Notre mémoire se concentre sur l'illustration de la Bible réalisée par Marc Chagall et commandée par Ambroise Vollard en 1931. Soixante-six eaux-fortes ont été tirées dans les ateliers de Maurice Potin avec sa collaboration, de 1931 à 1939. Trente-neuf autres ont été reprises et terminées dans ces mêmes ateliers avec la collaboration de Raymond Hassen, de 1952 à 1956. L'originalité de ces illustrations tient au fait de leur singularité et redevance à la tradition juive et occidentale. Le cadre de cette recherche se limite à l'étude iconographique et iconologique de ces cent-cinq illustrations. Cet examen ne concentrera toutefois pas uniquement sur les planches individuelles mais s'accomplira dans une lecture d'ensemble, avec l'objectif d'une étude de la continuité évolutive du sens. Le propos est régi par un plan thématique basé sur la chronologie même des histoires telles qu'elles sont coordonnées dans les Saintes Écritures. Trois chapitres examinent ainsi ce projet. Le premier porte sur le thème des fondateurs de la communauté juive. Le second correspond à l'histoire des Juifs nouvellement entrés en terre promise. Le troisième aborde les illustrations relatant la vie et les visions des prophètes.

La Révolution russe permet l'épanouissement d'un milieu artistique expérimental où les artistes intègrent l'art à la politique. Les structures gouvernementales sont radicalement changées et l'institution du Proletkult, enfant de la Révolution et de l'idéologie de la culture prolétarienne, annonce une nouvelle ère démocratique inspirée de la philosophie marxiste. Alexandre Bogdanov propose un mode de vie ouvrier basé sur l'enseignement et la création artistiques. En favorisant l'expression et en valorisant la spécificité de la classe ouvrière, Bogdanov et ses collègues du Proletkult font naître un nouvel art au contenu fortement idéologique et aussi un nouveau type d'artiste engagé. Plusieurs théoriciens et artistes d'avant-garde, qui veulent s'engager dans le mouvement révolutionnaire, notamment les Constructivistes et les Productivistes, participent au développement idéologique et pratique du Proletkult. Ces artistes-intellectuels y voient un lieu favorable à l'éveil d'une vraie conscience de classe du prolétariat ouvrier à travers les possibilités de création et d'invention qu'offre la production culturelle et artistique. En outre, en réfléchissant à la mission de l'artiste et à la définition de l'art, ces théoriciens et artistes se retrouvent intrinsèquement lié à la pensée bogdanovienne.

L'art américain de la deuxième moitié du 20e siècle, en particulier la peinture, a su s'imposer au monde occidental et nous proposer des productions riches de significations. Parmi ces dernières, les oeuvres de Jackson Pollock et de Mark Rothko se classent parmi les plus marquantes. Leurs toiles ont révolutionné le monde de la peinture et ont confronté le regardeur à des modes d'expression novateurs et inédits. L'objet visé par notre recherche consiste à saisir la dimension surtout existentielle des oeuvres des deux peintres étudiés. Nous avons d'abord proposé un cadre de référence nous permettant d'analyser certaines réalisations de Pollock et Rothko, en nous appuyant en particulier sur la pensée existentialiste française et sur celle issue des écrivains américains de la Lost Generation. L'examen des pratiques artistiques des deux peintres américains a été précédé par une analyse sommaire de l'expressionnisme abstrait, courant auquel ils sont rattachés. Une étude des oeuvres retenues a suivi et a abouti à une comparaison permettant de faire ressortir les différences, mais surtout les similarités entre les oeuvres des deux artistes. En conclusion, nous avons tenté de situer le travail des deux artistes en tant que questionnement fondamental sur la condition humaine. L'intérêt d'une telle démarche réside d'une part dans la compréhension de l'expression artistique de ces deux représentants majeurs de l'art américain au 20e siècle et, d'autre part, dans l'interprétation philosophique du "drame humain" incarné par leurs productions.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Le présent mémoire s'intéresse à la problématique du portrait chez l'artiste montréalais Pascal Grandmaison. Autant en photographie qu'en vidéo, Grandmaison renouvelle le genre du portrait en montrant des personnages dont l'identité de même que la raison d'être à l'image demeurent inconnues du spectateur. Ce qui caractérise l'expérience réceptive, qui s'apparente à l'expérience auratique, est un sentiment d'indéterminé. L'analyse des oeuvres comme du discours de l'artiste révèle que la production de portraits de ce dernier présente une perspective sociale. L'indéterminé caractéristique de la réception de l'image répond en effet à la situation sociale actuelle que nous qualifions de postmoderne. Avec la postmodernité, la surconsommation est favorisée. Or, chez Grandmaison, l'expérience réceptive s'oppose à l'attitude du "surconsommateur". Contrairement au "surconsommateur" dont le rapport au monde est dicté par l'industrie marchande, le spectateur est seul face à la définition de sens ne pouvant s'appuyer sur aucun point de référence pour orienter son interprétation.

Notre mémoire propose une analyse des portraits peints par Théophile Hamel. Nous avons choisi d'aborder ces portraits par le biais des notions de ressemblance et de caractère. Après une mise en contexte des oeuvres étudiées, cette étude nous conduit à une réflexion plus large sur les valeurs collectives de la bourgeoisie du Bas-Canada au XIXe siècle, valeurs reflétées dans l'impressionnante galerie de portraits que nous a laissés Hamel. Dans la première partie de ce mémoire, nous faisons appel à la morphopsychologie pour démontrer le talent du peintre à révéler l'intériorité de ses modèles en soulignant certains traits de leurs visages. Le second chapitre identifie les moyens employés par Hamel pour illustrer les valeurs et les sentiments des personnages portraiturés. En présentant le discours engendré par la réception de ses oeuvres dans le troisième chapitre, nous voulons prouver que l'artiste a dépassé le rendu de la ressemblance pour exprimer le caractère de ses modèles. Nous terminons cette recherche par une analyse de l'esthétique du peintre, esthétique mise au service de la biographie visuelle de ses sujets.