Ce travail de recherche est la démonstration de la justesse de l'hypothèse selon laquelle on doit : «pour parler efficacement de la transparence dans une sculpture de verre, il faut paradoxalement occuper cette même transparence par des éléments non transparents». Je tenterai de démontrer que cette hypothèse peut se vérifier aux niveaux de la perception, de la désignation et de la signification. Je parlerai donc de la transparence en tant que matériau de sculpture et en tant que concept abstrait porteur de sens. De plus, je signalerai que cette notion peut s'appliquer à n'importe quelle oeuvre d'art, indépendamment du matériau dont elle est constituée. Au chapitre premier : Une courte histoire de la transparence, nous verrons comment le verre et la transparence ont changé de forme et de fonction, et comment le sens qui leur était attribué a évolué depuis les 4000 dernières années. Au chapitre second : De l'opacité à la transparence, un choix précis de sculptures en verre vous permettra de voir les deux extrémités du spectre de la transparence, soit l'oeuvre totalement opaque à l'une des extrémités et l'oeuvre hyper-transparente à l'autre extrémité. Cela me permettra de mieux faire comprendre pourquoi je dis qu'il faut, pour être efficace lorsqu'on parle de transparence, occuper cette même transparence et se situer dans une zone intermédiaire entre les deux extrêmes. Aux chapitrex trois : Sens et transparence, et quatre : Entre les extrêmes, j'expliquerai que lorsqu'on parle d'une ?uvre transparente, mais que le mot transparent est alors utilisé comme concept abstrait synonyme de porteur de sens, et cela indépendamment du matériau dont elle est constituée, la loi de la transparence, dont j'ai parlé plus haut, est tout aussi efficace que lorsqu'on parle de la transparence en tant que matériau, support de l'oeuvre.

La présente communication artistique intitulée "un portrait sociétal et culturel" présente tout l'apport que peut constituer l'héritage de la société contemporaine et ce, pour la richesse d'une culture. Avant d'entreprendre cette démarche, mes interventions artistiques se situaient davantage au niveau rétinien. Tout était référentiel et expressif, c'est-à-dire que je m'appliquais à créer des images et à exprimer mes émotions. Cependant, la vie m'ayant amener à travailler dans le monde des communications à titre de communicateure/graphiste, je me suis posée plusieurs questions, à savoir s'il pouvait exister des moyens autres pour faire de l'art? Je me demandais s'il était possible de faire de l'art en empruntant comme médium des outils propres au monde des communications. C'est à partir de ces interrogations que mon travail de recherche a débuté. Cependant, tout au long de cette recherche, ma démarche a évolué modifiant ainsi mes interrogations du départ. Je me suis aperçue qu'en substituant le pinceau à l'ordinateur c'est-à-dire, qu'en utilisant les outils de communication comme médium, je refaisais en quelque sorte le même cheminement qu'avait poursuivi l'art dans son évolution historique. Cette constatation ne me satisfaisait pas suffisamment puisqu'il y avait selon moi, beaucoup plus à découvrir et à créer dans le pouvoir que la communication pouvait apporter à l'art.

La neige et la glace ont servi de base dans mes recherches en sculpture et m'ont permis de produire des oeuvres destinées à explorer les limites de la résistance et des structures spécifiques à ce matériau. Au gré de mes expériences, j'ai pu réaliser des formes de plus en plus audacieuses pour en arriver à la production de volumes considérables en neige. Mes travaux ont porté plus spécifiquement sur l'expérimentation et la fabrication de moules et sur les techniques particulières reliées au moulage de formes monumentales. Par ailleurs, l'observation constante du processus d'évolution de la neige au cours d'une saison: sa transformation et ses qualités, m'a permis d'introduire la notion de «cinétisme lent» appliqué à l'art et aux oeuvres éphémères. Aux formes statiques et permanentes, j'ai fait le choix de sculptures dont les volumes sont réalisés par l'exécution de mouvements qui sont à l'origine du sens et de l'émotion qu'elles suscitent et entretiennent chez le spectateur. Toutes éphémères qu'elles soient, ces oeuvres ont cependant la particularité de pouvoir durer plusieurs mois et d'occuper des lieux très diversifiés: villes, lacs, montagnes... L'oeuvre fait l'objet d'une séquence unique qui s'établit à partir de sa création et traverse tous les processus de transformation jusqu'à sa disparition.

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L'ordinaire est un attribut communément admis au quotidien qui est toujours un caractère répétitif plus ou moins voilé par des sensations psychiques. Le quotidien est le plus souvent amenuisé pour faire place nette devant les promesses de la science et de la technologie, ou encore celles des croissances économique et politique. Devant ce fait, j'ai voulu réagir en essayant de montrer que les "quotidiennetés" qui m'habitent, même si plusieurs sont répétitives, n'ont pas cet attribut de non-importance et devraient souvent être qualifiées d'extraordinaires. J'affirme, comme hypothèse, que mon cerveau renferme une multitude de compartiments qui s'ouvrent, se ferment et se rangent tout au long du jour, permettant ainsi la réalisation de mon propre accomplissement. Chaque fait, chaque geste, chaque action ou chaque émotion peut avoir, à un moment ou à un autre, son importance capitale et mérite une attention particulière. J'ai réalisé une série de "boîtiers" pour représenter visuellement mes compartiments. Très simplement, chaque coffret veut rendre justice à ce quotidien vécu afin de soutenir la stimulation nécessaire à mon appétit du vouloir vivre. Appuyée par des lectures dans différents domaines tels que la psychologie, la sociologie, la philosophie et l'art, ma recherche veut démontrer 1'importance substantielle du quotidien en affirmant, à ma façon, cette dichotomie existante entre quotidienneté et banalité.

Pour créer de nouvelles oeuvres, je me suis attardé dans un premier temps à la pré-photographie puis à la genèse de représentation d'une prétendue objectivité de perspective. La caméra obscura, instrument de décalque et de perspective, m?a permis un retour aux fondements mêmes de la photographie. Ce retour m'a donné l'occasion d'apprivoiser les a priori de cette forme d'apparaître, puis de proposer une façon autre de voir / faire fa photographie. L'expérience de recontextualisation au sens de nouvelle organisation ou composition de l'oeuvre s'est alors imposée dans ma pratique.

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"Homme de Papier": Quinze sculptures de papier, dont cinq matricielles faites de carton recyclé, sont l'objet de mon exposition. Quinze cônes: cônes phalliques, éros générateur multiplié et répété. "Homme de Papier", cosmos vivant en perpétuelle régénération. Symbole vivant et sacré du caractère cyclique et dynamique de révolution cosmique. Il faut voir ma pratique artistique comme une démarche s'inscrivant dans une recherche globale. L'exposition de ces sculptures, (Homme de Papier) c'est d'abord le résultat d'une recherche plastique suivie d'une communication écrite tentant d'établir un parallèle entre l'Homme et son univers. De ce fait, il m'apparaît avoir, à la lumière de ces oeuvres, une plus grand compréhension de l'humain. Depuis près de 1900 ans, on a toujours connu le papier comme le support privilégié de récriture et de l'oeuvre picturale. Mais depuis environ vingt ans, le papier est lui-même devenu un médium, un matériau plastique. D'abord support des idées et du langage, il devient pour l'artiste contemporain sujet et objet de création; propriétaire autonome de son discours. Aujourd'hui, la fabrication artisanale du papier se veut un hommage è tous ses artisans, grâce à qui la somme du savoir fut colligée et sauvegardée par ces espèces d'extensions du cerveau humain. Grâce au papier, à récriture, à l'impression et aux livres: la connaissance, le savoir et la culture, richesses incommensurables accumulées par l'humanité toute entière, font désormais partie du patrimoine universel. Le papier a toujours joué un rôle moteur et capital dans révolution de l'humanité, dans tous nos dispositifs de savoir et de pouvoir. L'histoire de l'univers, de la terre, de l'homme, c'est aussi l'histoire de "Homme de Papier". L'histoire du monde, de l'homme a un sens. Teilhard de Chardin dans sa théorie de révolution le démontre clairement. Ce grand scientifique, paléontologue et philosophe, se pose la question: quelle est la place de l'homme sur la terre, quel est son rôle et quel est son destin? Il y eut d'abord un progrès dans l'organisation de l'inanimé, des atomes aux molécules plus complexes, (pré-vie) dont le sens était de préparer la vie. Puis, tout a changé d'ordre brusquement: le "pas de la vie" fut franchi. Imperceptiblement la vie a évolué; la cellule comme l'atome se sont préparés à leur tour. Des organismes plus complexes et mieux doués "psychiquement" sont apparus: ainsi se préparait l'Homme. L?Homme dont la nature est le couronnement de cette même nature dont il est solidaire, qu'il domine et organise en lui donnant un sens. "Homme de Papier", à la fois fragile et puissant, en perpétuelle évolution. Artisan de sa propre ascension psychique ou de sa déchéance progressive. Chaque atome si petit soit-il, rayonne au moins la valeur de son volume. Si chacun des atomes, les uns près des autres, rayonnent chacun leur volume, il y a nécessairement interaction. Dans mes sculptures, ces arbres de vie, ces cônes du temps, le seul moyen pour un élément de se rapprocher des éléments voisins est de resserrer le cône et de faire mouvoir vers le sommet ce fourmillement individuel. Mais, il y aura toujours ces abîmes se creusant entre les cimes, ces inévitables souffrances, cette possibilité apocalyptique pour l'humanité de s'annihiler. Cependant, comme l'infiniment petit, la planétarisation ne peut qu'avancer un peu plus dans le sens d'une unanimité grandissante. Plus complexe, l'humanité entière émerge au coeur d'un système toujours plus vaste d'éléments plus nombreux et mieux organisés. Elle cherche le sommet du cône aspiré par une force, par un Absolu qui la transcende. "Homme de Papier" témoigne de la nécessaire résurgence cyclique. L'arbre est le lien indispensable entre la terre où il plonge ses racines et l'air qu'il touche de sa cime. La survie de l'homme est indissociablement liée à la survie de la forêt. Quinze sculptures morphologiquement humanoïdes, arborescentes, ovoïdes; à la fois utérines et phalloïdes à base circulaire. Cinq objets matriciels faits de milliers de petits cartons recyclés qui ont engendré des sculptures faites de papier-matière (de l'abaca) teint intégralement ni de noir (5) et couleur chair (5). Cône matrice, creux utérin, cavité où la vie prend forme, où se développe le foetus. Cône phallique, éros générateur, géniteur, qui répète. Cône thanatos, ogival, cône momie, sclérose de la vie. Cône volcan du magma contenu, là où les pulsions incandescentes surgissent des entrailles de l'inconscient. Cône recueillement, gravité bénédictine de l'orant. Permanence, pérennité du menhir. Supplique, ronde incantatoire du derviche tourneur. "Homme de papier", cosmos vivant en perpétuelle régénération. Cartons recyclés, imbriqués les uns aux autres. Geste mille fois répété pour marquer un rythme, une suite, un aboutissement. Patience dans le temps, dans la gestation du monde, dans la continuité de l'univers. Recréer, tisser sa structure, son mouvement. Papier-matière: molécule, fibre et verbe. Papier-mémoire de l'humanité, papier témoin de l'homme, moteur de sa fulgurante évolution, intellectuelle et psychique. Artiste/Dieu qui dans l'agitation créatrice voit surgir du limon de fibres indifférenciées une image miroir, une direction, une création. A partir de l'organique, la matière prend sens, s'organise, parle. Le papier-matière en formation devient un centre atomique moléculaire de l'univers. Comme celui-ci, le papier-matière est traversé d'un courant qui le contraint à produire de l'ordre, à organiser le cosmos. Le papier est mû par une énergie lui permettant d'évoluer vers plus de conscience. Il apparaît vibrant, chaud, potelé, ridé, docile, disponible, doué de virtualités insoupçonnées. Mes sculptures de papier/chair, évoquent la chaleur originelle qui a permis l'incubation cosmique de sortir du chaos initial. Agent de renaissance, de vie et de communication. Energie qui fait mûrir biologiquement et spirituellement. Papier/noir, noirceur des ténèbres abyssales des eaux profondes qui précèdent la création, réservoir de toutes choses, mais surtout de la vie latente. Ventre de la terre, matrice du "si le grain ne meurt". Blessure, ouverture pour atteindre le caché, l'anima, l'inconscient, la source, la nuit qui inspire. Connaître la nuit et revenir à la purification spirituelle où l'inconscient se libère, où la germination, riche de toutes les virtualités de l'existence éclate en manifestation de vie. Papier fragile, papier tressaillement porteur d'espoir renouvelé. Floraisons spiralées qui sortent du point originel et qui se prolongent à l'infini, reliant ainsi les deux extrémités du devenir. Le concept "Homme de Papier" dévoile la nécessaire obligation pour tous les êtres pensants de travailler de toutes leurs forces pour atteindre individuellement et collectivement le sommet du cône. "Homme de Papier" suit l'Homme dans sa marche qui l'élève de son essence brute et élémentaire jusqu'à cette montée transcendante. Le chemin est-il difficile, l'issue est-elle incertaine, est-il question de progressions lucides ou de déchéances dans l'obscurité? "Homme de Papier", complexe comme l'univers, comme la vie. Complexe comme l'Homme qui approche du mystère ou de la révélation, comme l'artiste, il capte et transmue la substance pour la projeter dans l'infini de l'espace.

Ma recherche porte sur l'intégration du dessin et de la sculpture. Le projet d'exposition se présente sous la forme d'une installation où se fusionnent les deux pratiques. Le travail exposé a ses racines dans l'exploration à grande échelle d'un mode sculptural régi par une approche plutôt formaliste et dans l'esprit de spontanéité d'une pratique plus libre du dessin. L'expérience de conjugaison des deux disciplines a comme prétexte une relation spatiale. Elle renvoie à un environnement, à des éléments architecturaux: du mobilier, aux effets de climat, aux souvenirs d'activités. Le lieu commun, d'apparence banale, se révèle sous une autre identité ou sous sa vraie nature pour se prêter à une expérience esthétique. Il s'est offert comme occasion de création pour se métamorphoser en Lieu Commun. L'intégration des deux pratiques a permis de questionner chacune des catégories et d'expérimenter certains moyens de les fusionner.