L’anxiété de performance musicale (APM) est un phénomène fort répandu chez les musiciens. En effet, 40 % d’entre eux seraient touchés par ce problème, dont 15 % à 25 % de façon encore plus marquée (Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Bien que l’exposition virtuelle compte parmi les traitements visant à atténuer les effets négatifs des troubles anxieux (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008), cette forme de traitement n’a fait l’objet que de rares études en ce qui a trait à l’APM. Cette recherche doctorale vise à atténuer ce manque. Le premier objectif de la thèse est d’analyser l’évolution de l’APM et de la qualité de la prestation au cours d’un entraînement virtuel. Le second objectif est d’évaluer les effets d’une exposition virtuelle sur l’APM et sur la qualité de la prestation des participants en situation réelle de concert. Dix-sept guitaristes et pianistes ont pris part à l’étude. Les participants ont été pairés selon leur niveau d’anxiété et selon leur instrument, puis distribués aléatoirement dans le groupe expérimental (n = 9) ou dans le groupe contrôle (n = 8). Au prétest et au posttest, les participants ont été invités à jouer une pièce de mémoire lors d’un récital public. Par la suite, leur niveau d’APM a été mesuré. La qualité de la prestation musicale a été évaluée par deux juges experts. Entre le prétest et le posttest, les participants du groupe expérimental ont réalisé un entraînement virtuel de six rencontres d’une heure. Les analyses statistiques ayant trait à l’entraînement virtuel indiquent une diminution significative de l’APM d’une rencontre à l’autre, ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation à l’intérieur des rencontres. Entre le prétest et le posttest, nous observons une diminution significative du niveau d’anxiété chez les participants ayant un haut niveau d’anxiété-trait et chez ceux ayant un haut niveau d’anxiété situationnelle au prétest. Une diminution significative du niveau d’anxiété chez les femmes du groupe expérimental ainsi qu’une augmentation significative de la qualité de la prestation entre le prétest et le posttest pour les participants du groupe expérimental ont également été observées. / Music performance anxiety affects numerous musicians and many of them report impairment of their performance due to this problem(Fishbein, Middlestadt, Ottati, Strauss et Ellis, 1988). Virtual reality exposure is increasing as a mode of treatment of anxiety disorders (Olatunji, Cisler et Deacon, 2010; Powers & Emmelkamp, 2008).This doctoral thesis examined a virtual reality exposure training program conceived for the treatment of music performance anxiety. The first objective of this thesis is to analyze the evolution of music performance anxiety and the quality of performance during the virtual training program. The second objective is to estimate the effects of virtual exposure on music performance anxiety and on the quality of the performance of participants during in vivo performance. Seventeen music students were paired and randomly assigned to a control group (n = 8) or to a virtual training group (n = 9). Participants were asked to play a musical piece by memory during two public recitals at three week intervals. Their anxiety was then measured using the Personal Report of Confidence as a Performer scale (PRCP), the S-Anxiety scale from the State-Trait Anxiety Inventory (STAI-Y), the Subjective Units of Distress Scale (SUDS), and by measuring pulse rate. The virtual reality exposure training consisted of six one-hour long sessions of virtual exposure. Findings concerning the virtual reality exposure training indicate a significant decrease of performance anxiety between sessions. The results also indicate a significant increase of performance quality during virtual reality training sessions. Results of the pre- and post-test indicate a significant decrease in performance anxiety for the following participants: (a) musicians in treatment group with a high level of situational anxiety (S-Anxiety), (b) musicians with a high level of trait anxiety (T-Anxiety), (c) for women musicians and (d) for musicians with high immersive tendencies (ITQ). Finally, we observed a significant increase of quality of performance for the experimental group, but not for the control group between pre- and post-test.

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale. / The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Le présent mémoire traite principalement de l'association du hatun charango – un instrument de ma création appartenant à la famille du charango andin – à des formations instrumentales occidentales (musique de chambre et d’orchestre). La conception de ces œuvres a engendré une réflexion sur l’importance, dans mon travail artistique, des relations entre la culture de tradition orale – ici, la culture andine – et la culture de tradition écrite – la culture occidentale en général –, et tout particulièrement dans le domaine musical. Ces enjeux sont ici abordés selon une réflexion personnelle liée à ma pratique artistique de création musicale. Ce mémoire est donc le reflet de certains aspects importants de mon travail de création pour les trois œuvres à l’étude. Ces œuvres sont : 1°) Yampayec pour hatun charango et quatuor à cordes 2°) Chavin pour flûte, clarinette, 2 percussionnistes, hatun charango, piano, violon et violoncelle 3°) Khipufonía pour hatun charango, quenacho et orchestre

Le metal extrême, tiré du heavy metal, demeure souvent pointé du doigt en raison de la musique et des sujets transgressifs le caractérisant et qui, a priori, ne communiquent qu’une violence décousue. Or, ces dernières années, plusieurs musicologues se sont intéressés au potentiel de la narratologie pour l’analyse de la musique populaire; la chanson est alors considérée comme un véritable récit, où les musiciens transmettent leur propre vision du monde. Dans ce mémoire, je propose donc une analyse musicologique et narratologique de quatre chansons dites transgressives tirées du metal extrême, soit « Mad Architect » (Septicflesh), « Her Ghost in the Fog » (Cradle of Filth), « When the Joyful Dead are Dancing » (Unexpect) et « Puritania » (Dimmu Borgir). Ces analyses permettront donc de mieux comprendre la structure narrative et musicale interne, ainsi que les différents codes esthétiques régissant ce répertoire. / Extreme metal, derived from heavy metal, remains often singled out because of the music and subjects viewed as transgressive and which, a priori, communicate a disjointed violence. However, in recent years, several musicologists have been interested in the potiential of narratology for the analysis of popular music; the song is then considered as a true narrative, where musicians communicate their own conception of the world. In this thesis, I propose to perform a musicological and narratological analysis of four songs known as transgressive and derived from extreme metal, namely “Mad Architect” (Septicflesh), “Her Ghost in the Fog” (Cradle of Filth) “When the Joyful Dead are Dancing” (Unexpect) and “Puritania” (Dimmu Borgir). These analyses will enable a better understanding of the internal musical structure and narrative, and the different aesthetic codes governing this repertoire.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014. / Mon mémoire de maîtrise porte sur la gestion du timbre comme genèse à la composition de trois œuvres originales : 1) Halocline – 11’45’’ – pour flûte, clarinette, percussions, violon, alto et violoncelle; 2) Le mot juste – 9’30’’ – pour orchestre symphonique; 3) Profondeurs de champ – 16’30’’ – pour orchestre de chambre. Après la présentation de mes préoccupations artistiques, des origines et objectifs de mon travail de création, j’expose l’ensemble de mes recherches préliminaires. Finalement, les œuvres sont sommairement analysées de manière à mettre en lumière des modes de gestion du timbre ayant menés à la composition des œuvres. Ceux-ci tirent leurs origines de réflexions sur des concepts génériques du timbre. 1) Halocline : combinaisons de timbres – l’orchestration traditionnelle; 2) Le mot juste : emprunt de la structure du syntagme « le mot juste » pour la gestion du timbre – la phonétique; 3) Profondeurs de champ : catégorisation de timbres – les techniques instrumentales avancées.