Orientador: Edson Zampronha / Resumo: Em meio à diversidade musical surgida ao longo do século XX, muitos campos de estudo permanecem inexplorados. Nosso trabalho objetiva contribuir para uma visão mais abrangente sobre a organização do discurso musical em uma parte desse repertório, mais especificamente àquele pertecente às duas últimas décadas do século XX. Nosso objetivo é a observação e comparação das formas de organização do discurso musical presentes em algumas obras desse repertório, buscando delinear as características discursivas desse período. / Abstract: Among the musical diversity that emerged in the twentieth century, many fields of study remain unexplored. Our work aims to contribute to a more wide-ranging vision abour the organization of the musical discourse in part of this repertoire, more specifically the one belonging to the last two decades century. Our objective is the observation and comparison to the forms of organization of the musical discourse found in some works of this repertoire, searching for a delineration of the discoursive characteristics of this period. / Mestre

Orientador: Mauro de Souza Ventura / Banca: Adenil Alfeu Domingos / Banca: José Eugenio de Oliveira Menezes / Resumo: Com as novas tecnologias, surgem campos inéditos de consagração artística. Na Internet, o site MySpace é utilizado como uma rede social cujo diferencial está na interatividade proporcionada entre artistas (consagrados e independentes) e usuários não artistas. O site, que é objeto de estudo desta pesquisa, tem revelado novos talentos a partir da popularidade obtida por eles junto aos internautas. Utilizando como base metodológica os estudos de Featherstone (1995), Jenkins (2008) e Hardt e Negri (2010) em torno de conceitos como novo papel dos intermediários culturais, cultura de convergência, trabalho imaterial e afetivo, e complementando-os com estudos situados no âmbito da etnografia virtual, são apresentados dados que identificam como os usuários do MySpace se utilizam de ferramentas disponíveis para se transformarem em verdadeiros agentes culturais. Para observar como acontece a comunicação dentro desse novo campo, o da música digital na Internet, mais especificamente dentro do site MySpace, foram escolhidos os perfis da cantora Mallu Magalhães e da banda Restart, dois casos emblemáticos de artistas que conseguiram alcançar visibilidade não só na rede mundial de computadores, mas também fora dela / Abstract: With new technologies, there are fields of unprecedented artistic consagration. On the Internet, MySpace is used as a social network whose differential is the interactivity between artists-users (established and independent) and non-artists-users. The site, Which is the subject of this research, has revealed new talents from the popularity obtained by them from the Internet. Using the studies as a methodological basis of Featherstone (1195), Jenkis (2008) and Hardt and Negri (2010) about concepts such the new role of cultural intermediaries, converge culture, affective and immaterial labor, and complemented with studies located within the virtual ethnography, data are presented that identify how the MySpace users use available tools to turn themselves into cultural agents. To see how the communication takes place within this new field, the digital music on the Internet, more specifically within the MySpace site, were chosen the profiles of the singer Mallu Magalhães and the band Restart, two emblematic cases of artistis who have achieved visibility not only in World Wide Web, but also beyond it / Mestre

Orientador: Dorotéa Machado Kerr / Resumo: Com esse trabalho busca-se compreender o processo de integração da música popular urbana à música de concerto representada pelos pianeiros que surgiram no Brasil a partir da segunda metade do século XIX. Os pianeiros foram representantes de uma nova geração de pianistas que se profissionalizaram e se desenvolveram para atender às necessidades de entretenimento das diversas classses sociais da época em detrimento de um efetivo crescimento econômico e urbano. Além de pianistas profissionais, foram também responsáveis pelo desenvolvimento de elementos fundamentais para uma nova concepção de música popular urbana, participando da formação e fixação dos gêneros musicais populares da época e incorporando-os ao piano. A abordagem desse processo estabeleceu-se, tendo como pano de fundo, a dicotomia cultura popular-cultura de elite que é analisada sob a ótica da circularidade de Baktin e seu conceito de dialogismo e polifonia. O problema é, então, estruturado em um pensamento que não propõe a exaltação ou domínio de uma cultura sobre a outra, mas um processo de reciprocidade e circularidade, no qual dialogam diferentes vozes que constituem o dircurso polifônico. Assim, diante desse processo de integração de culturas, o pianeiro assume o papel de intermediário cultural ou seja, passa s ser um elo de ligação entre a música erudita e a música popular, ampliando os conceitos e influenciando a cultura e a sociedade da época, tendo em vista que, até então, o piano pertencia exclusivamente à musica erudita restrita às camadas da elite. / Abstract: The aim of this work is to understand the process of integration between the urban popular music and the concert music represented by the pianeiros that have emerged in Brazil since the second half of the 19th century. The pianeiros represented a new pianists generation that have professionalized and improved themselves in order to chieve the entertainment needs of the different social classes of that period that were exclused of the real economic and social growth. Besides being professional pianists, they were also responsible for developing the crucial elements of a new concept of urban popular music, taking part in forming and settling the popular music kinds of their yers and taking these ones to be played on the piano. The apporach of that process had as backgound the tichotomy between popular culture and elite culture, which will be unterstood using Bakhtin's idea of the "optics of ciecularity" and the concepts of dialogism and polyphony that it brings. Then, research question is structured in a line of thought that does not see superiority or mominancy of any culture above other cultures, but in the other hand proposes a process of reciproity and circularity in which dialog is held by the different voices that constitute the polyphonic discourse. Though this integration of cultures, the pianeiro played the role of cultural intermediate, acting as a link between classical and popular music and then changing musical concepts and influencing their own cultures and societies in a moment that piano belonged exclusively to the classical music restricted to the social elites. / Mestre

Orientador: Marisa T. de Oliveira Fonterrada / Banca: Mauro Muszkat / Banca: Luiza Helena S. Christov / Resumo: Este trabalho se constitui de uma pesquisa acerca do ensino e da prática pianística, focando, especialmente, a corporalidade gestual implicada no fazer musical, que se investiga na sua complexidade em contraposição às formas do ensino tradicional do piano, ensino este que se constituiu a partir de parâmetros mecaniscistas, em uma abordagem da execução musical dentro de uma concepção técnica profissionalizante, desenvolvida, sobretudo, nos conservatórios, desde de sua criação, e tendo como objetivo a formação instrumentistas virtuoses. A compreensão do gesto musical, em sua multidimensionalidade, é buscada através de uma metodologia interdisciplinar, localizada e fundamentada na espistemologia, ciência a partir da qual se situa o objeto desta pesquisa entre as atividades cognitivas relativas ao conhecimento musical. Desta forma, o trabalho referencia o gesto musical primeiramente na unidade complexa do índividuo e sua expressão, da qual parte o conhecimento. A unidade do sujeito é investigada sob diferentes ângulos, quais sejam, na integridade e intereção de suas funções cognitivas, de suas funções emocionais e psíquicas e de suas funções corporais, e, em especial, em relação à música, tomada como expressão completa e integrada deste indivíduo multideterminado. Situada a concepçao unitária de complexidade do conhecimento e do seu sujeito, e localizando as questões que surgem na abordagem tecnicista, este estudo destaca a presença e a expressão das funções humanas no corpo do índividuo, mostrando na prória corporeidade do sujeito a interação de todas as suas instâncias. Revela-se o corpo como protagonista natural, tanto nas funções psíquicas, quanto intelectuais, constituinte das emoções bem como parâmetro e fundamento das ações cognitivas... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This essay consists of a research involving the teachings and practice of the piano, especialy the corporal gestures involved in the making of music, which is investigated in is's complexity oposed to the forms of traditional teachings of the piano, teachings that consist of mechanical parameters, in a aproach of the musical execution within a tecnical conception, professionalizing, developed, overall, in conservatories, since its creation, and having in mind the formation of virtuous instrumentalists. A comprehention of the musical gesture, in its multidimensionality, is achieved throug a interdisciplinary methodology, located and fundamented en epistemology, a since in which the object of this research, among cognitive activities related to musical knowledge. The essay makes reference to the musical gesture primarily in the complex unit of the individual and his expression, of which knowledge is part. The unit of the subject is investigated from many points of wiew, wichever they are, in the integrity and interaction of his cognitive functions, of his emotional and psycological functions, and of his body functions, and specialy related to music, taken as a complex expression and incorporated in this multi-determined individual. Placed in a unitarian and systemic conception of the complexity of the knowledge and of its subject, and locating the matters that arise in the technicists aproach, this study highlights the presence and the expression of the human functions in the individual's body, showing in its own body interaction in every instance. The body reveals itself as the main attraction naturaly, in psycological functions, and intelectual as well, container of emotionsas well as a parameter and basis... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Prof. Dr. Paulo Augusto Castagna / Banca: Profa. Dra. Raquel Glezer / Banca: Prof. Dr. José Leonardo do Nascimento / Resumo: Este trabalho tem como objeto seis missas compostas por Furio Franceschini (1880-1976), compositor, regente e organista que atuou como mestre-de-capela na Sé de São Paulo por aproximadamente sessenta anos contados a partir de 1908. Seu objetivo é investigar possíveis significados às opções de Franceschini na composição das missas. Tais significados serão investigados levando em consideração o posicionamento estético do compositor, o período em que as obras foram escritas, a legislação eclesiástica sobre a música sacra e a prática musical litúrgica do período. Questiona-se também no que o conhecimento adquirido nesta pesquisa pode ajudar na compreensão da música litúrgica do presente. A busca pelos significados se deu com o auxílio dos seguintes conceitos explicadores: a teoria dos sistemas autopoiéticos de Niklas Luhmann e as noções de tradição inventada e mito de origem, ambos oriundos da História. O primeiro capítulo traz uma rápida biografia do compositor, seu posicionamento sobre questões artísticas de seu tempo e sobre técnicas de composição. O capítulo seguinte é dedicado à compreensão dos movimentos de restauração musical - Cecilianismo - e institucional - Ultramontanismo - que aconteceram na Igreja Católica Romana, no século XIX. Passa-se, então, ao passado considerado ideal, em termos de música, a polifonia de Palestrina, para então se chegar, no quarto capítulo, ao estudo do Motu Proprio (1903), que determinava este gênero musical e o canto gregoriano como modelos de música sacra. Por fim, são estudas as principais características das missas para que se possa responder às questões centrais formuladas neste trabalho. / Abstract: This paper has as goal six masses composed by Furio Franceschini (1880-1976), composer, conductor and organist who acted as chapel master at Sé in São Paulo for approximately sixty years having started in 1908. Its goal is to investigated possible meanings to the options of Franceschini in the composition of masses. Such meanings shall be investigated taking in consideration the esthetic positioning of the composer, the period in which the songs were written, the ecclesiastic legislation on sacred music and liturgical music practice at the time. It is also questioned in what way the knowledge acquired in this research can help understand liturgical music of the present. The search for significance happened with the help of the following explainers: the autopoietic systems theory of Niklas Luhmann and the notions of invented traditions and myth of origin, both coming from History. The first chapter brings a quick biography of the composer, his opinion about artistic matters of his time and about composing techniques. The following chapter is dedicated to the understanding of musical restoration movements - Cecilian Movement - and institutional - Ultramontanism - that took place in the Roman Catholic Church in the 19th century. It then goes on to the past considered ideal, in musical terms, the polyphony of Palestrina, to finally arrive at chapter four, at the study of Motu Proprio(1903), which determined this musical genre and the Gregorian chant as models of sacred music. Finally the main characteristics of the masses are studied to be able to answer the central questions formulated in this paper. / Mestre

Orientador: Florivaldo Menezes Filho / Resumo: O presente trabalho de pesquisa teve como objetivo fornecer subsídios para o melhor entendimento do pensamento melódico na música contemporânea. Por meio da análise descritiva e comparativa da estruturação melódica de quatro importantes peças do repertório pós-1945, verificou-se a hipótese de que elas preservam caracteríticas de épocas anteriores, assim como apresentam semelhanças entre si, o que permite que sejam relacionadas estilisticamente. As peças escolhids foram: Madrigal I, de Henri Pousseur; In Freundschaft, de Karlheinz Stockhausen; Sequenza IXa, de Luciano Berio; e Dialogue de l'ombre double, de Pierre Boulez. Elas foram escolhidas pela sua relevância no repertório e pelo fato de terem sido compostas para instrumento monódico solo, formação que força o discurso musical a se focar em aspectos melódicos. Os métodos analíticos aqui presentes baseiam-se principalmente em modelos propostos por Schoenberg (1996), Toch(1994) e De la Motte (1993). Os resultados das análises demonstraram que grande parte da construção melódica das peças analisadas é composta por estruturas e procedimentos que já se faziam presentes no repertório tradicional modal ou tonal. Ao mesmo tempo, os resultados destacam contribuições criativas enriquecedoras por parte dos compositores na utilização destes mesmos procedimentos e estruturas. / Abstract: The presente reseach aimed the better understanding of the melodic thinking in contemporary music. Through desciptive and comparative analysis of the melodic structure of four important plays of the post-1945 repertoire, it was verified the hypothesis that they preserve the characteristics of previous periods, as well as present similarities among each other, wich allows them to be styliscally related. The chosen works were: Madrigal I, of Henri Pousseur; In Freundschaft, of Karlheinz Stockhausen; Sequenza IXa, of Luciano Berio; and Dialogue de l'ombre double, of Pierre Boulez. They were chosen according to their relevance in the repertoire and because they were composed for solo monodic instrument a formation which induces the musical spreech to focus on melodic aspects. The analytical methods here presented are based mainly on propossed by Schoenberg (1996), Toch(1994) and De la Motte (1993). The results of the analysis demonstrated that most of the melodic construction of the pieces mentioned above is formed by structures and procedures that were already present in the traditional modal or tonal repertoire. At the same time, the results highligted enriching creative contributions by the composers in the use of these same procedures and structures. / Mestre

Orientador: Florivaldo Menezes Filho / Banca: Alexandre Roberto Lusqui / Banca: Fernando Henrique de Oliveira Iazzetta / Resumo: Este trabalho visa a investigar e analisar a dimensão temporal do som, tendo como ponto de partida as categorias temporais propostas por Iannis Xenakis: fora-do-tempo, notempo e temporal. Inicialmente, o fenômeno sonoro é analisado dentro de suas três dimensões - altura (freqüência), intensidade (pressão sonora) e tempo (duração) - considerando as pesquisas de Pierre Schaeffer e Abraham Moles. Segue-se a este tema uma análise especifica sobre a dimensão do tempo. A fim de construir uma visão abrangente sobre as acepções deste conceito, propomos uma divisão entre tempo objetivo (visão dos filósofos da Grécia Antiga) e tempo subjetivo (visão de Santo Agostinho e Kant). Ademais, são detalhadas as acepções sobre o tempo propostas por Husserl, Bergson e Bachelard. Sempre que possível, articulamos o pensamento de Xenakis aos conceitos apresentados. A partir deste referencial teórico, realizamos uma análise de três obras de Xenakis: Metastaseis (1953 - 54), Concret PH (1958) e Bohor (1962), retomando as categorias temporais definidas por ele, além de abordar seu método composicional implementado nos anos 1950, a música estocástica. Seu trabalho composicional tem como principais características multidisciplinaridade (sua obra musical abarca conceitos arquitetônicos, filosóficos e científicos) e a indissociação dos conceitos de tempo e espaço, formando um esquema no qual os eventos musicais são justapostos ou sobrepostos. Em anexo a este trabalho, apresentamos quatro composições nas quais o tempo musical foi refletido e trabalhado a partir do referencial teórico adquirido durante esta pesquisa / Abstract: This work intends to investigate and analyze the temporal dimension of the sound, departing from the temporal categories proposed by Iannis Xenakis: outside-time, in-time and temporal. Initially, the sound phenomenon is analyzed in its three dimensions - pitch (frequency), intensity (sound pressure) and time (duration) - considering the investigations of Pierre Schaeffer and Abraham Moles. Following to this topic, a specific analysis of the dimension of time is presented. In order to elaborate a comprehensive view about the meanings of this concept, a division between objective time (ancient Greek philosophers' view) and subjective time (Saint Augustine and Kant's view) is proposed. Moreover, significations of time by Husserl, Bergson and Bachelard are detailed. Whenever possible, Xenakis' thought is linked with the presented ideas. From this theoretical reference, three works of Xenakis are analyzed: Metastaseis (1953 - 54), Concret PH (1958) and Bohor (1962), recovering the temporal categories defined by him, and also addressing his compositional method implemented during the 1950's: stochastic music. His compositional work is characterized by multidisciplinarity (his musical work comprehend architectural, philosophical and scientific concepts) and by the indissociation of time and space concepts, conceiving a model in which musical events are juxtaposed or superposed. Attached to this work, four compositions are presented, in which musical time is thought and manipulated regarding the theoretical references acquired during this research / Mestre

Orientador: Marisa Trench de Oliveira Fonterrada / Resumo: Nesta pesquisa estuda-se o desenvolvimento da habilidade de leitura e escrita musical, a partir dos trabalhos de Emilia Ferreiro e Ana Teberosky, que demonstram a existênciaa de fases conceituais antecessoras á plena compreensão do sistema alfabético. O objetivo da pesquisa foi averiguar a existência de fases semelhantes no processo de aprendizagem da lecto-escrita de música. A metodologia empregada foi a pesquisa participativa, com crianças com idade entre 6 e 7 anos, na qual se utilizou o piano como instrumento principal. O tempo de realização deste estudo não foi suficiente para que se conclua quais são estas fases, mas pode-se afirmar que há diferentes comportamentos psicológicos nas crianças-sujeitos do estudo, observados no processo ao qual foram submetidas. Acredita-se que o trabalho possa contribuir para a Educação Musical, ao revelar hipóteses de leitura e escrita de partituras e, principalmente, para a Pedagogia do Piano, ao demonstrar que alunos iniciantes, mesmo antes de compreenderem plenamente a notação tradicional, pensam acerca de como podem ser os registros gráficos para o instrumento. / Abstract: This research is a study of the development of the ability to read and write musical language. Its is based on the estudies of Emilia Ferreiro and Ana Teberosky which present the different cognitive levels through which a student passes before being able to understand the alphabet system. It investigates if there are similar levels in the process of learning, reading and writting music notation. The method for this research was centered on six and seven year old piano students. The studyþs time period was not enough to name the levels of learning, but it is possible to say that there are psychological behaviors in the children of this study. This work migh contribute to Music Education as it demonstates hypotheses about reading and writing scores and, mainly, because it contributes to Piano Pedagogy demonstrating that beginner piano students think about the piano scores even before they completely understand them. / Mestre

Orientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Gisela Gomes Pupo Nogueira / Banca: Saulo Sandro Alves Dias / Resumo: A presente pesquisa traz um estudo sobre as modas-de-viola, gênero específico da música caipira, buscando a partir de transcrições e análises musicais e textuais, demonstrar algumas características específicas do gênero, revelando suas principais estruturas musicais, seus conteúdos temáticos e sua funcionalidade, que além da transmissão de valores morais, em muitos casos pode ser entendida como expressão poética musical que reflete determinado contexto social, servindo como ferramenta de denúncia e crítica a processos de exclusão e opressão social. A partir de um estudo histórico das narrativas de tradição oral demonstra-se também a recorrência dos temas de algumas modas-de-viola em narrativas que remontam a Idade Média, o Renascimento e transpassam a religiosidade popular brasileira. Como parte complementar à pesquisa discute-se o estigma caipira a partir de uma parcial reconstrução dos processos sócio-culturais e político-ideológicos responsáveis pela sua invenção, cujas conseqüências são as atribuições pejorativas que o termo caipira acarreta historicamente, e que, também na música, foi associado à noção de atraso e pobreza musical / Abstract: The present research brings a study about the modas-de-viola, specific genre of caipira music, searching from transcriptions and musical and literal analysis, to demonstrate some specific characteristics of the genre, revealing its main musical structures, its thematic contents and its funtionality, that beyond the transmission of moral values, in many cases can be understood as musical poetical expression that reflects certain social context, serving as tool of denunciation and criticism to the processes of exclusion and social oppression. From a historical study of the narratives of the oral tradicion it is also demonstrated the recurrence of the subjects of a few of modas-de-viola in narratives that retrace the Average Age, the Renaissance and trespass the Brazilian popular religiousness. As a complementary part to the research, is argued the caipira stigma, from a partial reconstruction of the sociocultural and ideological politician processes, which are responsible for its invention, which has the consequences of the pejorativas attributions that the term caipira causes nowadays, and that, also in music, it was associated with the notion of delay and musical poverty / Mestre

Orientador: Alberto Tsuyoshi Ikeda / Banca: Gisela Gomes Pupo Nogueira / Banca: Renato Braz Oliveira de Seixas / Resumo: A presente dissertação tem como objeto de estudo a música latino-americana que, estando vinculada a preceitos da música européia ocidental, foi inspirada em músicas populares latinoamericanas, o que a caracteriza como música híbrida. Devido à magnitude deste objeto, foi estudado o caso específico do violonista e compositor paraguaio Agustín Barrios (1885-1944), que compôs, para o violão de concerto, peças inspiradas em expressões musicais populares de diversas regiões e países da América Latina. Com o propósito de compreender melhor as características da música popular que estas peças mantêm quando levadas às salas de concerto, foi analisada uma obra dele, Cueca, a partir de um estudo da dança popular na qual foi inspirada. Na dissertação também foi apresentado, por meio de pesquisa bibliográfica, o contexto sóciocultural e histórico em que surgiu esta música híbrida na América Latina, assim como a sua relevância na atualidade. A partir disto foram propostos alguns elementos de reflexão que podem servir nos campos da interpretação, ensino/aprendizagem, composição e pesquisa de músicas híbridas latino-americanas / Abstract: The object of study of this dissertation is the music in Latin America that, being linked to precepts of West European music, was inspired by Latin American popular music, which characterizes it as being hybrid. Due to the magnitude of such object, the specific case of Paraguayan guitarist and composer Agustín Barrios (1885-1944) was studied. Barrios composed, for the concert guitar, works inspired by popular music expressions of many different regions and countries of Latin America. Aiming to better understand the characteristics of the popular music that these pieces keep when taken to the concert halls, a piece by this composer, Cueca, was analyzed. This analysis was based on a study of the popular dance that inspired the work. This dissertation also presents, through a bibliographical research, the social, cultural and historical context in which this hybrid music originated in Latin America, as well as its relevance in the present. Finally, some points of reflection were brought forward, aiming to contribute in the fields of interpretation, teaching/learning, composition and research of Latin American hybrid music / Mestre