objetivos
nacionales como la revaloración del legado cultural nacional y la inserción a un mercado globalizado, una corriente importante de creadores ha comenzado a explorar en el imaginario precolombino, proponiendo su revisión y actualización mediante el diseño contemporáneo. Esta hibridación entre lo andino precolombino y la estética contemporánea construye objetos con valor simbólico, donde la mercancía está destinada a sostener ideales y deseos, tanto individuales como colectivos, sobre la nación. Sabemos que se utiliza el marketing y el diseño operan como dispositivos para construir vínculos afectivos entre el objeto y el consumidor, con la finalidad de construir conexiones simbólicas para crear "objetos de afecto/deseo" consumibles. En este contexto, surge la interrogante sobre qué es lo que estos diseñadores proponen revalorar, ¿cuál es el ideal de nación que desde ahí se elabora? ¿Son intentos por plasmar una nueva identidad? ¿Cómo funciona la estética, el mercado y los procesos del capitalismo de consumo en este rescate de “lo peruano”?
Esta tesis propone, entonces, analizar una producción particular de diseño para dar
cuenta de una serie de prácticas y discursos que se muestran integradores con el
pasado, en un contexto donde el mercado pareciera ineludible en la constitución de
ideales e identidades. A partir del contraste con producción artística y mediante el uso de teoría crítica de Jameson y Benjamin, entre otros, veremos cómo el pasado que se nos muestra desde este diseño resulta un espacio libre de conflictos, despolitizado y seguro: una fantasía de revaloración a través del consumo en un contexto específico.
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