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A Expressão Distópica no Cinema de Denys ArcandSouza, Lucas 10 March 2014 (has links)
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Capa, sobrecapa e sumário da tese de doutorado.pdf: 209811 bytes, checksum: 38b2ad12fff7f308c6255c6a03974464 (MD5) / Fapesb. / A tese tem como objetivo geral a investigação dos processos de ressignificação dos signos distópicos no cinema dirigido por Denys Arcand. Para traduzir a linguagem teórica a respeito desse fenômeno social e artístico em análise fílmica, selecionamos três longa metragens de ficção do diretor: O declínio do império americano (1986); As invasões bárbaras (2003); e A era da inocência (2007). As análises semióticas dos filmes sustentar-se-ão com debates acerca de temáticas típicas da pós-modernidade, já que a cultura pós-moderna, segundo Dei (2002), é o rosto desnudo, a manifestação distópica das utopias da modernidade. Para realizar tal objetivo, cada temática específica atuará como eixo integrando à discussão passagens, ações, cenas, diálogos e dramatizações das três tramas fílmicas, que correspondem ao tema abordado em cada capítulo. A inter-relação entre os filmes consiste em reuni-los e articulá-los numa discussão em torno de diferentes eixos temáticos, que representam as preocupações do diretor canadense em uma era antiutópica na qual a globalização gera um impacto sobre a construção das narrativas mais recentes de Arcand. Com o advento da globalização, questões relativas à história local do Canadá (Montréal-Québec) são aludidas sutilmente, mas ficam escamoteadas quando temas ligados aos fenômenos globais ganham maior relevo. Em torno de cada subitem derivado do eixo em questão, circularão, e numa relação de cruzamento comparativo, exemplificações retiradas de cada narrativa no intuito de colocar os filmes de Arcand em cruzamento intratextual, formando um feixe de relações intratextuais que denuncie em conjunto os aspectos distópicos da nova ordem mundial.
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Navalha na carne entre quatro paredes : imagens especulares e infernaisVitoriano, Helciclever Barros da Silva 07 November 2012 (has links)
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura e Práticas Sociais, 2012. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-03-04T14:09:19Z
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2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1
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2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Esta dissertação objetiva discutir e analisar as imagens e as referências especulares e infernais contidas nas peças Navalha na carne (1967), de Plínio Marcos de Barros e Entre quatro paredes (1944), de Jean-Paul Sartre conjuntamente às obras fílmicas
homônimas a estes textos teatrais, respectivamente, Navalha na carne (1969), do diretor brasileiro Braz Chediak, e Huis Clos (1954), da diretora francesa Jacqueline Audry. Observou-se que o corpus em análise traz vários pontos de vista sobre a natureza e função dos espelhos na literatura moderna, bem como na mesma direção, o inferno
dantesco foi redesenhado pelos dramaturgos contemporâneos Plínio Marcos e Jean-Paul
Sartre. As obras fílmicas oriundas dos textos-fontes expressam estas categorias
analíticas, ora recuperando as ideias dos escritores, ora inovando as temáticas sob o jugo da linguagem cinematográfica e das concepções dos cineastas Jacqueline Audry e Braz Chediak. Do ponto de vista teórico, serviram a este trabalho, variadas expressões críticas, tais como a semiótica, especialmente a peirceana, além de Bakhtin com seus conceitos de carnavalização e dialogia e as inevitáveis incursões sobre a seara da
alteridade. Algumas concepções filosóficas de Sartre foram estudadas por serem necessárias para elucidar e melhor compreender seu teatro, especialmente os fundamentos do pensamento existencialista de orientação ateia. No que se refere a Plínio Marcos, processou-se um escrutínio dos seus maiores críticos à luz das intenções
da presente dissertação, especialmente sobre sua estética naturalista. Ficou evidente no
decorrer da investigação que a condensação da ação e sua aparente simplicidade, características do texto teatral contemporâneo, escondem um universo polissêmico colossal. Ademais, a quantidade reduzida de personagens reclusos em ambientes claustrofóbicos, marca das duas peças estudadas, redefinem nossas concepções de
inferno e de relações interpessoais, além de restar agônica nossa percepção do cotidiano,
do qual o espelho é objeto indispensável. Na mesma orientação, os textos-fonte de Sartre e Plínio Marcos são oriundos de dois contextos sociais de alta turbulência: a segunda Grande Guerra e a Ditadura Militar brasileira, sendo que estas peças teatrais
acabam “espelhando” ou pelo menos desembocando num novo paradigma estético da
Odisseia infernal jamais antes imaginado. No âmbito da constituição dos personagens,
há notória semelhança entre os textos estudados, a começar pela quantidade de
personagens, pela utilização do espaço em confinamento, por uma correspondência em
termos de perfil psicológico: Garcin ⇔ Neusa Sueli (fracos e dominados), Estelle ⇔ Veludo (dissimulados e orgulhosos), Inês ⇔ Vado (arrogantes e controladores), sendo que estes binarismos são permutáveis entre si, a depender do olhar do analista. Além disso, observamos que do ponto de vista da interação entre os personagens de ambas as peças, esses carregam grande semelhança em termos constitutivos, pois as “alianças” e
“conchavos” entre eles se dão na mesma intensidade que dos rompimentos com intuito
de destruir os outros, de se sobrepor: Estelle finge interesse por Garcin para castigar Inês, da mesma maneira que Veludo e Neusa Sueli se aproximam e se distanciam de Vado ao sabor de suas intenções pessoais e mesquinhas ou para autodefesa. Ao cabo percebemos que as máximas sartrianas “o inferno são os outros” e “a existência precede a essência” são acerbamente experimentadas por todos os personagens analisados, assim como pelos dramaturgos em suas trajetórias artísticas e intelectuais. _______________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / Cette memoire de maîtrise vise à discuter et analyser les images et les références spéculer et infernal contenues dans les pièces Navalha na carne (1967), Plinio Marcos de Barros et Huis Clos (1944), Jean-Paul Sartre à travailler conjointement à ces textes théâtrales avec les films homonymes, respectivement de A Navalha na carne (1969) du réalisateur Braz Chediak et Huis Clos (1954) de Jacqueline Audry, la réalisatrice
française. On a observé que l'analyse de corpus a plusieurs points de vue sur la nature et la fonction des miroirs dans la littérature moderne, ainsi que dans la même direction, l’enfer dantèsque a été redessiné par les auteurs contemporains Marcos Plinio et Jean-Paul Sartre. Le travail des textes filmiques en provenance de sources exprimant ces catégories analytiques désormais récupérer les idées des écrivains, parfois d'innover
les questions sous le joug du langage cinématographique et les concepts des cinéastes Braz Chediak et Jacqueline Audry. Du point de vue théorique, ce travail s’a servi de variée critiques expressions, telles que la sémiotique de Peirce et avec ses concepts de la carnavalisation et le dialogisme de Bakhtine et les raids inévitable sur la récolte de l'altérité. Certaines des idées philosophiques de Sartre ont été étudiés parce qu'ils sont nécessaires pour élucider et mieux comprendre son théâtre. En ce qui concerne Plinio Marcos, a poursuivi à un examen minutieux de ses plus grands critiques, à la lumière des intentions de cette thèse du maîtrise, en particulier sur son esthétique naturaliste. Il
est devenu évident au cours de l'enquête que la condensation de l'action et de son apparente simplicité, caractéristique de texte de théâtre contemporain, cacher un
polysémique univers colossal. Par ailleurs, la quantité réduite de détenus des personnages dans des environnements oppressants, caractéristique du deux pièces étudiées, Il forme nos concepts de l'enfer et les relations interpersonnelles, ainsi que notre perception quotidienne reste angoissante, dont le miroir est un objet
indispensable. Dans le même sens, les textes sources de Sartre et de Plinio Marcos sont
de deux contextes sociaux de haute turbulence: la Seconde Guerre mondiale et la dictature militaire brésilienne, et ces jeux de fin " être en train de miroir" ou tout au moins de se retrouver dans un nouveau paradigme esthétique de Odyssey infernal
jamais imaginé. Conformément à la constitution des personnages, il ya des similitudes frappantes entre les textes étudiés, à commencer par le nombre de caractères, l'utilisation de l'espace en isolement pour un match en termes de profil psychologique: Garcin ⇔ Neusa Sueli (faible et dominé), Estelle ⇔ Veludo (déguisée et fier), Inês ⇔ Vado (arrogants et dominateurs), et ces binaires sont interchangeables, selon le regard
de l'analyste. En outre, nous notons que le point de vue de l'interaction entre les personnages dans les deux pièces de théâtre, ceux-ci portent une grande similarité en termes d'incorporation, puisque les «alliances» et «collusion» entre eux donnent la même intensité de perturbations dans l'intention de détruire d'autres, se chevauchent: l’Intérêt d’Estelle par Garcin est seulement pour punir Inês, tout comme Veludo et
Neusa Sueli approche et de s'éloigner de Vado à la saveur de leurs intentions personnelles et mesquines ou d'auto-défense. A la fin, nous voyons que les postulats sartriens «l'enfer, c'est les autres» et «l'existence précède l'essence» sont amèrement
vécue par tous les caractères analysés, ainsi que par les dramaturges dans leurs trajectoires artistiques et intellectuelles.
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O documentário animado e a leitura não-ficcional da animação / The animated documentary and the nonfiction reading of animationSerra, Jennifer Jane, 1981- 19 August 2018 (has links)
Orientador: Marcius Cesar Soares Freire / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-19T18:32:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa teve por finalidade analisar os mecanismos através dos quais filmes de animação podem ser vistos pelo espectador a partir de uma leitura documental e como a animação pode ser utilizada como estratégia discursiva em filmes documentários. Para tanto, delimitou-se como objeto de análise filmes classificados, tanto por seus realizadores como por instituições relacionadas ao campo do cinema, como "documentário animado" e utilizou-se a abordagem Semiopragmática do filme para analisar esse tipo de produção com base no conceito de "modo de leitura documentarizante" proposta pelo teórico Roger Odin. O corpus fílmico para esta análise foi composto pelos seguintes filmes: Silence (Sylvie Bringas e Orly Yadin, Inglaterra, 1998); A is for Autism (Tim Webb, Inglaterra, 1992); Animated Minds (Andy Glynne, Inglaterra, 2003 e 2008); Revolving Door (Alexandra e David Beesley, Austrália, 2006); Dossiê Rê Bordosa (Cesar Cabral, Brasil, 2008); O Divino, De Repente (Fábio Yamaji, Brasil, 2009). A análise desses filmes, em particular, e de outros documentários de animação permitiu visualizar que a leitura de um documentário articula operações e processos de produção de sentido e afetos concernentes tanto ao campo do cinema documentário quanto do cinema de animação. Em documentários animados, as operações do processo de leitura são suscitadas por estratégias narrativas próprias da animação, tais como metamorfose, simbolismo, performance, etc., e a leitura documentarizante pode ser conduzida por instruções que não recaem apenas sobre aspectos estilísticos do documental, mas também sobre elementos narrativos da animação. Além disso, a animação tem o poder de tornar visível o que não pode ser captado pelo olhar humano e pela câmera, tornando-se uma poderosa ferramenta para expor sentimentos, pensamentos e idéias e para explorar temas através de uma abordagem subjetiva. A união entre animação e narrativa documental no documentário animado, entretanto, é carregada de tensão, especialmente porque a animação é tradicionalmente associada ao universo do "faz de conta" e sua natureza subjetiva entra em conflito com a visão tradicional do documentário como sendo um relato objetivo sobre o real e relacionado aos discursos científicos. No processo de leitura de um documentário animado essa tensão está presente e é uma de suas particularidades. A natureza aparentemente contraditória da junção entre animação e documentário chama a atenção do espectador para novas possibilidades de representação do mundo histórico que não apenas os modos já estabelecidos de narrativa documental e suscita a reflexão sobre a abordagem das questões envolvidas nas asserções apresentadas pelo filme / Abstract: This research aims to examine how the viewer can read animated films through a documentary reading and how animation can be used as a discursive strategy by documentary films. For this purpose, films classified - by their makers or institutions related to the cinema field - as "animated documentary" were chosen and used under the Semio-Pragmatic approach. The objective is to analyze this kind of production based on the concept of "documentarizing mode of reading" proposed by theorist Roger Odin. The set of films for this analysis consists of: Silence (Orly Yadin and Sylvie Bringas, England, 1998), A is for Autism (Tim Webb, England, 1992); Animated Minds (Andy Glynne, England, 2003 and 2008); Revolving Door (Alexandra and David Beesley, Australia, 2006); The Rê Bordosa Dossier (Cesar Cabral, Brazil, 2008), O Divino, De Repente (Fábio Yamaji, Brazil, 2009). The analysis of these films and other animated documentaries shows that the reading of an animated documentary articulates operations and production of meaning and affects related to both the fields of documentary and animation. The operations of the reading process of an animated documentary are raised by animation's narrative strategies, such as metamorphosis, symbolism, performance, etc., and the documentarizing reading can be produced by elements concerned to stylistic aspects of the documentary, but also based on elements of animation. In addition, animation has the power to make visible what is invisible to the human eye and to the camera, making the animated documentary a powerful tool to reveal feelings, thoughts and ideas and to explore issues through a subjective approach. The relationship between animation and documentary narrative in the animated documentary, however, has a tension. Because animation is traditionally associated with the fairytale world and it has a subjective nature it conflicts with the vision of the documentary as an objective narrative about the real and related to scientific discourses. In the process of the animated documentary reading this tension is present and one of its peculiarities. The contradictory nature of the junction between animation and documentary draws to the viewer the attention for new possibilities of representations about the historical world beyond the established modes of documentary narrative and it raises the viewer's reflection about the approach of the issues involved in the assertions made by the film / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios
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Cinema e literatura: o trânsito intersemiótico em “Bonitinha, mas ordinária”, de Nelson RodriguesMARIA, João Leno Pereira de 28 June 2013 (has links)
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Previous issue date: 2013-06-28 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A literatura e o cinema, campos de produção sígnica distintos, cuja relação torna-se possível em virtude (entre tantas possibilidades) da visualidade impressa em ambas as modalidades textuais, permite ao texto literário a sua transformação em películas. Não é de hoje que o cinema se utiliza de outras artes ou outros signos para a construção, reconstrução, criação e recriação fílmica. Na contemporaneidade, esse processo a que se convencionou chamar de tradução intersemiótica ocorre de forma incomum: se antes o cinema se valia da literatura como hipotexto, desta vez, a literatura vale-se do cinema para sua criação narrativo-verbal. Nosso corpus de análise será os filmes “Bonitinha, mas ordinária”, dirigido por J.B. de Carvalho, Braz Chediak e Moacir Góes, baseados na peça teatral homônima do dramaturgo Nelson Rodrigues. / Literature and cinema, sign production, whose relation becomes possible because (among other many possibilities) of Visuality printed in both textual modes, allows the literary text transformation movies. Today is not that the film uses other gear or other signs for the construction, reconstruction, creation and filmic recreation. In contemporary times, this process is called of intersemiotic translation, is so unusual: If before the cinema if value of literature as hipotexto, this time, the literature is the cinema for its creation-verbal narrative. Our corpus analysis of the films will be "cute but ordinary", directed by JB de Carvalho, Braz Chediak and Moacir Goes, based on the play's namesake playwright Nelson Rodrigues.
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No território da criação artística: a jornada de Tempestade, de Cesar CabralLima, Daniela Ramos de 30 October 2014 (has links)
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Previous issue date: 2014-10-30 / Financiadora de Estudos e Projetos / This research analyses the artistic creation process of a short animation film called the Tempest. Created in 2010, by Brasilian director Cesar Cabral at the Coala Film Studios (Santo André, São Paulo). The audiovisual production was shown at the 14th. Festival of English Culture. The narrative tells the fable of a lonely and passionate sailor confronting a storm. The creative procedural critique is basis of the methodology used in this research. It follows, step by step the creation and consequently the different manuscripts and ideas of a creative body whose understanding of the key elements produced different results. Through study of sketches, art direction layouts, still photographs, interviews with creators and annotations in different languages. Also included are tests and trials of the software used for editing. Without prior assumptions, the object of this work is to indicate and discuss the intersemiotic translations which constitute the Tempest and the contributions and dialogues established between the creators of the animation. The results were planned in graphical form to show the significant and possible meanings of the work under study. / Esta pesquisa analisa o processo de criação do curta-metragem de animação stop motion Tempestade. Dirigido pelo brasileiro Cesar Cabral, nos estúdios Coala Filmes (Santo André, São Paulo), no ano de 2010, a produção visava atender ao edital do 14º Festival da Cultura Inglesa. A narrativa traz a fábula de um solitário marujo que em alto mar enfrenta uma tempestade em busca do reencontro com a mulher amada. A investigação tem como base metodológica a Crítica de Processo Criativo, (SALLES 2006, 2007a, 2007b, 2010) a qual entende todas as etapas da criação e, consequentemente, seus registros, como constituintes de um corpus investigativo, entendendo como elementos-chave os diferentes roteiros elaborados, esboços da direção de arte (layouts), fotos still, entrevistas com os idealizadores, anotações em diferentes linguagens (verbais ou não verbais), testes e experimentações em softwares utilizados para a edição, entre outros. Diante de tais pressupostos, o objetivo desse trabalho é apontar e discutir as traduções intersemióticas (PLAZA, 2010) que constituem Tempestade, assim como as contribuições e os diálogos estabelecidos entre os idealizadores da animação. Os resultados foram planificados em uma configuração gráfica, ou seja, a cartografia da criação, que aponta para o mapa constitutivo diagramático do processo.
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