Selon l'acception générale, le danseur est un artiste mais en réalité, son œuvre est le plus souvent assimilée à celle du chorégraphe et son corps, généralement réduit au statut d'instrument. Le danseur a lui-même de la difficulté à parler de ses interprétations et se considère souvent comme un outil. La présente étude s'est donc attachée à mieux saisir ce que le danseur, à la fois outil du chorégraphe mais d'abord artiste à part entière, crée, quelle œuvre résulte de son travail créatif. Ainsi, l'interprétation a été abordée dès le départ comme une œuvre à construire. Cette recherche qualitative se veut d'inspiration constructiviste et phénoménologique. Elle s'appuie sur mon expérience personnelle de la reprise de Soft Wear, une chorégraphie solo de Meg Stuart. Cette étude est une conduite autopoïétique dans la mesure où elle s'articule à ma propre pratique artistique. Le cadre théorique circonscrit les concepts de partageabilité à travers l'intercorporalité (Deschamps, 1995) et l'effet de transport (Godard, 2008), d'œuvre d'art, d'œuvre d'interprétation, de création en tant que type de rapport et de présence au monde (Deschamps, 2002), d'états de corps (Stuart, 2010a; Guisgand, 2004) et enfin, de pluralité opérale de l'œuvre chorégraphique (Pouillaude, 2009). L'analyse des données a été réalisée suivant la méthode par théorisation ancrée telle que définie par Paillé (1994). Les résultats de l'étude ont permis de mettre en lumière la consubstantialité immanente des œuvres chorégraphiques. Aussi, il est apparu que le danseur crée effectivement dans l'espace de l'œuvre chorégraphique et que son œuvre est multiple. Au moment de la recherche chorégraphique se trouve l'œuvre échappée, au moment de l'écriture chorégraphique l'œuvre du danseur devient substance et au moment de la reprise, apparaît l'œuvre de sensation. Enfin, cette étude a permis de réaffirmer la possibilité pour le danseur de prendre position au sein des œuvres, lui-même portant la responsabilité de sa création dans l'espace consubstantiel du chorégraphique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse contemporaine, interprétation, création, danseur, œuvre, état de corps, consubstantialité.

La présente recherche a le double but d'identifier les représentations de la santé d'étudiants en formation au baccalauréat en danse contemporaine de l'Université du Québec à Montréal, ainsi que leurs rapports au corps, en lien avec leurs pratiques de danse. Ces deux objectifs ont été poursuivis lors de deux études complémentaires nourries de trois collectes de données réalisées sur trois ans, avec l'appui de l'approche sociologique proposée par Bourdieu. La première étude vise à faire un constat au niveau des représentations de la santé des participants avant et après leur formation universitaire, et à observer si le processus de socialisation vécu lors de leur formation a orienté ou transformé ces représentations. Pour ce faire, des entrevues semi-structurées ont été réalisées auprès de quinze participants nouvellement admis au programme, avant leur entrée, de même qu'avec cinq de ceux-ci, à la fin de leur troisième année de baccalauréat. Les données ont été analysées de façon inductive, en s'inspirant des principes de Paillé (1996), qui propose une adaptation de la théorisation ancrée. Les résultats de cette étude démontrent que les participants adhèrent aux discours dominants sur la santé en nommant les habitudes de vie comme première représentation de la santé. À la fin de leur formation, la présente étude révèle que les étudiants préprofessionnels ont tendance à adopter des représentations de la santé se rapprochant de celles des danseurs professionnels contemporains de l'étude de Trudelle (2006), qui nomment la fonctionnalité comme principale représentation de la santé, c'est-à-dire le fait d'être fonctionnel dans leur métier. Pour les besoins de la deuxième étude, une recherche-action comportant à la fois une pratique d'éducation somatique et des présentations théoriques, a été menée auprès de vingt-quatre étudiants en deuxième année du baccalauréat de danse contemporaine, afin de connaître leurs types de rapports au corps, mais aussi de les confronter à d'autres possibilités de choix et de comportement pouvant potentiellement ébranler ou réaffirmer leur adhésion à l'habitus de danse. L'analyse montre que les étudiants préprofessionnels en danse contemporaine expriment différents types de rapports au corps, soit les rapports au corps critique, fonctionnel, performant, productif, réflexif et hédoniste. Si les quatre premiers réfèrent à une vision du corps instrumentalisée, les deux derniers se rapportent plutôt à un usage du corps comme une fin en soi. Les particularités au niveau des représentations de la santé, de même que les rapports au corps des participants à la recherche, suggèrent certaines logiques sociales en œuvre dans le milieu de la danse contemporaine préprofessionnelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : représentations de la santé, rapport au corps, danse contemporaine, habitus

La présente recherche-création tend à mettre en évidence les raisons pour lesquelles il est difficile, dans un contexte de danse in situ, de produire, développer, créer, inventer un dispositif différent de celui que nous connaissons dans les théâtres, c'est-à-dire un dispositif qui ne soit plus construit à partir de la frontalité et des codes esthétiques qui en découlent. Cette intention de remodeler l'espace du théâtre a pour but d'établir une relation entre l'espace de réception et l'espace de représentation qui sorte le public et les danseurs de leurs modèles respectifs. En ayant supposé automatique et systématique cette rencontre, sont survenus lors d'expériences antérieures - et en particulier au cours de la performance Maison à habiter (Paris, octobre 2006) - de nombreux obstacles qui ont constitué la base de ma démarche dans cette recherche-création. Quelles sont les attentes des danseurs et du public vis-à-vis du spectacle de danse contemporaine? Du point de vue du public, que symbolise l'entrée dans un théâtre? Du point de vue des danseurs, que symbolise sur une scène l'acte dansé? Je ne pouvais entamer un nouveau processus de création sans me poser d'abord certaines questions fondamentales liées à la manière dont nous créons et regardons de la danse contemporaine, tout comme la manière dont nous envisageons notre rapport à l'art et à l'art contemporain. Ainsi, il m'a semblé indispensable de mieux cerner la manière dont se sont construits l'espace de réception et l'espace de représentation au cours des siècles, du moins d'en identifier certains de leurs bouleversements esthétiques et éthiques. En me basant à mon tour sur un certain nombre de codes liés à la représentation, j'ai pu envisager l'élaboration de Danse à tous les étages. À la manière de Michel de Certeau qui trouve dans le quotidien des stratagèmes pour le détourner, je trouve à travers ce que me donnent Merce Cunningham, la danse postmoderne, la danse-théâtre et les danses performatives, le moyen de détourner, et non pas de nier, certains aspects de la création chorégraphique contemporaine. Et ce, au travers d'un dispositif (la fenêtre) qui ôte à la forme frontale du théâtre la dominance de plusieurs de ses principes parmi lesquels : l'illusion, l'artifice, la fiction, jusqu'à remettre en question la posture même du spectateur et, du même coup, celle du danseur. Lors du processus analysé sous la forme de quatre études chorégraphiques in situ, s'est justement construite autrement la relation entre danseuses et public. Basé sur les difficultés précédemment rencontrées lors de Maison à habiter, chaque dispositif d'étude a été pensé à partir des différents appartements investis. En effet, c'est avant tout en fonction du site et à partir d'une façon très spécifique d'envisager la création chorégraphique in situ que j'ai élaboré les quatre études chorégraphiques en vue de créer la performance Danse à tous les étages. À différents moments du processus sont apparus de façon inopinée trois concepts fondamentaux : le seuil, l'hétérotopie et l'indécidable. Cet appareillage conceptuel de Danse à tous les étages, a constitué l'essence du dispositif me permettant de concevoir une relation d'interaction entre les danseuses et le public. Une relation qui, au terme du processus et de l'analyse que j'en ai fait, est apparue égalitaire, sous la forme d'un équilibre partagé, et s'est présentée comme une rencontre réelle et non fictive entre individus. ______________________________________________________________________________

Texte remanié de: Dissertation--Philosophische Fakultät--Bonn--Rheinische Friedrich-Wilhelm-Universität, 2003. / Bibliogr. p. 495-546.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Langue française--Paris 4, 2003. Titre de soutenance : Le tropisme de Jérusalem dans la prose et la poésie du XIIe au XIVe siècle : étude d'une rhétorique de la croisade. / Bibliogr. p. 563-589. Index.

Texte remanié de: Dissertation--Würzburg, 2001. / Bibliogr. p. 755-814.

Texte remanié de: Tesi dott.--Filologia mediolatina--Università degli Studi di Firenze. / Bibliogr. p. 387-458. Index.

Th. Etat--Musicologie--Tours--Univ. François-Rabelais, 2000. / Texte des motets en latin. Bibliogr. p. 582-608. Index.

Texte remanié de: Dissertation--Fachbereich Kultur- und Sozialwissenschaften--Hagen--FernUniversität, 2003. Titre de soutenance : Gesta, Fama, Scripta : Studien zu Wundern und Wundersammlungen des Hochmittelalters aus der Kölner Erzdiözese. / Bibliogr. p. 441-470.

Texte remanié de: Dissertation--Berlin--Technische Hochschule, 2000. / Bibliogr. p. 347-360.