Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação em Música em Contexto, 2015. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2016-03-30T15:29:07Z No. of bitstreams: 1 2015_GabrielCamposCarneiro.pdf: 116405288 bytes, checksum: ab9981df0d53d38b009cdcdb5528ed60 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2016-03-31T10:54:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_GabrielCamposCarneiro.pdf: 116405288 bytes, checksum: ab9981df0d53d38b009cdcdb5528ed60 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-31T10:54:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_GabrielCamposCarneiro.pdf: 116405288 bytes, checksum: ab9981df0d53d38b009cdcdb5528ed60 (MD5) / A dissertação aborda a vida e obra do citarista Heitor Avena de Castro. Considerado o primeiro, e até hoje único, citarista popular da música brasileira, Avena de Castro desempenhou sua função durante um longo período de tempo, marcando sua presença em diferentes momentos e épocas. Longe de ser uma biografia tradicional, busca-se fazer, baseado na micro-história, uma reflexão que possibilite interligar o estudo de Avena de Castro com as transformações vividas pelo Choro e pela sociedade durante sua carreira. Nessa perspectiva, as influências recíprocas entre Avena e o ambiente são enfatizadas. Assim, o Choro se torna personagem tão importante dessa pesquisa quanto o próprio citarista e suas transformações, do Rio de Janeiro do início do século XX até Brasília do século XXI, servem como base para esse estudo. __________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research concerns the life and work of Heitor Avena de Castro in the analytical perspective of microhistory. His importance is much due to him being the first, and still only, zither player in Brazilian popular music and for having performed during a long period of time. In that sense, the aim of this dissertation is not only to do a simple biography, but also to understand the relationship established between him, the society that surrounded him and the changes that took place in the musical genre to which he devoted his life for, the Choro. That being said, Choro becomes as much a character as Avena de Castro himself, serving as a basis for the development of the discussion. Thinking about Avena’s participation on different periods of time and the changes that happened in Choro in several moments it was possible to construct a narrative that approached the establishment of the genre, in Rio de Janeiro of the early twenty’s century, as well as its transition to a new context in Brasília and many changes that surpassed until today.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:00:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000433429-Texto+Completo-0.pdf: 2714251 bytes, checksum: 13e8d2a9f5f3ff8a83b56e842167a0b1 (MD5) Previous issue date: 2011 / This present dissertation looks forward to a systematic research that addresses the social history of music in Jesuit Missions from Rio da Prata between 1609 and 1768. We considered aspects of how musical practice has developed in the southern missions; the social role of music in the missionary project; questions about the standardization of time and music education; and a progressive social ascent of musicians, discussing inferences about the craft arts as way to recognition in missionary space. Therefore, it was intended to analyze the political, administrative and structural consolidation of the ―Trinta Povos‖ as an empowering element for the differentiation of social groups in that space, and the dynamics of the musical practice as catalyst of values and interests to maintain the native people in the reductions. For this matter, it was found that the incidences in documents and in the historiography that becoming a musician has a status character can be confirmed in a consistent research and the uniqueness of the subject can make room for the exploration of a new object of study. / A presente dissertação procura sistematizar uma investigação que aborde a história social da música nas Missões Jesuíticas do Rio da Prata entre 1609 e 1768. Foram considerados aspectos de como se desenvolveu a prática musical nas missões meridionais; o papel social da música no projeto missioneiro; questões a respeito da normatização do tempo e da educação musical; e uma progressiva ascensão social dos músicos, discutindo inferências acerca do ofício artístico como forma de reconhecimento no espaço missional. Para tanto, analisou-se a consolidação político-administrativa e estrutural dos Trinta Povos como potencializadora para a diferenciação de grupos sociais naquele espaço, e a dinâmica da prática musical como catalisadora de valores e interesses para a manutenção dos povos nativos em redução. Constatou-se assim, que as incidências em documentos e na historiografia de que se tornar músico possuía um caráter de status podem se confirmar numa pesquisa de vulto, e que o ineditismo do tema pode abrir espaço para a exploração de um novo objeto de estudo.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, Mestrado Acadêmico, 2013. / Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2014-11-28T15:51:50Z No. of bitstreams: 1 2013_AndreiaPereiraDeAraújoMartinez.pdf: 1464168 bytes, checksum: eec5b821022859d1d1f50113bd3d30de (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2014-11-28T18:34:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AndreiaPereiraDeAraújoMartinez.pdf: 1464168 bytes, checksum: eec5b821022859d1d1f50113bd3d30de (MD5) / Made available in DSpace on 2014-11-28T18:34:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AndreiaPereiraDeAraújoMartinez.pdf: 1464168 bytes, checksum: eec5b821022859d1d1f50113bd3d30de (MD5) / O presente trabalho pesquisou uma experiência de educação musical com crianças num projeto social desenvolvido em uma região administrativa do Distrito Federal, com o intuito de investigar quais seriam os princípios norteadores para uma prática educativa de atividade musical com crianças. Teve por objetivos específicos investigar como a música, enquanto atividade educativa, adentrou no Brasil e quais os princípios que foram pensados para essa educação; investigar quais seriam os princípios necessários para uma atividade educativa com a música; e investigar quais seriam os princípios indispensáveis para uma prática educativa com a criança. O referencial fundamentou-se na abordagem teórica histórico-cultural que compreende a música como arte, como uma atividade humana e como possibilidade de esta ser vivenciada por todas as pessoas. O procedimento metodológico teve por instrumentos o grupo focal e a observação. A análise dos dados nos permitiu encontrar alguns princípios que podem nortear a prática educativa de atividade musical com crianças. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aimed to discover an experience of music education with children in a social project developed in an administrative region of the “Distrito Federal” to try to investigate what are the guiding principles for educational practice of musical activity with children. Having specific goals by investigating how music while educational activity entered in Brazil and what principles were thought to such education; which would investigate the principles for an educational activity with music; and investigate what are the principles indispensable for educational practice with the child . The benchmark was based on theoretical historical- cultural approach that includes music as art, as a human and as likely to be experienced by all people activity. The methodological approach was to instrument the focus group and observation. The survey data were analyzed using content analysis, which allowed us to find some principles that can guide the educational practice of musical activity with children.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação em Música em Contexto, 2012. / Submitted by Luiza Silva Almeida (luizaalmeida@bce.unb.br) on 2013-07-09T16:13:10Z No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / Approved for entry into archive by Leandro Silva Borges(leandroborges@bce.unb.br) on 2013-07-15T16:12:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-07-15T16:12:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_RafaelFerrazMarcondesdeMoura.pdf: 916971 bytes, checksum: 1d03cc7231cd080350b60496f3fd1f56 (MD5) / O termo Choro, primeiramente serviu para designar uma formação instrumental, posteriormente, um estilo interpretativo e finalmente um gênero musical. Embora o emprego do termo, apenas como forma de designar uma formação instrumental, já não seja aceito desde o começo do século XX, as noções do Choro como gênero e estilo, sempre estiveram muito próximas. Isso se deve a importância do estilo interpretativo dos Chorões para compreensão do Choro. Essa característica particular de interpretação e assimilação do material musical possibilitou ao chorão a apropriação de outros gêneros e estilos tão diversos como o rock inglês dos Beatles, ou composições dos períodos clássico e romântico. O presente trabalho busca compreender essas apropriações, esse “toque de Midas”. Para tanto, inter-relaciona a teoria das tópicas propostas por Hatten, Agawu, Ratner e Monelle, com a teoria de “fricção de musicalidades” e o cruzamento entre os conceitos de tópicas e figura propostos por Piedade, com o intuito de desenvolver uma compreensão do Choro como uma manifestação da musicalidade brasileira capaz de transitar entre as concepções de gênero e estilo e de se apropriar de outras musicalidades. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The term Choro, first served to designate an instrumental formation, then an interpretative style and finally a musical genre. Although the use of the term only as a way to designate an instrumental formation has no longer been accepted since the early XXth century, the notions of Choro as genre or style have remained very close. This particular feature of interpretation and assimilation of musical material, allow the choro musician to undertake the appropriation of other genres and styles as diverse as the beatles English rock, or compositions of the classical and romantic periods. This paper seeks to understand these appropriations, which this "Midas touch" enables. Therefore, it interrelates the theories on musical topics proposed by Hatten, Agawu, Ratner and Monelle, with the theory of musical frictions and the intersection between the concepts of topics and figure as proposed by Piedade, in order to develop an understanding of the Choro as a manifestation of Brazilian musicality capable of transitioning between the concepts of genre and style and to appropriate other musicalities.

Made available in DSpace on 2015-04-11T13:40:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lucyanne Afonso.pdf: 6830969 bytes, checksum: 78214a53d04aaf7a5830705ce865072c (MD5) Previous issue date: 2012-10-29 / This dissertation makes the description and analysis of musical life in the city of Manaus in the 1960s. It was a decade of political, economic and social developments in Brazil and worldwide, and the city of Manaus also received these changes according to your space and your story. Newspaper, radio and cinema helped define the musical spaces, defining tastes and behaviors. The relations between them allowed the musical life in Manaus had a significant development in artistic training and technical artist. The radio and cinema were predominant vehicles for artistic training at this time. The interrelationships between these vehicles have motivated many young people to perform voiceovers in the clubs of the city, which led to the organization of Dub Festival in 1965 and 1966. Event that shook the city of Manaus. Mobilized clubs and artists and sponsors was to trade, and the record store Hard News. The analysis of this research had the triad as a theoretical critique of Theodor Adorno, the culture industry as: choice, disclosure and effect. This triad will be displayed and analyzed critically, through everyday social life and musical city of Manaus-1960s. The Festival was an event Dubbing articulated by record labels and store discs that acted in this Festival with profit goals. However, the artists were aware of the objectives of the cultural industry due to the festival, but also aspired to fame and recognition. Consequently, the Festival was an economical alternative Dubbing used to publicize the record labels and trade, called the musical taste and dissemination of cultural Americanization in 1960 in Manaus / A presente dissertação faz a descrição e a análise da vida musical na cidade de Manaus na década de 1960. Foi uma década de mudanças políticas, econômicas e sociais no Brasil e no mundo, e a cidade de Manaus recebeu também, estas mudanças de acordo com seu espaço e sua história. O Jornal, o cinema e o rádio contribuíram para a definição dos espaços musicais, definindo os gostos e os comportamentos. As relações entre eles possibilitaram que a vida musical em Manaus tivesse um desenvolvimento significativo na formação artística e técnica do artista. O rádio e o cinema foram veículos preponderantes para a formação artística nesta época. As inter-relações existentes entre esses veículos motivaram muitos jovens a realizar dublagens nos clubes da cidade, o que levou a organização do Festival de Dublagem nos anos de 1965 e 1966. Evento que agitou a cidade de Manaus. Mobilizou os clubes e artistas e, teve como patrocinadores o comércio, as gravadoras e a Loja de Disco Novidades. As análises desta pesquisa tiveram como referencial teórico a tríade crítica de Theodor Adorno, quanto à indústria cultural: a escolha, a divulgação e o efeito. Esta tríade será visualizada e analisada criticamente, através do cotidiano da vida social e musical da cidade de Manaus dos anos de 1960. O Festival de Dublagem foi um evento articulado pelas gravadoras e a Loja de Discos que atuaram neste Festival com objetivos lucrativos. Entretanto, os artistas tinham conhecimento dos objetivos da indústria cultural em função do festival, mas também almejavam a sua fama e o seu reconhecimento. Consequentemente, o Festival de Dublagem foi uma alternativa econômica utilizada para divulgar as gravadoras e o comércio de discos, preconizou o gosto musical e a difusão da americanização cultural nos anos de 1960, em Manaus

Orientador: Maria Clementina Pereira da Cunha / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T15:48:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Chernavsky_Analia_M.pdf: 11284695 bytes, checksum: ebca00ecca688953542f4c5f27e0c02d (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Revisando a memória de um dos mitos mais importantes da história da música brasileira - Heitor Villa-Lobos - este texto recupera a sua trajetória como funcionário público (1932-1947) a serviço de um plano de educação cívicoartística baseado em princípios derivados de uma vertente do nacionalismo musical filiada ao movimento modernista. Embora pautadas sobre uma consicente identificação ideológica, as relações estabelecidas entre artista e Estado durante os quinze anos que marcaram o governo Vargas, apresentaram alguns momentos de tensão, que exprimiam descompassos ou algumas pequenas divergências, sempre sanadas com presteza / Mestrado / Mestre em História

Orientador: Paulo Augusto Castagna / Banca: Vitor Gabriel de Araújo / Banca: Carin Willing / Resumo: A fuga dupla foi um fenômeno essencialmente do século XVIII até meados do século XIX, introduzido em Portugal, e conseqüentemente no Brasil, a partir da italianização da cultura musical portuguesa promovida por D. João V. Encontra-se em arquivos brasileiros e portugueses fugas duplas de diversos compositores italianos como Domenico Scarlatti (1685 - 1757), Giovanni B. Pergolesi (1710 - 1736), David Perez (1711 - 1778), Niccolò Jommelli (1714 - 1774) e Giuseppe Totti (? - 1832). Também compuseram fugas duplas músicos portugueses como José Joaquim dos Santos (1747 - 1801), João José Baldi (1770 - 1816), André da Silva Gomes (1752 - 1844) e Marcos Portugal (1762 - 1830); e brasileiros como Luiz Álvares Pinto (1719 - 1789) e José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). O objetivo desta pesquisa é demonstrar a evolução desta forma musical no repertório luso-brasileiro dos séculos XVIII e XIX. Para isso, além de serem analisadas uma série de vinte e cinco obras compostas pelos músicos acima mencionados, também foram estudados nove tratados musicais dos seguintes autores: Friedrich Wilhelm Marpurg (1718 - 1795), Giambattista Martini (1706 - 1784), Francisco Ignacio Solano (1720 - 1800), Johann Georg Albrechtsberger (1735 - 1809), Angel Moriggi (? - ?), André da Silva Gomes, Antonin Rejcha (1770 - 1783), Luigi Cherubini (1760 - 1842) e Hilarión Eslava (1807 - 1878). Esta forma fugal, presente no repertório luso-brasileiro, de extrema importância para a nossa história musical, permanece, até hoje, pouco conhecida, existindo poucos estudos modernos e até mesmo edições críticas de música portuguesa e brasileira onde ela esteja presente / Abstract: The double fugue was essentially a phenomenon of the 18th to the middle 19th centuries, introduced in Portugal, and consequently in Brazil, since the Italianization of the Portuguese musical culture promoted by Don João V. Double fugues from several Italian composers such as Domenico Scarlatti (1685 - 1757), Giovanni B. Pergolesi (1710 - 1736), David Perez (1711 - 1778), Niccolò Jommelli (1714 - 1774) and Giuseppe Totti (? - 1832), can still be found in Brazilian and Portuguese archives. Also composed double fugues Portuguese musicians like José Joaquim dos Santos (1747 - 1801), João José Baldi (1770 - 1816), André da Silva Gomes (1752 - 1844) and Marcos Portugal (1762 - 1830); and Brazilians like Luiz Álvares Pinto (1719 - 1789) and José Maurício Nunes Garcia (1767 - 1830). The aim of this research is to demonstrate how this musical form evolved in the Portuguese and Brazilian repertoire during the 18th and 19th centuries. For this purpose, besides of analyzing twenty five musical works from the above mentioned composers, nine musical treatises were studied from the following authors: Friedrich Wilhelm Marpurg (1718 - 1795), Giambattista Martini (1706 - 1784), Francisco Ignacio Solano (1720 - 1800), Johann Georg Albrechtsberger (1735 - 1809), Angel Moriggi (? - ?), André da Silva Gomes, Antonin Rejcha (1770 - 1783), Luigi Cherubini (1760 - 1842) and Hilarión Eslava (1807 - 1878). This musical form, found in the Portuguese and Brazilian repertoire, of extreme importance for our musical culture, remains, even now, little known, existing just a few modern studies and critical editions of Portuguese and Brazilian music where it can be found / Mestre

Orientador: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Gisela Pupo Nogueira / Banca: Orlando M. M. Mancini / Banca: Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles / Banca: Sidney Molina / Resumo: O objetivo deste trabalho é levantar as questões relevantes para a reconstrução das partes perdidas pertencentes ao repertório pré tonal, com destaque ao período entre o final do renascimento e início do barroco, a chamada seconda prattica. Para isso, iniciamos com um levantamento teórico dos elementos musicais da prima e da seconda prattica. Como representante da seconda prattica ou maneirismo, escolhemos o compositor e príncipe italiano Don Carlo Gesualdo de Venosa. Estudando a obra deste compositor, verificamos que as duas práticas conviveram não apenas na mesma época, mas também em obras do mesmo autor. Gesualdo possui em sua obra seis livros de madrigais, um livro inteiro de motetos com partes pedidas, as Sacrae Cantiones a seis e sete vozes e outro também chamado de Sacrae Cantiones a cinco vozes, este completo, além das Responsoria, Psalmi della Compiete e o Miserere e o Benedictus. Seu uso de elementos da seconda prattica aumenta a cada livro de madrigais e é grande também nas Responsoriae. Mas suas Sacrae Cantiones mantém o tratamento musical da prima prattica. A título de ilustração reconstruímos um desses motetos, Da Pacem / Abstract: The objective of the present work is to identify the relevant question on the issue of reconstruction of missing parts in the pre-tonal repertoire. A special emphasis will be given to the period between the end of Renaissance and the beginning of the Baroque, period known as "seconda prattica". A theoretical identification of the musical elements of the prima and seconda prattica will be conducted. As a representative of the "seconda prattica" or maneirism the Italian composer and prince Don Carlo Gesualdo de Venosa was chosen. By analyzing his works, we can conclude that both practices coexisted not only at the same time but also in the works of the same author. Among Gesualdo works, we find six books of Madrigals, the Sacrae Cantiones a five voices (complete), the Sacrae Cantiones a six and seven voices, the Responsoria and Miserere and Benedictus. We observe that his use of "seconda prattica" becomes more pronounced at each subsequent book of madrigals and the practice is also widely used in the Responsoria. However, his Sacrae Cantiones are done using the style of "prima prattica". As an exemle of the methods herein discussed, we rebuild one of his motets, Da Pacem / Doutor

Orientador: Giacomo Bartoloni / Banca: Márcia Guimarães / Banca: Sidney josé Molina Junior / Resumo: Esta dissertação tem como foco a Guitarra Clássico-Romântica, antecessora direta do violão moderno. Procuramos verificar, através de uma pesquisa de cunho bibliográfico, o processo de surgimento e as progressivas transformações pelas quais passou este instrumento. Para tanto, valemo-nos da metodologia de pesquisa histórica proposta pela historiografia francesa, em particular, a História das Mentalidades. Iniciamos este trabalho com um levantamento das questões significativas para os indivíduos europeus no período entre a Revolução Francesa e a primeira grande guerra. Mais especificamente, a primeira parte deste trabalho visa a compreensão das fronteiras entre o público e o privado, e do processo de formação do indivíduo como ator social. A segunda parte da pesquisa é dedicada aos processos de confecção da Guitarra Clássico-Romântica, às personagens envolvidas com este instrumento, e, fundamentalmente, aos Métodos escritos para ele. Através da avaliação dos Métodos, procuramos compreender as idéias que permeavam a composição e a execução para Guitarra no século XIX. A terceira parte tem caráter reflexivo, e avalia o ocaso da produção de Métodos a partir do século XX, o advento da "técnica estendida", bem como se propõe a refletir sobre a etimologia dos termos "técnica", "escola" e "tradição". Esta pesquisa justifica-se pela necessidade de constituição histórica do instrumento mais numerosamente encontrado nas Américas, bem como pela possibilidade de compreensão dos mecanismos sociais através dos quais um instrumento, um instrumentista ou um Método perdura, tornando-se parte da História. Não obstante, esta pesquisa estende-se ao âmbito da musicologia histórica, uma vez que, para o concerto de defesa, executaremos peças do repertório novecentista com uma réplica da Guitarra Clássico-Romântica / Abstract: This dissertation has the Classic Romantic Guitar as a theme. This instrument is the immediate antecedent of the modern guitar. Our aim is to verify, through a bibliographic research, the process of birth and transformations suffered by this instrument. Therefore, we adopted a methodological background from the French historiography, called History of Mentalities. The present research starts gathering the most meaningful questions for a nineteenth century persona, more precisely in the period between the French Revolution and the First World War. Thus, the first part of this essay seeks to comprehend questions like the frontiers between the public and the private aspects of live, and the perception of an individual as a social actor. In the next moment, we quest to unravel the procedures of construction of the Classic Romantic Guitar, as well as identify the people involved, and most closely, the Methods written for this instrument. Through the evaluation of these Methods, we look for understanding on the ideas that guided the composition and the guitar performance during the nineties. The final part of the essay is more reflexive, and analyses the desertion of the publications of Methods from the twentieth century, the creation of the "extended technique", and reflects about the terms "school", "technique" and "tradition". This research is justified by the necessity of a historical establishment for the most frequently found instrument in all Americas, and by the possibility to comprehend the means through which an instrument, a performer or a Method resists to time, and become part of History. Finally, this research extends itself to the field of historical musicology, since the last concert presented as part of this Masters will be performed on a replica of a classical-romantic guitar / Mestre

Orientador: Gisela Gomes Pupo Nogueira / Coorientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Herom Vargas / Banca: Ricardo Lobo Kubala / Resumo: O presente trabalho disserta sobre hibridismos em música, sobretudo na obra violonística do cubano Leo Brouwer. Foi feita uma discussão de caráter geral sobre os diversos usos de hibridismos presentes em algumas músicas de compositores latinoamericanos. Para tanto foram abordados alguns autores dos chamados estudos culturais, por tratarem especificamente desse tema, ainda que usem outros termos ou palavras. Com isso pretende-se dar aos intérpretes de violão subsídios baseados na diversidade cultural, trazendo a interpretação como um campo de possibilidades. Por fim, a pesquisa apresentou elementos diversificados presentes na música de Brouwer, o que a caracteriza como uma prática híbrida / Abstract: This dissertation is about hybridity in music, focusing on the work of the Cuban guitarist Leo Brouwer. The various ways hybridity is present in some songs of Latin American composers were discussed here. Therefore, some authors from what is called cultural studies were addressed, by specifically refer to this topic, albeit using other terms or words. This is intended to provide subsidies to guitar interpreters based on cultural diversity, bringing interpretation as a field of possibilities. Lastly, the research presented several elements found in Brouwer's music that characterizes it as a hybrid practice / Mestre