Durch die räumliche Anordnung von Symbolen stellt die Notenschrift zeitliche Verläufe dar. Sie ermöglicht dadurch, die Ordnung dessen, was in der Zeit abläuft, nicht nur überblicken, sondern auch manipulieren zu können. Es wäre also anzunehmen, dass diese bildliche Eigenschaft der Schrift, die das Nacheinander in der Zeit zu einem Nebeneinander im Raum werden lässt, gerade bei komplexen Tempostrukturen zu Übersichtlichkeit und Verständlichkeit beiträgt und so ein operatives Potenzial entfaltet. Tatsächlich ist die Partiturdarstellung von tempopolyphoner Musik aber oft eine grafische Herausforderung. Die Festlegung der räumlichen Anordnung der Symbole ist bei der Gleichzeitigkeit verschiedener Tempi nicht trivial und oft mit einem erheblichen (rechnerischen) Mehraufwand verbunden. Dieser Beitrag möchte, unter Bezugnahme auf den aktuellen Diskurs zur Schriftbildlichkeit, Überlegungen dazu anstellen, wie die Notenschrift beim Komponieren von tempopolyphoner Musik ihre Funktion als Denk- und Handlungsraum entfaltet. Dazu werden Erkenntnisse aus einem laufenden Forschungsprojekt beigezogen, die sich auf Beobachtungen, Analysen und Interviews mit den beteiligten Komponist*innen stützen. / Musical notation represents the progress of time through the spatial arrangement of symbols. It thus provides not only an overview of the temporal arrangement of events but also the possibility to manipulate it. One would therefore assume that this graphical property of musical notation, which turns the succession in time into a juxtaposition in space, would contribute to clarity and comprehensibility, especially in complex tempo structures, and thus develop an operative potential. In reality, however, the representation of polytempic music in a score often presents a graphical challenge. Determining the symbols’ positions is not trivial when different tempos are played simultaneously, often requiring considerable additional (mathematical) effort. Regarding the current discourse on ‘notational iconicity’, this article reflects on how when composing polytempic music, notation unfolds its function as a space for thinking and acting. For this purpose, the author refers to findings from an ongoing research project, based on observations, analyses and interviews with the involved composers.

Reference to a regular pulse is one of the most common ways of measuring time in music. As the basis for tempo, meter, subdivisions, and even formal symmetry, pulse, or the sonic articulation of regular units of time, is found throughout all levels of music. In this paper, I describe how I used a structure of twelve simultaneous pulses to compose "Monolith," a recent piece for MIDI piano, Pierrot ensemble, and fixed electronics. In the first chapter, I contextualize "Monolith" by briefly examining pulse's relationship to hierarchical structure in music and the possibilities for creativity in pulse-based hierarchical structures. In the second chapter, I analyze the use of pulse in Steve Reich's "Music for 18 Musicians," György Ligeti's "Self-portrait with Reich and Riley (with Chopin in the background), and Conlon Nancarrow's "Study No. 36 for Player Piano." In the third chapter, I describe in detail the relationship between the twelve-pulse structure and the various movements that comprise "Monolith," focusing on the relationship between compositional freedom and prescribed structure throughout the work.