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Difficile compromis que de présenter ce mémoire sous la forme actuelle. J"aurais préféré de beaucoup vous le remettre sous sa forme initiale, soit celle d'un roman policier, format de poche. La forme de cette communication ma été soufflée, dès le début du travail de production visuelle, par cette parente éloignée qu'est Madame Lina Ouellet. Ne pouvant me résigner à la rédaction d'un texte explicatif, théorique, dans lequel je me sentais d'une humeur monotone à mourir, j?ai choisi, au risque de m?égarer, de suivre ce qu'on a coutume d'appeler l'intuition et me suis laissée prendre à ce jeu de regarder mon travail par le biais d?une autre. Soliloque stimulant qui permettait aux querelles du coeur et de l'esprit, aux tiraillements intérieurs, aux hésitations affolantes et à l'auto-critique de se manifester. Il offrait aussi l'avantage d'avoir tout de go quelque lecteur imaginaire donnant la réplique et qui, comme le dit Madame Lina Ouellet, "avec une petite voix moqueuse rouspétait par derrière, commentait et riait". Le corps de ce mémoire titré "..Et la vieille rit" a donc été travaillé simultanément au journal "La Catalogne" et en ce sens, je considère qu'il fait partie de l'oeuvre non seulement comme l'accompagnant, mais en s'y intégrant pour former un tout.

"Quand tu bois de l'eau, souviens-toi de la source", dit le proverbe chinois. "The medium is the message" rappelait Marshall McLuhan. Ces deux réflexions composaient l'essentiel de mon projet de recherche et tout le travail réalisé dans le cadre de cette maîtrise a consisté à les matérialiser. De l'autodidacte à l'artiste, un long chemin a été parcouru et ce mémoire tente d'en retracer l'itinéraire. A travers la pratique, il retrouve les étapes et recense les acquis. Il évoque l'élaboration d'un discours et établit les liens à faire avec la démarche et l'oeuvre de plusieurs autres artistes. Il documente les pièces créées et observe les phénomènes qu'elles révèlent. A ce niveau, les objets, leur signification, leur inscription dans le monde de l'art, leur rapport avec l'invisible et les différents niveaux de lecture possibles sont notamment étudiés. Dans le contexte actuel de l'art et de la vie, la singularité des démarches et l'exigence d'implication personnelle sont également rappelées. Finalement, le dernier chapitre explore les suites possibles à cette maîtrise. Que conclure de tout cela, outre l'intégrité et la lumière? L'autodidacte, l'étudiant et l'artiste sont bien la même personne. Leur plus grande oeuvre reste à faire. Celle qui, s'inspirant de la vie, la transcende et la réalise. Lorsqu'un homme est parvenu à cet état de développement "spirituel" (satori), il est un artiste Zen de la vie. Il n'a pas besoin, comme le peintre, de pinceaux et de couleurs; il ne lui faut pas, comme à 1'archer, 1'arc, la flèche et la cible et tous les accessoires. Il a ses membres, son corps, sa tête et tout ce qui s'y rattache. Sa vie de Zen s'exprime au moyen de tous ces "outils", importants pour sa manifestation. Ses mains et ses pieds sont les pinceaux; 1'univers entier est la toile sur laquelle il peint sa vie pendant 70, 80 ou même 90 ans. Le tableau s'appelle "l'histoire". (SUZUKI, 1981: 10-11) Le temps seul s'impose. Faire un pas vers l'Ouest, c'est marcher vers l'Est.

Ce document contient l'essence du travail accompli au cours de ces cinq dernières années en fonction des exigences pour l'obtention de cette maîtrise, concluant ainsi les deux premières phases de l'événement dit PSYCHO-ENVIRONNEMENT QUARKS, Système flou d?"agrégats" du Saguenay. Vous trouverez, chers lecteurs, le document original en caractères symboliques proposé par le besoin de l'événement. Une traduction y est insérée pour permettre la compréhension du texte par le véhicule de ma langue maternelle, le FRANÇAIS.

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Introduire comme intention de départ une recherche en création sur "Art et technologies avancées" supposait un immense défi à relever: d'abord, de ma part, n'ignorant pas la nouveauté et l'expérimentation obligatoire du sujet, que de celle de l'Université du Québec à Chicoutimi qui connaissait leurs lacunes autant au niveau de l'équipement que de celui de l'encadrement professoral. Nous sommes à l'automne 1984. Les technologies sont en constantes évolutions, donc souvent expérimentales, mouvantes, les personnes-ressources sont rares, la plupart du temps limitées dans un domaine précis, et, "dans le milieu", le doute et la suspicion règnent à propos de tout ce qui concerne l'Art et les technologies. Les pages qui suivent élaborent donc le cheminement d'une recherche totalement expérimentale, où les intuitions scientifique et artistique s'entremêlent étroitement, donnant la preuve qu'une volonté inébranlable peut surmonter les plus grands défis. Afin de clarifier les termes nouveaux engendrés par l'arrivée des technologies, nous emploierons la méthodologie suivante: à la première écriture d'un mot technique, ce dernier sera souligné et renverra au glossaire en annexe pour fin de définition. Une liste du matériel de recherches suit ce glossaire. C'est dans ce contexte que je veux remercier tout particulièrement pour leur confiance M. Ronald Thibert alors directeur du tout nouveau programme de maîtrise à l'Université du Québec à Chicoutimi, mon premier directeur de recherche, présentement en congé de perfectionnement depuis septembre 1985, M. Alex Magrini, mon directeur actuel auprès duquel j'ai pu, grâce à ses avis éclairés, acheminer à terme mes réalisations, et plus globalement le Comité de programmes qui, malgré les difficultés inhérentes et ce, autant au niveau des dépôts théoriques que des équipements pratiques, ont, malgré tout, essayé d'aplanir ces difficultés. Je désire également remercier tous ceux et celles qui, parfois fortuitement, toujours par compréhension et confiance, m'ont injecté des balises et des énergies précieuses: M. Gilles Gagné, Mme Pauline Labrecque, toute l'équipe de Langage Plus, et enfin mon compagnon, Gilles Tremblay. Merci à vous tous!

Mon projet de maîtrise se présente comme une recherche d'identité, à partir de l'Imaginaire et par le biais de la photographie, en même temps qu'une exploration de ce qui est à l'origine et de ce qui caractérise mon travail actuel d'artiste. La présentation de l'oeuvre voudrait rejoindre le type de sensations que peut par exemple éprouver le spectateur en jetant un regard sur des scènes, ou plutôt des séquences, avec décor ou personnages. Cette représentation est partie de ma vision intérieure. Elle s'est modifiée en cours de réalisation par l'effet conjugué de la transposition d'une image fictive en un objet réel et des contraintes de mise en scène, de support, de mise en situation, de camouflage et de censure. Il s?agissait au départ d'une proposition assez large, fondée sur le désir de cerner, puis d'analyser le bien fondé d'une telle recherche photographique impliquant directement son auteur, mais mettant aussi en cause finalement l'observant lui-même, qui pourrait bien être l'observé sans qu'il s'en doute. Ces tentatives de reproduction de mon imaginaire transposées dans des particules d'argent tentent de remplacer fidèlement une série de reliques enfouies et laissent échapper un peu de mémoire pour en faire part à ceux qui regardent.

Notre production picturale a été guidée par la recherche d'une constante synthèse entre deux mouvements picturaux traditionnellement antagonistes: l'abstraction et la figuration. Dans un premier chapitre, nous avons décrit notre méthode et les influences historiques diverses qui ont présidé à ce cheminement. Nous nous sommes penchés sur les problèmes relatifs à l'illusionnisme et à la planéité de la peinture par rapport à notre propre démarche picturale. Nous avons ensuite, dans un deuxième chapitre, tenté de cerner les interrogations que suscitent les relations entre la pratique d'une peinture éclectique et la notion d'originalité. Un troisième chapitre a fait l'objet d'un exposé des notions de déconstruction et de postmodernisme liées à notre approche picturale. Nous nous sommes penchés plus précisément sur l'exemple de la nature de l'image médiatique. Nous en sommes arrivé à la conclusion qu'il était possible, en peinture, de créer une oeuvre originale par un montage hétéroclite d'images.

Ma recherche vise l'autonomie et l'unité de l'objet sculptural. Ce qui est visé, c'est d'accentuer l'objet, non le lieu, en éliminant au maximum les influences extérieures. En ce sens, l'exposition présentée n'est pas une installation mais un milieu, créé par assemblage, où chaque élément est autonome dans un espace rythmé, vivant, tout en étant interdépendant dans la présentation. Jusqu'à maintenant, mes sculptures étaient des entités; mon travail artistique ne cherchait pas à créer des relations spécifiques entre les éléments élaborant un ensemble plus complexe et plus large. Pour "Une pierre, deux coups", l?objectif essentiel au niveau de la présentation, est d'obtenir, avec le minimum de matériau, d'une façon subtile, le maximum d'effet, d'expression tant au point de vue formel que conceptuel. L'espace d'exposition se divise en deux parties horizontales: le plafond, le plancher et en trois zones latérales structurant des espaces par la création de trois milieux ambiants, soit un milieu aquatique : la section d'ardoise noire, maritime : la section centrale et aérienne : section de marbre blanc. Chacune de ces zones procure une perception visuelle correspondante, soit d'immersion (zone aquatique), d'émergence (zone maritime) et d'immersion (zone aérienne). Transposer dans la matière certaines caractéristiques des éléments fluides (eau /air) et offrir ainsi à la pierre la possibilité de dire que tout est relatif, illustrer certains aspects complémentaires entre fluides et solides, valoriser et contrer les oppositions de ces éléments naturels tels, la transparence, la légèreté, la réflexion et le mouvement, voilà les objectifs principaux de mon geste artistique. "Une pierre, deux coups", c'est la volonté de respecter les éléments, de créer un environnement symbolique naturel transcrivant en fragments de paysage certaines réalités physiques de l'eau, de l'air et de la pierre, ainsi que quelques milieux ambiants soit aquatique, maritime et aérien. La création d'un milieu faisant apparaître le phénomène d'opposition entre la fluidité de l'eau, de l'air et le matériau, la pierre, peut trouver ses sources conceptuelles dans certaines théories dont celle du linéaire et du pictural de Heinrich Wolfflin, celle de Gaston Bachelard sur le développement des forces imaginantes de notre esprit et enfin celle des modes de fonctionnement des deux hémisphères cérébraux. Les principaux éléments, en terme d'opposition complémentaire, communs à ces trois théories sont l'idée et la matière. "Une pierre, deux coups", illustre la dualité de l'idée et de la matière. La thématique eau/air, c'est-à-dire l'idée représentée par la forme, occupe le plafond tandis que le plancher, devient la zone de la matière. Ce milieu vise à unifier les oppositions (idée-matière) pour atteindre l'équilibre qui est créé par le spectateur reliant le plafond et le plancher par sa présence. C'est de lui que relève la création des interactions des différents ensembles formant l'exposition. Pour cette présentation, la pierre n'est pas seulement un instrument de l'expression mais l'expression elle-même.