1. OBJETIVOS El objeto del estudio son los dramas heroicos romanos del poeta dramático italiano Pietro Metastasio (1698-1782). Todos los dramas metastasianos poseen un importante componente amoroso, como era costumbre: en un marco mítico, legendario o histórico prestigioso, perteneciente a la Antigüedad, surgen verosímiles aventuras amorosas de intrincado y complejo desarrollo. Si bien muchos de sus dramas son amorosos, hay otros, sin embargo, en los que el siempre presente componente amoroso cede protagonismo al heroico. En éstos se canta la heroicidad de sus protagonistas, que se ofrece como modelo ejemplar de conducta, desplazando así a un segundo plano las historias amorosas. Los dramas propiamente heroicos de asunto romano son el Catone in Utica, La clemenza di Tito y el Attilio Regolo. Cada uno de ellos está inspirado en un personaje de la historia de Roma, y, a su vez, pertenece a una etapa distinta de la creación literaria del poeta, a saber, el Catone in Utica, a la primera etapa o al llamado período italiano (1724-1730), La clemenza di Tito a la segunda o al llamado período del reinado de Carlos VI de Habsburgo (1730-1740), y el Attilio Regolo a la tercera y última o al llamado período teresiano (1740-1771). El Catone in Utica es un drama inspirado en el episodio de la historia de Roma en que, vencido y muerto Pompeyo, Catón, acérrimo defensor de la república, se retira a Útica, donde antepone la muerte a ver la patria oprimida por César. En La clemenza di Tito, descubierta una conspiración de dos patricios contra el emperador, la infinita clemencia de éste los perdona. Por último, en el Attilio Regolo, el cónsul Régulo, hecho de los cartagineses prisionero, prefiere dar la vida por la patria a conservarla. En los tres dramas asistimos al heroico y sacrificado triunfo de las virtudes y principios de cada uno de sus protagonistas: Catón con su heroico suicidio hace que sus ideales políticos venzan y se perpetúen, al no doblegarse ante César; el emperador Tito, en el que todo es sacrificio y entrega a su pueblo y a Roma, y para quien la inopinada conjura supone una durísima prueba, obtiene finalmente el triunfo de su heroica virtud, la clemencia, dignísima y principal prez de príncipes; Atilio Régulo, con el fin de que no sea mancillada la dignidad de Roma, en nada tiene su propia vida. 2. METODOLOGÍA El trabajo consiste fundamentalmente en un estudio de fuentes. Se tratarán principalmente las fuentes literarias clásicas que se hallan tras los argumentos de los citados dramas, tanto las citadas por el autor, cuanto aquéllas que, silenciadas, estén relacionadas con las obras. El fin es cotejar la versión del episodio histórico en cuestión, dada por las fuentes antiguas, y la versión que ofrece el drama, prestando especial atención a la particular recreación literaria que éste hace de los personajes históricos y de los distintos episodios de la historia de Roma. 3. CONCLUSIONES El estudio muestra la fidelidad de los dramas metastasianos a las fuentes antiguas, lo cual constituirá la principal causa de la justificación de la clasificación de las obras estudiadas como dramas heroicos. Asimismo, se hace ver cómo tales dramas metastasianos responderían a la intencionalidad de creación de un drama nacional italiano de tema romano, cuyo referente clásico literario sería posible ya encontrar en la misma literatura romana antigua. / 1. AIMS The purpose of this project is to analyse the Roman heroic dramas written by the dramatic poet Pietro Metastasio (1698 – 1782). As it was costumary, a strong romantic element runs through all Metastasian works: a plausible love relationship begins and develops in intricate ways within a mythical, legendary or pseudo-historical background from ancient times. Although most of Metastasio's dramas are romantic in nature, some others give more importance to the heroic aspect. The main goal of these heroic dramas is to praise the characters' heroism and set an example, displacing the recurring love motifs. The proper heroic dramas depicting Roman themes are Catone in Utica, La clemenza di Tito and Attilio Regolo. Each one of these plays takes its inspiration from key figures from Rome's history and, on the other hand, each of them belongs to different periods in Metastasio's creative production, namely: Catone in Utica to the first period or Italian period (1724 – 1730), La clemenza di Tito to the second period or Emperor Charles IV of Habsburg's period (1730 – 1740) and finally Attilio Regolo to the third period or Theresian period (1740 - 1771). Catone in Utica is a drama inspired by Rome's historical episode when, after Pompey's defeat and death, Cato, staunch supporter of the Republic, retires to Utica where he prefers death rather than seeing Caesar's opression on Rome. In La Clemenza di Tito, the emperor shows his infinite mercy and forgives two patricians involved in a conspiracy against himself. Last, in Attilio Regolo consul Regulus, taken prisoner by the Carthage army, chooses to die for his homeland. All three plays display the heroic sacrife and triumph of the virtues and principles held by the three heroes: Cato succeeds in passing down his political ideals after his death and avoids submission to Caesar; emperor Tito, famous for his devotion for his people and Rome, despite suffering an unexpected strike in the shape of a conspiracy shows his mercy and respectable sense of justice; Atilio Regulus disdains his own life not to sully Rome's honour. 2. METHODS This dissertation consists basically on source researching. Classical literary sources regarding this topic will be deeply analysed: both sources quotated by the author himself and sources unmentioned although related to the plays. The eventual aim is to compare the given version of this historical facts according to the ancient sources and the version according to Metastasio's works drawing special attention to the particular literary recreation that Metastasio infuses into his characters and their historical time. 3. CONCLUSIONS This study proves the accuracy of the Metastasian drama in respect of the ancient sources: being this accuracy reason enough to label these case plays as heroic dramas. Likewise, it is obvious that Metastasio means to create an Italian national drama of Roman theme, whose main classical source can be traced back to the ancient Rome literature.

El objetivo fundamental de esta investigación ha consistido en dar a la luz un corpus textual poético importante de la obra de María Cegarra, hasta el momento inédito. He querido dar a conocer un poco más la obra de la escritora unionense, especialmente en lo que respecta a este corpus no publicado. Lo hemos llevado a cabo respetando la idea de su familia de poderlo editar en un futuro completo, sobre todo en que se refiere a la prosa lírico-narrativa, materializada en algunos cuentos y estampas eminentemente líricas. El trabajo ha consistido en una larga labor de búsqueda, a través de familiares, amigos y personas cercanas a la autora que han tenido la gentileza de facilitarme los textos, incluso permitirme el acceso al despacho de la autora, para que personalmente los examinara. He accedido pues directamente a sus escritos –casi siempre a mano, en ocasiones en papeles sueltos y casi ilegibles– que posteriormente he tenido que transcribir, con gran dificultad utilizando lupa y otros instrumentos accesorios (presentados un número de ellos en apéndice). El soporte mismo de los textos era en ocasiones de lo más variopinto, cuartillas descoloridas, incluso en servilletas de papel, en reversos de hojas ya utilizadas para otros menesteres; y casi siempre en avanzado estado de deterioro. Creo modestamente que tal vez mi intervención al localizarlos y guardarlos ha hecho posible que no se hayan perdido para la posteridad. He sido en numerosas ocasiones la primera estudiosa que ha accedido a poemas suyos, con la dificultad que ello conlleva. He tenido que resolver cuestiones sobre la datación de textos no fechados, elección del texto matriz -ante numerosas versiones y gran cantidad de variantes textuales- etc. En cuanto a las Cartas de Carmen Conde a María Cegarra, son todas inéditas, así como la mayor parte de los textos contenidos en el Capítulo de Miscelánea. Es la primera vez que se presenta un intento de clasificación de estos géneros hijos de las greguerías. Asimismo presentamos en el apéndice una gran cantidad de textos manuscritos, de la propia autora, como hemos señalado anteriormente, muchos sin editar. He pretendido un acercamiento directo a la obra, desde la estética y sentimiento de la autora, por ello se ha prescindido de los posibles estudios de teoría y crítica literaria que serían objeto de otro trabajo. El estudio se ha realizado atendiendo fundamentalmente a su evolución, ya que está inextricablemente unida su obra a sus experiencias personales, al entorno más cercano y cotidiano, a su preparación profesional, así como a sus preocupaciones, afectos y emociones de alegría y dolor. Pienso que he aportado nuevas consideraciones sobre su obra, que con los textos he podido confirmar, como, entre otros, su relación con el poeta oriolano Miguel Hernández, dando por probado que María Cegarra estuvo siempre enamorada de él, aunque fuera de forma platónica si se quiere. Muestro cómo la autora no es explícita sobre esta relación durante su etapa de juventud y mientras vivió Miguel Hernández. Pero su actitud cambio en su etapa de senectud, ya desinhibida por la edad y también por la larga ausencia y lejanía de la figura del poeta –Poema por ejemplo “Presencia de Miguel” (1979)-; y que no siempre ha sido clarificado por los estudiosos sobre el tema. Finalmente, creo cumplido mi objetivo primordial –perseguido durante más de veinte años de dedicación: el de dar a conocer los textos inéditos de María Cegarra. Y, sobre todo, hacerlo tras el contacto con ella, a la que tuve el privilegio de conocer, charlar y comunicarle este proyecto de hacer una tesis doctoral sobre su vida y su obra, que hoy por fin veo cumplido. Así como el de darla a conocer un poco más e interpretarla desde la expresividad sencilla y directa, en la que la misma autora se adscribía. Ella reivindicaba, como he apuntado en este trabajo, su libertad ante sílabas y métricas. Sería su manera directa de sentir y expresarse la que imperaría en su obra. Mi objetivo ha sido editar lo que todavía no ha visto la luz y adentrarme, con los mismos recursos de sencillez y expresividad directa en sus textos. / The main goal of this research is to bring to light an important poetic textual corpus of María Cegarra’s work, unpublished until now. My intention is to make a little better known the work of this writer from La Unión, especially what relates to that unpublished corpus. This was carried out respecting her family’s idea of its complete edition in the future, most of all the edition of everything concerning lyrical-prose fiction, materialized in some noticeably lyrical “stories” and “pictures.” The present work consisted of a long search process, through family members, friends and people close to the studied author, who were kind enough to provide me with the texts or even to give me access to the author’s office so that I could personally examine those documents. Thus, I was able to directly access those writings—mostly written by hand, occasionally on nearly illegible pieces of paper—which I had to transcribe afterwards, with great difficulty and by using a magnifying glass and other instruments (a number of which are shown in the appendix). The texts were occasionally found written in a really wide range of formats: on faded sheets of paper, even paper serviettes, on the back of sheets that had been used for other purposes… and most of which were in an advanced state of deterioration. In my humble opinion, my involvement by locating and keeping them may have possibly saved them from being lost to posterity. In many cases, I have been the first scholar to access her poems, with the subsequent difficulty it entailed. I had to solve issues concerning the dating of undated texts, how to choose the original definitive text—between different versions and a large number of text variations—, etc. Regarding Carmen Conde’s letters to María Cegarra, they are all unpublished, just like most of the texts included in the chapter on Miscellaneous. It is the first time that an attempt to classify those genres, sons of the so-called greguerías, has been presented. As well as that, the appendix shows a great amount of handwritten texts, by the author herself, many of which are unedited, as previously remarked. I intended a direct approach to the mentioned work from the author’s aesthetics and feeling. Therefore, I ignored literary criticism and theory which would possibly be the object of study for another project. This study was carried out by focusing mainly on the evolution of the author’s work, as it was inextricably linked to her personal experiences, her routine and closer surroundings, her professional training, as well as to her concerns, affections and emotions of joy and sorrow. I believe I contributed new considerations of María’s work that were confirmed through the texts. Among others, an example can be her relationship with Orihuela’s poet Miguel Hernández, since it was proven that María Cegarra was always in love with him, even though it was in a platonic way, if you will. I showed how the author was not explicit about this relationship throughout her youth and while Miguel Hernández was alive. By contrast, her attitude changed in her old age, when she was already relaxed and untroubled by age and also by the male poet’s long absence and distance—poem “Presencia de Miguel” (1979) is a clear example; all that was not always clarified by those scholars who studied that topic. Lastly, I think my essential goal—pursued for over twenty years of devotion— has been achieved: make María Cegarra’s unknown texts public and, above all, do it after my contact with her, whom I was honoured to meet, talk to and inform of this project involving a doctoral dissertation about her life and works—a project I have seen accomplished, at last, today; another part of that goal was to make her better known and to interpret her from simple and direct expressiveness, features that she assumed herself. She claimed, as I pointed out in this work, her freedom with respect to syllables and meter. It was her straight way to feel and express herself that would prevail in her work. My objective was to edit what has not come to light yet and go in depth into her texts by using the same direct expressiveness and simplicity as resources

El objetivo de esta tesis doctoral es revaluar el trabajo de las mujeres de la Generación Beat dentro de un discurso artístico y literario post(Beat) o más allá de lo “Beat.” El capítulo dos, en el que se analizan once memorias, se centra en el dilema entre lo personal y lo literario y sirve para delinear el contexto socio-político y artístico en el que las autoras escribieron. A través del análisis de temas comunes a las distintas memorias (la escritura, los roles de género, y la conexión con el movimiento Beat), este capítulo sitúa a las escritoras en un contexto artístico que fue común a los escritores masculinos, pero que se ve a la vez ampliado a través del estudio de temas como la maternidad, el aborto o la domesticidad. En cualquier caso, el capítulo va más allá de la experiencia personal para examinar el uso específico del género memoria. Usando como marco teórico y metodológico teorías de escritura autobiográfica y revaluaciones feministas, el capítulo reexamina el valor artístico y literario de las memorias, que son con demasiada frecuencia tachadas de anti-literarias. El tercer capítulo se centra en poesía, concretamente las colecciones The Tapestry and the Web (1965) de Joanne Kyger, Loba (1998) de Diane di Prima, y The Iovis Trilogy (2011) de Anne Waldman, para ver de qué manera estas poetas actualizan discursos, temática y personajes de la mitología. Kyger trabaja directamente con La Odisea de Homero para dotar a Penélope de una visión más contemporánea y un lugar más apropiado para auto-expresarse, si bien opta por mantener al personaje mitológico “atrapado” dentro de la estructura provista por Homero. Loba de Diane di Prima, una colección escrita durante los años setenta, está influenciada de una manera más clara por discursos feministas y por el llamado Movimiento de la Diosa. La última parte explora la deconstrucción de los mitos del patriarcado que lleva a cabo Waldman en su épica a través de la metáfora de “todo está lleno de Jove”, que alude al omnipresente y todopoderoso Zeus. Además de analizar el mito como una construcción ficticia, estas tres colecciones revalúan la posición de la mujer dentro del género de la épica. El último capítulo estudia el arte visual como contrapunto a la representación visual (estereotipada) de la mujer en la Generación Beat producida por los medios de comunicación. Además, el capítulo sitúa la escritura de estas autoras en un contexto multi-mediático y multidisciplinar que las ubica en la vanguardia artística y la experimentación literaria de los años sesenta en adelante. La primera parte del capítulo considera la involucración de las poetas con el vídeo y la película como medios audiovisuales a través de los cuales expandir su visión poética. La última parte se centra en la poesía y el arte visual producido por ruth weiss desde dos perspectivas distintas: la influencia de la pintura, escultura y las proyecciones psicodélicas en su poesía y la expansión de la poesía a través del teatro, la pintura, o el cine. La conclusión enfatiza la necesidad de situar la poesía de estas mujeres en el centro de los discursos académicos sobre la generación Beat. El enfoque empleado evita una comparación con el trabajo de los escritores de la generación, lo que sortea su victimización y establece la auto-suficiencia y el valor estético y temático de su obra. Para ello, la tesis usa de marco metodológico los estudios de género y culturales, así como la crítica feminista. El análisis formal está informado por lecturas temático-formales de la representación literaria y visual del género y la sexualidad desarrollada por la crítica feminista y queer. / The aim of this dissertation is to reassess the position of women writers within the Beat Generation and re-evaluate their work within (post)Beat – and extra-Beat – literary and artistic discourses. To do so, the dissertation is divided into three main chapters which focus on different themes and, incidentally, on the work of different writers and poets. Chapter two tackles the personal/literary dilemma by analyzing eleven memoirs written by women associated with the Beat Generation. By investigating common themes in the memoirs – namely, writing, gender roles, and connection with the Beat Generation – this chapter situates the women in a specific socio-political and artistic context that was common to the male Beat writers, but also expands the concerns found in the works of the male Beats by dealing with themes such as motherhood, abortion, domesticity or even the responsibility of economically supporting the family. Nevertheless, this chapter goes beyond the personal position or personal experience of these authors by studying the specific use they make of memoir as a genre. Bringing into the fore life-writing studies and feminist reevaluations of the dialogue between genre and gender, this chapter argues for a thoughtful reexamination of the literary and artistic value of the – too-often – discarded memoirs. The third chapter moves on to poetry, specifically to Joanne Kyger’s The Tapestry and the Web (1965), Diane di Prima’s Loba (1998) and Anne Waldman’s The Iovis Trilogy (2011), to examine the way in which these poets revise or appropriate mythological themes, characters and discourses. Kyger, for instance, works directly with Homer’s The Odyssey to endow Penelope with a more contemporaneous mindset and space to express herself, while simultaneously keeping her “trapped” within Homer’s framework. Di Prima’s Loba – written mostly in the mid seventies – resonates more clearly with feminist appropriation of mythological characters as well as with the specific Goddess Movement. The last part of the chapter explores Anne Waldman’s deconstruction of the patriarchal myths through the ongoing metaphor of “all is full of Jove” – which alludes to the omnipresent and almighty patriarch, Zeus. In addition to the focus on mythology as a fictive construction, these three poetry collections reevaluate the position of women within the epic genre. The last chapter focuses on visual arts to counteract the visual representation of women in the Beat Generation generated by the mainstream media, and situates their writing in a multi- and trans-media context that places it at the forefront of 1960s artistic and literary experimentation. The first part of the chapter delineates the actual involvement of poets with film and video as, mainly, mediums from which to expand their poetry and artistic vision. The last part focuses on the connection between ruth weiss’s poetry and the visual art world in two different ways: the influence of visual arts like painting, sculpture and lightshows on her poetry, and the actual expansion of her poetry into other media such as painting, theater and film. The conclusion stresses the necessity of placing these women’s poetry and art in the foreground of academic and scholar discourses of the Beat Generation. The approach adopted avoids a comparison with the work of male writers of the generation, which allows for a much freer space from which to analyze their literature outside of a victimized position, while it also establishes the self-sufficiency and aesthetic and thematic relevance of their work. To do so, the dissertation uses as a methodological framework cultural and gender studies, as well as feminist criticism. The formal analysis, in addition, is informed by thematic and formal readings of the literary and visual representation of gender and sexuality developed by feminist and queer criticism.

revenga@um.es / Objetivo Esta tesis tiene como objetivo que se conozca la obra de mi padre, el poeta alicantino Pedro Javier Martínez. Hacer una aproximación sobre ello. En cierta medida es una forma de reivindicar su figura y su palabra, de darle, en un sentido u otro, un reconocimiento merecido a su larga trayectoria personal en la que deja atrás una familia con cuatro hijos y una obra literaria digna de estudio, o por lo menos de disfrute para el que le guste la poesía. Contado desde la visión de hijo primogénito que también es parte de su obra y el cual también ha seguido sus inclinaciones artísticas. Metodología La metodología, quizá por venir yo de las artes, sigue unas direcciones más bien intuitivas y aunque al principio me hice un plan o esquema a seguir, gracias a que a esto me obligaba el sistema académico, que básicamente era en dos partes: la vida y la obra de mi padre luego se fueron agrandando los contenidos por las disquisiciones que surgieron durante su desarrollo. El método el de leer los libros del poeta y los que se iban cruzando por el camino y echar mano de él mismo, como informador en primera persona, sobre lo referente a su biografía. Resultados Algunas de las conclusiones de esta tesis ya eran intuidas de antemano como que mi padre es un gran poeta debido a la diversidad y particularidad de su obra, a su perfección técnica y autenticidad, a que él es un poeta de vocación que nació con ese don. Otras de las conclusiones a las que he llegado en el desarrollo de este trabajo es que la palabra y el arte en general es un útil instrumento de mejora del individuo. Que la comunicación esencial en nuestro desarrollo. Que hacen falta mas poetas y que les sea reconocido. / Objetive This thesis to make the work of my father is known, the Alicante poet Pedro Javier Martínez. Make an approach about it. To some extent it is a way to vindicate his figure and his word. Told from the perspective of his firstborn son who is also part of his work and which has continued his artistic inclinations. Methodology The methodology, perhaps because I come from the arts, is a rather intuitive way and although at first I made a plan or scheme to follow, thanks to this I forced the academic system, which was basically in two parts: life and the work of my father after they were enlarging the contents by the disquisitions that arose during development. The method of reading the books of the poet and those who were crossing the road and take on regarding his biography hand himself as a reporter in the first person. Results Some of the conclusions of this thesis were already intuited in advance as my father is a great poet because of the diversity and particularity of his work, his technical perfection and authenticity, which he is a poet of vocation that was born with the gift . Another of the conclusions I have reached in the development of this work is that the word and art in general is a useful tool for improving individual. That the essential communication in our development. That further poets and who is recognized.

METODOLOGÍA La principal metodología empleada para elaborar esta tesis ha sido la consulta de diferentes archivos, bibliografía y aportar documentación desconocida, especialmente cartas personales, fotografías, grabaciones y partituras. También, se han empleado esquemas, tablas y pies de página como apoyo al texto. Por otro lado, se ha incluido un anexo final con los documentos inéditos y un catálogo con las partituras de la compositora. OBJETIVOS Se ha intentado dar respuesta al principal objetivo de esta tesis: saber cuál fue la contribución de Carmen Ibáñez en aspectos de género, musicológicos, pedagógicos, educativos, interpretativos y compositivos durante la primera mitad del siglo XX en España. CONCLUSIONES Carmen Ibáñez Ibáñez nació en Mula, Murcia, en 1895. Comenzó a estudiar piano en su localidad natal, y posteriormente amplió sus estudios en Murcia y Madrid, con algunos de los profesores más representativos de la música española de principios del siglo XX. A pesar de que ganó un premio de piano y consiguió tocar para el público, no pudo dedicarse a la interpretación de este instrumento por las dificultades existentes hacia su sexo y, al igual que la mayoría de las mujeres de su tiempo, optó por dedicarse a la docencia. Tras aprobar la oposición de profesora de música en la Escuela Normal de Albacete se afincó en esta ciudad y comenzó a escribir en la prensa sobre aspectos musicales. En esta institución experimentó con nuevas metodologías educativas, donde puso en práctica la herencia pedagógica de Pestalozzi y de la Escuela Nueva a través de los libros pedagógicos que consiguió editar y de su novedoso invento, el Rigo-Móvil, considerado como el objeto ideal para el aprendizaje intuitivo de la música en los niños y en aquellos con problemas de audición, siendo estos métodos novedosos en nuestro país. También fue de las primeras mujeres españolas en organizar y dirigir un orfeón compuesto por sus propios alumnos, que tenía una finalidad didáctica y servía para difundir conocidas piezas del repertorio culto y popular a la sociedad albaceteña. Por otro lado, Carmen Ibáñez contribuyó a que se crease el Conservatorio de Música de Albacete, y solicitó trabajar como profesora de piano en este lugar, pero esta plaza fue asignada a un varón con menos méritos musicales que ella. En cuanto a su dedicación hacia la composición, se ha demostrado que siguió las tendencias chopinianas, más otras nacionalistas y regionalistas, aprendidas de sus maestros, y las mezcló con sonoridades complejas propias del posromanticismo e, incluso, procedentes de la música flamenca. Este estilo musical lo aplicó en géneros populares españoles y en otros recién llegados a España, como el fox-trot. La mayoría de sus composiciones estuvieron firmadas bajo un pseudónimo, como hicieron muchas mujeres, para facilitar la difusión de sus obras. Acabada la Guerra Civil Española, las autoridades gubernamentales la eligieron como instructora y asesora musical de la Sección Femenina de Albacete. Este hecho le facilitó la recopilación de la música popular de esta provincia, con la intención de crear un cancionero musical para evitar el olvido de este folclore, que se usase como recurso educativo y que algunas de sus piezas se empleasen en los concursos nacionales de música organizados por esta institución, donde los coros dirigidos por Carmen Ibáñez ganaron en alguna de sus ediciones anuales. Su cancionero fue de los más representativos de España y cuando lo finalizó se la premió con un galardón estatal. La compositora falleció en 1962, y desde ese momento le rindieron continuos homenajes y se creó un premio nacional de piano con su nombre, especialmente porque se la consideró como la musicóloga y compositora más representativa de Albacete. / METHODOLOGY The principal methodology used to develop this thesis was the consultation of various archives, bibliography and the provision of unknown documentation, especially personal letters, photographs, recordings, and scores. Additionally, there are diagrams, tables, and footnotes to support the text, a final annex of unpublished documents, and a catalogue of the composer's scores. OBJECTIVES This thesis has tried to provide answers to its principal objective: to know what was the contribution of Carmen Ibáñez in issues of gender, musicology, pedagogy, education, interpretation, and composition during the first half of the twentieth century in Spain. CONCLUSIONS Carmen Ibáñez Ibáñez was born in Mula, Murcia, in 1895. She began studying piano in her hometown, and later continued her studies in Murcia and Madrid under some of the most important professors of Spanish music in the beginnings of the 20th century. Even though she had won a piano award and performed in public, she could not pursue a career as a professional musician because of the difficulties faced by women and, like most women of her time, chose to devote herself to teaching. After passing the music teaching exams at the "Escuela Normal" of Albacete, she settled down in the city and started to write for the press about music. At this institution she experimented with new educational methods and put into practice the pedagogical heritage of Pestalozzi and the "New School" through the pedagogical books she edited and her new invention, the "Rigo-Móvil", considered an ideal object for the intuitive learning of music by children and people with hearing problems. She also was one of the first Spanish women to organize and direct a choral society composed of her own students, which had a didactic purpose and served to spread known popular and cult pieces around Albacete. On the other hand, Carmen Ibáñez contributed to the creation of the Music Conservatory of Albacete, and applied to be a professor of piano, only to have the job offered to a man with less musical merits than her. Regarding her dedication to composition, it has been demonstrated that she followed trends similar to Chopin, in addition to other nationalist and regionalist trends learned from her teachers, and mixed them with the complex sounds of post-romanticism and flamenco music. Ibáñez applied this music style in popular Spanish genres and other newly arrived genres to Spain, like the fox-trot. Like many women did at that time, the majority of her compositions were signed under a pseudonym to facilitate the dissemination of her work. After the Spanish Civil War, the governmental authorities chose her to be a musical instructor and consultant for the "Sección Femenina" of Albacete, an aspect that helped facilitate the collection of popular music in the province with the purpose of creating a songbook as a record of this folklore. Such a book was used as an educational resource and some of her pieces were used in national music competitions organized by this institutions, where choruses conducted by Carmen Ibáñez won in some of its annual editions. Her songbook was one of the most representative of Spain and when she finished it, she was given an award from the state government. The composer died in 1962, and since then, there have been continuous tributes to her music and a national piano award has been created in her name, especially because she is considered to be the most representative musicologist and compositor in Albacete.

OBJETIVOS: Esta tesis se enmarca en el ámbito de la Pervivencia de la Mitología Clásica y el objetivo es investigar sobre el tratamiento e influencia que la leyenda de Andrómeda y Perseo ha tenido a lo largo de tres periodos histórico-musicales en la ópera: barroco, clasicismo y siglo XX. El origen de este trabajo es la lectura de la leyenda de Andrómeda y Perseo en la versión canónica de Ovidio en las Metamorfosis, 4.604-803 y 5.1-235. Nuestro objetivo es examinar la proyección de este mito en la ópera a través del análisis de la producción literaria y musical de los siguientes autores: Ovidio, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- y Salvatore Sciarrino, en la parte literaria; y Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert y Salvatore Sciarrino en lo musical. METODOLOGÍA: El proceso de investigación se ha articulado en tres fases con la siguiente metodología: Partimos de la observación de la leyenda en Ovidio así como en otros autores que han difundido también este mito, ya sea basándose en Ovidio directamente o no. A continuación analizamos el tratamiento literario del mito en los libretos de las cuatro óperas elegidas, encuadradas dentro de diferentes estilos y épocas musicales. Y finalmente, estudiamos los recursos musicales utilizados por los compositores en sus óperas para la interpretación del mito clásico de Andrómeda y Perseo. Las tres fases citadas anteriormente nos acercan a los objetivos de este trabajo. La primera, nos sitúa en el objetivo de estudio de la investigación; la segunda nos lleva a conocer el objetivo de estudio en su contexto y sus características; y la tercera nos plantea la finalidad de la investigación en el contexto de la adecuación música-texto. CONCLUSIÓN: A lo largo de la historia siempre han estado unidas las diferentes artes, una vez más literatura y música han sido fuente de inspiración en la historia de la ópera. La propia evolución estética, literaria y musical han sido las responsables de las numerosas diferencias conceptuales a la hora de plasmar la leyenda del mito de Andrómeda y Perseo en las óperas de Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino. A través de las cuatro óperas analizadas podemos observar cómo Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino, ya sea por medio del bajo continuo, arias virtuosísticas, armonías impresionistas y textos silábicos u orquestación electrónica han interpretado aquella antigua leyenda recogida en las Metamorfosis de Ovidio, en la Andromède de Corneille o en las Moralidades legendarias de Laforgue. La relación más cercana con respecto al mito clásico ovidiano que se da en Lully o Haydn no lo es tanto en Ibert y menos en Sciarrino, por el final trágico que inventa el italiano en su ópera. En la presente tesis se estudia la significación del texto y la profunda relación entre éste y la música, que a través de multitud de lenguajes y procedimientos compositivos, y una vez interrelacionados y ensamblados magistralmente por el compositor hacen que la inspiración en la leyenda mitológica ovidiana se convierta en verdaderas obras de arte. / OBJECTIVES: This thesis is defined within the continued existence of Classical Mythology and its objective is to hold a research on the treatment and influence that the story of Perseus and Andromeda has had on opera over three periods of the history of Music: Classicism, Impressionism and the twentieth century. This piece of work originates in Ovid's approach to the legend of Perseus and Andromeda in the canonical version of the myth found in "Metamorphoses", 4.604-803 and 5.1-235. Our objective is to examine the impact of this myth on opera by evaluating the literature production and musical work of the following authors: Ovid, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- and Salvatore Sciarrino as for literature; and Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert and Salvatore Sciarrino for their musical work. METHODOLOGY: The research process has been performed in three phases according to the following methodology: The starting point of this study is the evaluation of Ovid's legend, as well as other authors' who have also spread this myth, whether basing their work on Ovid's directly or not. Then, we analysed the literary treatment of the myth found in the libretti of the four operas chosen within different music styles and periods. Finally, we studied the musical resources used by the composers in their operas to interpret the classical myth of Perseus and Andromeda. The three phases mentioned above bring us closer to the objectives of this research. The first one pictures the objective of this study; with the second one, we get to know the context and characteristics of the objective; and the third one sets out the purpose of this research work within a music and text adaptation context. CONCLUSION: Through history, the different Arts have always been linked together and, once again, literature and music have been of great influence in the history of opera. In fact, the aesthetic, literary and musical evolution have been responsible for the wide range of conceptual differences that arise when interpreting the story of Perseus and Andromeda in Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino's operas. Through the four operas analysed, we can see how Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino, either by using a continuous bass, virtuosistic arias, impressionistic harmonies and syllabic texts or electronic orchestration, they all have interpreted the ancient legend of Ovid's Metamorphoses, in Corneille's Andromède or Laforgue's Moralités Légendaires. Those who relate the most to the classical Ovidian myth are Lully or Haydn, whereas this closeness is less obvious in Ibert's work and gets even further away from the legend in Sciarrino's, specially due to the tragic end that the Italian composer adds to his opera. In this thesis, the meaning of the text and the profound connection between text and music via a wide variety of languages and composition processes, once masterfully interrelated and assembled together by the composer, make the influence of the Ovidian myth turn into true masterpieces.

Johann Joachim Quantz (1697-1773) es el autor del Versuch einer Anweisung zu die Flöte traversiere zu spielen (Ensayos de un método para tocar la flauta travesera), publicado en Berlín en 1752. Además de tratarse del primer compendio exhaustivo sobre la flauta travesera, el libro aborda problemáticas generales ligadas a la composición, los estilos, la profesión del músico, la expresión y la apreciación musical, y ofrece una amplia panorámica del gusto musical de su tiempo. Tras la difusión en la década de 1960 de la traducción inglesa de E. R. Reilly, el Versuch se ha convertido en una de las obras de referencia ineludibles en la praxis interpretativa de la música barroca. Sin embargo, su notoriedad contrasta con el relativo desconocimiento de la vida de su autor. Quantz fue uno de los virtuosos alemanes más famosos de su tiempo. Prolífico compositor, escribió más de 700 obras, casi todas para la flauta, hoy todavía poco conocidas. También aportó importantes innovaciones al diseño del instrumento. Su fama ha estado tradicionalmente ligada a los últimos treinta años de su vida, que transcurrió como maestro de flauta privado de Federico II de Prusia. En su juventud, había adquirido una notable competencia en varios instrumentos, como el oboe y el violín. Esto le permitió desarrollar una brillante carrera en la corte sajona de Dresde, como flautista de su célebre orquesta. En sus viajes por los principales centros musicales europeos, conoció a celebridades como Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet y Haendel. El testimonio de esta etapa de su vida está recogido en su breve autobiografía de 1754, documento que también contiene unas claves muy valiosas para la correcta comprensión del tratado. Esta tesis investiga en profundidad los nexos existentes entre el Versuch y la biografía de Quantz, con el fin de perfeccionar su comprensión e identificar sus campos de aplicación más apropiados. Además, constituye la primera y única base de conocimiento existente en lengua castellana sobre el argumento. La primera parte de la tesis contiene una reconstrucción crítica de la biografía de Quantz, elaborada a partir de la autobiografía, y ampliada con fuentes coevas. La segunda recoge un análisis detallado del Versuch, de sus antecedentes, su difusión y de las temáticas que aborda. La tercera parte presenta una versión crítica en lengua castellana del Versuch, plasmada en estrecha conexión con los resultados de la reconstrucción biográfica y de la investigación. El estudio desentraña la relación de Quantz con su entorno cultural y artístico, explora las etapas de su formación temprana, su recepción de la ópera y de la música instrumental italiana, y evalúa la relevancia del violín y del canto en las ideas expresadas en el Versuch. Redimensionando la tradicional asociación al ambiente prusiano, la investigación destaca la importancia de la experiencia madurada en Dresde. Con el fin de individuar el lugar de Quantz en el debate musical de su tiempo, la tesis detalla su aportación a temas como la difusión del “estilo mixto” (fusión de estilo francés y estilo italiano), el desarrollo de la flauta, la articulación del concepto de “buena ejecución” y la evolución del gusto musical en Alemania. Las ideas de Quantz sobre el “cantábile” y la ornamentación, su postura moderada sobre la emancipación de la música instrumental del canto, y la creciente importancia del papel de la invención en la creación musical sobre el de la representación retórica de las “pasiones”, ponen de relieve su papel de bisagra entre dos épocas de la evolución del gusto musical. / Johann Joachim Quantz (1697-1773) is the author of the Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (Essay of a method on playing the flute), published in 1752 in Berlin. Besides being the first comprehensive summary about the flute, this book covers several issues related to composition, style, profession, expression and musical appreciation, and shows a broad panorama on contemporary musical taste. Thanks to the publication en 1960 decade of the first modern English translation by E. R. Reilly, the Versuch is today considered an unavoidable authority for the interpretation of Baroque music. Nevertheless, his notoriety contrasts with the quite lowly awareness about the life of its author. Quantz was one of the most famous virtuosi of his time in Germany. A prolific composer, he wrote more than 700 works, mostly for flute, still little known today. He also brought important innovations to the design of the instrument. His fame has been traditionally linked to the last thirty years of his life, which he spent as a private flute teacher of Frederick II of Prussia. Being young, Quantz acquired substantial proficiency on many instruments, like oboe and violin. This gave him access to a bright career in the Saxon court in Dresden, as a flutist in its celebrated orchestra. He visited the main European musical centres, and met celebrities like Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet and Handel. This stage of his life is described in his short 1754 autobiography, which provides us with valuable keys to accurate insight of the treatise. This thesis deeply investigates the links between the Versuch and Quantz biography, in order to enhance its comprehension and to identify the most appropriate application fields. In addition, this research sets up the first comprehensive knowledge base in Spanish language about this matter. The first part of the thesis consists of a critical reconstruction of Quantz’s biography, based upon the autobiography and contemporary sources. The second part gathers a detailed analysis of the Versuch, deepening in antecedents, dissemination and matters addressed. The third part introduces a critical version in Spanish of the Versuch, in close connection with the biographic reconstruction and research findings. This research disentangles the relation between Quantz and his cultural and artistic environment, explores the stages of his early education, his reception of the opera and Italian instrumental music, and assesses the role of the violin and singing in the ideas found in the Versuch. Through resizing the traditional association to Prussian environment, the thesis highlights the importance of his professional experience in Dresden. In order to precise Quantz’s place in contemporary musical debate, the thesis details his contribution to matters like the diffusion of “mixed style” (synthesis of French and Italian styles), the development of the flute, the growth of the “good execution” conception and of the German musical taste. Quantz’s ideas about the “cantabile” and the ornamentation, his moderate position in the instrumental music emancipation from singing, and the growing importance of the invention in musical creation against the rhetoric representation of “passions”, underline his role of hinge between two stages in musical taste evolution.

Este estudio aborda la faceta pedagógica de Carl Philipp Emanuel Bach. Se estructura en tres bloques: una contextualización histórico-biográfica del autor, una versión crítica de su obra pedagógica Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen, en sus dos partes y el análisis de las piezas didácticas que acompañaron al Versuch en la primera y tercera edición a la primera parte, los Probe-Stücke de 1753 y los Sechs neue Clavier-Stücke de 1787. El propósito inicial era determinar la trascendencia como obra didáctica de estas veinticuatro piezas de estudio que el autor escribió como material complementario al Versuch, y que, en palabras del propio autor, permitían al estudiante poner en práctica las enseñanzas del mismo en situaciones reales de ejecución musical en el teclado. Para ello, se ha realizado un análisis de las piezas desde el punto de vista del propio Versuch. Esto ha permitido comprobar hasta qué punto se ajusta cada uno de los recursos empleados en las piezas a los casos y presupuestos de la obra teórica y cómo queda unificada así esta gran obra. El trabajo analítico ha consistido en aislar los elementos tratados en cada pieza y, recurriendo a las indicaciones del autor en el Versuch, elaborar una de las posibles guías de estudio de los mismos. Podemos afirmar tras este estudio el inmenso valor didáctico de estas piezas y lo ajustado de la percepción del autor sobre su propio trabajo al insistir en el rigor del tratamiento que había dado a los mismos. Este mismo rigor es el que recomienda al teclista que decida hacer uso de ellos. Los recursos empleados en cada pieza se han recogido en unas tablas que consideramos útiles como herramienta pedagógica. La traducción del Versuch fue en un principio una herramienta imprescindible para el análisis y se descubrió enseguida como una aportación esencial que no se podía dejar de hacer a la musicología en lengua hispana. Finalmente se ha optado por una versión crítica de la obra. El estudio incluye una biografía del autor, su formación musical, su entorno, aspectos y aportaciones compositivas, su obra, especialmente su obra para teclado y una breve reseña de los estilos musicales de mediados del siglo XVIII en Centroeuropa y los instrumentos de tecla a los que se alude en el Versuch. El análisis ha permitido apreciar el interés particular que adquiere la música del autor vista desde la perspectiva de los Gedanken, la construcción a partir de ideas musicales, y la importancia que esto reviste de cara a una mayor comprensión de la música tanto de sus contemporáneos como de la generación siguiente hasta el Clasicismo musical, revalorizando el periodo que constituyen los cuarenta años que siguen a la muerte de Johann Sebastian Bach. Carl Philipp Emanuel Bach concibió la obra como un gran conjunto, en el que el ensayo teórico y las piezas de estudio están íntimamente ligados entre sí. La obra responde a un concepto racional-ilustrado, en el que los principios del arte musical aparecen enunciados científicamente en concreciones técnicas teclísticas, sin perder por ello ni un ápice de su esencia artística. Es esta esencia racionalista con la que el autor concibió y elaboró minuciosamente su obra la que ha guiado este estudio, a la vez que ha permitido descubrir y resaltar el valor artístico de la misma por encima de presupuestos estrictamente técnicos. / This dissertation approaches the pedagogic work of Carl Philipp Emanuel Bach. It is divided in three parts: a biography and historical contextualisation of the author, a critical revision of his pedagogic opus magnum Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen, including its two parts, and the musical analysis of the didactic compositions that were published along the first and third edition of the Versuch: the 1753 Probe-Stücke and the 1787 Sechs neue Clavier-Stücke. The original purpose of this paper was to determine the transcendency of these twenty-four étude-pieces as a didactic work, which were written by the author as a complement to the Versuch. As himself said, these pieces would allow the student to take the contents of the treaty into real situations of musical execution at the keyboard. To achieve the original purpose, a musical-analysis of the pieces has been done from the point of view of the own Versuch. This allowed us to verify up to what extent the pieces had been adjusted to each of the resources described in the theoretical treaty and how this great work remains unified in this way. The analytical approach consisted on isolating the different theoretical issues presented in every piece and, connecting them with the indications of the author upon such items in the Versuch, finally propose a sort of a practice-guide. After this study it has been proved the great didactic value of these pieces and how suitable was the perception of the author about his own work, having he insisted in several occasions on the rigour he treated these pieces with. He advices the keyboard player who chooses his pieces to approach them with the same rigour. The different resources that are described in the treaty and used in every piece have been summed up in a few charts that we consider useful pedagogic tools. The translation of the Versuch was originally intended as an indispensable tool for the analysis, revealing itself immediately as an essential contribution that we could not help to make to the discipline of the Musicology in Spanish. Finally we have chosen to make a critical translation of the work. This dissertation includes also a short biography of the author, his training as a musician, his social context, the contributions he made as a composer, his work - specially his work for keyboard, a short review of the musical styles present in the middle of the 18th century in Central Europe, and the keyboard instruments he mentions in the Versuch. Our musical analysis allows to appreciate the particular interest that his music acquires when seen from the perspective of the Gedanken - the composition by using short musical ideas or thoughts. This is capital in order to have a fuller understanding of his music and the one of his contemporaries, as the one of the following generation up to the Classic period, revaluing this period of forty years after the death of Johann Sebastian Bach. Carl Philipp Emanuel Bach conceived the work as a great whole in which the theoretical essay and the pieces of study were deeply intertwined. The work follows a rational-enlightened conception where the principles of musical art are enunciated scientifically in technical specificities for the keyboard, without loosing however not even an inch of its artistic essence. Is this rationalist essence, that the author used to conceive and elaborate meticulously his work, the same that has guided this study allowing simultaneously to discover and to stress out the artistic value of the work apart from the technical issues only.

La ciudad de Orihuela configura su historia a partir de su Reconquista en el s. XIII y la creación de su diócesis en el s. XVI. A finales de s. XIX nace Carlos Moreno Soria, un compositor cuyo destino musical se ve determinado por acontecimientos históricos, sociales y económicos como las desa¬mortizaciones, el Concordato de 1851, la promulgación del Motu Proprio y la demanda en este momento de música popular religiosa. Durante los catorce años que trabaja en la capilla de música de la catedral de Orihuela, realiza diferentes trabajos y aunque ejerce las labores de Maestro de Capilla, nunca obtiene tal nombramiento. En Orihuela compagina este trabajo en la Catedral con otros como el de pianista del Casino Orcelitano, director ocasional de orquesta en diferentes actos y la docencia para hijos de familias acomodadas de la ciudad. El estudio de la obra de Carlos Moreno va a revelar, no solo las circunstancias en las que se desenvuelve la capilla de música de la Catedral, sino también, a través de la demanda de obras por parte de las instituciones y la sociedad oriolana, la importancia de determinadas festividades, de la música popular religiosa y de los nuevos centros de cultura no religiosos: el Teatro Circo y el Casino Orcelitano. Por otro lado el maestro Moreno reside la mayor parte de su vida en Alicante donde entra en contacto con otros géneros no religiosos y realiza diversos trabajos relacionados con la música: es ayudante y copista del maestro Oscar Esplá y su nombre aparece en carteleras como maestro concertador, pianista acompañante de algún cantante en radio y miembro de un notable quinteto que actuaba en el Café Español, entre otros. Los objetivos que nos hemos marcado al abordar nuestro trabajo son los siguientes: 1- Establecer la historia musical de Orihuela vinculada desde el s. XVII y su evolución a través de sus fiestas. 2- Analizar los factores y consecuencias histórico religiosas que determinan la música del s. XIX y mediados del XX en Orihuela así como la relevancia de los nuevos centro de recreo no religiosos en la ciudad. 3- Difundir la biografía de los compositores más significativos de Orihuela así como de aquellos que no siendo oriolanos están muy vinculados musicalmente a la ciudad. 4- Buscar y recopilar todos los datos referentes a la vida del compositor Carlos Moreno Soria e integrarlos en su ciudad así como la dos de sus descendientes, la de su hijo, José María Moreno Mateo, y su nieto, Romual¬do Moreno Torres. 5- Revisar todos los inventarios y archivos donde pueda haber alguna obra del compositor Carlos Moreno para hacer un catálogo único de sus obras. 6- Analizar los factores de carácter religioso e histórico-económico que influyeron en la obra del compositor. 7- Determinar la importancia que Carlos Moreno Soria tuvo en la capilla de música de la catedral oriolana y su cargo. Este trabajo supone la búsqueda de datos a través de actas capitulares y otros documentos y boletines, prensa y entrevistas con quienes conocieron al compositor para elaborar su biografía. Además, hemos estudiado los diferentes archivos donde se pueden encontrar partituras del maestro Moreno para la recopilación y catalogación de la obra del compositor. El posterior análisis de la obra junto con el estudio de las circunstancias en que se desarrolló su vida, y por tanto su labor compositiva, nos ha permitido establecer unas conclusiones referentes a la música de este periodo en Orihuela y determinar la importancia de Carlos Moreno Soria en la capilla de música de la Catedral así como el cargo que ocupó en ella. / The city of Orihuela shapes its history from the moment of its Reconquista in the 13th century and the creation of its diocese in the 16th century. At the end of the 19th century was born Carlos Moreno Soria, a composer whose music destiny was shaped by historical, social and economic developments as the encumbrances, The Concordat in 1851, the promulgation of the Motu Proprio and the demand at that time of religious popular music. During the fourteen years working in the music chapel in the cathedral of Orihuela, performed various jobs. However, and although is serving as a chapel master, he never gets such appointment. In this work combines Orihuela Cathedral with others such as Casino Orcelitano pianist, occasional conductor in various events and teaching for children of wealthy families in the city. The study of Carlos Moreno´s work will not only reveal the circumstances in which the music chapel of the cathedral is managed but also, through the demands of works by the institutions and the society in Orihuela, the importance of certain festivities, popular religious music and the new non-religious cultural centre: El Teatro Circo y El Casino Orcelitano. On the other hand, the master Carlos Moreno lives most of his life in Alicante where he has got contact with other non-religious genres and he performs various music-related works: he is assistant and copyist of the master Oscar Esplá, and his name appears on billboards as an music director, accompanist of a radio singer and member of a remarkable quintet that performed at the Café Español, among others. The goals we have set to tackle our work are: 1- Set the music history of Orihuela linked from the 17th century and its evolution through their festivities. 2- Analyse the factors and historical and religious consequences that determine the music in the 19th and in the middle of the 20th centuries in Orihuela, and the relevance of the new non-religious recreation centres in the city. 3- Spread the biography of the most outstanding composers in Orihuela and of those who are not musically linked to this city. 4- Find out and collect all the data concerning the life of the composer Carlos Moreno Soria and integrate them into his city, as well as two of his descendants, his son, Jose Maria Moreno Matthew, and his grandson, Romualdo Moreno Torres. 5- Review the inventory and all the files where there may be some work of the composer Carlos Moreno in order to make a unique catalog of his works. 6- Analyse the religious, historical and economic factors that influenced the composer´s work. 7- Determine the importance that Carlos Moreno Soria had in the music chapel of the cathedral in Orihuela and his position. This work involves searching the data through Chapter Records and other documents and newsletters, press conferences and interviews with those who knew the composer in order to develop his biography. In addition, we studied the different files where you can find sheet music by the master Carlos Moreno for the collection and cataloguing of the composer´s work. Further analysis of the work together with the study of the circumstances in which he lived, and therefore his compositional work, has allowed us to establish some conclusions concerning the music of this period in Orihuela and determine the importance of the music of Carlos Moreno Soria in the music chapel of the cathedral and the position he held in it.

La tesis doctoral analiza el funcionamiento de la audiencia de Lima en la segunda mitad del siglo XVIII, destacando que en el referido siglo fue un organismo de desacreditada actuación y en el que la justicia se inclinó primando las conexiones familiares y de negocios. En la época mencionada, el nepotismo y las innumerables quejas que llegaban al Consejo de Indias sobre el desempeño de los oidores eran las quejas recurrentes. Formando parte de las reformas implementadas por Carlos III, y con el objetivo de reformar la audiencia peruana se constituyó una visita general liderada por José Antonio de Areche. Este encargo se vio ampliado a la reforma de la hacienda, del consulado, así como proveer los primeros pasos para el establecimiento de la nueva organización territorial: las Intendencias. Estas medidas reformadoras venían precedidas por los resultados alcanzados por Gálvez en el virreinato de Nueva España, y en la que Areche también había colaborado La investigación se ha centrado también en analizar la importante red de alianzas que tejió la elite limeña que gobernaba junto al virrey Guirior, que se convirtió en su principal valedor. El propósito de la aristocracia fue que la visita fuera considerada un fracaso, aspirando a que Madrid la suspendiera sin la aplicación de las medidas reformadoras; pero además lograr el desprestigio del visitador, de manera que sus propuestas fueran descartadas. La novedad del tema radicó en realizar un estudio lo más objetivo e imparcial posible de lo que aconteció en la audiencia de Lima durante la visita general durante los años de 1776 a 1783. La investigación aporta información relevante sobre José Antonio de Areche, que continuaba guardada en los archivos, y que consideramos fundamental para entender la visita y para juzgar la conocida rivalidad con Guirior. En este aspecto, se ha investigado la relación desde las dos visiones: la del virrey y la del visitador. En definitiva, la tesis doctoral ha conseguido llenar vacíos de información que se hacían necesarios solventar para realizar un estudio objetivo tanto de la institución judicial limeña como de la personalidad del visitador vizcaíno. Los objetivos se orientaron a reconstruir la organización del tribunal de justicia durante las décadas de 1770 a 1790. Asimismo, identificar y analizar la actuación de los ministros y su reacción frente a las reformas borbónicas, destacando la relación que mantuvieron con el visitador Areche. La tesis doctoral es una investigación cualitativa e interpretativa, en la que el soporte principal es la documentación de archivos americanos y españoles. Por tanto, los métodos, técnicas e instrumentos se han orientado a la línea marcada por la investigación cualitativa. Se realizaron registros de observación para identificar al cuerpo de oidores y su desempeño durante la visita general. El método de registro nos permitió entender la estructura organizativa del tribunal de justicia limeño, las funciones específicas de cada sala: civil y judicial, así como las ocupaciones de los empleos menores. En cuanto al funcionario escogido para realizar la visita al Perú, y contrario a lo estudiado, Areche no era un advenedizo, sino que llegaba al virreinato con amplia experiencia en el gobierno de las Indias. Asimismo, le respaldaba un respetable expediente académico, así como su lealtad a la corona y al ministro de Indias. Además, llegaba convencido de que las reformas eran necesarias para mejorar el gobierno de los peruanos y no para “esquilmarlo” con impuestos. En este sentido, la investigación realizada aporta nueva información respecto a la vida y personalidad del que fuera visitador del Perú. Palabras clave: Audiencia de Lima - siglo XVIII- Virreinato peruano- José Antonio de Areche. / José Antonio de Areche and overall visit to the Audiencia of Lima The dissertation analyzes the operation of the hearing of Lima in the late eighteenth century, noting that in the aforementioned century was a discredited agency action and justice in which leaned giving priority to family and business connections. In the period mentioned, nepotism and countless complaints reached the Council of the Indies on the performance of the judges were recurrent complaints. As part of the reforms implemented by Carlos III, and with the aim of reforming the Peruvian audience a general tour led by José Antonio de Areche was established. This custom was extended to the reform of the hacienda, the consulate, as well as providing the first steps towards the establishment of the new territorial organization: the Municipalities. These reform measures were preceded by the results achieved by Gálvez in the Viceroyalty of New Spain, and which had also collaborated Areche Research has also focused on analyzing the extensive network of alliances that weave the Lima elite that governed by the viceroy Guirior, which became its main backer. The purpose of the aristocracy was that the visit was considered a failure, aiming to Madrid without the suspended implementation of reform measures; but also to achieve the prestige of the visitor, so that their proposals were discarded. The novelty of the issue lay in a study as objective and unbiased as possible of what happened at the hearing of Lima during the whole visit during the years of 1776-1783. The research provides important information about José Antonio de Areche, continuing stored in the archives, and that we consider fundamental to understanding the visit and to judge known rivalry with Guirior. In this regard, we have investigated the relationship since the two visions: the Viceroy and the visitor. In short, the thesis has managed to fill information gaps that became necessary resolve to conduct an objective study of both Lima's judicial institution and the personality of Biscay visitor. The objectives were aimed at rebuilding the organization of the Court during the 1770s to 1790. Also, identify and analyze the performance of ministers and their reaction to the Bourbon reforms, emphasizing the relationship they had with the visitor Areche. The dissertation is a qualitative and interpretive research, which is the mainstay of American and Spanish documentation files. Therefore, methods, techniques and tools have been oriented to the line marked by qualitative research. observation records were performed to identify the body of judges and their performance during the whole visit. The recording method allowed us to understand the organizational structure of the Court of Justice of Lima, the specific functions of each room: civil and judicial, as well as minor employment occupations. As the officer chosen for the visit to Peru, and contrary to what has been studied, Areche was not an upstart, but reached the viceroy with extensive experience in the government of India. Also, we supported a respectable academic record as well as their loyalty to the crown and the colonial secretary. It also came convinced that reforms were needed to improve the Peruvian government and not for "esquilmarlo" taxes. In this sense, the research provides new information about the life and personality of the former Visitor of Peru. Keywords: Audience of Lima - Peruvian-Viceroyalty- eighteenth century- José Antonio de Areche.